CENTRO HISTÓRICO

Galeria Christopher Paschall sXXI

Esta exposición busca reflexionar sobre la situación y los efectos mundiales que ha traído el COVID-19. Los 28 artistas que participan han sido contactados por medios virtuales; y producen una obra inédita durante su cuarentena que será exhibida en la primera exposición virtual de la galería Christopher Paschall sXXI.

Contacto

Galeria
Galería Christopher Paschall sXXI
Christopher Paschall
Calle 9 # 2-40 Este
3153390015
La galería Christopher Paschall sXXI nace en el año 2001, con la misión de promover lo mejor del arte contemporáneo en cuanto a factura y concepto, generando un diálogo en el ámbito artístico mundial a través de ferias y exposiciones nacionales e internacionales.
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Saúl Sánchez
Scripto inferior, 2020
Acrílico sobre lienzo y lino
35.5. x 25.5 x 4.5

Reseña del artista

El trabajo de Saúl Sánchez aborda diferentes preocupaciones relacionadas con los valores conceptuales de la pintura y las condiciones procesuales de los diferentes medios de representación de las imágenes. La interpretación cromática, los límites entre lo visible y lo invisible, y las relaciones entre las formas tradicionales y las prácticas contemporáneas del medio pictórico son algunos de los temas que ocupan su obra. Desde una perspectiva formal, Sánchez busca desbordar el lenguaje tradicional de la pintura. Preguntándose constantemente sobre el medio del que se ha valido en gran parte de su trabajo, el artista indaga los alcances y posibilidades del medio pictórico. Coherente con su trayectoria, en los últimos años, Sánchez ha realizado diferentes proyectos relacionados con la construcción de imágenes y los procesos de percepción, atados a discursos en los que reflexiona sobre la dicotomía entre lo real y lo representado.

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Alejandro Ospina
Not Even Me/ A Bit Early in the Day , 2020
Mixta sobre lienzo
160 x 160 cm

Reseña del artista

La obra de Alejandro Ospina explora la relación que existe entre la pintura y las tecnologías que han revolucionado nuestra cultura visual, ahondando en cómo nuestra permanente presencia en internet ha cambiado nuestra forma de ver y entender el mundo. De educación y recorrido internacional, aunque sin olvidar sus raíces, Ospina entró recientemente en la colección Saatchi de Londres. En series anteriores, Ospina tomaba como base imágenes de gente que se exhibe en internet y las traducía a un lenguaje pictórico de retratos sin identidad. Tras esas primeras series que, en retrospectiva, forman casi un preludio a lo que estaba por venir, Ospina ha evolucionado hacia una temática y sistema pictórico maduros y más complejos que indagan en cómo la creación y la manipulación de la imagen digital y la sobreexposición constante a imágenes constituyen un nuevo orden visual. La serie 'Algoritmos' se compone de grandes lienzos cuyo origen se halla en imágenes tomadas de internet; estos forman un collage digital, una matriz creada en el computador en la que se produce un espacio nuevo e inexistente, de formas predominantemente geométricas, y que representa cómo las imágenes se mezclan en nuestra cabeza, dando paso a mundos virtual personales. El trabajo de Ospina es puramente contemporáneo, sin que por ello olvide la tradición, ya que el artista trae a colación la obra de grandes maestros. La pintura ha vivido momentos clave en la historia del arte, en los que ha tenido que romper con la tradición para representar la esencia de su mundo presente; si la ventana albertiana quería mostrar un mundo monofocal y científicamente mesurable, Ospina plantea la fusión del mundo virtual y el real, sin puntos de vista dominantes y carente de verdad como representación del orden mundial actual.

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Víctor Hugo Bravo
Araña Galponera, 2020
Aceite nogal quemado, barniz industrial, lápices
1.70 x 1.10 m

Reseña del artista

La producción de Víctor Hugo Bravo está asociada directamente con la pintura y el objeto, y reflexiona a través de imágenes y textos en torno al mundo del poder, un mundo que se ve ejemplificado constantemente por medio de íconos emblemáticos y figuras heroicas, que marcan la ruptura de lo cotidiano y el imaginario de las imposiciones. En la obra aparece un nuevo orden, una nueva autoridad, como si un mandato oculto proclamara la ley del más fuerte: la irrupción del deseo hecha carne y ceniza en el líquido pictórico. En otra concepción objetual el artista desarrolla una obra que desmitifica la saludable organización filial, familiar y educativa que conforman al padre y al macho. Estas figuras simbólicamente fuertes se encuentran en su pintura con objetos, el desborde ideológico necesario para hacerse mas duras, más salvajes, más anómalas. Esta manera de inventariar el canon objetual del arte, híbrido y políticamente incorrecto supone —en el espectador— la interpretación de una historia política, criolla y popular llena de acertijos y maledicencias, autoritarismos y reglas pervertidas. La envestidura del camuflaje es metáfora del lado oculto de las cosas, de la localización del poder y sus jerarquías en la sociedad, estas formas emblemáticas de la devastación.

