Un programa de la Cámara de Comercio de Bogotá
Un programa cultural de:
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EL PAISAJE INTERROGADO
Un grupo de artistas compuesto por Julián Burgos, Radenko Milak, Andrés Monzón, Jeison Sierra y Ana María Velázquez indagan sobre la construcción relacional del paisaje. Sean construidos, intervenidos o modificados por el hombre, estos develan la complejidad cultural del presente. Interrogar el paisaje del pasado, el futuro o el planetario, o el mismo paisaje cultural en el cual estamos insertos, ilumina las relaciones materiales, sociales y ecológicas de nuestra época.
Jeison Sierra hace una reflexión onírica sobre sus paisajes de infancia en el Bajo Cauca, afectado por la explotación ilegal de oro, el desplazamiento forzado y la lucha por el dominio del territorio.
Julián Burgos continúa su estudio del paisaje barroco y su inserción en una estética contemporánea. Continuando con los aspectos formales del paisaje, Andrés Monzón presenta sus esculturas abstractas que evocan las formas básicas de la naturaleza. Finalmente, Ana María Velázquez trae sus gallinazos a merodear al lado de las visiones fantásticas de Radenko Milak.
Nuestra comprensión de las interacciones simbióticas entre cultura y paisaje son vitales para comprender de las consecuencias iluminadas o trágicas de nuestra relación con el mundo natural, al cual pertenecemos.
La Balsa Arte comenzó actividades en el 2014 en Bogotá. Se planteó como objetivo representar, promover y exponer la obra de artistas nacionales, colombianos residentes en el exterior y artistas internacionales cuyo trabajo reflejara procesos de investigación en problemáticas contemporáneas. Considerando que el campo de la plástica es una herramienta potente para pensar, confrontar o reinterpretar las relaciones de un mundo globalizado, La Balsa Arte se ha enfocado mantener una conversación estrecha con artistas de varias generaciones. La investigación en arte se refiere al emprendimiento de cualquier actividad sistemática cuyo objetivo es ampliar las fronteras de comprensión y conocimiento, tanto estéticas como en las ciencias sociales, las relaciones entre cultura y sociedad, historia desarrollo del mundo actual.
En sus años de actividad, ha patrocinado la participación de sus artistas en ferias, intercambios culturales, residencias y apoyo logístico para producción, desde sus sedes en Bogotá y Medellín.
Desde hace más de dos años, Ana María Velásquez enfoca su atención sobre este ser misterioso y sombrío, para realizar una reflexión minuciosa sobre sus condiciones de existencia, se ha convertido en una experta en esa ave que, silenciosa y muy sociable, suele reunirse en grandes grupos o bandadas. Ella se interesa en su morfología compleja, en el número y forma de su plumaje, en su esqueleto y en sus hábitos. De la mano de expertos, se ha reconocido su importancia y dignidad, ya que cohabitan con el hombre en las ciudades, haciendo el trabajo sucio generado por los desechos y basuras, al punto de convertirse en uno de los elementos más del complejos ecosistema que hemos creado. En su trabajo, Velásquez explora de manera consciente, investiga posibilidades materiales y estéticas que oscilan entre la radiografía y dibujo, la escultura y la producción serial-manual de partes (ojos, huesos, plumas, patas) para dar cuenta, desde su taller de científico loco, de este animal prehistórico. Y lo hace precisamente a partir de desechos que provienen de nuestro uso indiscriminado de materiales artificiales e industriales recolectados y clasificados por ella con un afán científico. El hecho es que la impronta que deja el hombre sobre el planeta se verifica; es profunda, diseminada e innegable.
Desde hace más de dos años, Ana María Velásquez enfoca su atención sobre este ser misterioso y sombrío, para realizar una reflexión minuciosa sobre sus condiciones de existencia, se ha convertido en una experta en esa ave que, silenciosa y muy sociable, suele reunirse en grandes grupos o bandadas. Ella se interesa en su morfología compleja, en el número y forma de su plumaje, en su esqueleto y en sus hábitos. De la mano de expertos, se ha reconocido su importancia y dignidad, ya que cohabitan con el hombre en las ciudades, haciendo el trabajo sucio generado por los desechos y basuras, al punto de convertirse en uno de los elementos más del complejos ecosistema que hemos creado. En su trabajo, Velásquez explora de manera consciente, investiga posibilidades materiales y estéticas que oscilan entre la radiografía y dibujo, la escultura y la producción serial-manual de partes (ojos, huesos, plumas, patas) para dar cuenta, desde su taller de científico loco, de este animal prehistórico. Y lo hace precisamente a partir de desechos que provienen de nuestro uso indiscriminado de materiales artificiales e industriales recolectados y clasificados por ella con un afán científico. El hecho es que la impronta que deja el hombre sobre el planeta se verifica; es profunda, diseminada e innegable.
