Un programa de la Cámara de Comercio de Bogotá
Un programa cultural de:
Un programa de la Cámara de Comercio de Bogotá
Un programa cultural de:
La Galería Elvira Moreno, bajo su manifiesto de ser un espacio dedicado a la investigación, experimentación y representación de movimientos artísticos progresistas que refleje los contextos sociopolíticos actuales de sus artistas y las influencias que extrae el modernismo en el arte contemporáneo ha elegido curatorialmente obras de cinco artistas representados por la galería.
Las obras seleccionadas son del colombiano Jorge Riveros de su serie “Semikolon” (1967-1972), todas ellas utilizando la madera como base fundamental de su creatividad; Federico Ovalles está representado por sus obras más recientes elaboradas con objetos precarios encontrados y materiales pertenecientes a sus series “Sustrato” y “Materia superficial”, más una selección de fotogramas y una instalación de la matemática y artista mexicana Julia Carrillo; y obras relevantes de Joaquín Segura (México) y Ernesto Leal (Cuba) ahora participantes en la Bienal de La Habana 2022 y Documenta 15 de Kassel respectivamente, y una obra del artista argentino Alejandro Corrujeira. Los fotogramas y la instalación caleidoscópica de Julia Carrillo siguen la fotografía experimental seminal de Lazlo Moholy Nagy y los desplazamientos de luz y forma investigados por Olafur Eliasson. Joaquín Segura estará representado por un palimpsesto de su más reciente serie, la primera adquirida recientemente por el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México; Ernesto Leal presentará obras de su intrincada serie “Gramatical” y “Waste One's Breath” producidas durante los últimos 3 años de aislamiento en La Habana, y el artista argentino Alejandro Corrujeira estará representado por una obra hermosa, meditativa y rítmica exhibida recientemente en el Bienal de Sao Paulo 2018.
La Galería Elvira Moreno es un espacio dedicado a la investigación, la experimentación y el pensamiento progresista enfocado en exhibiciones que exploran la trascendencia del arte contemporáneo y las históricas influencias internacionales ejercidas por el arte latinoamericano y los movimientos internacionales modernistas y posmodernistas del siglo XX. Desde sus inicios, su directora, Elvira Moreno, se ha esforzado por liderar bajo un enfoque multidisciplinario e incluyente, albergando en su programación disciplinas artísticas no tradicionales como la danza, la música, la gastronomía y la tecnología, respondiendo así a las exigencias de la contemporaneidad en la industria de la creatividad y la cultura. La Galería se encuentra ubicada en el barrio de San Felipe, también llamado Distrito del Arte de Bogotá, un sector emplazado estratégicamente donde convergen galerías, talleres de artistas y plataformas que promueven las diversas corrientes del arte, definiendo así la identidad cultural artística del siglo XXI en Colombia.
La Galería Elvira Moreno es un espacio que se enfoca principalmente en la representación de artistas emergentes y establecidos y patrimonios de artistas cuyo lenguaje responde al contexto artístico nacional e internacional y difunde sus manifiestos a través de la participación en ferias de arte internacionales y proyectos colaborativos con galerías, curadores y organizaciones culturales a nivel mundial. Nuestra principal misión es establecer un diálogo artístico coherente y permanente a través de un enfoque multidisciplinario, reflexivo e incluyente apoyado en una investigación profunda y disciplinada sustentada además en nuestra extensa experiencia, y así crear un referente cultural e histórico para la academia, el coleccionismo especializado y el público que nos apoya.
Su práctica artística examina las condiciones de percepción dentro de diferentes espacios y fomenta situaciones de inmersión que invitan a la intimidad del descubrimiento. Sus intereses se vinculan con la transformación del espacio a través de fenómenos naturales como los movimientos de la luz, los viajes del sonido y la dinámica de las fuerzas fluidas. Desarrolla proyectos que la llevan a construir escenarios abstractos y metafóricos marcados por las dualidades interior-exterior, natural-construido, realidad-representación. En estos proyectos explora cómo el paso del tiempo, lo aleatorio, los ritmos de la naturaleza y las experiencias individuales establecen las pautas para la creación de paisajes interiores. Matemática por la Universidad Nacional Autónoma de México. Realizó estudios de maestría en Artes Visuales en la Academia de San Carlos y cursó estudios en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York. Ha participado en diversas residencias artísticas como MMCA Residency International Artist Fellowship Program del National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA/Korea), Art OMI (Nueva York), Flux Factory (Nueva York), York y The Hollows (Nueva York). Ha obtenido apoyos y becas para proyectos como el Programa de Residencias de Perfeccionamiento Artístico del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA, 2014), Programa de Apoyo a la Producción e Investigación en Arte y Medios del Centro Nacional de las Artes (CENART, 2015), Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA, 2016-2017) y Arte Ciencia y Tecnologías (ACT-FONCA 2018). Obras suyas se encuentran en colecciones del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO) y en Universum Museo de las Ciencias, UNAM. En 2017 obtuvo el Premio del público en la XII Bienal FEMSA (Monterrey, México) otorgado por FEMSA y CONARTE. Su participación en ArtBo 2022 es precedida por su críticamente exaltada exhibición LUZ INSTANTE en la plataforma cultural ARTE ABIERTO* de la ciudad de México y su exhibición individual DIAFANA en la Galeria Elvira Moreno y precede su residencia artística en la renombrada fundación ART OMI** de Ghent en New York.