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Mario Vélez
De la serie volver de la Guerra, 2020
Acrilico y poliester sobre tela
76 x 76 cm c/u

Reseña del artista

Desde finales de los  años 80, cuando el pintor colombiano Mario Vélez estaba a dos años de graduarse de Artes Plásticas de la Universidad Nacional de Colombia, se reveló su clara tendencia en el uso de formas, la cual permite identificarlo fácilmente, aún hoy. Líneas, trazos que anuncian un plano técnico sin llegar a tal, que siempre logran una descontextualización buscada en cada composición, son parte de su sello personal. Sus últimas piezas actualmente en exhibición en Miami, San Francisco y Nueva York, conservan la fuerza original de sus comienzos, y que, para quienes han vivido su trayectoria desde cercanas barreras, son  fieles  a su simbolismo y a la incorporación de suaves referencias visuales al momento de representar. La narrativa  visual, que no es otra que la  vida de cada artista, es en Mario Vélez una aproximación a sus visiones de sí mismo, su manera de llevar la verdad idealizada, y  plasmada sin reproches de manera limpia y quirúrgica, sin recelo, sin vergüenza, y sin dimitir su potencial acidez a benévola dulzura. Su carrera ha fluido hacia las vertientes más amplias del mercado del arte en Latinoamérica, como lo es México, pero sus saltos geográficos no son azar o suerte en su  carta de presentación; por el contrario, su muy estudiado récord de exhibiciones incluyen Japón, Austria, Alemania e Italia, tanto en exposiciones conjuntas como individuales. Sus obras requieren pausa en su apreciación por su grado de intrincada intimidad. Nunca exhiben lucha o debate con violencia; sino que ofrecen la comodidad del balance y la diplomacia de su bien articulada crítica visual. El optimismo ha  surgido en algunas de sus últimas series, que han traído una paleta luminosa, la cual ha liberado su obra y parece traer una conciencia más profunda de  lo que el espectador puede conceptualizar a partir de  ella, sin sacrificar su versión. Mario Vélez acumula una trayectoria que ennoblece la fuerza de Latinoamérica en ligas que pierden la necesidad de referencia geográfica, y que adquieren un carácter simplemente épico en su logro.

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Alberto Vejarano Chanoir
Respectez les distances , 2020
Print- Mixta sobre papel
30 x 50 cm

Reseña del artista

Desde 1996 ha creado y evolucionado su alter ego CHANOIR dentro de la cultura post graffiti. graduado de Bellas Arte en Paris, donde trabajó bajo la di¬rección de Jean- Michel Alberola, en su trabajo explora las adaptaciones pictóricas para niños de la literatura europea a través de América y Japón; tam¬bién las etapas de varios dibujos mitológicos a partir de la cultura globalizada. Chanoir ha llevado su arte en colaboraciones con grandes marcas como encendedores Clippers, celulares Samsung, tiendas de Disney y Ubisoft, colecciones y decoración de oficinas de Cacharel, diseño de botella de per¬fumes de Emanuel Ungaro entre otros. En el 2019 fue conmemorado como Chevalier des Arts et des Lettres por el ministro de la Cultura Frank Riester. Estudió en Beaux Arts en París con Jean-Michel Alberola. En 2002, después de su graduación, explora las adaptaciones pictóricas para niños de la literatura europea hechas en América y en Japón. Muestra las diferentes mitologías de los dibujos animados en el contexto de nuestra cultura globalizada. Participa en el espectáculo "L'humour dans l'art" y luego asiste a François Boirond para la exposición "La beauté" en Avignon. Produjo el documental "Murs libres" sobre la escena del arte callejero en Barcelona.

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Arturo Denarvaez
Sin título, 2020
Óleo sobre lienzo
1.20 x 90 cms

Reseña del artista

El cuadro propuesto para esta exposición es la representación del Confinamiento Moral y Emocional del que son víctimas en Colombia y en otros países del planeta gentes que por su condición de minoría y por su posición ideológica se encuentran marginadas y condenadas al "Silencio"; borradas y excluidas de la mas simple expresión de Libertad y Justicia. Esta pandemia y el confinamiento como consecuencia no es solamente producida por el Covid 19... Es la pandemia y el confinamiento generada por la intolerancia, la ignorancia, la corrupción y la injusticia. ADN

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Patricia Tavera
Nostalgia de Baru , 2020
Técnica mixta sobre papel
50 x 70 cm

Reseña del artista

Artista plástica nacida en Bogotá, con más de 20 exposiciones individuales y participación en 30 muestras colectivas en galerías del mundo, además cuenta con obras en colecciones permanentes de museos y particulares, con técnicas que van desde el dibujo en carboncillo hasta óleos cargados de una gran pasta densa que la identifica. Durante los últimos años de residencia es Europa, uno de los temas recurrentes en su pintura ha sido el Éxodo, situación que involucra muchas culturas del mundo por diversas razones, económicas, políticas, ambientales, etc. Recientemente ha venido desarrollando performanse con la participación de espontáneos que cuentan sus historias de vida y las dejan registradas en las telas que coloca en diversos escenarios y pone a consideración de los visitantes.

