Un programa de la Cámara de Comercio de Bogotá
Un programa cultural de:
Un programa de la Cámara de Comercio de Bogotá
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Los artistas aquí propuestos plantean su obra desde una perspectiva narrativa capaz de producir discursos abiertos, por medio de la construcción de historias que establecen un diálogo visual y emocional con el espectador. Los trabajos enfatizan las vivencias de su cotidianidad, documentando la realidad contemporánea desde una óptica subjetiva, aportando una reflexión personal sobre su entorno. Por medio de su obra, los artistas exponen una mirada que se cuestiona este mundo cada vez más agitado y en permanente transformación.
La Galería El Museo abrió en 1987 en Bogotá, Colombia como un proyecto destinado a desarrollar y promover el mercado del arte colombiano a nivel local e internacional, a través de la representación de artistas, colaboraciones con otras galerías, exposiciones en museos y participación en ferias de arte internacionales. Los artistas representados por Galería El Museo son seleccionados periódicamente en función de sus aportes al desarrollo de las artes visuales. En 2001, la Galería El Museo abrió la Galería Fernando Pradilla en Madrid para construir un puente entre las escenas artísticas latinoamericana, española y europea. Galería El Museo ha representado a lo largo de su historia a grandes artistas internacionales como Fernando Botero, Alejandro Obregón, Débora Arango, Luis Caballero, Carlos Rojas, Nadin Ospina entre muchos otros.
Lo híbrido es inherente a cualquiera de mis obras y mis imágenes tienden siempre a ser mezcla de diversas naturalezas. La imagen es más que una mera recopilación de apariencias sensibles, la imagen es ante todo un punto de vista determinado, en donde se depositan emociones y pensamientos que no están contenidos en los objetos de la realidad, sino que están determinados por mi relación con ellos. Esto hace que el oficio tenga un papel determinante, pues mi gesto en el dibujo es la manifestación directa de mis emociones y pensamientos. Lo real y lo imaginario se cruzan en la obra, convirtiendo a la representación en un fenómeno en donde están plasmadas emociones e ideas, en vez de una mera captura de apariencias sensoriales. En mis exploraciones más recientes, la coexistencia entre lo natural y lo humano es una temática que se ha ido conformando. Siempre he creído que la naturaleza se nos presenta parcialmente inaccesible. De algún modo, la historia humana inicia cuando los hombres se distinguieron de los animales y se rompieron los nexos con algún aspecto esencial de lo natural. Particularmente me interesa cómo el hombre a través de lo poético busca relacionarse con su entorno por medio de ejercicios de representación e interpretación del mundo, reinventando y definiendo a través del arte todo lo que ve.
En su obra actual Monsalve plantea una reflexión acerca de la exploración y la transformación del paisaje en la que utiliza la realidad y la ficción como estrategia; la ciencia y la naturaleza como método y la ecología y la política como espacio de discusión. Petróleo, carbón, oro, plata y cobre son materias minerales y orgánicas sustraídas de la tierra que en su forma plástica han sido concebidas por Monsalve como abstracciones del paisaje donde la materia y su significante toman aún más relevancia y se asocian a problemáticas locales y globales, como modo de denunciar los desastres ecológicos causados por la minería ilegal y la explotación de los recursos naturales.
Cruz Novillo es uno de los artistas españoles que, a partir de los años setenta acomete la renovación del lenguaje visual geométrico en España. Su obra está influenciada por parámetros matemáticos, musicales, geométricos y por diversas teorías del color. En los años noventa, desarrolla el concepto plástico “Diafragma”, denominación que engloba multitud de obras cuya característica común es la combinación de un número variable de elementos monocromáticos, sonoros, fotográficos o tridimensionales. En su obra, la abstracción geométrica y la figuración conviven de una manera natural ya que ambas provienen de los patrones marcados por la combinación de notas musicales, números y colores. Cruz Novillo es Académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Es Premio Nacional de Diseño 1997; Premio Nacional de Pintura Comunidad de Castilla La Mancha, 2002; Medalla al Mérito de las Bellas Artes 2012. En 1977 representó a España en la Bienal Internacional de Sao Paulo, Brasil. Su obra está representada en colecciones privadas y públicas nacionales e internacionales como la del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS); Museo Patio Herreriano de Valladolid, España; Fundación Juan March, Madrid, España; Colección Accenture, Madrid.