Desde hace más de dos años, Ana María Velásquez enfoca su atención sobre este ser misterioso y sombrío, para realizar una reflexión minuciosa sobre sus condiciones de existencia, se ha convertido en una experta en esa ave que, silenciosa y muy sociable, suele reunirse en grandes grupos o bandadas. Ella se interesa en su morfología compleja, en el número y forma de su plumaje, en su esqueleto y en sus hábitos. De la mano de expertos, se ha reconocido su importancia y dignidad, ya que cohabitan con el hombre en las ciudades, haciendo el trabajo sucio generado por los desechos y basuras, al punto de convertirse en uno de los elementos más del complejos ecosistema que hemos creado. En su trabajo, Velásquez explora de manera consciente, investiga posibilidades materiales y estéticas que oscilan entre la radiografía y dibujo, la escultura y la producción serial-manual de partes (ojos, huesos, plumas, patas) para dar cuenta, desde su taller de científico loco, de este animal prehistórico. Y lo hace precisamente a partir de desechos que provienen de nuestro uso indiscriminado de materiales artificiales e industriales recolectados y clasificados por ella con un afán científico. El hecho es que la impronta que deja el hombre sobre el planeta se verifica; es profunda, diseminada e innegable.
Para Burgos, tanto la pintura clásica como la contemporánea son como los sueños, una compresión de la realidad y del inconsciente colectivo. Sus obras representan la época actual con alusiones a periodos antiguos. “Mis obras son como un tornado que pasa por un pueblo. El tornado lleva casas, árboles, perros; todo lo que recogió del paisaje. Pero lo que está en el tornado no es el pueblo, son los elementos del pueblo. En este sentido, podría decir que mi obra es abstracta más que figurativa”, comenta Burgos. El proceso creativo del artista parte del Renacimiento, un periodo que genera una gran influencia en sus obras pues es la época en la que nace la sociedad de consumo, producto de las revoluciones industriales. En el siglo XV y XVI surge el humanismo renacentista y aparecen en la pintura nuevos símbolos que se convertirán en lo que hoy reconocemos como publicidad, pornografia y el retrato como culto a la personalidad. Fragmento del texto de Eugenio Viola
Para Burgos, tanto la pintura clásica como la contemporánea son como los sueños, una compresión de la realidad y del inconsciente colectivo. Sus obras representan la época actual con alusiones a periodos antiguos. “Mis obras son como un tornado que pasa por un pueblo. El tornado lleva casas, árboles, perros; todo lo que recogió del paisaje. Pero lo que está en el tornado no es el pueblo, son los elementos del pueblo. En este sentido, podría decir que mi obra es abstracta más que figurativa”, comenta Burgos. El proceso creativo del artista parte del Renacimiento, un periodo que genera una gran influencia en sus obras pues es la época en la que nace la sociedad de consumo, producto de las revoluciones industriales. En el siglo XV y XVI surge el humanismo renacentista y aparecen en la pintura nuevos símbolos que se convertirán en lo que hoy reconocemos como publicidad, pornografia y el retrato como culto a la personalidad. Fragmento del texto de Eugenio Viola
Para Burgos, tanto la pintura clásica como la contemporánea son como los sueños, una compresión de la realidad y del inconsciente colectivo. Sus obras representan la época actual con alusiones a periodos antiguos. “Mis obras son como un tornado que pasa por un pueblo. El tornado lleva casas, árboles, perros; todo lo que recogió del paisaje. Pero lo que está en el tornado no es el pueblo, son los elementos del pueblo. En este sentido, podría decir que mi obra es abstracta más que figurativa”, comenta Burgos. El proceso creativo del artista parte del Renacimiento, un periodo que genera una gran influencia en sus obras pues es la época en la que nace la sociedad de consumo, producto de las revoluciones industriales. En el siglo XV y XVI surge el humanismo renacentista y aparecen en la pintura nuevos símbolos que se convertirán en lo que hoy reconocemos como publicidad, pornografia y el retrato como culto a la personalidad. Fragmento del texto de Eugenio Viola
Andrés Monzón es un artista Colombo-Estadounidense, utiliza la pintura, la escultura y la gestión cultural para reflexionar sobre temas de identidad y ejercer la auto-aserción y empoderamiento después del destierro. En su práctica artística, Monzón medita sobre la historia del desplazamiento, el mestizaje y la herencia de la región del norte de los Andes. Por tal razón, su trabajo incorpora elementos del arte y la iconografía de las Américas. En escultura trabaja mayormente con cerámica citando objetos históricos como aquellos de los períodos clásicos de las culturas Tumaco La-Tolita y Quimbaya. Su trabajo bidimensional hace referencia a imágenes icónicas latinoamericanas y retratos de personas en sus círculos sociales.
