CENTRO HISTÓRICO

LIA Laboratorio / LIA Faro

LIA LAB - EL COMENZAR Con el entusiasmo que implica un nuevo comienzo, artistas de diferentes generaciones se encuentran para generar un laboratorio de pensamiento y creación sensible a través de operaciones, métodos, estrategias y sensaciones que estimulan el aparecer de un proyecto inédito. Se trata de un orden de encuentro con la creación abierta y sistémica, contrario a lo habitual de la individualidad creadora. Los involucrados en este laboratorio enuncian, en archivo abierto, la posibilidad de revelar desde sus procesos de construcción, la resonancia, el salto, la fundación, como estructuras transitorias del evento bajo la noción conductora de modelos de pensamiento y operación abiertos, permitiendo valorar el proceso en toda su magnitud destacando la recepción, no solamente desde el producto terminado, sino como la revelación del tiempo, la potencia, el devenir y la circunstancia que puede en cierto modo, implicar el ser observado y permitir la observación. Los participantes del laboratorio se citan en LIA presentando su hacer (feb 2020). configurando un cosmos de pensamientos, maneras y procesos particulares. El Compartir como colectivo continua virtualmente una vez por semana desde 14 de mayo. Fredy Alzate, Rionegro, Antioquia, 1975 Denisse Estefanía Gracia, Bogotá, 1984 Luisa Fernanda Giraldo, Bogotá, 1992 Ana Izquierdo, Lima, 1990 Andrea Marín, Bogotá, 1989 Sebastián Mesa, Bogotá, 1989 Eduard Moreno, Bogotá, 1975 Andrés Orjuela, Bogotá, 1985 Ana María Roa, Bogotá, 1994 Jazmín Rojas, Bogotá,1995 Catalina Sanint, Bogotá, 1970

Contacto

Autogestionado
LIA Laboratorio / LIA FARO
RODRIGO FACUNDO
CATALINA SANINT
LIA LAB calle 12b # 2-71 / LIA FARO cra 3 # 12c-98
(+57 1) 2843913
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ANDREA MARIN
Cerca, muy cerca. Serie, pieza No. 1 , 2018
Técnica: Fotografía digital C-Print, Serie
50x36 cm

Reseña del artista

Cerca, muy cerca Estas imágenes son el registro de la intervención realizada en ocho árboles del campus de la Universidad Nacional de Colombia. La acción pretende hacer un señalamiento hacia los puntos de intersección convulsos entre el habitar humano y el crecimiento expansivo de la naturaleza. En los árboles intervenidos, una cerca de alambre de púas, sembrada para separar lo que alguna vez fue un sendero, parece haber penetrado en la corteza de sus troncos. En el evento, ocurrido por el crecimiento natural, quise acentuar por medio de bordados en hilo sobre aquellos alambres, un gesto de tiempo, con tiempo y al tiempo que develaba en cada vuelta, la magnífica situación de la intemperie fundadora de la gestión de los cuerpos en permanente negociación, la mía incluso, que aquí poetiza la horma de un lindero. El bordado, al tiempo que evidencia este incidente, genera un nuevo dibujo sobre las estructuras que con el tiempo será también absorbido por este suceso natural como un sutil transcurso mimético. Inmanencia Una materia rojiza más cercana al óxido, revela una hoja seca en estado de envejecimiento. Por su naturaleza devenida humus, su color verde ha pasado a rojo indio. Su clorofila, materia que le proporcionaba el color característico, ha desaparecido, dejando a presencia el oxígeno capaz de enmohecer su piel y provocar la huella colérica de su estado de descomposición. Estas hojas caídas revelan al tiempo, a partir de un cuidadoso calado en su estructura, la huella de su propio existir. Las orugas, hacedoras de maravillas, han dejado la huella de su presencia. La técnica es un arte natural. El lenguaje humano, los pensamientos y su expresión, lo son también. Una segunda hoja aparece calada esta vez por palabras, se lee: entonces, presente el peso muy tenuemente, muy de paso. Frases que se acercan de manera anodina al registro de los pensamientos humanos y su tragedia, mientras ve caer las hojas al suelo. El color adoptado en las imagen supone la elección de campos de color que favorecen la lectura. Rojo y verde son los elegidos para generar la composición con claras intensiones sensitivas. La primera imagen de la seria titulada Agenciamiento propone un distanciamiento que conecta con la segunda, esta vez en fondo y figura definida donde se lee la frase calada. Trayectoria: Soy Artista Plástica de la Universidad Nacional de Colombia. En 2020 estoy seleccionada por el Banco de la República para el Programa Imagen Regional 9 y soy comisionada para el proyecto Interior-Exterior del mismo banco a desarrollarse en el primer semestre 2020. Durante el primer semestre de 2018 realicé intercambio académico en la ENPEG de Ciudad de México donde también cursé el programa pedagógico del MUAC Poéticas del archivo. Recientemente participé en el 16 Salón Regional de Artistas, Zona Centro con la obra Caminando con el Indio como artista invitada con y como caminante en el Observatorio Regional del 16SRA. He participado en exposiciones colectivas como Antropoceno en nuestro días, mayo de 2018 Sin Frontera en Casa de Cultura Gaby Brimmer, julio de 2018, ambas en Ciudad de México; Ciclo Prisma 2: ¡Otros mundos, ahora¡ en la Cámara de Comercio de Chapinero en Bogotá, 2016 donde me fue otorgada una beca de creación; Laboratorio Salón Cano: En estado de ruina en el Museo de la Universidad Nacional 2015; Salón de la Justicia con la obra Culpa, Perdón y Olvido, 2015; Justicia a Contra luz en Universidad de los Andes 2009. En 2016 realicé una muestra individual con la obra Modelos de crianza en el Museo de Ciencias Naturales Universidad Nacional de Colombia. Desde una mirada general, la suma de mis acercamientos plásticos, han venido siendo condicionados por la honda pregunta al rededor del habitar. Habitar implica también invadir, instalarse o extenderse en un espacio en tanto circunstancia. Los gestos plásticos en mi obrar señalan aquel encuentro siempre móvil entre cultura y naturaleza. Inscribir la presencia como un acto de agencia que se activa, en tanto seres vivos, afirma una relación de fuerzas que implica entre otras cosas, operar entendiendo la cultura como un acto de huellas sediméntales, al tiempo que agenciamiento simbiótico que marca nuestra relación con el mundo. De ahí que la indagación por lo doméstico, la domesticación, el hábito, la instalación o la inmanencia, sean constantes de mi trabajo y que aparezcan ligados a actividades cotidianas como el tejer, la acción del trabajo manual, el pensamiento o la reflexión por el tiempo perdido.

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ANDREA MARIN
Cerca, muy cerca. Serie, pieza No. 2, 2018
Serie, Fotografía digital C-Print
36x50 cm

Reseña del artista

Cerca, muy cerca Estas imágenes son el registro de la intervención realizada en ocho árboles del campus de la Universidad Nacional de Colombia. La acción pretende hacer un señalamiento hacia los puntos de intersección convulsos entre el habitar humano y el crecimiento expansivo de la naturaleza. En los árboles intervenidos, una cerca de alambre de púas, sembrada para separar lo que alguna vez fue un sendero, parece haber penetrado en la corteza de sus troncos. En el evento, ocurrido por el crecimiento natural, quise acentuar por medio de bordados en hilo sobre aquellos alambres, un gesto de tiempo, con tiempo y al tiempo que develaba en cada vuelta, la magnífica situación de la intemperie fundadora de la gestión de los cuerpos en permanente negociación, la mía incluso, que aquí poetiza la horma de un lindero. El bordado, al tiempo que evidencia este incidente, genera un nuevo dibujo sobre las estructuras que con el tiempo será también absorbido por este suceso natural como un sutil transcurso mimético. Inmanencia Una materia rojiza más cercana al óxido, revela una hoja seca en estado de envejecimiento. Por su naturaleza devenida humus, su color verde ha pasado a rojo indio. Su clorofila, materia que le proporcionaba el color característico, ha desaparecido, dejando a presencia el oxígeno capaz de enmohecer su piel y provocar la huella colérica de su estado de descomposición. Estas hojas caídas revelan al tiempo, a partir de un cuidadoso calado en su estructura, la huella de su propio existir. Las orugas, hacedoras de maravillas, han dejado la huella de su presencia. La técnica es un arte natural. El lenguaje humano, los pensamientos y su expresión, lo son también. Una segunda hoja aparece calada esta vez por palabras, se lee: entonces, presente el peso muy tenuemente, muy de paso. Frases que se acercan de manera anodina al registro de los pensamientos humanos y su tragedia, mientras ve caer las hojas al suelo. El color adoptado en las imagen supone la elección de campos de color que favorecen la lectura. Rojo y verde son los elegidos para generar la composición con claras intensiones sensitivas. La primera imagen de la seria titulada Agenciamiento propone un distanciamiento que conecta con la segunda, esta vez en fondo y figura definida donde se lee la frase calada. Trayectoria: Soy Artista Plástica de la Universidad Nacional de Colombia. En 2020 estoy seleccionada por el Banco de la República para el Programa Imagen Regional 9 y soy comisionada para el proyecto Interior-Exterior del mismo banco a desarrollarse en el primer semestre 2020. Durante el primer semestre de 2018 realicé intercambio académico en la ENPEG de Ciudad de México donde también cursé el programa pedagógico del MUAC Poéticas del archivo. Recientemente participé en el 16 Salón Regional de Artistas, Zona Centro con la obra Caminando con el Indio como artista invitada con y como caminante en el Observatorio Regional del 16SRA. He participado en exposiciones colectivas como Antropoceno en nuestro días, mayo de 2018 Sin Frontera en Casa de Cultura Gaby Brimmer, julio de 2018, ambas en Ciudad de México; Ciclo Prisma 2: ¡Otros mundos, ahora¡ en la Cámara de Comercio de Chapinero en Bogotá, 2016 donde me fue otorgada una beca de creación; Laboratorio Salón Cano: En estado de ruina en el Museo de la Universidad Nacional 2015; Salón de la Justicia con la obra Culpa, Perdón y Olvido, 2015; Justicia a Contra luz en Universidad de los Andes 2009. En 2016 realicé una muestra individual con la obra Modelos de crianza en el Museo de Ciencias Naturales Universidad Nacional de Colombia. Desde una mirada general, la suma de mis acercamientos plásticos, han venido siendo condicionados por la honda pregunta al rededor del habitar. Habitar implica también invadir, instalarse o extenderse en un espacio en tanto circunstancia. Los gestos plásticos en mi obrar señalan aquel encuentro siempre móvil entre cultura y naturaleza. Inscribir la presencia como un acto de agencia que se activa, en tanto seres vivos, afirma una relación de fuerzas que implica entre otras cosas, operar entendiendo la cultura como un acto de huellas sediméntales, al tiempo que agenciamiento simbiótico que marca nuestra relación con el mundo. De ahí que la indagación por lo doméstico, la domesticación, el hábito, la instalación o la inmanencia, sean constantes de mi trabajo y que aparezcan ligados a actividades cotidianas como el tejer, la acción del trabajo manual, el pensamiento o la reflexión por el tiempo perdido.

