Un programa de la Cámara de Comercio de Bogotá
Un programa cultural de:
Un programa de la Cámara de Comercio de Bogotá
Un programa cultural de:
La propuesta de exhibición de Rolf Art revela las posibilidades de interacción e intercambio entre el lenguaje de las artes audiovisuales, tecnológicas y performativas de la mano de cuatro destacados artistas latinoamericanos: José Alejandro Restrepo (1959, Colombia), precursor del video arte y la instalación audiovisual en América Latina; María José Arjona (1973, Colombia), una de las performers contemporáneas más destacadas de Colombia y de la región; Andrés Denegri (1975, Argentina), joven artista visual con una importante trayectoria en el campo del audiovisual contemporáneo: cine expandido; y Gabriela Golder (1971, Argentina), artista argentina referente del video a nivel local e internacional.
El proyecto ofrece diferentes aproximaciones a la imagen en movimiento a través de una selección de obras que abordan aspectos políticos, sociales, religiosos y metafísicos propios de nuestra región: de la mano de Restrepo se presenta una video-instalación que, a través de una posición pos-religiosa, evoca críticamente nuestro misticismo mediático; el cruce entre el video y la performance es explorado por Arjona en una pieza donde la artista se entrega a las fuerzas de lo supra-sensorial para entrar en composición con otras lógicas de existencia; la instalación fílmica es abordada de manera disruptiva por Denegri a través de una propuesta de gran formato donde la compleja maquinaria proyecta imágenes de archivo para reflexionar sobre las perspectivas políticas del siglo XX; y finalmente, el video monocanal se inserta en el espacio de las artes visuales con un trabajo de Golder que profundiza en los conflictos sociales irresueltos de nuestra contemporaneidad.
Rolf Art, localizada en Buenos Aires desde el 2009 y fundada por Florencia Giordana Braun, es la única galería de arte especializada en imagen técnica de Argentina. Enfocada en las artes visuales latinoamericanas contemporáneas, la galería presenta obras que exploran el medio fotográfico y sus límites. La selección de obras considera piezas con una unión indisoluble entre densidad crítica y valor estético. El perfil curatorial desafía la coyuntura y considera el contexto político, social y económico de la producción artística como un factor determinante para la interpretación del arte. Estamos comprometidos con un selecto grupo de artistas latinoamericanos contemporáneos establecidos, promocionándolos a nivel nacional e internacional. Apoyamos su producción artística junto con proyectos editoriales y audiovisuales.
Con el fin de contribuir a la producción y apreciación del arte contemporáneo en busca de ampliar los límites de las artes visuales latinoamericanas, la galería ha desarrollado un importante programa de exhibición y formación. Trabajando junto con destacados investigadores, curadores y críticos de arte, la galería organiza exhibiciones en colaboración con instituciones nacionales e internacionales y festivales de fotografía; liderando el camino hacia una participación sostenida en las ferias de arte y fotografía más importantes del mundo; gestionando la incorporación de artistas latinoamericanos en instituciones de renombre, además de múltiples colecciones privadas; contribuyendo a la legitimación de las expresiones visuales latinoamericanas en el mundo.
José Alejandro Restrepo es una figura central del arte contemporáneo latinoamericano, con más de treinta años de producción dentro del panorama histórico de las artes electrónicas en nuestro continente. Su formación e intereses son variados y abarcan desde las artes visuales y escénicas, la instalación, la fotografía, la performance y la producción editorial, constituyéndose como modelo de artista contemporáneo que opera desde la hibridez. Su obra está basada en serias investigaciones sobre los relatos del poder dominante y creencias populares que derivan en una visión crítica y cuyas interpretaciones desmantelan la ideología del sistema. La recuperación de la teatralidad del catolicismo y de los códigos del barroco colonial por lo político/mediático y el deslizamiento hacia la política de algunos de los temas religiosos más importantes, como el castigo, la redención y el sacrificio (como legitimación de la violencia), ocupan una posición central en la obra del artista. Pionero del videoarte, Restrepo pone en diálogo la imagen documental a través de una obra exhibida bajo diversos formatos y dispositivos, utilizando los recursos de la tecnología del video y la imagen electrónica para acentuar un desvío de los discursos del espectáculo y del mainstream del arte contemporáneo. Para ello, muchas veces el artista recurre a la re-apropiación de imágenes televisivas y su manipulación, reconstruyendo los mensajes de los medios masivos de comunicación para hacer un señalamiento al valor que se le da a las imágenes. Algunas de sus trabajos más destacados son “Parquedades”, “El paso del Quindío I”, “Musa paradisíaca” e “Iconomia”.