Artista visual. Vive y trabaja en la Ciudad de México, México. Su trabajo de acción, instalación, intervención y fotografía se ha mostrado en exposiciones individuales y colectivas en México, Estados Unidos, Europa y Asia. Algunos espacios que han presentado su trabajo incluyen Sala de Arte Público Siqueiros, Museo de Arte Carrillo Gil, La Panaderia y Museo Tamayo Arte Contemporáneo en la Ciudad de México, junto con El Museo del Barrio, Anthology Film Archives, White Box y apexart (Nueva York, NY), LAXART, MoLAA (Los Ángeles, CA) Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia (Madrid, España), Centro Nacional de Arte Contemporáneo (Moscú, Rusia), el Museo de Arte Moderno de Fort Worth, TX y el Museo de Arte Contemporáneo Arte de Denver, CO. Su trabajo ha sido ampliamente reseñado y presentado en publicaciones de arte locales e internacionales y periódicos importantes como Artforum, Flash Art, Adbusters, Art Papers, Código, Art Nexus, Discipline, Celeste y The Washington Post, entre muchos otros. En 2008/09, Segura fue artista residente en el International Studio & Curatorial Program, Nueva York, NY y en el 18th Street Arts Center, Santa Monica, CA. Entre 2012 y 2017 realizó residencias artísticas y estancias de investigación en Hangar –Centre de Producció i Recerca d'Arts Visuals (Barcelona, España), MeetFactory – Centro Internacional de Arte Contemporáneo (Praga, República Checa), Fundación Impakt (Utrecht, Países Bajos) ), Casa Wabi (Oaxaca, México) y Seoul Art Space_Geumcheon (Seúl, Corea del Sur). En 2018 es nombrado becario del Sistema Nacional de Creadores Artísticos / FONCA (México). Su acción/instalacion más reciente ocurrió en la Bienal de La Habana 2022 con la instalación titulada “Qué tipo de primavera es ésta, en donde no hay flores yel aire está viciado con un aroma miserable" precedida por su exposición monográfica en el Museo de Arte Contemporáneo de Querétaro, México. . Es miembro fundador y asesor de la junta de SOMA, Ciudad de México.
LUCIO CELIS Celis es un arquitecto, paisajista, artista plástico y músico nacido en Bogotá en 1927 que estudió arquitectura en la Universidad Nacional de Colombia. Durante su prolífica carrera profesional, Celis desarrolló una extensa práctica artística y arquitectónica entre Colombia, Venezuela y Brasil. Actualmente pasa su tiempo creativo en medio de un jardín diseñado entre su estudio y su amigo de toda la vida, el arquitecto paisajista brasileño y mundialmente reconocido Roberto Burle Marx. Entre sus proyectos más destacados se encuentran CN70, una instalación sonora que desarrolló en colaboración con la compositora colombiana Jacqueline Nova y que permaneció inédita hasta 2017 cuando el Museo de Arte Moderno de Bogotá la instaló por primera vez, el método de dormir para lograr un mejor desempeño productivo y creativo, que, por cierto, se dio a conocer internacionalmente en la década de 1950, y por último, su preeminente y extensa serie de collages que comenzó en la década de 1950 y se desarrolló hasta la década de 1970, siendo esta serie un trabajo crítico donde nos advirtió sobre el dañino uso del asbesto en la arquitectura, además como una sublime manifestación constructivista basada en los principios modernistas de Jean Arp. Celis también es conocido por haber creado numerosos proyectos arquitectónicos y paisajísticos en Caracas, Río de Janeiro y Bogotá, la mayoría de ellos destruidos en aras de un urbanismo inconsciente de los cuales tan sólo unos pocos quedan en pie. ** Informado a profundidad sobre publicaciones de arquitectura recolectadas a lo largo de su vida profesional como fuente de información y actualización arquitectónica, Lucio Celis utiliza su minucioso oficio para recortar de ellas formas geométricas y orgánicas para luego ser ensamblados en complejas composiciones visuales tanto bidimensionales como tridimensionales. Los fundamentos de sus formas se inspiran en el principio de Jean Arp de que la humanidad es intrínsecamente una con la naturaleza y la fuente de nuestra inspiración creativa; y su proceso de ensamblaje, un ejercicio recordatorio de que la naturaleza y la humanidad crecen en igualdad de condiciones. Muchos son los mensajes en las obras de esta serie que van desde sus premonitorias advertencias sobre el uso del asbesto hasta los idealismos utópicos de la arquitectura modernista junto a sus antagónicos resultados. Sería muy simplista calificarlos de bellos y sin embargo lo son, y es por ello mismo que en su presencia nos invitan a descubrir mensajes ocultos a través de sus sublimes composiciones.