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ANDREA MARIN
Inmanencia. Serie, pieza 1,2 y 3., 2019
Serie, Fotografía digital C-Print.
39x84cm (Total de las 3 fotografías)

Reseña del artista

Cerca, muy cerca Estas imágenes son el registro de la intervención realizada en ocho árboles del campus de la Universidad Nacional de Colombia. La acción pretende hacer un señalamiento hacia los puntos de intersección convulsos entre el habitar humano y el crecimiento expansivo de la naturaleza. En los árboles intervenidos, una cerca de alambre de púas, sembrada para separar lo que alguna vez fue un sendero, parece haber penetrado en la corteza de sus troncos. En el evento, ocurrido por el crecimiento natural, quise acentuar por medio de bordados en hilo sobre aquellos alambres, un gesto de tiempo, con tiempo y al tiempo que develaba en cada vuelta, la magnífica situación de la intemperie fundadora de la gestión de los cuerpos en permanente negociación, la mía incluso, que aquí poetiza la horma de un lindero. El bordado, al tiempo que evidencia este incidente, genera un nuevo dibujo sobre las estructuras que con el tiempo será también absorbido por este suceso natural como un sutil transcurso mimético. Inmanencia Una materia rojiza más cercana al óxido, revela una hoja seca en estado de envejecimiento. Por su naturaleza devenida humus, su color verde ha pasado a rojo indio. Su clorofila, materia que le proporcionaba el color característico, ha desaparecido, dejando a presencia el oxígeno capaz de enmohecer su piel y provocar la huella colérica de su estado de descomposición. Estas hojas caídas revelan al tiempo, a partir de un cuidadoso calado en su estructura, la huella de su propio existir. Las orugas, hacedoras de maravillas, han dejado la huella de su presencia. La técnica es un arte natural. El lenguaje humano, los pensamientos y su expresión, lo son también. Una segunda hoja aparece calada esta vez por palabras, se lee: entonces, presente el peso muy tenuemente, muy de paso. Frases que se acercan de manera anodina al registro de los pensamientos humanos y su tragedia, mientras ve caer las hojas al suelo. El color adoptado en las imagen supone la elección de campos de color que favorecen la lectura. Rojo y verde son los elegidos para generar la composición con claras intensiones sensitivas. La primera imagen de la seria titulada Agenciamiento propone un distanciamiento que conecta con la segunda, esta vez en fondo y figura definida donde se lee la frase calada. Trayectoria: Soy Artista Plástica de la Universidad Nacional de Colombia. En 2020 estoy seleccionada por el Banco de la República para el Programa Imagen Regional 9 y soy comisionada para el proyecto Interior-Exterior del mismo banco a desarrollarse en el primer semestre 2020. Durante el primer semestre de 2018 realicé intercambio académico en la ENPEG de Ciudad de México donde también cursé el programa pedagógico del MUAC Poéticas del archivo. Recientemente participé en el 16 Salón Regional de Artistas, Zona Centro con la obra Caminando con el Indio como artista invitada con y como caminante en el Observatorio Regional del 16SRA. He participado en exposiciones colectivas como Antropoceno en nuestro días, mayo de 2018 Sin Frontera en Casa de Cultura Gaby Brimmer, julio de 2018, ambas en Ciudad de México; Ciclo Prisma 2: ¡Otros mundos, ahora¡ en la Cámara de Comercio de Chapinero en Bogotá, 2016 donde me fue otorgada una beca de creación; Laboratorio Salón Cano: En estado de ruina en el Museo de la Universidad Nacional 2015; Salón de la Justicia con la obra Culpa, Perdón y Olvido, 2015; Justicia a Contra luz en Universidad de los Andes 2009. En 2016 realicé una muestra individual con la obra Modelos de crianza en el Museo de Ciencias Naturales Universidad Nacional de Colombia. Desde una mirada general, la suma de mis acercamientos plásticos, han venido siendo condicionados por la honda pregunta al rededor del habitar. Habitar implica también invadir, instalarse o extenderse en un espacio en tanto circunstancia. Los gestos plásticos en mi obrar señalan aquel encuentro siempre móvil entre cultura y naturaleza. Inscribir la presencia como un acto de agencia que se activa, en tanto seres vivos, afirma una relación de fuerzas que implica entre otras cosas, operar entendiendo la cultura como un acto de huellas sediméntales, al tiempo que agenciamiento simbiótico que marca nuestra relación con el mundo. De ahí que la indagación por lo doméstico, la domesticación, el hábito, la instalación o la inmanencia, sean constantes de mi trabajo y que aparezcan ligados a actividades cotidianas como el tejer, la acción del trabajo manual, el pensamiento o la reflexión por el tiempo perdido.

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Adrian León Lostaunau
Zapata expropia Nestlé, 2016
Collage Formato: Original - papel de revista recortado sobre contratapa de libro 17 x 12 cm. Impresión de inyección de tinta en medidas y papel variables
variables

Reseña del artista

Abstract 1 A partir de una investigación sobre la cultura Moche (desde una lectura sobre los huacos retratos en específico) se superpone un pedazo de papel de una revista de los años 80s en el que se devela un sensual torso desnudo de mujer con características orientales y surge la obra en ese mestizaje e hibridez asi como lo Cholo en el imaginario cultural y social peruano. Asi nace China Moche: Una cabeza retrato Moche de Barro con aspecto masculino apunta a lo ciur y trans desde lo auténticamente peruano en cruce con el mencionado torso femenino de geisha. Abstract 2 El ideal Hippie de Paz y Amor ("burgués") fetichizado en el conocido signo y el atardecer ácido en la playa a colores se encuentra trastocado por una imagen de un obrero de construcción en blanco y negro que cobra protagonismo en la composición, invitando asi a la reflexión sobre el imaginario modernista de la sociedad peruana en el gobierno Velasquista y su proceso social en el que se conjugaron ambas estéticas (como por ejemplo en la obra de Jesus Ruiz Durant en Sinamos). Abstract 3 La publicidad a colores de Nestlé se ve trastocada y "expropiada" por la imagen especular del revolucionario mexicano Emiliano Zapata en Blanco y Negro quien como el Angelus Novus nos observa desde el más allá juzgando nuestra sociedad de consumo ultra capitalista. Adrian León Lostaunau (Lima, 1992), licenciado en Filosofía y Ciencias Humanas por la PUCP con una tesis acerca del deseo en Hegel y Lacan (Ganador del PADET – 2014), es artista multidiscilpinario, investigador independiente, gestor & productor musical con sede actual en Ciudad de México. En el año 2010 crea el Colectivo Quebrada realizando distintas intervenciones en espacios públicos e institucionales (MALI, Universidad Ricardo Palma, UPC) llegando a exponer en la Bienal de Grabado del ICPNA (2011). En el 2014 desarrolla junto a miembros del Colectivo Animalisa el proyecto PesaPalabra (realizando discusiones, conferencias y talleres) acerca de la materialidad y dimensiones de la palabra que devendria en la revista de Poesia y Arte del mismo nombre que actualmente circula. A finales del 2016 presenta -y expone el proceso de- su primer libro/obra "Carta Al Desvío" reseñado por el reconocido linguistica y poeta Mario Montalbetti con las colaboraciones de los artistas plásticos Mateo Alayza & Carlos Zevallos. Posteriormente realiza presentaciones del mismo en Cuenca y Guayaquil (2017) en Ecuador & en Aeromoto en Ciudad de Mexico (2019). Ha realizado residencias de arte acción con True/qué (2017) en Ayampe, Ecuador y Galeria NorOeste en el marco de Perpendicular Festival en Belo Horizonte, Brasil (2018). En el 2018 asimismo expone en la colectiva "Aquí/Ahora" en el marco de Barranco Open Studios & una pequeña muestra individual "Restos Arqueológicos" en Maitea de Miraflores. Adrian León Lostaunau ha sido muchos años docente de Ética y Filosofía Política en la PUCP, ha realizado acciones e intervenciones gráficas sobre temas de memoria y política de manera individual y colectivas en el espacio público en Lima y otras ciudades Latinoamericanas, así como ha escrito artículos de crítica de arte, cine, música y política. Tiene un ensayo crítico inédito acerca del primer período de Hora Zero (ganador del PAIN – 2012) entre otras publicaciones pendientes. Es a su vez co fundador del sello discográfico Matraca (2013) del Perú & ha realizado giras como DJ por México, USA y Europa.