Andrés Monzón es un artista Colombo-Estadounidense, utiliza la pintura, la escultura y la gestión cultural para reflexionar sobre temas de identidad y ejercer la auto-aserción y empoderamiento después del destierro. En su práctica artística, Monzón medita sobre la historia del desplazamiento, el mestizaje y la herencia de la región del norte de los Andes. Por tal razón, su trabajo incorpora elementos del arte y la iconografía de las Américas. En escultura trabaja mayormente con cerámica citando objetos históricos como aquellos de los períodos clásicos de las culturas Tumaco La-Tolita y Quimbaya. Su trabajo bidimensional hace referencia a imágenes icónicas latinoamericanas y retratos de personas en sus círculos sociales.
Andrés Monzón es un artista Colombo-Estadounidense, utiliza la pintura, la escultura y la gestión cultural para reflexionar sobre temas de identidad y ejercer la auto-aserción y empoderamiento después del destierro. En su práctica artística, Monzón medita sobre la historia del desplazamiento, el mestizaje y la herencia de la región del norte de los Andes. Por tal razón, su trabajo incorpora elementos del arte y la iconografía de las Américas. En escultura trabaja mayormente con cerámica citando objetos históricos como aquellos de los períodos clásicos de las culturas Tumaco La-Tolita y Quimbaya. Su trabajo bidimensional hace referencia a imágenes icónicas latinoamericanas y retratos de personas en sus círculos sociales.
La conciencia del espacio vital como planteamiento artístico es el resultado de inquietudes que deambulan por el paisaje y los modos de habitarlo, y que pretenden generar diálogos con el espectador desde una visión subjetiva. Un núcleo de su obra es la caída de aquel mundo del que partió: el de su pueblo y su niñez. Los paisajes de Sierra no son eco de un referente que exista objetivamente fuera de él, sino su particular construcción, su recreación. Habla de una pérdida: la del territorio y la fractura de aquellos lugares de la infancia que han sido intervenidos por la minería ilegal y desenfrenada. El éxodo constituye el punto de inflexión de su experiencia vital. La carga emotiva del desarraigo y la soledad se convierten en detonantes de sentido. La ausencia se manifiesta en los paisajes desolados y abrumadores. Sus propuestas invitan a reflexionar sobre cómo esos paisajes son consumidos por una minería sin control, de manera que hoy muchos de ellos solo son un recuerdo, ya no existen. Asume la memoria como arma crítica. Una memoria que reclama. De ahí que el negro es el color sobre el que proyecta su mirada. Es su expresión. No hay en sus obras una denuncia en el sentido estricto, sino el registro vibrante de cómo se asiste con impotencia a la pérdida de un lugar. En sus propias palabras “Entender que somos seres que habitamos en un espacio que poco a poco hemos ido devastando, hace que comience a investigar de manera más profunda en las causas y efectos sobre el paisaje. Para mí la fiebre del oro no es riqueza ni prosperidad, sino inhabilitación y despojo. Se destruye a cambio de una pepita de oro”. Texto de Sol Beatriz Giraldo.
La conciencia del espacio vital como planteamiento artístico es el resultado de inquietudes que deambulan por el paisaje y los modos de habitarlo, y que pretenden generar diálogos con el espectador desde una visión subjetiva. Un núcleo de su obra es la caída de aquel mundo del que partió: el de su pueblo y su niñez. Los paisajes de Sierra no son eco de un referente que exista objetivamente fuera de él, sino su particular construcción, su recreación. Habla de una pérdida: la del territorio y la fractura de aquellos lugares de la infancia que han sido intervenidos por la minería ilegal y desenfrenada. El éxodo constituye el punto de inflexión de su experiencia vital. La carga emotiva del desarraigo y la soledad se convierten en detonantes de sentido. La ausencia se manifiesta en los paisajes desolados y abrumadores. Sus propuestas invitan a reflexionar sobre cómo esos paisajes son consumidos por una minería sin control, de manera que hoy muchos de ellos solo son un recuerdo, ya no existen. Asume la memoria como arma crítica. Una memoria que reclama. De ahí que el negro es el color sobre el que proyecta su mirada. Es su expresión. No hay en sus obras una denuncia en el sentido estricto, sino el registro vibrante de cómo se asiste con impotencia a la pérdida de un lugar. En sus propias palabras “Entender que somos seres que habitamos en un espacio que poco a poco hemos ido devastando, hace que comience a investigar de manera más profunda en las causas y efectos sobre el paisaje. Para mí la fiebre del oro no es riqueza ni prosperidad, sino inhabilitación y despojo. Se destruye a cambio de una pepita de oro”. Texto de Sol Beatriz Giraldo.