José Alejandro Restrepo es una figura central del arte contemporáneo latinoamericano, con más de treinta años de producción dentro del panorama histórico de las artes electrónicas en nuestro continente. Su formación e intereses son variados y abarcan desde las artes visuales y escénicas, la instalación, la fotografía, la performance y la producción editorial, constituyéndose como modelo de artista contemporáneo que opera desde la hibridez. Su obra está basada en serias investigaciones sobre los relatos del poder dominante y creencias populares que derivan en una visión crítica y cuyas interpretaciones desmantelan la ideología del sistema. La recuperación de la teatralidad del catolicismo y de los códigos del barroco colonial por lo político/mediático y el deslizamiento hacia la política de algunos de los temas religiosos más importantes, como el castigo, la redención y el sacrificio (como legitimación de la violencia), ocupan una posición central en la obra del artista. Pionero del videoarte, Restrepo pone en diálogo la imagen documental a través de una obra exhibida bajo diversos formatos y dispositivos, utilizando los recursos de la tecnología del video y la imagen electrónica para acentuar un desvío de los discursos del espectáculo y del mainstream del arte contemporáneo. Para ello, muchas veces el artista recurre a la re-apropiación de imágenes televisivas y su manipulación, reconstruyendo los mensajes de los medios masivos de comunicación para hacer un señalamiento al valor que se le da a las imágenes. Algunas de sus trabajos más destacados son “Parquedades”, “El paso del Quindío I”, “Musa paradisíaca” e “Iconomia”.
José Alejandro Restrepo es una figura central del arte contemporáneo latinoamericano, con más de treinta años de producción dentro del panorama histórico de las artes electrónicas en nuestro continente. Su formación e intereses son variados y abarcan desde las artes visuales y escénicas, la instalación, la fotografía, la performance y la producción editorial, constituyéndose como modelo de artista contemporáneo que opera desde la hibridez. Su obra está basada en serias investigaciones sobre los relatos del poder dominante y creencias populares que derivan en una visión crítica y cuyas interpretaciones desmantelan la ideología del sistema. La recuperación de la teatralidad del catolicismo y de los códigos del barroco colonial por lo político/mediático y el deslizamiento hacia la política de algunos de los temas religiosos más importantes, como el castigo, la redención y el sacrificio (como legitimación de la violencia), ocupan una posición central en la obra del artista. Pionero del videoarte, Restrepo pone en diálogo la imagen documental a través de una obra exhibida bajo diversos formatos y dispositivos, utilizando los recursos de la tecnología del video y la imagen electrónica para acentuar un desvío de los discursos del espectáculo y del mainstream del arte contemporáneo. Para ello, muchas veces el artista recurre a la re-apropiación de imágenes televisivas y su manipulación, reconstruyendo los mensajes de los medios masivos de comunicación para hacer un señalamiento al valor que se le da a las imágenes. Algunas de sus trabajos más destacados son “Parquedades”, “El paso del Quindío I”, “Musa paradisíaca” e “Iconomia”.