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Adrian León Lostaunau
Paz y Amor o el Trabajo debe seguir , 2015
Collage Formato: Original - papel de revista recortado sobre papel de revista sobre cartón.Medidas original 17 x 17 csm // Impresión de inyección de tinta en medidas y papel variables
variables

Reseña del artista

Abstract 1 A partir de una investigación sobre la cultura Moche (desde una lectura sobre los huacos retratos en específico) se superpone un pedazo de papel de una revista de los años 80s en el que se devela un sensual torso desnudo de mujer con características orientales y surge la obra en ese mestizaje e hibridez asi como lo Cholo en el imaginario cultural y social peruano. Asi nace China Moche: Una cabeza retrato Moche de Barro con aspecto masculino apunta a lo ciur y trans desde lo auténticamente peruano en cruce con el mencionado torso femenino de geisha. Abstract 2 El ideal Hippie de Paz y Amor ("burgués") fetichizado en el conocido signo y el atardecer ácido en la playa a colores se encuentra trastocado por una imagen de un obrero de construcción en blanco y negro que cobra protagonismo en la composición, invitando asi a la reflexión sobre el imaginario modernista de la sociedad peruana en el gobierno Velasquista y su proceso social en el que se conjugaron ambas estéticas (como por ejemplo en la obra de Jesus Ruiz Durant en Sinamos). Abstract 3 La publicidad a colores de Nestlé se ve trastocada y "expropiada" por la imagen especular del revolucionario mexicano Emiliano Zapata en Blanco y Negro quien como el Angelus Novus nos observa desde el más allá juzgando nuestra sociedad de consumo ultra capitalista. Adrian León Lostaunau (Lima, 1992), licenciado en Filosofía y Ciencias Humanas por la PUCP con una tesis acerca del deseo en Hegel y Lacan (Ganador del PADET – 2014), es artista multidiscilpinario, investigador independiente, gestor & productor musical con sede actual en Ciudad de México. En el año 2010 crea el Colectivo Quebrada realizando distintas intervenciones en espacios públicos e institucionales (MALI, Universidad Ricardo Palma, UPC) llegando a exponer en la Bienal de Grabado del ICPNA (2011). En el 2014 desarrolla junto a miembros del Colectivo Animalisa el proyecto PesaPalabra (realizando discusiones, conferencias y talleres) acerca de la materialidad y dimensiones de la palabra que devendria en la revista de Poesia y Arte del mismo nombre que actualmente circula. A finales del 2016 presenta -y expone el proceso de- su primer libro/obra "Carta Al Desvío" reseñado por el reconocido linguistica y poeta Mario Montalbetti con las colaboraciones de los artistas plásticos Mateo Alayza & Carlos Zevallos. Posteriormente realiza presentaciones del mismo en Cuenca y Guayaquil (2017) en Ecuador & en Aeromoto en Ciudad de Mexico (2019). Ha realizado residencias de arte acción con True/qué (2017) en Ayampe, Ecuador y Galeria NorOeste en el marco de Perpendicular Festival en Belo Horizonte, Brasil (2018). En el 2018 asimismo expone en la colectiva "Aquí/Ahora" en el marco de Barranco Open Studios & una pequeña muestra individual "Restos Arqueológicos" en Maitea de Miraflores. Adrian León Lostaunau ha sido muchos años docente de Ética y Filosofía Política en la PUCP, ha realizado acciones e intervenciones gráficas sobre temas de memoria y política de manera individual y colectivas en el espacio público en Lima y otras ciudades Latinoamericanas, así como ha escrito artículos de crítica de arte, cine, música y política. Tiene un ensayo crítico inédito acerca del primer período de Hora Zero (ganador del PAIN – 2012) entre otras publicaciones pendientes. Es a su vez co fundador del sello discográfico Matraca (2013) del Perú & ha realizado giras como DJ por México, USA y Europa.

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Adrian León Lostaunau
China Moche , 2018
Montage Formato: Original - papel de revista recortado sobre Fotocopia 20 x 18 cm // Impresión en Papel
medidas variables

Reseña del artista

Abstract 1 A partir de una investigación sobre la cultura Moche (desde una lectura sobre los huacos retratos en específico) se superpone un pedazo de papel de una revista de los años 80s en el que se devela un sensual torso desnudo de mujer con características orientales y surge la obra en ese mestizaje e hibridez asi como lo Cholo en el imaginario cultural y social peruano. Asi nace China Moche: Una cabeza retrato Moche de Barro con aspecto masculino apunta a lo ciur y trans desde lo auténticamente peruano en cruce con el mencionado torso femenino de geisha. Abstract 2 El ideal Hippie de Paz y Amor ("burgués") fetichizado en el conocido signo y el atardecer ácido en la playa a colores se encuentra trastocado por una imagen de un obrero de construcción en blanco y negro que cobra protagonismo en la composición, invitando asi a la reflexión sobre el imaginario modernista de la sociedad peruana en el gobierno Velasquista y su proceso social en el que se conjugaron ambas estéticas (como por ejemplo en la obra de Jesus Ruiz Durant en Sinamos). Abstract 3 La publicidad a colores de Nestlé se ve trastocada y "expropiada" por la imagen especular del revolucionario mexicano Emiliano Zapata en Blanco y Negro quien como el Angelus Novus nos observa desde el más allá juzgando nuestra sociedad de consumo ultra capitalista. Adrian León Lostaunau (Lima, 1992), licenciado en Filosofía y Ciencias Humanas por la PUCP con una tesis acerca del deseo en Hegel y Lacan (Ganador del PADET – 2014), es artista multidiscilpinario, investigador independiente, gestor & productor musical con sede actual en Ciudad de México. En el año 2010 crea el Colectivo Quebrada realizando distintas intervenciones en espacios públicos e institucionales (MALI, Universidad Ricardo Palma, UPC) llegando a exponer en la Bienal de Grabado del ICPNA (2011). En el 2014 desarrolla junto a miembros del Colectivo Animalisa el proyecto PesaPalabra (realizando discusiones, conferencias y talleres) acerca de la materialidad y dimensiones de la palabra que devendria en la revista de Poesia y Arte del mismo nombre que actualmente circula. A finales del 2016 presenta -y expone el proceso de- su primer libro/obra "Carta Al Desvío" reseñado por el reconocido linguistica y poeta Mario Montalbetti con las colaboraciones de los artistas plásticos Mateo Alayza & Carlos Zevallos. Posteriormente realiza presentaciones del mismo en Cuenca y Guayaquil (2017) en Ecuador & en Aeromoto en Ciudad de Mexico (2019). Ha realizado residencias de arte acción con True/qué (2017) en Ayampe, Ecuador y Galeria NorOeste en el marco de Perpendicular Festival en Belo Horizonte, Brasil (2018). En el 2018 asimismo expone en la colectiva "Aquí/Ahora" en el marco de Barranco Open Studios & una pequeña muestra individual "Restos Arqueológicos" en Maitea de Miraflores. Adrian León Lostaunau ha sido muchos años docente de Ética y Filosofía Política en la PUCP, ha realizado acciones e intervenciones gráficas sobre temas de memoria y política de manera individual y colectivas en el espacio público en Lima y otras ciudades Latinoamericanas, así como ha escrito artículos de crítica de arte, cine, música y política. Tiene un ensayo crítico inédito acerca del primer período de Hora Zero (ganador del PAIN – 2012) entre otras publicaciones pendientes. Es a su vez co fundador del sello discográfico Matraca (2013) del Perú & ha realizado giras como DJ por México, USA y Europa.

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Denisse Estefanía Gracia
PROYECTO: Defectus o lo que desaparece, 2018
Instalación, cerámica, engobes, esmaltes.
VARIABLES

Reseña del artista

El proyecto Defectus cuestiona la necesidad de la perfección, del deber ser, del miedo a lo diferente. Artista Plástica – Ceramista de la Universidad Nacional de Colombia su proceso creativo se centra en explorar la materia desde un pensamiento escultórico. Su interés por estos temas la ha llevado a desarrollar varias investigaciones sobre la escultura, la cerámica y el dibujo desde el 2009. Paralelo a su trabajo creativo es docente de la Universidad Nacional y del Colegio Los Nogales. Con su práctica docente quiere contribuir al desarrollo del campo de la cerámica en Colombia. Es la creadora del Encuentro de Cerámica Artística Colombia ECAC, miembro del Colectivo Artierra y de la AIC Academia Internacional de Cerámica en Suiza. Su emprendimiento se llama DEGA Ceramista y desde esta asesora a artistas y empresas, diseña series de uso cotidiano y crea piezas exclusivas.

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Denisse Estefanía Gracia
PROYECTO: Defectus o lo que desaparece, 2018
Instalación, cerámica, engobes, esmaltes.
VARIABLES

Reseña del artista

El proyecto Defectus cuestiona la necesidad de la perfección, del deber ser, del miedo a lo diferente. Artista Plástica – Ceramista de la Universidad Nacional de Colombia su proceso creativo se centra en explorar la materia desde un pensamiento escultórico. Su interés por estos temas la ha llevado a desarrollar varias investigaciones sobre la escultura, la cerámica y el dibujo desde el 2009. Paralelo a su trabajo creativo es docente de la Universidad Nacional y del Colegio Los Nogales. Con su práctica docente quiere contribuir al desarrollo del campo de la cerámica en Colombia. Es la creadora del Encuentro de Cerámica Artística Colombia ECAC, miembro del Colectivo Artierra y de la AIC Academia Internacional de Cerámica en Suiza. Su emprendimiento se llama DEGA Ceramista y desde esta asesora a artistas y empresas, diseña series de uso cotidiano y crea piezas exclusivas.