La conciencia del espacio vital como planteamiento artístico es el resultado de inquietudes que deambulan por el paisaje y los modos de habitarlo, y que pretenden generar diálogos con el espectador desde una visión subjetiva. Un núcleo de su obra es la caída de aquel mundo del que partió: el de su pueblo y su niñez. Los paisajes de Sierra no son eco de un referente que exista objetivamente fuera de él, sino su particular construcción, su recreación. Habla de una pérdida: la del territorio y la fractura de aquellos lugares de la infancia que han sido intervenidos por la minería ilegal y desenfrenada. El éxodo constituye el punto de inflexión de su experiencia vital. La carga emotiva del desarraigo y la soledad se convierten en detonantes de sentido. La ausencia se manifiesta en los paisajes desolados y abrumadores. Sus propuestas invitan a reflexionar sobre cómo esos paisajes son consumidos por una minería sin control, de manera que hoy muchos de ellos solo son un recuerdo, ya no existen. Asume la memoria como arma crítica. Una memoria que reclama. De ahí que el negro es el color sobre el que proyecta su mirada. Es su expresión. No hay en sus obras una denuncia en el sentido estricto, sino el registro vibrante de cómo se asiste con impotencia a la pérdida de un lugar. En sus propias palabras “Entender que somos seres que habitamos en un espacio que poco a poco hemos ido devastando, hace que comience a investigar de manera más profunda en las causas y efectos sobre el paisaje. Para mí la fiebre del oro no es riqueza ni prosperidad, sino inhabilitación y despojo. Se destruye a cambio de una pepita de oro”. Texto de Sol Beatriz Giraldo.
Las acuarelas en blanco y negro a gran escala de Radenko Milak, basadas en fotografías encontradas en periódicos, tarjetas postales y archivos, cuestionan el modo en que las imágenes de los medios de comunicación perduran en la conciencia colectiva. Le interesan los traumas de posguerra y la documentación de los conflictos políticos, en concreto, las imágenes tomadas por el fotoperiodista Ron Haviv durante la guerra de 1992 en Bosnia, un conflicto que afectó personalmente a Milak. Milak estudió en la Academia de Artes de la Universidad de Banja Luka y en la Universidad de Artes de Belgrado. Representó a Bosnia y Herzegovina junto con Roman Uranjek y varios otros artistas invitados en la Bienal de Venecia de 2017, con una maravilla de pinturas, collages y películas llamada "University of Disaster", y celebró una exposición individual en The Armory Show en 2021. Su serie "Corona" ilustra los efectos de la pandemia de COVID-19 en la sociedad, exponiendo ciudades vacías como en Quarantine August 2020, Nueva Delhi, India (2020), así como locales cerrados y lugares de culto vacíos.
Las acuarelas en blanco y negro a gran escala de Radenko Milak, basadas en fotografías encontradas en periódicos, tarjetas postales y archivos, cuestionan el modo en que las imágenes de los medios de comunicación perduran en la conciencia colectiva. Le interesan los traumas de posguerra y la documentación de los conflictos políticos, en concreto, las imágenes tomadas por el fotoperiodista Ron Haviv durante la guerra de 1992 en Bosnia, un conflicto que afectó personalmente a Milak. Milak estudió en la Academia de Artes de la Universidad de Banja Luka y en la Universidad de Artes de Belgrado. Representó a Bosnia y Herzegovina junto con Roman Uranjek y varios otros artistas invitados en la Bienal de Venecia de 2017, con una maravilla de pinturas, collages y películas llamada "University of Disaster", y celebró una exposición individual en The Armory Show en 2021. Su serie "Corona" ilustra los efectos de la pandemia de COVID-19 en la sociedad, exponiendo ciudades vacías como en Quarantine August 2020, Nueva Delhi, India (2020), así como locales cerrados y lugares de culto vacíos.
Las acuarelas en blanco y negro a gran escala de Radenko Milak, basadas en fotografías encontradas en periódicos, tarjetas postales y archivos, cuestionan el modo en que las imágenes de los medios de comunicación perduran en la conciencia colectiva. Le interesan los traumas de posguerra y la documentación de los conflictos políticos, en concreto, las imágenes tomadas por el fotoperiodista Ron Haviv durante la guerra de 1992 en Bosnia, un conflicto que afectó personalmente a Milak. Milak estudió en la Academia de Artes de la Universidad de Banja Luka y en la Universidad de Artes de Belgrado. Representó a Bosnia y Herzegovina junto con Roman Uranjek y varios otros artistas invitados en la Bienal de Venecia de 2017, con una maravilla de pinturas, collages y películas llamada "University of Disaster", y celebró una exposición individual en The Armory Show en 2021. Su serie "Corona" ilustra los efectos de la pandemia de COVID-19 en la sociedad, exponiendo ciudades vacías como en Quarantine August 2020, Nueva Delhi, India (2020), así como locales cerrados y lugares de culto vacíos.