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Felox .
The King , 2020
Mixta sobre madera
70 x 70 cm

Reseña del artista

IMAGINARIUM Desde temprana edad escuchaba cuentos e historias narradas por mi madre las que a su vez se las había contado su madre , las cuales viene de generación en generación ( Narrativa Oral ) Hago referencia de estas historias imaginarias en mi proceso creativo. Sensaciones internas hechas realidad ha partir de la sensación de mis sentidos que vinculo con imágenes y fotografías de películas ( Fantasía, Efectos especiales etc. ) En este proyecto retomo y recreo esos cuentos de mi niñez y los fusiono con mis vivencias visuales posteriores escogiendo sujetos , objetos y animales con los que tengo cierta EMPATIA , los cuales dispuestos en una escena se conjugan con elementos inesperados construyendo así una dimensión completamente nueva , la cual transmite una imagen única con vida propia asida en lo irreal

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Gustavo Vejarano
Tormenta (Anverso), 2020
Pintado en anverso y reverso Mixta sobre lienzo
114 x 86 cm

Reseña del artista

Gustavo Vejarano lleva más de 30 años investigando nuevas ideas y técnicas de pintura, podría ubicarse como un pintor de la ola del expresionismo abstracto y ha presentado a lo largo de su carrera más de 20 exposiciones individuales en países como Holanda, España, Berlín, Estados Unidos, Portugal, Francia entre otros. La naturaleza vista como un universo en transformación constante y al mismo tiempo estable será el eje de su producción pictórica y escultórica. Entre las temáticas que abarcan su obra se encuentran, en primer lugar “los caminos del agua”, que su exploración concebida como el elemento fundamental de la vida; en segundo lugar se encuentra “los espíritus del bosque”, concepto que refiere y manifiesta tanto la preocupación del artista por la naturaleza y sus cambios, como el nivel simbólico de los árboles en el camino de los peregrinos. Igualmente está “templos”, concepto que elude a la exploración de su construcción arquitectónica, inspirada por los diversos recintos sagrados del mundo; y finalmente, se encuentran “los objetos de poder”, representados por el artista a través de jardines y mándalas.

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Gustavo Vejarano
Tormenta (Reverso), 2020
Pintado en anverso y reverso Mixta sobre lienzo
114 x 86 cm

Reseña del artista

Gustavo Vejarano lleva más de 30 años investigando nuevas ideas y técnicas de pintura, podría ubicarse como un pintor de la ola del expresionismo abstracto y ha presentado a lo largo de su carrera más de 20 exposiciones individuales en países como Holanda, España, Berlín, Estados Unidos, Portugal, Francia entre otros. La naturaleza vista como un universo en transformación constante y al mismo tiempo estable será el eje de su producción pictórica y escultórica. Entre las temáticas que abarcan su obra se encuentran, en primer lugar “los caminos del agua”, que su exploración concebida como el elemento fundamental de la vida; en segundo lugar se encuentra “los espíritus del bosque”, concepto que refiere y manifiesta tanto la preocupación del artista por la naturaleza y sus cambios, como el nivel simbólico de los árboles en el camino de los peregrinos. Igualmente está “templos”, concepto que elude a la exploración de su construcción arquitectónica, inspirada por los diversos recintos sagrados del mundo; y finalmente, se encuentran “los objetos de poder”, representados por el artista a través de jardines y mándalas.

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Carola Ramirez
Roma, Breaking Point , 2020
Oleo sobre tela
50 x 40 cm

Reseña del artista

Roma, Breaking Point La pintura refleja una escena propia de la actualidad reciente, un ciudadano en una calle vacía de Roma, con una mascarilla y una bolsa de compras; junto a el hay una ventana cerrada, símbolo del confinamiento. Esta escena se ve alterada por geometrías abstractas, cortes y troqueles que reflejan el quiebre que esto ha supuesto para la sociedad, la economía y para nuestras certidumbres en general. La obra nace de una reflexión durante este periodo de recogimiento, de la ausencia del contacto físico entre los seres humanos, de las brechas latentes y los quiebres que nuestra sociedad ya poseía desde antes de la emergencia, y que luego de ella se han hecho aún mas manifiestos, fracturando nuestra cotidianidad.