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Denisse Estefanía Gracia
PROYECTO: Defectus o lo que desaparece, 2018
Instalación, cerámica, engobes, esmaltes.
VARIABLES

Reseña del artista

El proyecto Defectus cuestiona la necesidad de la perfección, del deber ser, del miedo a lo diferente. Artista Plástica – Ceramista de la Universidad Nacional de Colombia su proceso creativo se centra en explorar la materia desde un pensamiento escultórico. Su interés por estos temas la ha llevado a desarrollar varias investigaciones sobre la escultura, la cerámica y el dibujo desde el 2009. Paralelo a su trabajo creativo es docente de la Universidad Nacional y del Colegio Los Nogales. Con su práctica docente quiere contribuir al desarrollo del campo de la cerámica en Colombia. Es la creadora del Encuentro de Cerámica Artística Colombia ECAC, miembro del Colectivo Artierra y de la AIC Academia Internacional de Cerámica en Suiza. Su emprendimiento se llama DEGA Ceramista y desde esta asesora a artistas y empresas, diseña series de uso cotidiano y crea piezas exclusivas.

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EDUARD MORENO
PAZ PERPETUA VI , 2017
Cinta de impresora de punto, fotografía y mecanismos electrónico
177 x 13 x40 cm

Reseña del artista

Gran parte de mis acercamientos estéticos han estado ocupados con preguntas acerca de mi origen y la cercanía con el entorno que habito. Así, he podido desprender un cuerpo de trabajo que se extiende a preocupaciones públicas sin que se desliguen totalmente los sentimientos por lo privado y lo personal: lugar liminal, revelado plásticamente en la noción de archivo. Objeto Perdido en 2009 y Mal de archivo en 2011, muestras individuales presentados en la Galería Mundo, fueron resultado precisamente de esas inquietudes, llevándome en 2013, invitado por NC-Arte, a la realización del proyecto Echar por tierra, muestra que privilegió las cadenas productoras de la minería con la archivación como efecto burocrático. Para 2015, El espacio el Dorado mediante una invitación similar, mostró en el proyecto Nudo Ciego, en compañia del escritor Juan Cárdenas, ideas alrededor del archivo y su legitimidad frente a las aporías neo-coloniales. En 2016, la muestra En Reserva, organizada por La Municipalidad de Lima en Perú y gracias a una beca otorgada por Ministerio de Cultura de Colombia, El proyecto Bachúe, y la Galería Pancho fierro, organizó una serie de trabajos que mostraban, desde la curaduría de Emilio Tarazona, el archivo como lugar protéico desde la ley y lo sagrado. Actualmente este interés ha devenido lugar de la experiencia y el acto, tránsitos que atraviesan las cosas y fundamentan los enunciados del saber y los cuerpos, en tanto afectos. Es en ese sentido que he desarrollado las muestras individuales más recientes: Remesas pendientes, Museo Qorikancha, Cusco, Peru, 2019. Provocarse el archivo, X Premio Luis Caballero, Museo Santa Clara, Bogotá, 2019. La cita, FUGA, Bogotá, 2018 y Errando el suelo, en la Galería Plecto, 2017.

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EDUARD MORENO
PAZ PERPETUA VI , 2017
Cinta de impresora de punto, fotografía y mecanismos electrónico
177 x 13 x40 cm

Reseña del artista

Gran parte de mis acercamientos estéticos han estado ocupados con preguntas acerca de mi origen y la cercanía con el entorno que habito. Así, he podido desprender un cuerpo de trabajo que se extiende a preocupaciones públicas sin que se desliguen totalmente los sentimientos por lo privado y lo personal: lugar liminal, revelado plásticamente en la noción de archivo. Objeto Perdido en 2009 y Mal de archivo en 2011, muestras individuales presentados en la Galería Mundo, fueron resultado precisamente de esas inquietudes, llevándome en 2013, invitado por NC-Arte, a la realización del proyecto Echar por tierra, muestra que privilegió las cadenas productoras de la minería con la archivación como efecto burocrático. Para 2015, El espacio el Dorado mediante una invitación similar, mostró en el proyecto Nudo Ciego, en compañia del escritor Juan Cárdenas, ideas alrededor del archivo y su legitimidad frente a las aporías neo-coloniales. En 2016, la muestra En Reserva, organizada por La Municipalidad de Lima en Perú y gracias a una beca otorgada por Ministerio de Cultura de Colombia, El proyecto Bachúe, y la Galería Pancho fierro, organizó una serie de trabajos que mostraban, desde la curaduría de Emilio Tarazona, el archivo como lugar protéico desde la ley y lo sagrado. Actualmente este interés ha devenido lugar de la experiencia y el acto, tránsitos que atraviesan las cosas y fundamentan los enunciados del saber y los cuerpos, en tanto afectos. Es en ese sentido que he desarrollado las muestras individuales más recientes: Remesas pendientes, Museo Qorikancha, Cusco, Peru, 2019. Provocarse el archivo, X Premio Luis Caballero, Museo Santa Clara, Bogotá, 2019. La cita, FUGA, Bogotá, 2018 y Errando el suelo, en la Galería Plecto, 2017.

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EDUARD MORENO
PAZ PERPETUA VI, 2017
Cinta de impresora de punto, fotografía y mecanismos electrónico
177 x 13 x40 cm

Reseña del artista

Gran parte de mis acercamientos estéticos han estado ocupados con preguntas acerca de mi origen y la cercanía con el entorno que habito. Así, he podido desprender un cuerpo de trabajo que se extiende a preocupaciones públicas sin que se desliguen totalmente los sentimientos por lo privado y lo personal: lugar liminal, revelado plásticamente en la noción de archivo. Objeto Perdido en 2009 y Mal de archivo en 2011, muestras individuales presentados en la Galería Mundo, fueron resultado precisamente de esas inquietudes, llevándome en 2013, invitado por NC-Arte, a la realización del proyecto Echar por tierra, muestra que privilegió las cadenas productoras de la minería con la archivación como efecto burocrático. Para 2015, El espacio el Dorado mediante una invitación similar, mostró en el proyecto Nudo Ciego, en compañia del escritor Juan Cárdenas, ideas alrededor del archivo y su legitimidad frente a las aporías neo-coloniales. En 2016, la muestra En Reserva, organizada por La Municipalidad de Lima en Perú y gracias a una beca otorgada por Ministerio de Cultura de Colombia, El proyecto Bachúe, y la Galería Pancho fierro, organizó una serie de trabajos que mostraban, desde la curaduría de Emilio Tarazona, el archivo como lugar protéico desde la ley y lo sagrado. Actualmente este interés ha devenido lugar de la experiencia y el acto, tránsitos que atraviesan las cosas y fundamentan los enunciados del saber y los cuerpos, en tanto afectos. Es en ese sentido que he desarrollado las muestras individuales más recientes: Remesas pendientes, Museo Qorikancha, Cusco, Peru, 2019. Provocarse el archivo, X Premio Luis Caballero, Museo Santa Clara, Bogotá, 2019. La cita, FUGA, Bogotá, 2018 y Errando el suelo, en la Galería Plecto, 2017.

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ANDRES ORJUELA
"El Güero Mentiras" A partir de recorte de nota policiaca mexicana "Revista ALARMA!", 2016
Acrílico sobre lienzo
196 x 143cm relación de 6:1 con una revista original de Alarma!.

Reseña del artista

En la obra del artista Andrés Orjuela, la apropiación directa opera como estrategia desde donde señalar, desplazar o interrumpir las estructuras de poder que regulan y administran la circulación y consumo de las imágenes de la violencia. A través de operaciones de clasificación y contraste de información e intervenciones donde las imágenes son veladas, obstruidas u opacadas en su productividad disciplinaria, Orjuela examina y apuesta a incidir crítica y políticamente en las complejas relaciones entre cultura de masas, modos de consumo, condiciones de espectacularidad de las imágenes y formas de subjetivación. Artista colombiano, egresado como Maestro en Artes Plásticas y Visuales de la Universidad Nacional de Colombia donde obtuvo el Grado de Honor de la Universidad. Realizó la maestría en Artes Visuales de la Universidad Nacional Autónoma de México Actualmente se encuentra en el proceso de titulación de su Doctorado en Arte y Diseño de la misma Universidad, con su estudio de tesis sobre la grafica tradicional en el arte contemporáneo. Ha participado en exposiciones en Colombia, EEUU, México, Panamá, Cuba, Brasil, Perú, Argentina, Francia, España y Inglaterra. Dentro de los premios obtenidos se encuentran: Premio del Jurado Lens culture Portrait Award 2018 otorgado por Siobhán Bohnacker, senior photo editor de The New Yorker, tercer lugar en el primer premio de fotografía Latinoamericana Luz del Norte, finalista FOAM AWARD 2016 y seleccionado en el FOAM TALENT 2016. Becario UNAM posgrado 2008 – 2015. Mención del Jurado ArteShock TV-UNAM 2011. Beca Fundación Carolina y Fundación LLopis 2008 Premio de adquisición EMGESA – CONDESA Premio Botero 2008. Su obra esta en dialogo con investigaciones entorno al consumo de imágenes violentas, la memoria y la cultura de masas , que socializa en distintos congresos y simposios como forma de acción plástica. Actualmente vive y trabaja en México, D.F.