Cruz Novillo es uno de los artistas españoles que, a partir de los años setenta acomete la renovación del lenguaje visual geométrico en España. Su obra está influenciada por parámetros matemáticos, musicales, geométricos y por diversas teorías del color. En los años noventa, desarrolla el concepto plástico “Diafragma”, denominación que engloba multitud de obras cuya característica común es la combinación de un número variable de elementos monocromáticos, sonoros, fotográficos o tridimensionales. En su obra, la abstracción geométrica y la figuración conviven de una manera natural ya que ambas provienen de los patrones marcados por la combinación de notas musicales, números y colores. Cruz Novillo es Académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Es Premio Nacional de Diseño 1997; Premio Nacional de Pintura Comunidad de Castilla La Mancha, 2002; Medalla al Mérito de las Bellas Artes 2012. En 1977 representó a España en la Bienal Internacional de Sao Paulo, Brasil. Su obra está representada en colecciones privadas y públicas nacionales e internacionales como la del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS); Museo Patio Herreriano de Valladolid, España; Fundación Juan March, Madrid, España; Colección Accenture, Madrid.
La obra de Sebastián Dávila reflexiona sobre la condición humana a través del trabajo con el espacio, la escala y la sugerencia de narrativas absurdas. Los espacios arquitectónicos inútiles, generados a partir de objetos encontrados, se componen para habitar lo inhabitable y transformar en lugar lo que ya se consideraba desecho. Tanto en la fotografía como en la escultura de Dávila el espacio negativo es el componente principal que rige sobre una composición geométrica rigurosa. Esa manía por definir los límites del vacío genera un trabajo de elementos puntuales y ordenados en donde lo que predomina es el silencio. El concreto es el material principal con el cual se desarrollan las esculturas, acentúa el lenguaje arquitectónico de la obra, su plasticidad permite un gesto que se acerca al grabado y por su naturaleza de acabados imperfectos complementa la antigüedad y la memoria de los objetos encontrados. Las esculturas utilizan códigos arquitectónicos indiscutiblemente utilitarios como la puerta o la escalera, pero estos suelen estar despojados de su funcionalidad. La escalera, puerta o incluso el espacio al ser inútil adquiere un carácter emocional que puede estar cargado de frustración y angustia o de humor e incoherencia. Estas escenografías, ideales para la soledad del individuo que piensa en lo que no entiende, esperan a que algo suceda. Es así como el espectador se convierte en el personaje ausente, al sentarse en la silla, habitar el espacio y recitar su monólogo. Son espacios para pensar en voz alta. Lugares con mucho silencio. Un juego geométrico basado en definir los límites del vacío. Construcciones que generan una contradicción visual, que obligan a dimensionar la misma distancia como grande y pequeña a la vez.
