FIN DE SEMANA
21 AL 23 DE ABRIL 2023
Un programa de la Cámara de Comercio de Bogotá
Un programa cultural de:
FIN DE SEMANA
21 AL 23 DE ABRIL 2023
Un programa de la Cámara de Comercio de Bogotá
Un programa cultural de:
El uso de materiales recuperados y de tecnologías analógicas, ancestrales u obsoletas, es propio del "Low-Tech" ("Bajas Tecnologías"), un movimiento en la producción artística contemporánea. Al interior de la relación entre el arte y la tecnología, es posible observar dos vertientes principales: "High-Tech" y "Low-Tech". El "High-Tech" predomina en los centros de desarrollo tecnológico y se caracteriza por el empleo de tecnologías de punta, las cuales proyectan una suerte de oráculo hacia un destino utópico.
"Low-Tech" reivindica procesos de elaboración artesanal, reparación, hackeo y reciclaje, cuestionando nuestra relación con los dispositivos, las industrias tecnológicas y sus problemáticas, tales como la sobreproducción, la obsolescencia programada y la contaminación ambiental. Las obras de arte concebidas al interior de las lógicas de las "Bajas Tecnologías" reflexionan sobre la voluntad de innovación de las periferias, donde cada vez más se evidencia la necesidad de tecnologías social y ambientalmente situadas, capaces de responder a necesidades locales y comunitarias.
LOUTEK reúne las obras de 23 artistas que se adentran en la exploración de las "Bajas Tecnologías". Las características contrastantes de las propuestas que conforman esta investigación enfatizan la diversidad de acercamientos e intenciones que cohabitan al interior de esta corriente, propiciando una conversación entre objetos disímiles.
Casa Hoffmann es un espacio de exhibición e investigación en Bogotá, dedicado a la producción, exhibición y divul- gación de proyectos en arte contemporáneo comisionados a curadores e investigadores. Su ciclo expositivo consiste de proyectos curatoriales que establecen ejes de diálogo entre artistas locales e internacionales, basándose en la transversalidad como marco conceptual para contribuir a la innovación creativa, y al progreso cultural y social. Pa- ralelamente, el espacio se ha especializado en el diseño y desarrollo de proyectos en los que interactúan el arte, la ciencia y la tecnología, promoviendo a artistas que se adentran en dichos campos de investigación, y entendiendo al arte como medio de reflexión alrededor de problemáticas contemporáneas.
Jorge Barco es artista radicado en Medellín, Colombia. Investiga, desde una perspectiva sonora, la arqueología de los medios, el diseño especulativo, los imaginarios espaciales y los materiales geológicos, combinando medios y estrategias como la electrónica análoga y la reapropiación de bajas tecnologías a través de instalaciones, máquinas y proyectos in situ. A lo largo de su práctica artística integra la grabación de campo, los paisajes sonoros, la composición y el performance. Ha participado en múltiples exhibiciones, residencias, actos en vivo y talleres en diferentes centros de arte, museos y festivales dedicados a la circulación de las artes electrónicas en América Latina y Europa. Combina su trabajo artístico con producción teórica, curatorial y gestión cultural en la escena experimental de Medellín de forma independiente; asimismo, forma parte del equipo del MAMM | Museo de Arte Moderno de Medellín, donde se desempeña como Curador de Proyectos Especiales. Recientemente fue nominado en la primera edición del Premio CIFO-Ars Electronica 2022.
La práctica artística de Alba Triana se centra en explorar la inteligencia primordial de la naturaleza. Sus obras, que incluyen instalaciones interactivas, espacios resonantes, esculturas de sonido y luz, y objetos vibracionales, son híbridas y cruzan los límites de un conjunto diverso de disciplinas. La revista Artburst la describe como una “escultora de sonido que explora la interfaz entre las ciencias naturales y la música… combina rigor y finura poética”. Triana ha recibido honores como el South Arts State Fellowship (EE. UU.), Civitella Ranieri Fellowship (EE.UU./Italia), así como comisiones, residencias y subvenciones del Kronos Quartet (EE. UU.), Coincidencia/ProHelvetia (Suiza), Oolite Arts (EE. UU.), L’Institut International de Musique Électroacoustique de Bourges (Francia). Sus piezas han sido presentadas en espacios como el Museo de Arte Moderno de Bogotá - MAMBO (Colombia), 104 París, NÉMO—Bienal de Artes Electrónicas de París (Francia), CCCB—Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (España), ISEA—International Symposium of Electronic Arts (Colombia), CMMAS—Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras (México), y en festivales como Sonar+D Festival (España), Subtropics (EE. UU.), Futura, Synthèse (Francia) y Zilele Muzicii Noi (Moldavia). Su obra pertenece a colecciones como Otazu — Premio ARCO al coleccionismo (España), Banco de la República (Colombia), Mosquera (EE. UU.), así como al Portafolio de Productos Culturales de Alta Calidad del Ministerio de Relaciones Exteriores de Colombia.