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ANDRES ORJUELA
De la serie Archivo Muerto Estudiantes UNAL , 2018
Fotografía vintage iluminada con óleos Marshall`s
21 x 25 cm

Reseña del artista

En la obra del artista Andrés Orjuela, la apropiación directa opera como estrategia desde donde señalar, desplazar o interrumpir las estructuras de poder que regulan y administran la circulación y consumo de las imágenes de la violencia. A través de operaciones de clasificación y contraste de información e intervenciones donde las imágenes son veladas, obstruidas u opacadas en su productividad disciplinaria, Orjuela examina y apuesta a incidir crítica y políticamente en las complejas relaciones entre cultura de masas, modos de consumo, condiciones de espectacularidad de las imágenes y formas de subjetivación. Artista colombiano, egresado como Maestro en Artes Plásticas y Visuales de la Universidad Nacional de Colombia donde obtuvo el Grado de Honor de la Universidad. Realizó la maestría en Artes Visuales de la Universidad Nacional Autónoma de México Actualmente se encuentra en el proceso de titulación de su Doctorado en Arte y Diseño de la misma Universidad, con su estudio de tesis sobre la grafica tradicional en el arte contemporáneo. Ha participado en exposiciones en Colombia, EEUU, México, Panamá, Cuba, Brasil, Perú, Argentina, Francia, España y Inglaterra. Dentro de los premios obtenidos se encuentran: Premio del Jurado Lens culture Portrait Award 2018 otorgado por Siobhán Bohnacker, senior photo editor de The New Yorker, tercer lugar en el primer premio de fotografía Latinoamericana Luz del Norte, finalista FOAM AWARD 2016 y seleccionado en el FOAM TALENT 2016. Becario UNAM posgrado 2008 – 2015. Mención del Jurado ArteShock TV-UNAM 2011. Beca Fundación Carolina y Fundación LLopis 2008 Premio de adquisición EMGESA – CONDESA Premio Botero 2008. Su obra esta en dialogo con investigaciones entorno al consumo de imágenes violentas, la memoria y la cultura de masas , que socializa en distintos congresos y simposios como forma de acción plástica. Actualmente vive y trabaja en México, D.F.

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ANDRES ORJUELA
e la serie Archivo Muerto Estudiantes UNAL, 2018
Fotografía vintage iluminada con óleos Marshall`s
21 x 25 cm

Reseña del artista

En la obra del artista Andrés Orjuela, la apropiación directa opera como estrategia desde donde señalar, desplazar o interrumpir las estructuras de poder que regulan y administran la circulación y consumo de las imágenes de la violencia. A través de operaciones de clasificación y contraste de información e intervenciones donde las imágenes son veladas, obstruidas u opacadas en su productividad disciplinaria, Orjuela examina y apuesta a incidir crítica y políticamente en las complejas relaciones entre cultura de masas, modos de consumo, condiciones de espectacularidad de las imágenes y formas de subjetivación. Artista colombiano, egresado como Maestro en Artes Plásticas y Visuales de la Universidad Nacional de Colombia donde obtuvo el Grado de Honor de la Universidad. Realizó la maestría en Artes Visuales de la Universidad Nacional Autónoma de México Actualmente se encuentra en el proceso de titulación de su Doctorado en Arte y Diseño de la misma Universidad, con su estudio de tesis sobre la grafica tradicional en el arte contemporáneo. Ha participado en exposiciones en Colombia, EEUU, México, Panamá, Cuba, Brasil, Perú, Argentina, Francia, España y Inglaterra. Dentro de los premios obtenidos se encuentran: Premio del Jurado Lens culture Portrait Award 2018 otorgado por Siobhán Bohnacker, senior photo editor de The New Yorker, tercer lugar en el primer premio de fotografía Latinoamericana Luz del Norte, finalista FOAM AWARD 2016 y seleccionado en el FOAM TALENT 2016. Becario UNAM posgrado 2008 – 2015. Mención del Jurado ArteShock TV-UNAM 2011. Beca Fundación Carolina y Fundación LLopis 2008 Premio de adquisición EMGESA – CONDESA Premio Botero 2008. Su obra esta en dialogo con investigaciones entorno al consumo de imágenes violentas, la memoria y la cultura de masas , que socializa en distintos congresos y simposios como forma de acción plástica. Actualmente vive y trabaja en México, D.F.

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Fredy Alzate
Lo que puede una Mesa, 2019
Instalación (Ensamble: estructuras de muebles de madera, bombillo, sensor y mecanismo electrónico). Fotografia: Pablo Gómez
Variables

Reseña del artista

Territorios Domésticos, Casa del Encuentro Museo de Antioquia. Medellín, Dic 2019- febrero 2020. Territorios Domésticos es el producto de un proceso de observación individual como de la construcción de un espacio relacional y co-creativo con los carpinteros y comerciantes fabricantes de muebles del sector aledaño al Museo de Antioquia. El resultado de la conversación entre artesanos y artista, deriva hacia una puesta en escena donde cohabitan acumulaciones y ensambles que parecen retar la gravedad del espacio expositivo; taxonomías, esquemas y registro del proceso participativo. En proyectos anteriores, como en Territorios Domésticos, Alzate moviliza signos que retoma del paisaje urbano transformado por la acción humana, para problematizar los sistemas de representación y desplegar gestos sobre las nociones de acumulación y vacío, estabilidad y vértigo, densidad y austeridad, formalidad e informalidad, organicidad y constructivismo, estabilidad y nomadismo, centro y márgenes. texto :Equipo de Curaduría, Museo de Antioquia

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Fredy Alzate
Adosados, 2019
Objeto apropiado. Estructuras de muebles realizados por carpinteros en las inmediaciones del Museo de Antioquia. Fotografia: Pablo Gómez
Variables

Reseña del artista

Territorios Domésticos, Casa del Encuentro Museo de Antioquia. Medellín, Dic 2019- febrero 2020. Territorios Domésticos es el producto de un proceso de observación individual como de la construcción de un espacio relacional y co-creativo con los carpinteros y comerciantes fabricantes de muebles del sector aledaño al Museo de Antioquia. El resultado de la conversación entre artesanos y artista, deriva hacia una puesta en escena donde cohabitan acumulaciones y ensambles que parecen retar la gravedad del espacio expositivo; taxonomías, esquemas y registro del proceso participativo. En proyectos anteriores, como en Territorios Domésticos, Alzate moviliza signos que retoma del paisaje urbano transformado por la acción humana, para problematizar los sistemas de representación y desplegar gestos sobre las nociones de acumulación y vacío, estabilidad y vértigo, densidad y austeridad, formalidad e informalidad, organicidad y constructivismo, estabilidad y nomadismo, centro y márgenes. texto :Equipo de Curaduría, Museo de Antioquia

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Fredy Alzate
3. Cartografia, 2019
Objetos apropiados (Moldes de Carpintero); fotográfias, dibujos de carpinteros. Fotografia: Pablo Gómez
Variables

Reseña del artista

Territorios Domésticos, Casa del Encuentro Museo de Antioquia. Medellín, Dic 2019- febrero 2020. Territorios Domésticos es el producto de un proceso de observación individual como de la construcción de un espacio relacional y co-creativo con los carpinteros y comerciantes fabricantes de muebles del sector aledaño al Museo de Antioquia. El resultado de la conversación entre artesanos y artista, deriva hacia una puesta en escena donde cohabitan acumulaciones y ensambles que parecen retar la gravedad del espacio expositivo; taxonomías, esquemas y registro del proceso participativo. En proyectos anteriores, como en Territorios Domésticos, Alzate moviliza signos que retoma del paisaje urbano transformado por la acción humana, para problematizar los sistemas de representación y desplegar gestos sobre las nociones de acumulación y vacío, estabilidad y vértigo, densidad y austeridad, formalidad e informalidad, organicidad y constructivismo, estabilidad y nomadismo, centro y márgenes. texto :Equipo de Curaduría, Museo de Antioquia

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Luisa Giraldo
CUERPO DE AGUA, 2017
Video performance Ritual de Inmersión
Duración: 3:58 Site specific, Laguna Mama Dominga. Universidad Nacional de colombia

Reseña del artista

Quiero entenderme y decirme como ser natural, una especie en conjunto con su entorno y su ecosistema. Desde el 2017 se consideran los Ríos como Sujetos de derechos en las constituciones legales de varios países latinoamericanos. Es allí donde encuentro la posibilidad de entender y comprender a ese cuerpo de agua como un par, alguien igual a mi. Entiendo la emoción fuera de la moral como una reacción al entorno y un carácter inherente a todo lo vivo. Los ríos tienen emociones, responden a nuestro trato y cuidado. Dentro de mi trabajo imito los rituales Incas para sembrar y sanar el agua. Actualizo signos de los guiones escritos –del ritual- para hablar de las imágenes que corresponden a mi época, siglo XXI y a través de la metáfora curar cuerpos de agua. Utilizo 7 plantas amargas y 7 plantas dulces para bañar al río, la caléndula es el ingrediente principal ya que por su cualidad de antibiótico natural destruye los microorganismos que producen enfermedades e infecciones. Investigo con mis pies, camino como práctica estética buscando cuerpos de agua y recorro montañas colombianas en los departamentos de Huila, Tolima, Meta, Quindío, Cundinamarca, Boyacá, Caldas, Norte de Santander y Santander –hasta el momento actual- con la intención de construir una geografía propia que recoja archivo sobre espacios que se transforman a diario y constituyen las bases políticas y culturales de varias regiones.

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Luisa Giraldo
FRONTERA LIQUIDA, 2019
Video performance Ritual de Inmersión
Duración: 2:14 Site specific, Lagunas Negras del Páramo de Santurbán. En el marco del Festival de performance Acciones al Margen

Reseña del artista

Quiero entenderme y decirme como ser natural, una especie en conjunto con su entorno y su ecosistema. Desde el 2017 se consideran los Ríos como Sujetos de derechos en las constituciones legales de varios países latinoamericanos. Es allí donde encuentro la posibilidad de entender y comprender a ese cuerpo de agua como un par, alguien igual a mi. Entiendo la emoción fuera de la moral como una reacción al entorno y un carácter inherente a todo lo vivo. Los ríos tienen emociones, responden a nuestro trato y cuidado. Dentro de mi trabajo imito los rituales Incas para sembrar y sanar el agua. Actualizo signos de los guiones escritos –del ritual- para hablar de las imágenes que corresponden a mi época, siglo XXI y a través de la metáfora curar cuerpos de agua. Utilizo 7 plantas amargas y 7 plantas dulces para bañar al río, la caléndula es el ingrediente principal ya que por su cualidad de antibiótico natural destruye los microorganismos que producen enfermedades e infecciones. Investigo con mis pies, camino como práctica estética buscando cuerpos de agua y recorro montañas colombianas en los departamentos de Huila, Tolima, Meta, Quindío, Cundinamarca, Boyacá, Caldas, Norte de Santander y Santander –hasta el momento actual- con la intención de construir una geografía propia que recoja archivo sobre espacios que se transforman a diario y constituyen las bases políticas y culturales de varias regiones.