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Gabriela Carmona
Serie Origen del miedo, 2020
Mixta- Instalación Máscaras, técnica: tela, costura, pintura, dibujo.
Variables

Reseña del artista

Máscaras de la serie El origen del miedo. Telas donadas, costura manual, pintura, dibujo. Año: 2020 Fantasma, o Numen, que aparece y desaparece como si de una captación de antaño fotográfica del aura se tratase. La imagen fantasmagórica que a todos persigue de algún modo, que impregna recuerdos y se sumerge en lo pretérito, en aquello que ya no se puede cambiar, en aquello que marca y configura cada existencia. Una figura que se borra, que viaja al pasado, al recuerdo, que se oculta para evidenciar así, paradójicamente, los hechos, la presencia. Tapar el rostro, hacerlo sujeto de misterio, buscar deliberadamente la fealdad como gesto de rebeldía ante un mundo que cosifica, que iguala cada historia sin ser igual, que frivoliza. El tabú del cabello y la belleza, la mujer oculta, encerrada, tapada. La exclusión para ser incluida, el anonimato de la artista que universaliza una anti-imagen en la que todas nos vemos reflejadas, porque no tiene rostro y, sin embargo, nos mira, nos susurra, nos grita, nos reclama. Inés. R Artola, crítica y curadora de arte.

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Gabriela Carmona
Serie Origen del miedo, 2020
Mixta- Instalación Máscaras, técnica: tela, costura, pintura, dibujo.
Variables

Reseña del artista

Máscaras de la serie El origen del miedo. Telas donadas, costura manual, pintura, dibujo. Año: 2020 Fantasma, o Numen, que aparece y desaparece como si de una captación de antaño fotográfica del aura se tratase. La imagen fantasmagórica que a todos persigue de algún modo, que impregna recuerdos y se sumerge en lo pretérito, en aquello que ya no se puede cambiar, en aquello que marca y configura cada existencia. Una figura que se borra, que viaja al pasado, al recuerdo, que se oculta para evidenciar así, paradójicamente, los hechos, la presencia. Tapar el rostro, hacerlo sujeto de misterio, buscar deliberadamente la fealdad como gesto de rebeldía ante un mundo que cosifica, que iguala cada historia sin ser igual, que frivoliza. El tabú del cabello y la belleza, la mujer oculta, encerrada, tapada. La exclusión para ser incluida, el anonimato de la artista que universaliza una anti-imagen en la que todas nos vemos reflejadas, porque no tiene rostro y, sin embargo, nos mira, nos susurra, nos grita, nos reclama. Inés. R Artola, crítica y curadora de arte.

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Ivan Castiblanco
Legado (in)visible , 2020
Óleo sobre madera
120 x 206 cm 12 secciones

Reseña del artista

Partiendo del hallazgo arqueológico de restos que evidencian la memoria histórica, el artista Iván Castiblanco trabaja a partir del recorrido como experiencia del espacio y del tiempo. Su trabajo le lleva a buscar elementos arquitectónicos del pasado para rescatar fragmentos que reconstruyen las historias surgidas a modo de postdata. En un lugar sin nombre en el que Castiblanco se encuentra escarbando en el tiempo, el artista transita los relatos que surgen de una memoria a posteriori. Dicha memoria, convertida en ruina, cargada temporalmente del peso de la melancolía del pasado, termina ocupando un lugar entre el recuerdo y el olvido. La época pasada a la que alude la obra de Castiblanco en una primera instancia, queda aterrizada el tiempo y el espacio del espectador por medio objetos escultóricos que representan juguetes y fragmentos de la habitación de un niño, haciendo así alusión a la infancia como experiencia referente e ineludible para todos. Fragmento del texto postdata por Caridad Botella

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Oscar Villalobos
Tetris, 2020
Óleo sobre lienzo
125 cm

Reseña del artista

Selva en conflicto tetris. es una obra que habla de la guerra le declaramos a la naturaleza y el medio ambiente y como la pandemia nos ha hecho evidenciar que si no cambiamos de estrategia perderemos en poco tiempo. Oscar Villalobos, un artista que tuvo que emigrar de las selvas de San José del Guaviare, su región natal. No es extraño que el artista siga desplazándose, aunque ahora a través de la pintura, y no ya a través de una exuberante vegetación selvática, sino por las calles de una atestada jungla de cemento. ​ Su obra conlleva un trasfondo social que conduce al observador a reflexionar sobre problemáticas como la movilidad en las grandes ciudades, la desalentadora rutina, los gajes del trabajo informal, y en general acerca de la inequidad, la discriminación, y la desesperanza que parecen ser parte inamovible del paisaje citadino. Villalobos plasma toda esta problemática con la lucidez de la experiencia, y mediante una práctica artística que no está de moda, que no alardea de novedosa, y que por lo tanto permite vislumbrar, tanto cierta rebeldía, cierta resistencia hacia el consenso, hacia lo que la mayoría considera lo propicio o lo oportuno para la expresión artística en estos tiempos homogenizados, como una gran honestidad consigo mismo, con sus convicciones y aptitudes.”Eduardo Serrano.