La obra de Sebastián Dávila reflexiona sobre la condición humana a través del trabajo con el espacio, la escala y la sugerencia de narrativas absurdas. Los espacios arquitectónicos inútiles, generados a partir de objetos encontrados, se componen para habitar lo inhabitable y transformar en lugar lo que ya se consideraba desecho. Tanto en la fotografía como en la escultura de Dávila el espacio negativo es el componente principal que rige sobre una composición geométrica rigurosa. Esa manía por definir los límites del vacío genera un trabajo de elementos puntuales y ordenados en donde lo que predomina es el silencio. El concreto es el material principal con el cual se desarrollan las esculturas, acentúa el lenguaje arquitectónico de la obra, su plasticidad permite un gesto que se acerca al grabado y por su naturaleza de acabados imperfectos complementa la antigüedad y la memoria de los objetos encontrados. Las esculturas utilizan códigos arquitectónicos indiscutiblemente utilitarios como la puerta o la escalera, pero estos suelen estar despojados de su funcionalidad. La escalera, puerta o incluso el espacio al ser inútil adquiere un carácter emocional que puede estar cargado de frustración y angustia o de humor e incoherencia. Estas escenografías, ideales para la soledad del individuo que piensa en lo que no entiende, esperan a que algo suceda. Es así como el espectador se convierte en el personaje ausente, al sentarse en la silla, habitar el espacio y recitar su monólogo. Son espacios para pensar en voz alta. Lugares con mucho silencio. Un juego geométrico basado en definir los límites del vacío. Construcciones que generan una contradicción visual, que obligan a dimensionar la misma distancia como grande y pequeña a la vez.
La obra de Sebastián Dávila reflexiona sobre la condición humana a través del trabajo con el espacio, la escala y la sugerencia de narrativas absurdas. Los espacios arquitectónicos inútiles, generados a partir de objetos encontrados, se componen para habitar lo inhabitable y transformar en lugar lo que ya se consideraba desecho. Tanto en la fotografía como en la escultura de Dávila el espacio negativo es el componente principal que rige sobre una composición geométrica rigurosa. Esa manía por definir los límites del vacío genera un trabajo de elementos puntuales y ordenados en donde lo que predomina es el silencio. El concreto es el material principal con el cual se desarrollan las esculturas, acentúa el lenguaje arquitectónico de la obra, su plasticidad permite un gesto que se acerca al grabado y por su naturaleza de acabados imperfectos complementa la antigüedad y la memoria de los objetos encontrados. Las esculturas utilizan códigos arquitectónicos indiscutiblemente utilitarios como la puerta o la escalera, pero estos suelen estar despojados de su funcionalidad. La escalera, puerta o incluso el espacio al ser inútil adquiere un carácter emocional que puede estar cargado de frustración y angustia o de humor e incoherencia. Estas escenografías, ideales para la soledad del individuo que piensa en lo que no entiende, esperan a que algo suceda. Es así como el espectador se convierte en el personaje ausente, al sentarse en la silla, habitar el espacio y recitar su monólogo. Son espacios para pensar en voz alta. Lugares con mucho silencio. Un juego geométrico basado en definir los límites del vacío. Construcciones que generan una contradicción visual, que obligan a dimensionar la misma distancia como grande y pequeña a la vez.
La obra de Marco Mojica es el resultado de una experiencia particular con el collage; de esa yuxtaposición de imágenes (y de significados) capaces de generar una inquietante e irónica tensión en su lectura. Las cualidades de este medio, en el que se contextualizan representaciones le permiten crear esbozos de futuras obras. El artista se convierte así en un consumidor de imágenes, creando una especie de archivo personal de todo registro visual con potencial para la ejecución de futuros trabajos. Las fuentes van desde revistas de variedad y de arte, libros ilustrados, catálogos para ingenieros, archivos de Internet, videos e incluso fotocopias, convirtiéndose en bocetos previos de sus obras. En este sentido, la apropiación, entendida como estrategia plástica, se vuelve una herramienta eficaz que le permite abordar temas tan pertinentes dentro del arte contemporáneo como es el concepto de originalidad.
La obra de Marco Mojica es el resultado de una experiencia particular con el collage; de esa yuxtaposición de imágenes (y de significados) capaces de generar una inquietante e irónica tensión en su lectura. Las cualidades de este medio, en el que se contextualizan representaciones le permiten crear esbozos de futuras obras. El artista se convierte así en un consumidor de imágenes, creando una especie de archivo personal de todo registro visual con potencial para la ejecución de futuros trabajos. Las fuentes van desde revistas de variedad y de arte, libros ilustrados, catálogos para ingenieros, archivos de Internet, videos e incluso fotocopias, convirtiéndose en bocetos previos de sus obras. En este sentido, la apropiación, entendida como estrategia plástica, se vuelve una herramienta eficaz que le permite abordar temas tan pertinentes dentro del arte contemporáneo como es el concepto de originalidad.