Artista enfocada a la performance, María José Arjona se plantea repensar los roles del movimiento de la materia en el espacio, el tiempo, la duración de esa interacción, asumiendo una mirada que propone desarrollar maniobras de negociación donde la investigación y la escritura son los espacios experimentales para que se desarrolle la reflexión. Su obra insiste en confrontar al sistema, transformándose en una herramienta fundamental de provocación y conexión con el otro siendo cada pieza un conjunto de estrategias poéticas y coreográficas donde los cuerpos son el nexo y el campo de batalla capaz de materializar las repercusiones del choque de fuerzas entre ellos y con los objetos que también habitan ese mismo espacio, estimulándose y transformándose en esa dinámica. Los gestos como manifestación clara de sentimientos, necesidades, estados de ánimo, son una fuente invaluable para la artista quien encuentra en ellos una suerte de archivo que recopila y registra emocionalidades dentro de estructuras de poder políticas y sociales, aplicando un punto de vista agudo que contempla lecturas filosóficas en pro de enfatizar su interés en la transición, la transformación y el devenir como acciones de resistencia. En sus series “Blanca (IN-TRANSIT BERLIN 2009)”, “Vires” (2010), “All the others in me” (2012) y “Línea de Vida” (2016), Arjona despliega un abanico de propuestas performáticas donde siempre el cuerpo está en el centro de la escena, pensado como vehículo no solamente de denuncia de la violencia y problemas socio-políticos, sino como promotor de formas alternativas de pensar en ellos, el cuerpo como medio para repensar la comunicación y la falta de comunicación, los mensajes dados por sentado, la falta de cuestionamientos sobre pensamientos que nos son dados y naturalizamos sin oponer debate. En la obra de Arjona, se invita al espectador a asumir un rol activo desde lo físico y lo intelectual.
Artista enfocada a la performance, María José Arjona se plantea repensar los roles del movimiento de la materia en el espacio, el tiempo, la duración de esa interacción, asumiendo una mirada que propone desarrollar maniobras de negociación donde la investigación y la escritura son los espacios experimentales para que se desarrolle la reflexión. Su obra insiste en confrontar al sistema, transformándose en una herramienta fundamental de provocación y conexión con el otro siendo cada pieza un conjunto de estrategias poéticas y coreográficas donde los cuerpos son el nexo y el campo de batalla capaz de materializar las repercusiones del choque de fuerzas entre ellos y con los objetos que también habitan ese mismo espacio, estimulándose y transformándose en esa dinámica. Los gestos como manifestación clara de sentimientos, necesidades, estados de ánimo, son una fuente invaluable para la artista quien encuentra en ellos una suerte de archivo que recopila y registra emocionalidades dentro de estructuras de poder políticas y sociales, aplicando un punto de vista agudo que contempla lecturas filosóficas en pro de enfatizar su interés en la transición, la transformación y el devenir como acciones de resistencia. En sus series “Blanca (IN-TRANSIT BERLIN 2009)”, “Vires” (2010), “All the others in me” (2012) y “Línea de Vida” (2016), Arjona despliega un abanico de propuestas performáticas donde siempre el cuerpo está en el centro de la escena, pensado como vehículo no solamente de denuncia de la violencia y problemas socio-políticos, sino como promotor de formas alternativas de pensar en ellos, el cuerpo como medio para repensar la comunicación y la falta de comunicación, los mensajes dados por sentado, la falta de cuestionamientos sobre pensamientos que nos son dados y naturalizamos sin oponer debate. En la obra de Arjona, se invita al espectador a asumir un rol activo desde lo físico y lo intelectual.