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Luisa Giraldo
Cuerpos de Agua, (Quebrada Pozo el Pato, Pamplonita), 2019
Nombre: Guardianes de Ríos Técnica: Fragmento, video performance Ritual de Inmersión
Duración: 0:33 Site specific, Río Pamplonita, Dentro del marco Pamplona Contemporánea

Reseña del artista

Quiero entenderme y decirme como ser natural, una especie en conjunto con su entorno y su ecosistema. Desde el 2017 se consideran los Ríos como Sujetos de derechos en las constituciones legales de varios países latinoamericanos. Es allí donde encuentro la posibilidad de entender y comprender a ese cuerpo de agua como un par, alguien igual a mi. Entiendo la emoción fuera de la moral como una reacción al entorno y un carácter inherente a todo lo vivo. Los ríos tienen emociones, responden a nuestro trato y cuidado. Dentro de mi trabajo imito los rituales Incas para sembrar y sanar el agua. Actualizo signos de los guiones escritos –del ritual- para hablar de las imágenes que corresponden a mi época, siglo XXI y a través de la metáfora curar cuerpos de agua. Utilizo 7 plantas amargas y 7 plantas dulces para bañar al río, la caléndula es el ingrediente principal ya que por su cualidad de antibiótico natural destruye los microorganismos que producen enfermedades e infecciones. Investigo con mis pies, camino como práctica estética buscando cuerpos de agua y recorro montañas colombianas en los departamentos de Huila, Tolima, Meta, Quindío, Cundinamarca, Boyacá, Caldas, Norte de Santander y Santander –hasta el momento actual- con la intención de construir una geografía propia que recoja archivo sobre espacios que se transforman a diario y constituyen las bases políticas y culturales de varias regiones.

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Paul Sebastian Mesa Vacca
Maja/o, 2020 Fotografía digital, impresión injet 50 x 33 CM, 2020
Fotografía digital, impresión injet
50x 33

Reseña del artista

Como propuesta de activación y continuación de las fotografías de “La noche oscura y los días del oro” se realizará una serie de ejercicios de cuerpo, espacio y lectura que busca continuar la exploración por el cuerpo y la subjetividad. Este espacio se propone como un encuentro entre Sebastian Mesa y el bailarín Andrés Felipe Gordo mediante ejercicios en el espacio LIA. De la intervención La noche oscura y los días del oro a la exposición “el oficio de la pintura” de David Manzur, homenaje a sus 90 años. La propuesta tiene como fin el desarrollo de un performance de moda en una coreografía que busca revelar elementos propios de la subjetividad queer para el espacio del Museo de Arte Moderno de Bogotá. Esta propuesta se desarrolló con la colaboración de 6 diseñadores de moda, y la participación de 28 modelos, bailarines, actores con quienes se ha desarrollado un trabajo de investigación, articulación y ejecución de la perfo. Las imágenes son registros de escenas diseñadas donde el cuerpo, la colonialidad, corporalidad, espiritualidad y subjetividad del Siglo del Oro Español entran en diálogo con la experiencia queer o disidente. Con lo anterior, se articula en un performance con modelos con quienes se realizarán escenas y acciones alrededor de la subjetividad liminal con las imágenes del pasado, que se han permeado en nuestra cotidianidad y tienen efectos en la contemporaneidad. La enfermedad, el martirio, el dolor, la soledad, el despojo, el agotamiento, la piedad y la celebración de la vida son imágenes que han afectado nuestra subjetividad y que tienen origen en los disciplinamiento de la subjetividad y el cuerpo en el periodo colonial en América Latina y la influencia del Siglo del Oro Español. Diseñador Industrial y Maestro en Artes Plásticas Universidad Jorge Tadeo Lozano (Bogotá,Col)- Universidad Nacional Autónoma de México UNAM (CDmx, Mex), Magister en Estudios Culturales (MRES) candidato a Magister Historia del Arte (MA) de la Universidad de los Andes (Bogotá, col), vive y reside en Bogotá, Colombia. Interesado en Cultura Visual, Diseño, Artes Plásticas, Cine y Educación como ejes para indagar en la construcción de subjetividad en un proyecto de Colonialidad/modernidad. Dentro de sus líneas de investigación se destaca las discusiones sobre cultura y visualidad, medios de comunicación, cultura popular, el arte, la colonialidad, diseño y arquitectura. A su vez profundiza en la producción gráfica-plástica, audiovisual, escrita y académica como de propuestas educativas.

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Paul Sebastian Mesa Vacca
Los estigmas de San Francisco, 2020
Fotografía digital, impresión injet
50x 33

Reseña del artista

Como propuesta de activación y continuación de las fotografías de “La noche oscura y los días del oro” se realizará una serie de ejercicios de cuerpo, espacio y lectura que busca continuar la exploración por el cuerpo y la subjetividad. Este espacio se propone como un encuentro entre Sebastian Mesa y el bailarín Andrés Felipe Gordo mediante ejercicios en el espacio LIA. De la intervención La noche oscura y los días del oro a la exposición “el oficio de la pintura” de David Manzur, homenaje a sus 90 años. La propuesta tiene como fin el desarrollo de un performance de moda en una coreografía que busca revelar elementos propios de la subjetividad queer para el espacio del Museo de Arte Moderno de Bogotá. Esta propuesta se desarrolló con la colaboración de 6 diseñadores de moda, y la participación de 28 modelos, bailarines, actores con quienes se ha desarrollado un trabajo de investigación, articulación y ejecución de la perfo. Las imágenes son registros de escenas diseñadas donde el cuerpo, la colonialidad, corporalidad, espiritualidad y subjetividad del Siglo del Oro Español entran en diálogo con la experiencia queer o disidente. Con lo anterior, se articula en un performance con modelos con quienes se realizarán escenas y acciones alrededor de la subjetividad liminal con las imágenes del pasado, que se han permeado en nuestra cotidianidad y tienen efectos en la contemporaneidad. La enfermedad, el martirio, el dolor, la soledad, el despojo, el agotamiento, la piedad y la celebración de la vida son imágenes que han afectado nuestra subjetividad y que tienen origen en los disciplinamiento de la subjetividad y el cuerpo en el periodo colonial en América Latina y la influencia del Siglo del Oro Español. Diseñador Industrial y Maestro en Artes Plásticas Universidad Jorge Tadeo Lozano (Bogotá,Col)- Universidad Nacional Autónoma de México UNAM (CDmx, Mex), Magister en Estudios Culturales (MRES) candidato a Magister Historia del Arte (MA) de la Universidad de los Andes (Bogotá, col), vive y reside en Bogotá, Colombia. Interesado en Cultura Visual, Diseño, Artes Plásticas, Cine y Educación como ejes para indagar en la construcción de subjetividad en un proyecto de Colonialidad/modernidad. Dentro de sus líneas de investigación se destaca las discusiones sobre cultura y visualidad, medios de comunicación, cultura popular, el arte, la colonialidad, diseño y arquitectura. A su vez profundiza en la producción gráfica-plástica, audiovisual, escrita y académica como de propuestas educativas.

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Paul Sebastian Mesa Vacca
Reposos, 2020
Fotografía digital, impresión injet
35x 23 cm

Reseña del artista

Como propuesta de activación y continuación de las fotografías de “La noche oscura y los días del oro” se realizará una serie de ejercicios de cuerpo, espacio y lectura que busca continuar la exploración por el cuerpo y la subjetividad. Este espacio se propone como un encuentro entre Sebastian Mesa y el bailarín Andrés Felipe Gordo mediante ejercicios en el espacio LIA. De la intervención La noche oscura y los días del oro a la exposición “el oficio de la pintura” de David Manzur, homenaje a sus 90 años. La propuesta tiene como fin el desarrollo de un performance de moda en una coreografía que busca revelar elementos propios de la subjetividad queer para el espacio del Museo de Arte Moderno de Bogotá. Esta propuesta se desarrolló con la colaboración de 6 diseñadores de moda, y la participación de 28 modelos, bailarines, actores con quienes se ha desarrollado un trabajo de investigación, articulación y ejecución de la perfo. Las imágenes son registros de escenas diseñadas donde el cuerpo, la colonialidad, corporalidad, espiritualidad y subjetividad del Siglo del Oro Español entran en diálogo con la experiencia queer o disidente. Con lo anterior, se articula en un performance con modelos con quienes se realizarán escenas y acciones alrededor de la subjetividad liminal con las imágenes del pasado, que se han permeado en nuestra cotidianidad y tienen efectos en la contemporaneidad. La enfermedad, el martirio, el dolor, la soledad, el despojo, el agotamiento, la piedad y la celebración de la vida son imágenes que han afectado nuestra subjetividad y que tienen origen en los disciplinamiento de la subjetividad y el cuerpo en el periodo colonial en América Latina y la influencia del Siglo del Oro Español. Diseñador Industrial y Maestro en Artes Plásticas Universidad Jorge Tadeo Lozano (Bogotá,Col)- Universidad Nacional Autónoma de México UNAM (CDmx, Mex), Magister en Estudios Culturales (MRES) candidato a Magister Historia del Arte (MA) de la Universidad de los Andes (Bogotá, col), vive y reside en Bogotá, Colombia. Interesado en Cultura Visual, Diseño, Artes Plásticas, Cine y Educación como ejes para indagar en la construcción de subjetividad en un proyecto de Colonialidad/modernidad. Dentro de sus líneas de investigación se destaca las discusiones sobre cultura y visualidad, medios de comunicación, cultura popular, el arte, la colonialidad, diseño y arquitectura. A su vez profundiza en la producción gráfica-plástica, audiovisual, escrita y académica como de propuestas educativas.