La obra de Marco Mojica es el resultado de una experiencia particular con el collage; de esa yuxtaposición de imágenes (y de significados) capaces de generar una inquietante e irónica tensión en su lectura. Las cualidades de este medio, en el que se contextualizan representaciones le permiten crear esbozos de futuras obras. El artista se convierte así en un consumidor de imágenes, creando una especie de archivo personal de todo registro visual con potencial para la ejecución de futuros trabajos. Las fuentes van desde revistas de variedad y de arte, libros ilustrados, catálogos para ingenieros, archivos de Internet, videos e incluso fotocopias, convirtiéndose en bocetos previos de sus obras. En este sentido, la apropiación, entendida como estrategia plástica, se vuelve una herramienta eficaz que le permite abordar temas tan pertinentes dentro del arte contemporáneo como es el concepto de originalidad.
En su obra actual Monsalve plantea una reflexión acerca de la exploración y la transformación del paisaje en la que utiliza la realidad y la ficción como estrategia; la ciencia y la naturaleza como método y la ecología y la política como espacio de discusión. Petróleo, carbón, oro, plata y cobre son materias minerales y orgánicas sustraídas de la tierra que en su forma plástica han sido concebidas por Monsalve como abstracciones del paisaje donde la materia y su significante toman aún más relevancia y se asocian a problemáticas locales y globales, como modo de denunciar los desastres ecológicos causados por la minería ilegal y la explotación de los recursos naturales.
En su obra actual Monsalve plantea una reflexión acerca de la exploración y la transformación del paisaje en la que utiliza la realidad y la ficción como estrategia; la ciencia y la naturaleza como método y la ecología y la política como espacio de discusión. Petróleo, carbón, oro, plata y cobre son materias minerales y orgánicas sustraídas de la tierra que en su forma plástica han sido concebidas por Monsalve como abstracciones del paisaje donde la materia y su significante toman aún más relevancia y se asocian a problemáticas locales y globales, como modo de denunciar los desastres ecológicos causados por la minería ilegal y la explotación de los recursos naturales.
Lo híbrido es inherente a cualquiera de mis obras y mis imágenes tienden siempre a ser mezcla de diversas naturalezas. La imagen es más que una mera recopilación de apariencias sensibles, la imagen es ante todo un punto de vista determinado, en donde se depositan emociones y pensamientos que no están contenidos en los objetos de la realidad, sino que están determinados por mi relación con ellos. Esto hace que el oficio tenga un papel determinante, pues mi gesto en el dibujo es la manifestación directa de mis emociones y pensamientos. Lo real y lo imaginario se cruzan en la obra, convirtiendo a la representación en un fenómeno en donde están plasmadas emociones e ideas, en vez de una mera captura de apariencias sensoriales. En mis exploraciones más recientes, la coexistencia entre lo natural y lo humano es una temática que se ha ido conformando. Siempre he creído que la naturaleza se nos presenta parcialmente inaccesible. De algún modo, la historia humana inicia cuando los hombres se distinguieron de los animales y se rompieron los nexos con algún aspecto esencial de lo natural. Particularmente me interesa cómo el hombre a través de lo poético busca relacionarse con su entorno por medio de ejercicios de representación e interpretación del mundo, reinventando y definiendo a través del arte todo lo que ve.