LUCIO CELIS Celis es un arquitecto, paisajista, artista plástico y músico nacido en Bogotá en 1927 que estudió arquitectura en la Universidad Nacional de Colombia. Durante su prolífica carrera profesional, Celis desarrolló una extensa práctica artística y arquitectónica entre Colombia, Venezuela y Brasil. Actualmente pasa su tiempo creativo en medio de un jardín diseñado entre su estudio y su amigo de toda la vida, el arquitecto paisajista brasileño y mundialmente reconocido Roberto Burle Marx. Entre sus proyectos más destacados se encuentran CN70, una instalación sonora que desarrolló en colaboración con la compositora colombiana Jacqueline Nova y que permaneció inédita hasta 2017 cuando el Museo de Arte Moderno de Bogotá la instaló por primera vez, el método de dormir para lograr un mejor desempeño productivo y creativo, que, por cierto, se dio a conocer internacionalmente en la década de 1950, y por último, su preeminente y extensa serie de collages que comenzó en la década de 1950 y se desarrolló hasta la década de 1970, siendo esta serie un trabajo crítico donde nos advirtió sobre el dañino uso del asbesto en la arquitectura, además como una sublime manifestación constructivista basada en los principios modernistas de Jean Arp. Celis también es conocido por haber creado numerosos proyectos arquitectónicos y paisajísticos en Caracas, Río de Janeiro y Bogotá, la mayoría de ellos destruidos en aras de un urbanismo inconsciente de los cuales tan sólo unos pocos quedan en pie. ** Informado a profundidad sobre publicaciones de arquitectura recolectadas a lo largo de su vida profesional como fuente de información y actualización arquitectónica, Lucio Celis utiliza su minucioso oficio para recortar de ellas formas geométricas y orgánicas para luego ser ensamblados en complejas composiciones visuales tanto bidimensionales como tridimensionales. Los fundamentos de sus formas se inspiran en el principio de Jean Arp de que la humanidad es intrínsecamente una con la naturaleza y la fuente de nuestra inspiración creativa; y su proceso de ensamblaje, un ejercicio recordatorio de que la naturaleza y la humanidad crecen en igualdad de condiciones. Muchos son los mensajes en las obras de esta serie que van desde sus premonitorias advertencias sobre el uso del asbesto hasta los idealismos utópicos de la arquitectura modernista junto a sus antagónicos resultados. Sería muy simplista calificarlos de bellos y sin embargo lo son, y es por ello mismo que en su presencia nos invitan a descubrir mensajes ocultos a través de sus sublimes composiciones.
Nacido en La Habana en 1971, Ernesto Leal estudió arte en Cuba en la Escuela Vocacional de Artes Visuales, en la “Paulita Concepción” de 1983 a 1986, y en la Academia Nacional de Arte San Alejandro de 1987 a 1990. Su trabajo utiliza una variedad de medios, desde pintura y dibujo hasta instalaciones, performance, fotografía y video, cada uno elegido para expresar mejor una idea en particular. Durante los años 80 perteneció al grupo Arte Calle.A través de esta variedad de medios visuales, Ernesto Leal ha estado explorando durante muchos años el lenguaje hablado y el texto escrito. Investiga cómo son usados, mal utilizados, apropiados y subvertidos; comparar y contrastar la diferente evolución de la lengua hablada frente a la escrita. Su trabajo se centra en el análisis de los usos sociales del lenguaje y de las imágenes que se vuelven subversivas cuando se fragmentan, recomponen y descontextualizan. De esta forma, el arte se convierte en un camino hacia el conocimiento, que en lugar de apuntar al objeto mismo, se centra en su dinámica, en su carácter aleatorio, móvil e incompleto. “Creer que uno puede acercarse a las ideas de Ernesto Leal de manera casual es malinterpretar completamente su obra. Leal es un artista que se deleita con las complejidades en capas. Su estética está revestida de sutileza, moderación y residuo. Su proceso de creación artística se forja dentro de un punto de vista conceptual disciplinado templado por una sensibilidad visual sofisticada. Leal pide una gran cantidad de sus audiencias. Los desafía a dedicar el tiempo necesario para llegar a una comprensión tan visceral como visual. Sus exigencias son rigurosas pero nunca son más de lo que él mismo da como artista”. Tim Wride Su obra ha sido expuesta en el LACMA, en la 7ma Bienal de Estambul, Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana, en el MADC, San José, Costa Rica, en el Museo de Arte Samuel Dorsky, Nueva York, en el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC), Badajoz, en la Universidad de Salamanca, España, en el Museo de Arte Moderno (MAM), México. D.F, en el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires, Argentina, en el Museo de Arte Contemporáneo (MARCO), Monterrey, México, sede del IFA, Alemania y la Bienal de La Habana evento organizado por el Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam. Ahora forma parte de la representación cubana en la Documenta de Kassel 2022 curada por Tania Bruguera.