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CATALINA SANINT
CUÁL NORTE ?, 2020
FOTOGRAFIA DIGITAL HISTORIA DE OTRO
VARIABLES

Reseña del artista

Seguir Transitando Un proceso… A través de la resignificación de señales de tránsito, coleccionadas durante los últimos 10 años, se busca activar en terceros para que se apropien, las resignifiquen, den testimonio de ese UN TRANSITO, y cuenten sus historias, desde el afecto, las relaciones con el otro hacia su interior, del tránsito que es vivir. Este proceso tendrá inicio durante el mes de julio 2020.

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CATALINA SANINT
PIUNTO DE NO RETORNO, 2020
FOTOGRAFIA DIGITAL HISTORIA DE OTRO
VARIABLES

Reseña del artista

Seguir Transitando Un proceso… A través de la resignificación de señales de tránsito, coleccionadas durante los últimos 10 años, se busca activar en terceros para que se apropien, las resignifiquen, den testimonio de ese UN TRANSITO, y cuenten sus historias, desde el afecto, las relaciones con el otro hacia su interior, del tránsito que es vivir. Este proceso tendrá inicio durante el mes de julio 2020.

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CATALINA SANINT
REMAIN STANDING, 2020
FOTOGRAFIA DIGITAL HISTORIA DE OTRO
VARIABLES

Reseña del artista

Seguir Transitando Un proceso… A través de la resignificación de señales de tránsito, coleccionadas durante los últimos 10 años, se busca activar en terceros para que se apropien, las resignifiquen, den testimonio de ese UN TRANSITO, y cuenten sus historias, desde el afecto, las relaciones con el otro hacia su interior, del tránsito que es vivir. Este proceso tendrá inicio durante el mes de julio 2020.

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ANA MARIA ROA
De la serie Devenir Yarumo, 2020
Fieltro húmedo, hoja de Yarumo, hilo.
40 x 60 x 10 cm

Reseña del artista

Un intento constante por comprender mi cuerpo como territorio. Un intento constante por comprender mi territorio en relación a los territorios que me rodean. Un intento constante por querer ser otro territorio. Un intento constante por querer construir-me. Estas puestas en práctica son los puntos que dan paso a mi trabajo plástico. Los textiles son el medio por el que he encontrado las posibilidades a través de las cuales dar paso a distintas pieles que me permiten comprender el límite entre lo externo y lo interno, son las pieles que voy creando para habitar dentro de mí misma y al mismo tiempo, para habitar en algo que aún no soy. En particular la lana de oveja y la técnica del fieltro son, hace cuatro años, los elementos que me permiten moldearme: no hay intermediarios entre el cuerpo y el materia, dando paso a una puesta completa del primero, ya que este es la herramienta a través de la cual la lana tendrá la forma. Lo primordial reside en que a medida que se le da forma a la lana, el cuerpo propio también se va moldeando: el material se comienza a parecer al cuerpo y el cuerpo al material. Mi trabajo se podría definir dentro de la escultura blanda, pero sobre todo está definido y aravesado por la palabra DEVENIR. En la atención dirigida hacia mi interior, en estos intentos por encontrar de qué está hecho mi cuerpo y de ahí todas las otras materias que me conforman, me encuentro en un constante intento por transformarme. La transformación como un estado de movimiento constante que nunca debe parar. Un estar siendo, un llegar a ser. Permitir que la incertidumbre sea la que habite en este territorio de bordes indefinidos, cambiando de piel y sensaciones constantemente, residiendo en las posibilidades. En algunos aspectos, confieso que no en un cien por ciento, no me siento a gusto siendo humana. La verdad es que quiero ser planta. Sin embargo, no he escogido aún qué planta me gustaría ser, así no pueda escoger yo. ¿O sí puedo? ¿Puedo reencarnar en un yarumo, en un curubo, en una ruda, en un diente de león? Me han dicho, que en aquellas religiones donde se cree en la reencarnación, se dice que uno es primero planta, luego animal y por último, humano. No soy tan sabia para saber si esto es verdad, mi fe tampoco es tan fuerte para ello; también es claro y evidente, eso sí lo sé con certeza y fe, que en esta vida sólo seré humana. Ahora bien, si en esta no soy planta y no sé si en la próxima exista alguna posibilidad de serlo, deberé hacer lo posible por transformarme en esta vida, desde mi humanidad. Para ello, he desarrollado una serie de pieles en fieltro sobre hojas de yarumo que he recolectado. El fieltro (animal) es el intermediario entre el humano (yo) y la planta, es el momento de la reencarnación al que me debo devolverme como un primer paso, para posteriormente llegar a la piel de la planta en mi ser. El fieltro está hecho de lana de oveja, es un pelaje que se permite ser moldeado de distintas maneras, en este caso para conseguir una semejanza con las formas, cavidades y pliegues de la planta sobre la que se dispone. Así, la obra consiste en una serie de hojas de yarumo secas, sobre las cuales se han dispuesto paños artesanales de fieltro delgados, que han ido acoplándose a ellas, de modo que sobre ellos se han ido demarcando sus pliegues y formas características, las cuales se pretenden utilizar como segundas pieles en un supuesto proceso de transformación y juego a ser planta.

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ANA MARIA ROA
De la serie Devenir Yarumo, 2020
Fieltro húmedo, hoja de Yarumo, hilo.
76 x 47 x 15 cm

Reseña del artista

Un intento constante por comprender mi cuerpo como territorio. Un intento constante por comprender mi territorio en relación a los territorios que me rodean. Un intento constante por querer ser otro territorio. Un intento constante por querer construir-me. Estas puestas en práctica son los puntos que dan paso a mi trabajo plástico. Los textiles son el medio por el que he encontrado las posibilidades a través de las cuales dar paso a distintas pieles que me permiten comprender el límite entre lo externo y lo interno, son las pieles que voy creando para habitar dentro de mí misma y al mismo tiempo, para habitar en algo que aún no soy. En particular la lana de oveja y la técnica del fieltro son, hace cuatro años, los elementos que me permiten moldearme: no hay intermediarios entre el cuerpo y el materia, dando paso a una puesta completa del primero, ya que este es la herramienta a través de la cual la lana tendrá la forma. Lo primordial reside en que a medida que se le da forma a la lana, el cuerpo propio también se va moldeando: el material se comienza a parecer al cuerpo y el cuerpo al material. Mi trabajo se podría definir dentro de la escultura blanda, pero sobre todo está definido y aravesado por la palabra DEVENIR. En la atención dirigida hacia mi interior, en estos intentos por encontrar de qué está hecho mi cuerpo y de ahí todas las otras materias que me conforman, me encuentro en un constante intento por transformarme. La transformación como un estado de movimiento constante que nunca debe parar. Un estar siendo, un llegar a ser. Permitir que la incertidumbre sea la que habite en este territorio de bordes indefinidos, cambiando de piel y sensaciones constantemente, residiendo en las posibilidades. En algunos aspectos, confieso que no en un cien por ciento, no me siento a gusto siendo humana. La verdad es que quiero ser planta. Sin embargo, no he escogido aún qué planta me gustaría ser, así no pueda escoger yo. ¿O sí puedo? ¿Puedo reencarnar en un yarumo, en un curubo, en una ruda, en un diente de león? Me han dicho, que en aquellas religiones donde se cree en la reencarnación, se dice que uno es primero planta, luego animal y por último, humano. No soy tan sabia para saber si esto es verdad, mi fe tampoco es tan fuerte para ello; también es claro y evidente, eso sí lo sé con certeza y fe, que en esta vida sólo seré humana. Ahora bien, si en esta no soy planta y no sé si en la próxima exista alguna posibilidad de serlo, deberé hacer lo posible por transformarme en esta vida, desde mi humanidad. Para ello, he desarrollado una serie de pieles en fieltro sobre hojas de yarumo que he recolectado. El fieltro (animal) es el intermediario entre el humano (yo) y la planta, es el momento de la reencarnación al que me debo devolverme como un primer paso, para posteriormente llegar a la piel de la planta en mi ser. El fieltro está hecho de lana de oveja, es un pelaje que se permite ser moldeado de distintas maneras, en este caso para conseguir una semejanza con las formas, cavidades y pliegues de la planta sobre la que se dispone. Así, la obra consiste en una serie de hojas de yarumo secas, sobre las cuales se han dispuesto paños artesanales de fieltro delgados, que han ido acoplándose a ellas, de modo que sobre ellos se han ido demarcando sus pliegues y formas características, las cuales se pretenden utilizar como segundas pieles en un supuesto proceso de transformación y juego a ser planta.