Artista enfocada a la performance, María José Arjona se plantea repensar los roles del movimiento de la materia en el espacio, el tiempo, la duración de esa interacción, asumiendo una mirada que propone desarrollar maniobras de negociación donde la investigación y la escritura son los espacios experimentales para que se desarrolle la reflexión. Su obra insiste en confrontar al sistema, transformándose en una herramienta fundamental de provocación y conexión con el otro siendo cada pieza un conjunto de estrategias poéticas y coreográficas donde los cuerpos son el nexo y el campo de batalla capaz de materializar las repercusiones del choque de fuerzas entre ellos y con los objetos que también habitan ese mismo espacio, estimulándose y transformándose en esa dinámica. Los gestos como manifestación clara de sentimientos, necesidades, estados de ánimo, son una fuente invaluable para la artista quien encuentra en ellos una suerte de archivo que recopila y registra emocionalidades dentro de estructuras de poder políticas y sociales, aplicando un punto de vista agudo que contempla lecturas filosóficas en pro de enfatizar su interés en la transición, la transformación y el devenir como acciones de resistencia. En sus series “Blanca (IN-TRANSIT BERLIN 2009)”, “Vires” (2010), “All the others in me” (2012) y “Línea de Vida” (2016), Arjona despliega un abanico de propuestas performáticas donde siempre el cuerpo está en el centro de la escena, pensado como vehículo no solamente de denuncia de la violencia y problemas socio-políticos, sino como promotor de formas alternativas de pensar en ellos, el cuerpo como medio para repensar la comunicación y la falta de comunicación, los mensajes dados por sentado, la falta de cuestionamientos sobre pensamientos que nos son dados y naturalizamos sin oponer debate. En la obra de Arjona, se invita al espectador a asumir un rol activo desde lo físico y lo intelectual.
Andrés Denegri aborda las artes visuales combinando cine, video, instalaciones y fotografía. Sus proyectos generan diálogos entre diferentes formatos interpelándolos poética y conceptualmente, creando tensión en los usos clásicos de las tecnologías audiovisuales. Su producción fotográfica tiene su origen en el cine analógico ya que el artista utiliza secuencias de fotogramas de película de 16 mm o Super 8 para generar imágenes fijas. Los proyectores de película antiguos son protagonistas de muchas de las instalaciones de Denegri: desde dispositivos familiares portátiles hasta potentes máquinas industriales que se combinan en la producción de objetos cinéticos y pantallas monumentales donde el celuloide sale del proyector y viaja a través del espacio transitado por el espectador. Su mirada cinematográfica permite al artista crear obras pensadas como secuencias, imágenes que operan como registros donde se proponen diálogos entre el cine, la literatura y la fotografía pero donde cada práctica mantiene su soporte, su lenguaje, sin invadir el terreno de la otra. Algunos de sus trabajos más destacados como “Instante Bony” (2000), “Tomar las calles” (2019) y “Máquinas de lo sensible (2019)” abordan la investigación en el campo de las artes audiovisuales y del cine experimental así como el estudio de material de archivos históricos. Denegri produce obras donde los dispositivos y la tecnología de la memoria, se transforman en una alegoría de los procesos del olvido y la negación de la historia, invitando al espectador a repensar la relación entre la memoria y su importancia activa en nuestro presente.
Andrés Denegri aborda las artes visuales combinando cine, video, instalaciones y fotografía. Sus proyectos generan diálogos entre diferentes formatos interpelándolos poética y conceptualmente, creando tensión en los usos clásicos de las tecnologías audiovisuales. Su producción fotográfica tiene su origen en el cine analógico ya que el artista utiliza secuencias de fotogramas de película de 16 mm o Super 8 para generar imágenes fijas. Los proyectores de película antiguos son protagonistas de muchas de las instalaciones de Denegri: desde dispositivos familiares portátiles hasta potentes máquinas industriales que se combinan en la producción de objetos cinéticos y pantallas monumentales donde el celuloide sale del proyector y viaja a través del espacio transitado por el espectador. Su mirada cinematográfica permite al artista crear obras pensadas como secuencias, imágenes que operan como registros donde se proponen diálogos entre el cine, la literatura y la fotografía pero donde cada práctica mantiene su soporte, su lenguaje, sin invadir el terreno de la otra. Algunos de sus trabajos más destacados como “Instante Bony” (2000), “Tomar las calles” (2019) y “Máquinas de lo sensible (2019)” abordan la investigación en el campo de las artes audiovisuales y del cine experimental así como el estudio de material de archivos históricos. Denegri produce obras donde los dispositivos y la tecnología de la memoria, se transforman en una alegoría de los procesos del olvido y la negación de la historia, invitando al espectador a repensar la relación entre la memoria y su importancia activa en nuestro presente.