Gonzalo Fuenmayor refleja en su trabajo su doble influencia cultural: hispana y norteamericana. Su obra cuestiona la identidad caribeña como marca y los estereotipos que este concepto ha generado a través de imágenes que se han convertido en símbolos locales como puede ser una palmera o el banano. Opuesto al ejercicio de dibujar, Fuenmayor trabaja a partir del proceso de borrado de la mancha de carboncillo para abstraer la figura. En sus trabajos, el artista busca combinar una línea narrativa donde lo decorativo y lo trágico se unen en un discurso que toma prestados recursos de la literatura, el cine y la publicidad.
Gonzalo Fuenmayor refleja en su trabajo su doble influencia cultural: hispana y norteamericana. Su obra cuestiona la identidad caribeña como marca y los estereotipos que este concepto ha generado a través de imágenes que se han convertido en símbolos locales como puede ser una palmera o el banano. Opuesto al ejercicio de dibujar, Fuenmayor trabaja a partir del proceso de borrado de la mancha de carboncillo para abstraer la figura. En sus trabajos, el artista busca combinar una línea narrativa donde lo decorativo y lo trágico se unen en un discurso que toma prestados recursos de la literatura, el cine y la publicidad.
Gonzalo Fuenmayor refleja en su trabajo su doble influencia cultural: hispana y norteamericana. Su obra cuestiona la identidad caribeña como marca y los estereotipos que este concepto ha generado a través de imágenes que se han convertido en símbolos locales como puede ser una palmera o el banano. Opuesto al ejercicio de dibujar, Fuenmayor trabaja a partir del proceso de borrado de la mancha de carboncillo para abstraer la figura. En sus trabajos, el artista busca combinar una línea narrativa donde lo decorativo y lo trágico se unen en un discurso que toma prestados recursos de la literatura, el cine y la publicidad.
Fredy Alzate reflexiona sobre el urbanismo desenfrenado y la naturaleza amenazada a través de estrategias que revisan la arquitectura espontánea en ciudades Latinoamericanas, la recursividad propia de situaciones contingentes y la emergencia del habitar. Atiende diferentes dimensiones significantes de territorio, movilizando signos que retoma del paisaje transformado por la acción humana, para problematizar los sistemas de representación e inquietar imaginarios sobre nociones de abigarramiento y vacío, estabilidad y vértigo, densidad y oquedad, formalidad e informalidad, centro y márgenes, con los cuales configura gestos distópicos que refieren contextos geográficos o políticos específicos. En algunos procesos tridimensionales utiliza materiales de segunda mano, objetos abyectos o simulacros de materiales, para expresar fenómenos urbanos o estructuras de poder en nuestro contexto, explorando la relación entre historia, política y la configuración de nuestras propias subjetividades. La dinámica de un castillo de naipes de su serie Ensayos en el vacío se refiere a procesos de autoconstrucción en la ciudad latinoamericana. El manifiesto equilibrio precario que expone este ensamble realizado por acumulación, señala los estados de contingencia que se intuyen en las periferias de la urbe. En Geografía Interior Fredy Alzate traslada referencias del paisaje intervenido por el hombre, a través de la minería, para revisar geometrías que exponen superficies que imitan paredes rocosas, de carácter orgánico, en contraposición a superficies metálicas reflectantes, propiciando juegos que resultan interpelando la génesis de la materia-mundo.