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Joel Grossman
Adentro (within) , 2020
Óleo y hojilla dorada sobre lienzo
150 x 120 cm

Reseña del artista

Esta es mi representación de entropía: venimos de un origen singular que se va expandiendo hasta estar en el caos máximo, para, después, volver a otro origen singular. El sistema está entrando a un caos máximo y los errores se están empezando a notar. Esta obra hace parte de una serie que consta de dibujos y pinturas. Los temas de los dibujos se repiten, son como emblemas de un retorno a lo básico, de una búsqueda de algún orden posible: la expansión. Es, a grosso modo, la representación del caos como un lugar de paz donde caben todos los colores. Es entender el desorden como la regla. Es una matemática aproximada que concibe el presente como lo único que tenemos.

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Carolina Gomez
Sin Título , 2020
Óleo sobre lino
51 x 41 cm

Reseña del artista

Esta pieza pertenece a una serie del año 2010 llamada "De esa ciudad". Nacio a partir de fotografias que tomaba en ciudades que visitaba cuando era posible viajar y donde el interes principal era color, el brillo de los metales, los reflejos y la memoria del lugar. Hoy retomo esta serie durante la cuarentena porque representa ese anhelo de estar en otro lugar.

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Camilo Matiz
Sin Titulo, 2020
3D unidimensional. Neón
130 cm

Reseña del artista

WHITIN / ADENTRO La obra entrega profundidades dimensionales simuladas por luz. Rotando asimétrica en las elipses y los espacios construidos por ella mis¬ma, muestra como las fronteras son limites de nuestra mente. Cada capa, cada circulo, es el imaginario consiente de la extensión que somos. Somos las fronteras marcadas por la punta de nuestros dedos, nuestro planeta, o nuestros pensamientos.

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Guillermo Conte
Pandemia , 2020
Óleo sobre lienzo
167 x 130 cm

Reseña del artista

Guillermo Conte . nace en buenos aires Argentina 1956 . a los 7 años inicia estudios de pintura .... ala edad de 15 años ingresa a la escuela nacional de bellas artes de Argentina . a los 19 años comienza una serie de viajes Caracas Venezuela , Barcelona España . a la edad de 23 años se radica en Italia ... en donde comiensa a trabajar con el llamado grupo de la Nuova escuela Romana y trabaja con la galeria de Fabio Sargentini . a los 27 años luego de una escala de 1 año en Nueva York ... regresa a buenos aires , donde realiza varias exposiciones . en 1984 expone en la galeria de Jacob Karpio en Costa Rica . a partir de 1985 comienzan una gran cantidad de muestras por toda latinoamerica. y ferias internacinales . a partir de 1990 radica permanentemente en Costa Rica . y participa en las mas importantes ferias internacionales . así también como en las mas importantes casas de subastas …

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Maria Ariza
Virus is in the Air , 2020
Óleo sobre aluminio
42 x 52 cms

Reseña del artista

CUARENTENA – GALERIA CHRISTOPHER PASCHALL Cuando recibí la invitación de Christopher Paschall fue como llevar a cabo un exorcismo sobre el covid 19 y la cuarentena. El stress debido a la situación, el confinamiento, el bombardeo mediático, y como decía el poeta Benedetti “Una soledad tan concurrida…”, son tangibles en la primera obra “outside is inside” , “Afuera está Adentro”, poco a poco, como quien va viviendo un duelo, surgió la segunda obra, “El Virus está en el Aire”, “Virus is in the Air”. La tercera obra hace parte de mi entorno y motivo pictórico cotidiano, el páramo, “Nature´s Breath”, el respiro de la naturaleza, al observar un aire menos contaminado, las plantas y los animales silvestres creciendo libremente. Son momentos difíciles de entender y de vivir, de alguna manera resultado del poco respeto que le hemos tenido a los seres vivos, la naturaleza y el medio ambiente en ese incesante afán de “crecer”. Creo que esta experiencia marcará nuestras vidas para siempre. María de la Paz Ariza, La Calera Julio 17 2020

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Mauricio Vélez
Serie Era Sonica., 2020
Crhomalux laminado
75 cm x 170 cm

Reseña del artista

Un humanista fotográfico que encuentra en la indagación y exploración fotográfica de la naturaleza humana uno de los más sólidos focos de su carrera, realizando un sinfín de retratos, logrando imágenes de gran intensidad emocional de variedad de personalidades del medio de las artes, la política, la ciencia y los negocios en el entorno global; conmoviendo al gran público con su sensitiva sintaxis visual.