Nacido en La Habana en 1971, Ernesto Leal estudió arte en Cuba en la Escuela Vocacional de Artes Visuales, en la “Paulita Concepción” de 1983 a 1986, y en la Academia Nacional de Arte San Alejandro de 1987 a 1990. Su trabajo utiliza una variedad de medios, desde pintura y dibujo hasta instalaciones, performance, fotografía y video, cada uno elegido para expresar mejor una idea en particular. Durante los años 80 perteneció al grupo Arte Calle.A través de esta variedad de medios visuales, Ernesto Leal ha estado explorando durante muchos años el lenguaje hablado y el texto escrito. Investiga cómo son usados, mal utilizados, apropiados y subvertidos; comparar y contrastar la diferente evolución de la lengua hablada frente a la escrita. Su trabajo se centra en el análisis de los usos sociales del lenguaje y de las imágenes que se vuelven subversivas cuando se fragmentan, recomponen y descontextualizan. De esta forma, el arte se convierte en un camino hacia el conocimiento, que en lugar de apuntar al objeto mismo, se centra en su dinámica, en su carácter aleatorio, móvil e incompleto. “Creer que uno puede acercarse a las ideas de Ernesto Leal de manera casual es malinterpretar completamente su obra. Leal es un artista que se deleita con las complejidades en capas. Su estética está revestida de sutileza, moderación y residuo. Su proceso de creación artística se forja dentro de un punto de vista conceptual disciplinado templado por una sensibilidad visual sofisticada. Leal pide una gran cantidad de sus audiencias. Los desafía a dedicar el tiempo necesario para llegar a una comprensión tan visceral como visual. Sus exigencias son rigurosas pero nunca son más de lo que él mismo da como artista”. Tim Wride Su obra ha sido expuesta en el LACMA, en la 7ma Bienal de Estambul, Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana, en el MADC, San José, Costa Rica, en el Museo de Arte Samuel Dorsky, Nueva York, en el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC), Badajoz, en la Universidad de Salamanca, España, en el Museo de Arte Moderno (MAM), México. D.F, en el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires, Argentina, en el Museo de Arte Contemporáneo (MARCO), Monterrey, México, sede del IFA, Alemania y la Bienal de La Habana evento organizado por el Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam. Ahora forma parte de la representación cubana en la Documenta de Kassel 2022 curada por Tania Bruguera.
Nacido en La Habana en 1971, Ernesto Leal estudió arte en Cuba en la Escuela Vocacional de Artes Visuales, en la “Paulita Concepción” de 1983 a 1986, y en la Academia Nacional de Arte San Alejandro de 1987 a 1990. Su trabajo utiliza una variedad de medios, desde pintura y dibujo hasta instalaciones, performance, fotografía y video, cada uno elegido para expresar mejor una idea en particular. Durante los años 80 perteneció al grupo Arte Calle.A través de esta variedad de medios visuales, Ernesto Leal ha estado explorando durante muchos años el lenguaje hablado y el texto escrito. Investiga cómo son usados, mal utilizados, apropiados y subvertidos; comparar y contrastar la diferente evolución de la lengua hablada frente a la escrita. Su trabajo se centra en el análisis de los usos sociales del lenguaje y de las imágenes que se vuelven subversivas cuando se fragmentan, recomponen y descontextualizan. De esta forma, el arte se convierte en un camino hacia el conocimiento, que en lugar de apuntar al objeto mismo, se centra en su dinámica, en su carácter aleatorio, móvil e incompleto. “Creer que uno puede acercarse a las ideas de Ernesto Leal de manera casual es malinterpretar completamente su obra. Leal es un artista que se deleita con las complejidades en capas. Su estética está revestida de sutileza, moderación y residuo. Su proceso de creación artística se forja dentro de un punto de vista conceptual disciplinado templado por una sensibilidad visual sofisticada. Leal pide una gran cantidad de sus audiencias. Los desafía a dedicar el tiempo necesario para llegar a una comprensión tan visceral como visual. Sus exigencias son rigurosas pero nunca son más de lo que él mismo da como artista”. Tim Wride Su obra ha sido expuesta en el LACMA, en la 7ma Bienal de Estambul, Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana, en el MADC, San José, Costa Rica, en el Museo de Arte Samuel Dorsky, Nueva York, en el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC), Badajoz, en la Universidad de Salamanca, España, en el Museo de Arte Moderno (MAM), México. D.F, en el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires, Argentina, en el Museo de Arte Contemporáneo (MARCO), Monterrey, México, sede del IFA, Alemania y la Bienal de La Habana evento organizado por el Centro de Arte Contemporáneo Wifredo Lam. Ahora forma parte de la representación cubana en la Documenta de Kassel 2022 curada por Tania Bruguera.