Fredy Alzate reflexiona sobre el urbanismo desenfrenado y la naturaleza amenazada a través de estrategias que revisan la arquitectura espontánea en ciudades Latinoamericanas, la recursividad propia de situaciones contingentes y la emergencia del habitar. Atiende diferentes dimensiones significantes de territorio, movilizando signos que retoma del paisaje transformado por la acción humana, para problematizar los sistemas de representación e inquietar imaginarios sobre nociones de abigarramiento y vacío, estabilidad y vértigo, densidad y oquedad, formalidad e informalidad, centro y márgenes, con los cuales configura gestos distópicos que refieren contextos geográficos o políticos específicos. En algunos procesos tridimensionales utiliza materiales de segunda mano, objetos abyectos o simulacros de materiales, para expresar fenómenos urbanos o estructuras de poder en nuestro contexto, explorando la relación entre historia, política y la configuración de nuestras propias subjetividades. La dinámica de un castillo de naipes de su serie Ensayos en el vacío se refiere a procesos de autoconstrucción en la ciudad latinoamericana. El manifiesto equilibrio precario que expone este ensamble realizado por acumulación, señala los estados de contingencia que se intuyen en las periferias de la urbe. En Geografía Interior Fredy Alzate traslada referencias del paisaje intervenido por el hombre, a través de la minería, para revisar geometrías que exponen superficies que imitan paredes rocosas, de carácter orgánico, en contraposición a superficies metálicas reflectantes, propiciando juegos que resultan interpelando la génesis de la materia-mundo.
Fredy Alzate reflexiona sobre el urbanismo desenfrenado y la naturaleza amenazada a través de estrategias que revisan la arquitectura espontánea en ciudades Latinoamericanas, la recursividad propia de situaciones contingentes y la emergencia del habitar. Atiende diferentes dimensiones significantes de territorio, movilizando signos que retoma del paisaje transformado por la acción humana, para problematizar los sistemas de representación e inquietar imaginarios sobre nociones de abigarramiento y vacío, estabilidad y vértigo, densidad y oquedad, formalidad e informalidad, centro y márgenes, con los cuales configura gestos distópicos que refieren contextos geográficos o políticos específicos. En algunos procesos tridimensionales utiliza materiales de segunda mano, objetos abyectos o simulacros de materiales, para expresar fenómenos urbanos o estructuras de poder en nuestro contexto, explorando la relación entre historia, política y la configuración de nuestras propias subjetividades. La dinámica de un castillo de naipes de su serie Ensayos en el vacío se refiere a procesos de autoconstrucción en la ciudad latinoamericana. El manifiesto equilibrio precario que expone este ensamble realizado por acumulación, señala los estados de contingencia que se intuyen en las periferias de la urbe. En Geografía Interior Fredy Alzate traslada referencias del paisaje intervenido por el hombre, a través de la minería, para revisar geometrías que exponen superficies que imitan paredes rocosas, de carácter orgánico, en contraposición a superficies metálicas reflectantes, propiciando juegos que resultan interpelando la génesis de la materia-mundo.
La obra de Nadín Ospina se dirige a la detección y la reafirmación de las fusiones e interacciones culturales, la representación alegórica de los encuentros simbólicos como metáfora del acontecer histórico contemporáneo, el humor como herramienta de reflexión, la apelación a la imaginería de la cultura Pop con la consecuente reaparición de los seres fantásticos y los referentes precolombinos. Los conceptos de “el Otro”, “la otredad”, “la alteridad”, han sido tópicos fundamentales de los estudios de las ciencias sociales en su intento por explicar las problemáticas intrínsecas a la interacción humana. En la obra de Ospina la idea de “El otro” como opuesta al concepto de identidad, define la experiencia de la confrontación con lo extraño, lo ajeno, lo diferente, lo lejano, lo incierto. "El tiempo de pandemia y aislamiento, aparte de los sentimientos de soledad, temor, angustia e incertidumbre, nos dejó una serie de imágenes únicas y sorprendentes de la naturaleza y los seres que la conforman, que pareciesen