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Gastón Ugalde
Cuarentena , 2020
Mixta sobre papel
30 x 40 cm

Reseña del artista

Gastón Ugalde (La Paz, 1946) es el artista contemporáneo boliviano por excelencia. En 2002 recibió el prestigioso premio Mercosur Konex y en 2009 fue seleccionado para participar en la 53ª Bienal de Venecia con La Marcha por la Vida, una manta de remiendos de simbología Inca y Aymara hecha a lo largo de los años e inspirada en tejidos rituales. Desde el comienzo de su carrera, Ugalde ha abrazado sus rices de una forma contundente y desgarradora, buscando siempre su inspiración y creatividad en el mundo espiritual amazónico y andino. Su obra se desarrolla en diferentes tipos de medios como la fotografía, pintura, collages, instalación y performance. Ugalde integra materiales y simbología de otras culturas que habitan su país, no como un extraño sino como algo integrado en la forma de entender su origen y entorno. El artista presta especial atención al paisaje boliviano, -como la serie de fotografías hechas en el salar de Uyuni,- y a los materiales de la cultura andina, -como las máscaras tejidas chamánicas-, que bajo su factura se convierten en collages contemporáneos que nos invitan a reflexionar sobre la historia y la relación entre culturas en la historia de su Bolivia natal.

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Raul Marroquin
EU on Corona Virus (UpDate) Fragment on Covic Pandemia by Ursula von der Leyen president of the European Union retrieved from YouTube archives (each time) , 2020
Displayed on iPad tablet Edition of 5 in CardBoard box signed and numbered
Variable

Reseña del artista

Raúl Marroquín ha formado parte de exposiciones grupales e individuales especialmente en los Países Bajos donde ha vivido y trabajado desde los 70. Resalta Talking Back to the Media (1985) que fue el primer festival de su tipo al reunir una gran cantidad de artistas para trabajar con y a través de los medios masivos como la televisión por cable de Ámsterdam. Sus obras forman parte de las colecciones de importantes museos como el Reina Sofía, el MOMA, Moderna Museet en Estocolmo, Centro Pompidou en París y el Museo Stedelijk de Ámsterdam. Los trabajos de Marroquín han sido exhibidos globalmente y es considerado como uno de los pioneros del video arte en los Países Bajos, donde ha vivido desde 1971. En sus videos Marroquín combina largos extractos de publicidad y populares programas de televisión americanos hechos a propósito en producción de baja calidad. Las narrativas resultantes enfatizan su propia artificialidad al grado en que comúnmente las percibimos el espacio simulado de la televisión como más real que la vida real. Aún más, las piezas de Marroquín lidian con la vigilancia y sus implicaciones para la libertan personal en espacios públicos y privados.

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Diego Diaz
Autoretrato Serie Carne o Piel Instalación , 2020
Óleo, lienzo, tornillo, guaya
150 x 150 x 120 cm

Reseña del artista

¿CARNE O PIEL? Carne significa, literalmente, músculos y piel: la parte blanda del cuerpo. Concebida como un autorretrato, esta instalación alude a un clásico de la pintura barroca: “El buey en el canal” (1655), de Rembrandt, obra de la que el maestro holandés realizó dos versiones. La figura y el concepto del buey desollado aparecerá después en soberbias reinterpretaciones de artistas como Delacroix, Honoré Daumi, Francis Bacon y Chaïm Soutine. Diego Díaz, con un lenguaje y una técnica contemporánea, inscribe su nombre en esta lista de honor y propone su buey desollado: un lienzo suspendido en el espacio, colgado del techo con tornillos, con un telón de fondo oscurecido por el grafito que magnifica su tridimensionalidad. Gracias al óleo la tela adquiere las tonalidades y la textura de la piel humana, lo cual le da sentido a la obra como autorretrato: “Carne”, la parte blanda, la piel del artista entregada al vacío, ofertada al espectador como en una carnicería.

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Diego Diaz
Autoretrato Serie Carne o Piel Instalación, 2020
Óleo, lienzo, tornillo, guaya
150 x 150 x 120 cm

Reseña del artista

¿CARNE O PIEL? Carne significa, literalmente, músculos y piel: la parte blanda del cuerpo. Concebida como un autorretrato, esta instalación alude a un clásico de la pintura barroca: “El buey en el canal” (1655), de Rembrandt, obra de la que el maestro holandés realizó dos versiones. La figura y el concepto del buey desollado aparecerá después en soberbias reinterpretaciones de artistas como Delacroix, Honoré Daumi, Francis Bacon y Chaïm Soutine. Diego Díaz, con un lenguaje y una técnica contemporánea, inscribe su nombre en esta lista de honor y propone su buey desollado: un lienzo suspendido en el espacio, colgado del techo con tornillos, con un telón de fondo oscurecido por el grafito que magnifica su tridimensionalidad. Gracias al óleo la tela adquiere las tonalidades y la textura de la piel humana, lo cual le da sentido a la obra como autorretrato: “Carne”, la parte blanda, la piel del artista entregada al vacío, ofertada al espectador como en una carnicería.