Andrés Denegri aborda las artes visuales combinando cine, video, instalaciones y fotografía. Sus proyectos generan diálogos entre diferentes formatos interpelándolos poética y conceptualmente, creando tensión en los usos clásicos de las tecnologías audiovisuales. Su producción fotográfica tiene su origen en el cine analógico ya que el artista utiliza secuencias de fotogramas de película de 16 mm o Super 8 para generar imágenes fijas. Los proyectores de película antiguos son protagonistas de muchas de las instalaciones de Denegri: desde dispositivos familiares portátiles hasta potentes máquinas industriales que se combinan en la producción de objetos cinéticos y pantallas monumentales donde el celuloide sale del proyector y viaja a través del espacio transitado por el espectador. Su mirada cinematográfica permite al artista crear obras pensadas como secuencias, imágenes que operan como registros donde se proponen diálogos entre el cine, la literatura y la fotografía pero donde cada práctica mantiene su soporte, su lenguaje, sin invadir el terreno de la otra. Algunos de sus trabajos más destacados como “Instante Bony” (2000), “Tomar las calles” (2019) y “Máquinas de lo sensible (2019)” abordan la investigación en el campo de las artes audiovisuales y del cine experimental así como el estudio de material de archivos históricos. Denegri produce obras donde los dispositivos y la tecnología de la memoria, se transforman en una alegoría de los procesos del olvido y la negación de la historia, invitando al espectador a repensar la relación entre la memoria y su importancia activa en nuestro presente.
Artista visual, curadora, profesora en la Argentina y en el exterior. Es codirectora de la Bienal de la Imagen en Movimiento (BIM) y de CONTINENTE, Centro de Investigación en Artes Audiovisuales de la Universidad Nacional de Tres de Febrero. También es curadora de El Cine es Otra Cosa, ciclo de cine y video experimental del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Realizó sus estudios de grado en la Universidad del Cine y un Master en Hypermedia en la Université Paris VIII, París, Francia. Es profesora titular en la Carrera de Artes Electrónicas y en la Maestría de Tecnología y Estética de las Artes Electrónicas de la Universidad Nacional de Tres de Febrero, en la Universidad del Cine y en la Universidad Maimónides. Trabaja en video, instalaciones e intervenciones site specific. Sus obras fundamentalmente plantean cuestiones relacionadas con la memoria, la identidad y el mundo del trabajo. Fue artista en residencia en el Banff Centre for the Arts, Canadá; en el Centre International de Création Vidéo Pierre Schaeffer, Francia; en la Kunsthochschule für Medien, Alemania; en el Schloss Balmoral, Alemania; en el Wexner Center for the Arts, Estados Unidos; en la Université de Québec à Montréal, Canadá; en la Chambre Blanche, Quebec, Canadá; en la Red Bull House of Art, San Pablo, Brasil, y en Le Centquatre, París, Francia. Sus obras recibieron diversos premios, entre otros: Estado da Arte, en la 21a Bienal de Arte Contemporánea Sesc_Videobrasil; BA Sitio Específico, 2014, Premio Luis Espinal-Mostra CineTrabalho, Brasil, 2011; Ars Electronica, 80+1 Project (for ARRORRÓ project), 2009; Premio Sigwart Blum de la Asociación de Críticos de Arte de Argentina, 2007; Media Art Award del Zentrum für Kunst und Medientechnologie (ZKM), Alemania, 2004; Primer Premio en el Salón Nacional de Artes Visuales, 2003; Primer Premio Videobrasil, 2003; Gran Premio Festival Videoformes, Francia, 2003, y Tokio Video Award, Japón, 2002.