haberse rebelado a su entorno silvestre y a su, ese, otro confinamiento acordado tácitamente con el humano. Las ciudades desoladas se vieron llenas de presencias insólitas. Zorros en Londres, venados en Bogotá, elefantes en la China, delfines y cisnes en Venecia. Pumas, zorros, zarigüeyas, jabalíes, monos, patos, pavos se han dejado ver en las calles de varias ciudades. Con esta serie de imágenes en mente y con la persistente referencia del pesebre o nacimiento que siempre a sido un artefacto visual que me seduce e inspira, creo la obra 'La Manera de todas las cosas'. Con la absurda confluencia surreal de dimensiones y tiempos del pesebre en el cual las arquitecturas y los personajes de las más diversas procedencias conviven escenográficamente en un dispositivo "sacro kitsch" de raigambre eminentemente popular se articula la obra. La pretendida preeminencia humana flaqueó ante las fuerzas de la naturaleza y el antropocentrismo se vio puesto en cuestión. La pervivencia de la especie “dominante” quedó en entredicho y se pusieron sobre el tapete preguntas fundamentales sobre el devenir social y político. Quizás debiéramos considerarnos más pares, más implicados con el resto del universo y con los compañeros de viaje galáctico. La manera de todas las cosas es otra diferente a la que hemos construido de manera arrogante. "
La obra de Nadín Ospina se dirige a la detección y la reafirmación de las fusiones e interacciones culturales, la representación alegórica de los encuentros simbólicos como metáfora del acontecer histórico contemporáneo, el humor como herramienta de reflexión, la apelación a la imaginería de la cultura Pop con la consecuente reaparición de los seres fantásticos y los referentes precolombinos. Los conceptos de “el Otro”, “la otredad”, “la alteridad”, han sido tópicos fundamentales de los estudios de las ciencias sociales en su intento por explicar las problemáticas intrínsecas a la interacción humana. En la obra de Ospina la idea de “El otro” como opuesta al concepto de identidad, define la experiencia de la confrontación con lo extraño, lo ajeno, lo diferente, lo lejano, lo incierto. "El tiempo de pandemia y aislamiento, aparte de los sentimientos de soledad, temor, angustia e incertidumbre, nos dejó una serie de imágenes únicas y sorprendentes de la naturaleza y los seres que la conforman, que pareciesen haberse rebelado a su entorno silvestre y a su, ese, otro confinamiento acordado tácitamente con el humano. Las ciudades desoladas se vieron llenas de presencias insólitas. Zorros en Londres, venados en Bogotá, elefantes en la China, delfines y cisnes en Venecia. Pumas, zorros, zarigüeyas, jabalíes, monos, patos, pavos se han dejado ver en las calles de varias ciudades. Con esta serie de imágenes en mente y con la persistente referencia del pesebre o nacimiento que siempre a sido un artefacto visual que me seduce e inspira, creo la obra 'La Manera de todas las cosas'. Con la absurda confluencia surreal de dimensiones y tiempos del pesebre en el cual las arquitecturas y los personajes de las más diversas procedencias conviven escenográficamente en un dispositivo "sacro kitsch" de raigambre eminentemente popular se articula la obra. La pretendida preeminencia humana flaqueó ante las fuerzas de la naturaleza y el antropocentrismo se vio puesto en cuestión. La pervivencia de la especie “dominante” quedó en entredicho y se pusieron sobre el tapete preguntas fundamentales sobre el devenir social y político. Quizás debiéramos considerarnos más pares, más implicados con el resto del universo y con los compañeros de viaje galáctico. La manera de todas las cosas es otra diferente a la que hemos construido de manera arrogante. "