Artista visual. Vive y trabaja en la Ciudad de México, México. Su trabajo de acción, instalación, intervención y fotografía se ha mostrado en exposiciones individuales y colectivas en México, Estados Unidos, Europa y Asia. Algunos espacios que han presentado su trabajo incluyen Sala de Arte Público Siqueiros, Museo de Arte Carrillo Gil, La Panaderia y Museo Tamayo Arte Contemporáneo en la Ciudad de México, junto con El Museo del Barrio, Anthology Film Archives, White Box y apexart (Nueva York, NY), LAXART, MoLAA (Los Ángeles, CA) Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia (Madrid, España), Centro Nacional de Arte Contemporáneo (Moscú, Rusia), el Museo de Arte Moderno de Fort Worth, TX y el Museo de Arte Contemporáneo Arte de Denver, CO. Su trabajo ha sido ampliamente reseñado y presentado en publicaciones de arte locales e internacionales y periódicos importantes como Artforum, Flash Art, Adbusters, Art Papers, Código, Art Nexus, Discipline, Celeste y The Washington Post, entre muchos otros. En 2008/09, Segura fue artista residente en el International Studio & Curatorial Program, Nueva York, NY y en el 18th Street Arts Center, Santa Monica, CA. Entre 2012 y 2017 realizó residencias artísticas y estancias de investigación en Hangar –Centre de Producció i Recerca d'Arts Visuals (Barcelona, España), MeetFactory – Centro Internacional de Arte Contemporáneo (Praga, República Checa), Fundación Impakt (Utrecht, Países Bajos) ), Casa Wabi (Oaxaca, México) y Seoul Art Space_Geumcheon (Seúl, Corea del Sur). En 2018 es nombrado becario del Sistema Nacional de Creadores Artísticos / FONCA (México). Su acción/instalacion más reciente ocurrió en la Bienal de La Habana 2022 con la instalación titulada “Qué tipo de primavera es ésta, en donde no hay flores yel aire está viciado con un aroma miserable" precedida por su exposición monográfica en el Museo de Arte Contemporáneo de Querétaro, México. . Es miembro fundador y asesor de la junta de SOMA, Ciudad de México.
Artista visual. Vive y trabaja en la Ciudad de México, México. Su trabajo de acción, instalación, intervención y fotografía se ha mostrado en exposiciones individuales y colectivas en México, Estados Unidos, Europa y Asia. Algunos espacios que han presentado su trabajo incluyen Sala de Arte Público Siqueiros, Museo de Arte Carrillo Gil, La Panaderia y Museo Tamayo Arte Contemporáneo en la Ciudad de México, junto con El Museo del Barrio, Anthology Film Archives, White Box y apexart (Nueva York, NY), LAXART, MoLAA (Los Ángeles, CA) Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia (Madrid, España), Centro Nacional de Arte Contemporáneo (Moscú, Rusia), el Museo de Arte Moderno de Fort Worth, TX y el Museo de Arte Contemporáneo Arte de Denver, CO. Su trabajo ha sido ampliamente reseñado y presentado en publicaciones de arte locales e internacionales y periódicos importantes como Artforum, Flash Art, Adbusters, Art Papers, Código, Art Nexus, Discipline, Celeste y The Washington Post, entre muchos otros. En 2008/09, Segura fue artista residente en el International Studio & Curatorial Program, Nueva York, NY y en el 18th Street Arts Center, Santa Monica, CA. Entre 2012 y 2017 realizó residencias artísticas y estancias de investigación en Hangar –Centre de Producció i Recerca d'Arts Visuals (Barcelona, España), MeetFactory – Centro Internacional de Arte Contemporáneo (Praga, República Checa), Fundación Impakt (Utrecht, Países Bajos) ), Casa Wabi (Oaxaca, México) y Seoul Art Space_Geumcheon (Seúl, Corea del Sur). En 2018 es nombrado becario del Sistema Nacional de Creadores Artísticos / FONCA (México). Su acción/instalacion más reciente ocurrió en la Bienal de La Habana 2022 con la instalación titulada “Qué tipo de primavera es ésta, en donde no hay flores yel aire está viciado con un aroma miserable" precedida por su exposición monográfica en el Museo de Arte Contemporáneo de Querétaro, México. . Es miembro fundador y asesor de la junta de SOMA, Ciudad de México.