Artista visual, curadora, profesora en la Argentina y en el exterior. Es codirectora de la Bienal de la Imagen en Movimiento (BIM) y de CONTINENTE, Centro de Investigación en Artes Audiovisuales de la Universidad Nacional de Tres de Febrero. También es curadora de El Cine es Otra Cosa, ciclo de cine y video experimental del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Realizó sus estudios de grado en la Universidad del Cine y un Master en Hypermedia en la Université Paris VIII, París, Francia. Es profesora titular en la Carrera de Artes Electrónicas y en la Maestría de Tecnología y Estética de las Artes Electrónicas de la Universidad Nacional de Tres de Febrero, en la Universidad del Cine y en la Universidad Maimónides. Trabaja en video, instalaciones e intervenciones site specific. Sus obras fundamentalmente plantean cuestiones relacionadas con la memoria, la identidad y el mundo del trabajo. Fue artista en residencia en el Banff Centre for the Arts, Canadá; en el Centre International de Création Vidéo Pierre Schaeffer, Francia; en la Kunsthochschule für Medien, Alemania; en el Schloss Balmoral, Alemania; en el Wexner Center for the Arts, Estados Unidos; en la Université de Québec à Montréal, Canadá; en la Chambre Blanche, Quebec, Canadá; en la Red Bull House of Art, San Pablo, Brasil, y en Le Centquatre, París, Francia. Sus obras recibieron diversos premios, entre otros: Estado da Arte, en la 21a Bienal de Arte Contemporánea Sesc_Videobrasil; BA Sitio Específico, 2014, Premio Luis Espinal-Mostra CineTrabalho, Brasil, 2011; Ars Electronica, 80+1 Project (for ARRORRÓ project), 2009; Premio Sigwart Blum de la Asociación de Críticos de Arte de Argentina, 2007; Media Art Award del Zentrum für Kunst und Medientechnologie (ZKM), Alemania, 2004; Primer Premio en el Salón Nacional de Artes Visuales, 2003; Primer Premio Videobrasil, 2003; Gran Premio Festival Videoformes, Francia, 2003, y Tokio Video Award, Japón, 2002.
Artista visual, curadora, profesora en la Argentina y en el exterior. Es codirectora de la Bienal de la Imagen en Movimiento (BIM) y de CONTINENTE, Centro de Investigación en Artes Audiovisuales de la Universidad Nacional de Tres de Febrero. También es curadora de El Cine es Otra Cosa, ciclo de cine y video experimental del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Realizó sus estudios de grado en la Universidad del Cine y un Master en Hypermedia en la Université Paris VIII, París, Francia. Es profesora titular en la Carrera de Artes Electrónicas y en la Maestría de Tecnología y Estética de las Artes Electrónicas de la Universidad Nacional de Tres de Febrero, en la Universidad del Cine y en la Universidad Maimónides. Trabaja en video, instalaciones e intervenciones site specific. Sus obras fundamentalmente plantean cuestiones relacionadas con la memoria, la identidad y el mundo del trabajo. Fue artista en residencia en el Banff Centre for the Arts, Canadá; en el Centre International de Création Vidéo Pierre Schaeffer, Francia; en la Kunsthochschule für Medien, Alemania; en el Schloss Balmoral, Alemania; en el Wexner Center for the Arts, Estados Unidos; en la Université de Québec à Montréal, Canadá; en la Chambre Blanche, Quebec, Canadá; en la Red Bull House of Art, San Pablo, Brasil, y en Le Centquatre, París, Francia. Sus obras recibieron diversos premios, entre otros: Estado da Arte, en la 21a Bienal de Arte Contemporánea Sesc_Videobrasil; BA Sitio Específico, 2014, Premio Luis Espinal-Mostra CineTrabalho, Brasil, 2011; Ars Electronica, 80+1 Project (for ARRORRÓ project), 2009; Premio Sigwart Blum de la Asociación de Críticos de Arte de Argentina, 2007; Media Art Award del Zentrum für Kunst und Medientechnologie (ZKM), Alemania, 2004; Primer Premio en el Salón Nacional de Artes Visuales, 2003; Primer Premio Videobrasil, 2003; Gran Premio Festival Videoformes, Francia, 2003, y Tokio Video Award, Japón, 2002.
Página Web