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ANA MARIA ROA
De la serie Devenir Yarumo, 2020
Fieltro húmedo, hoja de Yarumo, hilo.
72 x 35 x 10cm

Reseña del artista

Un intento constante por comprender mi cuerpo como territorio. Un intento constante por comprender mi territorio en relación a los territorios que me rodean. Un intento constante por querer ser otro territorio. Un intento constante por querer construir-me. Estas puestas en práctica son los puntos que dan paso a mi trabajo plástico. Los textiles son el medio por el que he encontrado las posibilidades a través de las cuales dar paso a distintas pieles que me permiten comprender el límite entre lo externo y lo interno, son las pieles que voy creando para habitar dentro de mí misma y al mismo tiempo, para habitar en algo que aún no soy. En particular la lana de oveja y la técnica del fieltro son, hace cuatro años, los elementos que me permiten moldearme: no hay intermediarios entre el cuerpo y el materia, dando paso a una puesta completa del primero, ya que este es la herramienta a través de la cual la lana tendrá la forma. Lo primordial reside en que a medida que se le da forma a la lana, el cuerpo propio también se va moldeando: el material se comienza a parecer al cuerpo y el cuerpo al material. Mi trabajo se podría definir dentro de la escultura blanda, pero sobre todo está definido y aravesado por la palabra DEVENIR. En la atención dirigida hacia mi interior, en estos intentos por encontrar de qué está hecho mi cuerpo y de ahí todas las otras materias que me conforman, me encuentro en un constante intento por transformarme. La transformación como un estado de movimiento constante que nunca debe parar. Un estar siendo, un llegar a ser. Permitir que la incertidumbre sea la que habite en este territorio de bordes indefinidos, cambiando de piel y sensaciones constantemente, residiendo en las posibilidades. En algunos aspectos, confieso que no en un cien por ciento, no me siento a gusto siendo humana. La verdad es que quiero ser planta. Sin embargo, no he escogido aún qué planta me gustaría ser, así no pueda escoger yo. ¿O sí puedo? ¿Puedo reencarnar en un yarumo, en un curubo, en una ruda, en un diente de león? Me han dicho, que en aquellas religiones donde se cree en la reencarnación, se dice que uno es primero planta, luego animal y por último, humano. No soy tan sabia para saber si esto es verdad, mi fe tampoco es tan fuerte para ello; también es claro y evidente, eso sí lo sé con certeza y fe, que en esta vida sólo seré humana. Ahora bien, si en esta no soy planta y no sé si en la próxima exista alguna posibilidad de serlo, deberé hacer lo posible por transformarme en esta vida, desde mi humanidad. Para ello, he desarrollado una serie de pieles en fieltro sobre hojas de yarumo que he recolectado. El fieltro (animal) es el intermediario entre el humano (yo) y la planta, es el momento de la reencarnación al que me debo devolverme como un primer paso, para posteriormente llegar a la piel de la planta en mi ser. El fieltro está hecho de lana de oveja, es un pelaje que se permite ser moldeado de distintas maneras, en este caso para conseguir una semejanza con las formas, cavidades y pliegues de la planta sobre la que se dispone. Así, la obra consiste en una serie de hojas de yarumo secas, sobre las cuales se han dispuesto paños artesanales de fieltro delgados, que han ido acoplándose a ellas, de modo que sobre ellos se han ido demarcando sus pliegues y formas características, las cuales se pretenden utilizar como segundas pieles en un supuesto proceso de transformación y juego a ser planta.

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Jazmín Rojas Forero
Cuerpos contenidos entre sí , 2019
Instalación Cuerpos contenidos entre sí / serie (3 Fotografías, C-print digital, 45x30cm) Capa de hojas muertas (2 piezas en cerámica, 45 x 50 x 60) Médula (1 pieza de vidrio, agua, piedra 18x16x50)
variables

Reseña del artista

Cuerpos contenidos entre sí es una instalación que recrea a través de una serie de gestos escultóricos con materiales orgánicos y dispositivos sonoros, fenómenos que ocurren en las partes del cuerpo de un frailejón, una planta del páramo. Encontré en este organismo un cuerpo expuesto e inmóvil, capaz de vivir en un entorno extremo, ya que su morfología y fisiología se creó a partir de una relación de adaptación con la atmósfera, así que por más profundo que observara en el interior de esta planta me daba cuenta, que esta y su entorno son inseparables, no es posible la existencia del uno sin el otro. A partir de información que me aportó el Instituto de Investigación de recursos Biológicos Alexander von Humbolt sobre el frailejón, realicé una partitura que relaciona los sistemas de funcionamiento de la planta y mi experiencia con los medios de mi práctica artistica: el sonido y la escultura con materiales como: cerámica, vidrio y agua, para así crear un nuevo sistema que re-plantea nuestra relación con el entorno, a partir de una planta que habita un clima extremo. Artista Plástica y Visual. Su práctica artística se desarrolla en un entorno interdisciplinario en contacto con la biología y la ecología. A través de sus obras invita a los espectadores a reconsiderar su forma de percibir y relacionarse con el hábitat y los organismos que lo rodean. Trabaja con diversos medios como la escultura, el sonido y el video en instalaciones que proponen mecanismos cuyo funcionamiento está inspirado fenómenos naturales particulares. Realizó su pregrado en la Universidad Nacional de Colombia, allí le fue otorgada una beca por el DAAD para realizar un intercambio académico y profundizar su práctica en artes mediales en la Kunsthochschule für Medien Köln en Colonia, Alemania. Fue ganadora del Premio III Salón de Arte Joven del Programa Distrital de Estímulos - FUGAA - 2019; fue preseleccionada para el XII Premio de Arte Joven Embajada de España Colsanitas y Selección oficial en el 18º Festival Internacional de la Imagen realizado en Manizales, Colombia. Ha participado en diversas exposiciones colectivas en Colombia y Alemania, en instituciones como: Fundación Gilberto Alzáte Avendaño, Museo de Arte de la Universidad Nacional de Colombia, Claustro de San Agustín, Galería nueve ochenta, Deutschlandfunk, SS-LAB-KHM.

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Jazmín Rojas Forero
Cuerpos contenidos entre sí , 2019
Instalación Cuerpos contenidos entre sí / serie (3 Fotografías, C-print digital, 45x30cm) Capa de hojas muertas (2 piezas en cerámica, 45 x 50 x 60) Médula (1 pieza de vidrio, agua, piedra 18x16x50)
variables

Reseña del artista

Cuerpos contenidos entre sí es una instalación que recrea a través de una serie de gestos escultóricos con materiales orgánicos y dispositivos sonoros, fenómenos que ocurren en las partes del cuerpo de un frailejón, una planta del páramo. Encontré en este organismo un cuerpo expuesto e inmóvil, capaz de vivir en un entorno extremo, ya que su morfología y fisiología se creó a partir de una relación de adaptación con la atmósfera, así que por más profundo que observara en el interior de esta planta me daba cuenta, que esta y su entorno son inseparables, no es posible la existencia del uno sin el otro. A partir de información que me aportó el Instituto de Investigación de recursos Biológicos Alexander von Humbolt sobre el frailejón, realicé una partitura que relaciona los sistemas de funcionamiento de la planta y mi experiencia con los medios de mi práctica artistica: el sonido y la escultura con materiales como: cerámica, vidrio y agua, para así crear un nuevo sistema que re-plantea nuestra relación con el entorno, a partir de una planta que habita un clima extremo. Artista Plástica y Visual. Su práctica artística se desarrolla en un entorno interdisciplinario en contacto con la biología y la ecología. A través de sus obras invita a los espectadores a reconsiderar su forma de percibir y relacionarse con el hábitat y los organismos que lo rodean. Trabaja con diversos medios como la escultura, el sonido y el video en instalaciones que proponen mecanismos cuyo funcionamiento está inspirado fenómenos naturales particulares. Realizó su pregrado en la Universidad Nacional de Colombia, allí le fue otorgada una beca por el DAAD para realizar un intercambio académico y profundizar su práctica en artes mediales en la Kunsthochschule für Medien Köln en Colonia, Alemania. Fue ganadora del Premio III Salón de Arte Joven del Programa Distrital de Estímulos - FUGAA - 2019; fue preseleccionada para el XII Premio de Arte Joven Embajada de España Colsanitas y Selección oficial en el 18º Festival Internacional de la Imagen realizado en Manizales, Colombia. Ha participado en diversas exposiciones colectivas en Colombia y Alemania, en instituciones como: Fundación Gilberto Alzáte Avendaño, Museo de Arte de la Universidad Nacional de Colombia, Claustro de San Agustín, Galería nueve ochenta, Deutschlandfunk, SS-LAB-KHM.

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Jazmín Rojas Forero
Cuerpos contenidos entre sí , 2019
Instalación Cuerpos contenidos entre sí / serie (3 Fotografías, C-print digital, 45x30cm) Capa de hojas muertas (2 piezas en cerámica, 45 x 50 x 60) Médula (1 pieza de vidrio, agua, piedra 18x16x50)
variables

Reseña del artista

Cuerpos contenidos entre sí es una instalación que recrea a través de una serie de gestos escultóricos con materiales orgánicos y dispositivos sonoros, fenómenos que ocurren en las partes del cuerpo de un frailejón, una planta del páramo. Encontré en este organismo un cuerpo expuesto e inmóvil, capaz de vivir en un entorno extremo, ya que su morfología y fisiología se creó a partir de una relación de adaptación con la atmósfera, así que por más profundo que observara en el interior de esta planta me daba cuenta, que esta y su entorno son inseparables, no es posible la existencia del uno sin el otro. A partir de información que me aportó el Instituto de Investigación de recursos Biológicos Alexander von Humbolt sobre el frailejón, realicé una partitura que relaciona los sistemas de funcionamiento de la planta y mi experiencia con los medios de mi práctica artistica: el sonido y la escultura con materiales como: cerámica, vidrio y agua, para así crear un nuevo sistema que re-plantea nuestra relación con el entorno, a partir de una planta que habita un clima extremo. Artista Plástica y Visual. Su práctica artística se desarrolla en un entorno interdisciplinario en contacto con la biología y la ecología. A través de sus obras invita a los espectadores a reconsiderar su forma de percibir y relacionarse con el hábitat y los organismos que lo rodean. Trabaja con diversos medios como la escultura, el sonido y el video en instalaciones que proponen mecanismos cuyo funcionamiento está inspirado fenómenos naturales particulares. Realizó su pregrado en la Universidad Nacional de Colombia, allí le fue otorgada una beca por el DAAD para realizar un intercambio académico y profundizar su práctica en artes mediales en la Kunsthochschule für Medien Köln en Colonia, Alemania. Fue ganadora del Premio III Salón de Arte Joven del Programa Distrital de Estímulos - FUGAA - 2019; fue preseleccionada para el XII Premio de Arte Joven Embajada de España Colsanitas y Selección oficial en el 18º Festival Internacional de la Imagen realizado en Manizales, Colombia. Ha participado en diversas exposiciones colectivas en Colombia y Alemania, en instituciones como: Fundación Gilberto Alzáte Avendaño, Museo de Arte de la Universidad Nacional de Colombia, Claustro de San Agustín, Galería nueve ochenta, Deutschlandfunk, SS-LAB-KHM.