La obra de Nadín Ospina se dirige a la detección y la reafirmación de las fusiones e interacciones culturales, la representación alegórica de los encuentros simbólicos como metáfora del acontecer histórico contemporáneo, el humor como herramienta de reflexión, la apelación a la imaginería de la cultura Pop con la consecuente reaparición de los seres fantásticos y los referentes precolombinos. Los conceptos de “el Otro”, “la otredad”, “la alteridad”, han sido tópicos fundamentales de los estudios de las ciencias sociales en su intento por explicar las problemáticas intrínsecas a la interacción humana. En la obra de Ospina la idea de “El otro” como opuesta al concepto de identidad, define la experiencia de la confrontación con lo extraño, lo ajeno, lo diferente, lo lejano, lo incierto. "El tiempo de pandemia y aislamiento, aparte de los sentimientos de soledad, temor, angustia e incertidumbre, nos dejó una serie de imágenes únicas y sorprendentes de la naturaleza y los seres que la conforman, que pareciesen haberse rebelado a su entorno silvestre y a su, ese, otro confinamiento acordado tácitamente con el humano. Las ciudades desoladas se vieron llenas de presencias insólitas. Zorros en Londres, venados en Bogotá, elefantes en la China, delfines y cisnes en Venecia. Pumas, zorros, zarigüeyas, jabalíes, monos, patos, pavos se han dejado ver en las calles de varias ciudades. Con esta serie de imágenes en mente y con la persistente referencia del pesebre o nacimiento que siempre a sido un artefacto visual que me seduce e inspira, creo la obra 'La Manera de todas las cosas'. Con la absurda confluencia surreal de dimensiones y tiempos del pesebre en el cual las arquitecturas y los personajes de las más diversas procedencias conviven escenográficamente en un dispositivo "sacro kitsch" de raigambre eminentemente popular se articula la obra. La pretendida preeminencia humana flaqueó ante las fuerzas de la naturaleza y el antropocentrismo se vio puesto en cuestión. La pervivencia de la especie “dominante” quedó en entredicho y se pusieron sobre el tapete preguntas fundamentales sobre el devenir social y político. Quizás debiéramos considerarnos más pares, más implicados con el resto del universo y con los compañeros de viaje galáctico. La manera de todas las cosas es otra diferente a la que hemos construido de manera arrogante. "
Lo híbrido es inherente a cualquiera de mis obras y mis imágenes tienden siempre a ser mezcla de diversas naturalezas. La imagen es más que una mera recopilación de apariencias sensibles, la imagen es ante todo un punto de vista determinado, en donde se depositan emociones y pensamientos que no están contenidos en los objetos de la realidad, sino que están determinados por mi relación con ellos. Esto hace que el oficio tenga un papel determinante, pues mi gesto en el dibujo es la manifestación directa de mis emociones y pensamientos. Lo real y lo imaginario se cruzan en la obra, convirtiendo a la representación en un fenómeno en donde están plasmadas emociones e ideas, en vez de una mera captura de apariencias sensoriales. En mis exploraciones más recientes, la coexistencia entre lo natural y lo humano es una temática que se ha ido conformando. Siempre he creído que la naturaleza se nos presenta parcialmente inaccesible. De algún modo, la historia humana inicia cuando los hombres se distinguieron de los animales y se rompieron los nexos con algún aspecto esencial de lo natural. Particularmente me interesa cómo el hombre a través de lo poético busca relacionarse con su entorno por medio de ejercicios de representación e interpretación del mundo, reinventando y definiendo a través del arte todo lo que ve.
Cruz Novillo es uno de los artistas españoles que, a partir de los años setenta acomete la renovación del lenguaje visual geométrico en España. Su obra está influenciada por parámetros matemáticos, musicales, geométricos y por diversas teorías del color. En los años noventa, desarrolla el concepto plástico “Diafragma”, denominación que engloba multitud de obras cuya característica común es la combinación de un número variable de elementos monocromáticos, sonoros, fotográficos o tridimensionales. En su obra, la abstracción geométrica y la figuración conviven de una manera natural ya que ambas provienen de los patrones marcados por la combinación de notas musicales, números y colores. Cruz Novillo es Académico de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Es Premio Nacional de Diseño 1997; Premio Nacional de Pintura Comunidad de Castilla La Mancha, 2002; Medalla al Mérito de las Bellas Artes 2012. En 1977 representó a España en la Bienal Internacional de Sao Paulo, Brasil. Su obra está representada en colecciones privadas y públicas nacionales e internacionales como la del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS); Museo Patio Herreriano de Valladolid, España; Fundación Juan March, Madrid, España; Colección Accenture, Madrid.