Su práctica artística examina las condiciones de percepción dentro de diferentes espacios y fomenta situaciones de inmersión que invitan a la intimidad del descubrimiento. Sus intereses se vinculan con la transformación del espacio a través de fenómenos naturales como los movimientos de la luz, los viajes del sonido y la dinámica de las fuerzas fluidas. Desarrolla proyectos que la llevan a construir escenarios abstractos y metafóricos marcados por las dualidades interior-exterior, natural-construido, realidad-representación. En estos proyectos explora cómo el paso del tiempo, lo aleatorio, los ritmos de la naturaleza y las experiencias individuales establecen las pautas para la creación de paisajes interiores. Matemática por la Universidad Nacional Autónoma de México. Realizó estudios de maestría en Artes Visuales en la Academia de San Carlos y cursó estudios en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York. Ha participado en diversas residencias artísticas como MMCA Residency International Artist Fellowship Program del National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA/Korea), Art OMI (Nueva York), Flux Factory (Nueva York), York y The Hollows (Nueva York). Ha obtenido apoyos y becas para proyectos como el Programa de Residencias de Perfeccionamiento Artístico del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA, 2014), Programa de Apoyo a la Producción e Investigación en Arte y Medios del Centro Nacional de las Artes (CENART, 2015), Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA, 2016-2017) y Arte Ciencia y Tecnologías (ACT-FONCA 2018). Obras suyas se encuentran en colecciones del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO) y en Universum Museo de las Ciencias, UNAM. En 2017 obtuvo el Premio del público en la XII Bienal FEMSA (Monterrey, México) otorgado por FEMSA y CONARTE. Su participación en ArtBo 2022 es precedida por su críticamente exaltada exhibición LUZ INSTANTE en la plataforma cultural ARTE ABIERTO* de la ciudad de México y su exhibición individual DIAFANA en la Galeria Elvira Moreno y precede su residencia artística en la renombrada fundación ART OMI** de Ghent en New York.
Federico Ovalles nació en la ciudad de Caracas en 1972. Estudió dibujo, pintura y escultura en la Escuela de Artes Cristóbal Rojas y en el Instituto de Artes Visuales Armando Reverón (IUESAPAR). En 1996 se radicó en Londres durante seis años, realiza estudios de dibujo y pintura en el Westminster College, videoarte en el Camberwell School of Art, arte y computación en el Tower Hamlet College y de grabado en el London College of Printing. "Me interesa trabajar con ideas divergentes entre triunfos y fracasos de la modernidad latinoamericana y sus consecuencias, expresadas en aquellas zonas de la urbe actual que funcionan como “no ciudad” y en contraste con la majestuosidad arquitectónica de grandes obras que erigieron a la ciudad latinoamericana moderna de mediados del siglo XX. Los ejes principales de mi observación y exploración son la arquitectura, la geometría, el abstraccionismo y constructivismo histórico, abordándolo más allá de la tradición, a través de la Inmediatez, la provisionalidad, el ordenamiento espontáneo y la precariedad constructiva que tanto marca la realidad en el presente de la América Latina. Contrapongo materiales disimiles para crear piezas de ensamblaje e instalaciones que referencian lo arquitectónico de manera frágil o provisional, también construyo geometrías sobre tejidos o fibras naturales y con materiales encontrados en la ciudad."
Federico Ovalles nació en la ciudad de Caracas en 1972. Estudió dibujo, pintura y escultura en la Escuela de Artes Cristóbal Rojas y en el Instituto de Artes Visuales Armando Reverón (IUESAPAR). En 1996 se radicó en Londres durante seis años, realiza estudios de dibujo y pintura en el Westminster College, videoarte en el Camberwell School of Art, arte y computación en el Tower Hamlet College y de grabado en el London College of Printing. "Me interesa trabajar con ideas divergentes entre triunfos y fracasos de la modernidad latinoamericana y sus consecuencias, expresadas en aquellas zonas de la urbe actual que funcionan como “no ciudad” y en contraste con la majestuosidad arquitectónica de grandes obras que erigieron a la ciudad latinoamericana moderna de mediados del siglo XX. Los ejes principales de mi observación y exploración son la arquitectura, la geometría, el abstraccionismo y constructivismo histórico, abordándolo más allá de la tradición, a través de la Inmediatez, la provisionalidad, el ordenamiento espontáneo y la precariedad constructiva que tanto marca la realidad en el presente de la América Latina. Contrapongo materiales disimiles para crear piezas de ensamblaje e instalaciones que referencian lo arquitectónico de manera frágil o provisional, también construyo geometrías sobre tejidos o fibras naturales y con materiales encontrados en la ciudad."
Federico Ovalles nació en la ciudad de Caracas en 1972. Estudió dibujo, pintura y escultura en la Escuela de Artes Cristóbal Rojas y en el Instituto de Artes Visuales Armando Reverón (IUESAPAR). En 1996 se radicó en Londres durante seis años, realiza estudios de dibujo y pintura en el Westminster College, videoarte en el Camberwell School of Art, arte y computación en el Tower Hamlet College y de grabado en el London College of Printing. "Me interesa trabajar con ideas divergentes entre triunfos y fracasos de la modernidad latinoamericana y sus consecuencias, expresadas en aquellas zonas de la urbe actual que funcionan como “no ciudad” y en contraste con la majestuosidad arquitectónica de grandes obras que erigieron a la ciudad latinoamericana moderna de mediados del siglo XX. Los ejes principales de mi observación y exploración son la arquitectura, la geometría, el abstraccionismo y constructivismo histórico, abordándolo más allá de la tradición, a través de la Inmediatez, la provisionalidad, el ordenamiento espontáneo y la precariedad constructiva que tanto marca la realidad en el presente de la América Latina. Contrapongo materiales disimiles para crear piezas de ensamblaje e instalaciones que referencian lo arquitectónico de manera frágil o provisional, también construyo geometrías sobre tejidos o fibras naturales y con materiales encontrados en la ciudad."