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Diego Diaz
Autoretrato Serie Carne o Piel Instalación, 2020
Óleo, lienzo, tornillo, guaya
150 x 150 x 120 cm

Reseña del artista

¿CARNE O PIEL? Carne significa, literalmente, músculos y piel: la parte blanda del cuerpo. Concebida como un autorretrato, esta instalación alude a un clásico de la pintura barroca: “El buey en el canal” (1655), de Rembrandt, obra de la que el maestro holandés realizó dos versiones. La figura y el concepto del buey desollado aparecerá después en soberbias reinterpretaciones de artistas como Delacroix, Honoré Daumi, Francis Bacon y Chaïm Soutine. Diego Díaz, con un lenguaje y una técnica contemporánea, inscribe su nombre en esta lista de honor y propone su buey desollado: un lienzo suspendido en el espacio, colgado del techo con tornillos, con un telón de fondo oscurecido por el grafito que magnifica su tridimensionalidad. Gracias al óleo la tela adquiere las tonalidades y la textura de la piel humana, lo cual le da sentido a la obra como autorretrato: “Carne”, la parte blanda, la piel del artista entregada al vacío, ofertada al espectador como en una carnicería.

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Sair Garcia
Serie Diaspora, 2020
Óleo sobre madera
16x20cm

Reseña del artista

Este nuevo proyecto toma como sustrato de creación fotogramas de Theo Angelopoulos donde se retrata el fenómeno de la diáspora (dispersión) desde Albania hacia Grecia del sur. García potencia la mirada trágica y lirica del trasegar por las historias de la humanidad - la desolación, el fracaso, el belicismo, la violencia, el eterno retorno de la incertidumbre y el enfrentamiento.- Realidades desgarradoras que habitan el contexto colombiano. La diáspora es un fenómeno humano, por tanto universal. En esta medida Sair García nos brinda a través de su obra un parangón oportuno pese a la lejanía geográfica de sus escenarios, puesto que en los decenios previos este fenómeno asciende notoriamente en el contexto latinoamericano. En esta serie, García logra centrar la atención del espectador en lo esencialmente humano, relegando los factores económicos y políticos comúnmente protagónicos. La diáspora se presenta entonces aislada de las estadísticas, sus implicaciones sociales, económicas y políticas son eclipsadas por el fenómeno humano, por el desarraigo, la melancolía y la soledad. Sin embargo, como es habitual en la obra de este artista colombiano, estos factores son presentados por medio de la imagen poética, en estas piezas no priorizan la violencia o el dolor inherentes a este tipo de fenómenos, por el contrario proliferan la sutileza y el lirismo velados por el silencio.

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Carlos Zerpa
El Cara Sucia (perro casi lobo) , 2020
Acrílico sobre papel
100 x 70 cm

Reseña del artista

Nació en Valencia, Venezuela el 31 de Julio de 1950. Sus padres fueron dueños de tiendas departamentales. En 1973 se mudó a Milán a estudiar gráfica y fotografía en la Sculoa Cova. Posteriormente estudió diseño con Bruno Munari en el Instituto Politécnico. Se considera un autodidacta. Su carrera artística viene desde 1974 cuando comenzó creando instalaciones y performance. En 1980 regresó a Valencia y comienza a viajar mucho a Nueva York donde estableció su residencia de 1982 a 1984 y 1993 a 1994. Regresando a Venezuela en 1984, Zerpa deja su enfoque en el performance y comienza su pasión por los objetos. De naturaleza autobiográfica, su obra recuerda al espectador los aparadores de grandes tiendas departamentales, con tonos de nostalgia para el artista. Zerpa tuvo influencias de la cultura pop en su niñez incluyendo comics y tv americana, y estas imágenes se pueden encontrar junto a letras de boleros, iconografía cristiana, emblemas y otros objetos en su obra. Ha tenido varias exposiciones individuales como: Caliente, Caliente, Museo de Arte Moderno, México DF, (1982); Héroes y Villanos, La Sala Mendoza, Caracas, (1989); y Dos Cuartos Dos Instalaciones, Museo de Arte Alvar y Carmen T. de Carrillo Gil, México DF, (1993). La obra de Zerpa ha sido incluida en la Bienal de Medellín (1981), Sao Paulo; Sacred Artifacts & Devotion Objects, Alternative Museum, New York, (1982); Contemporary Latin American Art, The Venezuelans in Two Dimensions: Miguel von Dangel, Ernesto León, Carlos Zerpa, The Americas Society, New York, (1988); Mito y magia en América: Los ochenta , Museo de Arte Contemporáneo, Monterey, México, (1991); Latin America Drawing Today, San Diego Museum of Art, (1991); and Uncommon Ground: 23 Latin American Artists, College Art Gallery, State University of New York, New Paltz, (1992), y Latin American Artists of the Twentieth Century, The Museum of Modern Art, New York, (1993). Actualmente Carlos Zerpa trabaja en su taller en Caracas, Venezuela. Este trabajo en particular due realizado a partir de sueños. Tengo en mi mesa de noche una libreta, en la que dibujo las cosas que aparecen mientras duermo, lo hago apenas me despierto, para evitar que después se me olviden. He ensamblado las imágenes como si se tratara de collages. El trabajo de color es casi monocromo, verde profundo casi esmeralda, porque de ese color yo sueño.