La abstracción geométrica en América Latina rastrea los inicios del movimiento artístico "concretismo" a través de las teorías de Theo Van Doesburg (1918) y una década después al manifiesto constructivista del grupo "Círculo y Cuadrado" (1931) que contó con el artista uruguayo Joaquín Torres García. El regreso de Torres García a América Latina (1934) inició una tradición artística geométrica que luego se convirtió en una de las identidades creativas esenciales de la región, partiendo de los cánones tradicionales establecidos y estableciendo vínculos con las tendencias artísticas de la posguerra del continente europeo. El estudio de la evolución histórica del concretismo en América Latina en nuestras exposiciones anteriores nos ha llevado a descubrir las conexiones de la abstracción geométrica en Colombia en la faceta hasta ahora desconocida de uno de los grandes representantes del género, el maestro artista Jorge Riveros. El propósito de la Galería Elvira Moreno es presentar en ArtBo 2022 una selección de las obras más trascendentales en la evolución artística del maestro Riveros y presentar por segunda vez en su historia expositiva en ferias de arte sus vínculos como miembro fundador de una de los grupos de artistas más influyentes de la Europa de la posguerra, los Semikolon. Kunstergruppe en Alemania (1968). La representación de tales obras de arte seminales enfatiza el uso principal por parte del artista de materiales como la madera en formas totémicas escultóricas, la identidad pública del grupo en la ciudad de Bonn en la década de 1960, el uso de tales materiales en relieves murales monocromáticos y grabados en madera. (xilograbados antiguos) que presenta una revisión histórica de obras nunca antes expuestas en la vida artística del maestro Jorge Riveros.
La abstracción geométrica en América Latina rastrea los inicios del movimiento artístico "concretismo" a través de las teorías de Theo Van Doesburg (1918) y una década después al manifiesto constructivista del grupo "Círculo y Cuadrado" (1931) que contó con el artista uruguayo Joaquín Torres García. El regreso de Torres García a América Latina (1934) inició una tradición artística geométrica que luego se convirtió en una de las identidades creativas esenciales de la región, partiendo de los cánones tradicionales establecidos y estableciendo vínculos con las tendencias artísticas de la posguerra del continente europeo. El estudio de la evolución histórica del concretismo en América Latina en nuestras exposiciones anteriores nos ha llevado a descubrir las conexiones de la abstracción geométrica en Colombia en la faceta hasta ahora desconocida de uno de los grandes representantes del género, el maestro artista Jorge Riveros. El propósito de la Galería Elvira Moreno es presentar en ArtBo 2022 una selección de las obras más trascendentales en la evolución artística del maestro Riveros y presentar por segunda vez en su historia expositiva en ferias de arte sus vínculos como miembro fundador de una de los grupos de artistas más influyentes de la Europa de la posguerra, los Semikolon. Kunstergruppe en Alemania (1968). La representación de tales obras de arte seminales enfatiza el uso principal por parte del artista de materiales como la madera en formas totémicas escultóricas, la identidad pública del grupo en la ciudad de Bonn en la década de 1960, el uso de tales materiales en relieves murales monocromáticos y grabados en madera. (xilograbados antiguos) que presenta una revisión histórica de obras nunca antes expuestas en la vida artística del maestro Jorge Riveros.
La abstracción geométrica en América Latina rastrea los inicios del movimiento artístico "concretismo" a través de las teorías de Theo Van Doesburg (1918) y una década después al manifiesto constructivista del grupo "Círculo y Cuadrado" (1931) que contó con el artista uruguayo Joaquín Torres García. El regreso de Torres García a América Latina (1934) inició una tradición artística geométrica que luego se convirtió en una de las identidades creativas esenciales de la región, partiendo de los cánones tradicionales establecidos y estableciendo vínculos con las tendencias artísticas de la posguerra del continente europeo. El estudio de la evolución histórica del concretismo en América Latina en nuestras exposiciones anteriores nos ha llevado a descubrir las conexiones de la abstracción geométrica en Colombia en la faceta hasta ahora desconocida de uno de los grandes representantes del género, el maestro artista Jorge Riveros. El propósito de la Galería Elvira Moreno es presentar en ArtBo 2022 una selección de las obras más trascendentales en la evolución artística del maestro Riveros y presentar por segunda vez en su historia expositiva en ferias de arte sus vínculos como miembro fundador de una de los grupos de artistas más influyentes de la Europa de la posguerra, los Semikolon. Kunstergruppe en Alemania (1968). La representación de tales obras de arte seminales enfatiza el uso principal por parte del artista de materiales como la madera en formas totémicas escultóricas, la identidad pública del grupo en la ciudad de Bonn en la década de 1960, el uso de tales materiales en relieves murales monocromáticos y grabados en madera. (xilograbados antiguos) que presenta una revisión histórica de obras nunca antes expuestas en la vida artística del maestro Jorge Riveros.
Su práctica artística examina las condiciones de percepción dentro de diferentes espacios y fomenta situaciones de inmersión que invitan a la intimidad del descubrimiento. Sus intereses se vinculan con la transformación del espacio a través de fenómenos naturales como los movimientos de la luz, los viajes del sonido y la dinámica de las fuerzas fluidas. Desarrolla proyectos que la llevan a construir escenarios abstractos y metafóricos marcados por las dualidades interior-exterior, natural-construido, realidad-representación. En estos proyectos explora cómo el paso del tiempo, lo aleatorio, los ritmos de la naturaleza y las experiencias individuales establecen las pautas para la creación de paisajes interiores. Matemática por la Universidad Nacional Autónoma de México. Realizó estudios de maestría en Artes Visuales en la Academia de San Carlos y cursó estudios en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York. Ha participado en diversas residencias artísticas como MMCA Residency International Artist Fellowship Program del National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA/Korea), Art OMI (Nueva York), Flux Factory (Nueva York), York y The Hollows (Nueva York). Ha obtenido apoyos y becas para proyectos como el Programa de Residencias de Perfeccionamiento Artístico del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA, 2014), Programa de Apoyo a la Producción e Investigación en Arte y Medios del Centro Nacional de las Artes (CENART, 2015), Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA, 2016-2017) y Arte Ciencia y Tecnologías (ACT-FONCA 2018). Obras suyas se encuentran en colecciones del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO) y en Universum Museo de las Ciencias, UNAM. En 2017 obtuvo el Premio del público en la XII Bienal FEMSA (Monterrey, México) otorgado por FEMSA y CONARTE. Su participación en ArtBo 2022 es precedida por su críticamente exaltada exhibición LUZ INSTANTE en la plataforma cultural ARTE ABIERTO* de la ciudad de México y su exhibición individual DIAFANA en la Galeria Elvira Moreno y precede su residencia artística en la renombrada fundación ART OMI** de Ghent en New York.
LUCIO CELIS Celis es un arquitecto, paisajista, artista plástico y músico nacido en Bogotá en 1927 que estudió arquitectura en la Universidad Nacional de Colombia. Durante su prolífica carrera profesional, Celis desarrolló una extensa práctica artística y arquitectónica entre Colombia, Venezuela y Brasil. Actualmente pasa su tiempo creativo en medio de un jardín diseñado entre su estudio y su amigo de toda la vida, el arquitecto paisajista brasileño y mundialmente reconocido Roberto Burle Marx. Entre sus proyectos más destacados se encuentran CN70, una instalación sonora que desarrolló en colaboración con la compositora colombiana Jacqueline Nova y que permaneció inédita hasta 2017 cuando el Museo de Arte Moderno de Bogotá la instaló por primera vez, el método de dormir para lograr un mejor desempeño productivo y creativo, que, por cierto, se dio a conocer internacionalmente en la década de 1950, y por último, su preeminente y extensa serie de collages que comenzó en la década de 1950 y se desarrolló hasta la década de 1970, siendo esta serie un trabajo crítico donde nos advirtió sobre el dañino uso del asbesto en la arquitectura, además como una sublime manifestación constructivista basada en los principios modernistas de Jean Arp. Celis también es conocido por haber creado numerosos proyectos arquitectónicos y paisajísticos en Caracas, Río de Janeiro y Bogotá, la mayoría de ellos destruidos en aras de un urbanismo inconsciente de los cuales tan sólo unos pocos quedan en pie. ** Informado a profundidad sobre publicaciones de arquitectura recolectadas a lo largo de su vida profesional como fuente de información y actualización arquitectónica, Lucio Celis utiliza su minucioso oficio para recortar de ellas formas geométricas y orgánicas para luego ser ensamblados en complejas composiciones visuales tanto bidimensionales como tridimensionales. Los fundamentos de sus formas se inspiran en el principio de Jean Arp de que la humanidad es intrínsecamente una con la naturaleza y la fuente de nuestra inspiración creativa; y su proceso de ensamblaje, un ejercicio recordatorio de que la naturaleza y la humanidad crecen en igualdad de condiciones. Muchos son los mensajes en las obras de esta serie que van desde sus premonitorias advertencias sobre el uso del asbesto hasta los idealismos utópicos de la arquitectura modernista junto a sus antagónicos resultados. Sería muy simplista calificarlos de bellos y sin embargo lo son, y es por ello mismo que en su presencia nos invitan a descubrir mensajes ocultos a través de sus sublimes composiciones.
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