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Leonardo Guayan
Fractales, 2020
Fotografía Pigmento sobr Hahnemuhle Fine
68 x65 cm

Reseña del artista

Mis líneas investigativas giran en torno a la imagen poética, los elementos de la naturaleza, el universo y la humanidad. Establecer diálogos entre la fotografía y la literatura, me permite conjugar de manera directa la producción de sentidos entre lenguajes y contextos. Fractales: Este proyecto se desarrollo con el reciclaje de imágenes de radiografías desechadas, es la representación de un sistema fracturado y de lo humano en colapso. "Fractales", imágenes irregulares y geométricas, la estética y la vida desde el imaginario de la muerte. Fotografía Fine Art.

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Jeison Sierra
Incertidumbre , 2020
Carbón /mineral sobre lienzo
90 x 110 cm

Reseña del artista

Ríos de oro y plata es mucho más que el nombre de una exposición de dibujos, se trata realmente de un testimonio construido con la vida de su autor: Jeison Sierra, un joven artista que creció viendo ampliar el vacío que la oquedad de las minas hacia a los ríos en su natal Zaragoza, población acostada al lado del río Nechi, ubicada al nordeste del departamento de Antioquia, un territorio con una inmensa experiencia en explotaciones de este tipo, que hasta ahora no ha entendido que mientras unos pocos, en su fortuna cuentan con pepitas de oro, otros millares les basta el sol.

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Benedetto Pietromarchi
Tu scendi dalle stelle , 2020
Charcoal and pigment on paper.
160 x 120 cm

Reseña del artista

Benedetto Pietromarchi (Roma, 1972) estudió escultura clásica en la Academia de las Bellas Artes en Carrara y Arquitectura en la Escuela de Arquitectos en Londres. Actualmente su obra forma parte de la colección Saatchi. En 2009 Pietromarchi ganó la residencia artística de la Kenneth Armitage Foundation gracias a la cual pudo establecerse en el estudio del difunto escultor en Kensington, Londres. Desde entonces el artista se ha dedicado a indagar en la noción de psicogeografía, término que origina de la estética y transformación de la vida urbana y que investiga cómo el entorno puede influenciar el comportamiento humano. La psicogeografía es el motor que mueve la obra de Pietromarchi, siendo su objetivo crear obras que incitan al viaje psicogeográfico, en ocasiones haciendo uso de dibujos, fotografías y objetos cerámicos que conforman un diorama, a la manera de los dispositivos de exposición de finales del s. XVII y principios del s. XIX. Estos tenían como objetivo hacer escapar al público del aquí y ahora por un momento. Desde su clásica formación, Pietromarchi ha ido depurando su lenguaje artístico hasta ofrecer obras intrigantes y llenas de referencias a su tema de interés.

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Eduard Moreno
Serie Pendiente de envio, 2020
Impresión inkjet, dibujo e intervensión gráfica
15 x 20 cm.

Reseña del artista

Pediente de envío. Si en la escritura siempre resta algo que resiste al querer decir, entonces, en toda escritura siempre habrá un envío pendiente. Toda comunicación es siempre una y su resto, lo nunca dicho, por olvido, por represión, sofocamiento. Siempre hay un correo en purga, un mensaje dejado en el “entre” no alcanzado a enviar. Un olvido del envío, un borronamineto sensor. Diferido, original y huella. Por ello, en estos días de cuarentena, me he propuesto organizar los envíos que debo, correspondencias postales con remitentes a quienes devuelvo una comunicación, maestros amigos, o nunca conocidos, imposibles, idos ya, ausentes, en suma con los otros, los espectros con quienes construimos mundo.