ARCÁNGEL CONSTANTINI (México, DF. 1970) Su investigación y desarrollo como artista,curador y promotor esta integralmente activada por la vinculación entre los procesos artísticos y los tecnológicos, distintas lineas discursivas están presentes en su practica, ligadas a los procesos perceptivos, desde un corte ludico conceptual . Es coleccionista de tecnología obsoleta que integra como entendimientos contemporáneos a los procesos e ideas en desuso, sus discursos se nutren de actividades relacionadas con el net-art, hackeo tecnológico, el diseño de interfaces y dispositivos, animación interactiva, música experimental y arte sonoro, ilustración, gráfica, fotografiá y video, La experimentación visual-sonora a sido una de sus practicas fundamentales tanto en la producción autoral y colaborativa, como en la gestión. Sus recientes desarrollos implican el replanteamiento de procesos energéticos contextualizados en la capacidad inductiva de los procesos implicados en el entorno socia l y su relación medio ambiental, construyendo instalaciones y piezas de computación física. Desde 1997 Mantiene una producción constante de proyectos de arte en red, relacionados con el uso de nuevas tecnologías para la creación artística, se a especializado como Gestor y curador de eventos relacionados de arte y tecnología. Curador de Nuevos Medios del Museo Tamayo Arte Contemporáneo, coordinando del 2000 al 2009 el programa de arte y nuevas tecnologías “ Cyberlounge “, Curador de las emisiones 2005 y 2009 De la Bienal de Arte Electrónico “Transitio mx” del CNA y CONACULTA , Curador del Evento inaugural de La Fonoteca Nacional , Curador del evento inaugural de la Universidad CENTRO cine diseño y televisión, Miembro del consejo de Dorkbot, Ciudad de México, Director de la galería emergente 1/4. Un-cuarto especializada en la producción de arte y experimentación tecnológica de artistas mexicanos. Su trabajo ha sido expuesto en destacados festivales y muestras de arte electrónico en Canadá, Corea, Italia, Alemania, Argentina, Holanda, España, Reino Unido, Uruguay, Perú, China, Estados Unidos, Brasil, Australia, Puerto Rico. Recibió la beca Jóvenes Creadores del FONCA 2000, la Beca Rockefeller / Macarthur 2002, El Apoyo a la producción artística del Centro Multimedia, el apoyo otorgado por Fundación Telefónica en el “Certamen VIDA 0.11”. Apoyo a la producción de Fundación Bancomer , Forma parte del Sistema Nacional de Creadores Artísticos 2005-2008. 2011-2013
Constanza Piña es artista visual, bailarina, investigadora y educadora independiente enfocada en la experimentación con medios electrónicos, tecnologías libres y metodologías DIWO. Sus propuestas artísticas se presentan en diversos formatos integrando danza, performance sonoras y obras de carácter participativo. Su trabajo hace una reflexión sobre los conjuntos humano-tecnológicos y el rol de las máquinas en nuestra cultura, cuestionando la educación, capitalismo y patriarcado tecno-centrista como contraposición al conocimiento abierto, la autonomía y la valorización del trabajo técnico manual. Interesada por el reciclaje, hardware hacking, electrotextiles, la artesanía y la brujería electrónica, genera el proyecto sonoro con sintetizadores DIY Corazón de Robota donde explora el campo de las frecuencias audibles e inaudibles como percepciones físicas, vibraciones como mensajes cósmicos, el ruido y la arritmia. Su trabajo se ha presentado en importantes festivales y espacios internacionales como Marginalia+lab, Nuvem y FILE (Brasil), C.C. Simón I Patiño y Kiosko Galería (Bolivia), Ljudmila, RampaLab (Eslovenia), Cerocinco (Paraguay), Laboratorio de juguete, Flexible, Museo del traje, Museo del Juguete, CCBA, FASE (Argentina), PIKSEL (Noruega), Museum of Fine Art Boston, Video Sur II (US), Boom-Chix-A-Boom #6, Perte de Signal, Eastern Bloc (Canadá), Museo de Antioquia, Congreso de Mujeres, Tecnología y Cultura libre, Bogotrax, Plataforma Bogotá, Museo de Arte moderno, Selvatorio, Platohedro
Alejandro Villegas es artista interdisciplinario graduado en Artes Plásticas con énfasis en Medios Electrónicos de la Universidad de Los Andes en Bogotá. Desde 2017 es cofundador y miembro activo del colectivo artístico Atractor Estudio, cuyos proyectos han sido galardonados en múltiples ocasiones. Su obra se ha enfocado en la exploración del sonido, la síntesis de audio, los campos electromagnéticos y los desechos electrónicos. Ha realizado dicho trabajo a través de múltiples residencias, laboratorios, talleres, intervenciones públicas y exposiciones en espacios nacionales e internacionales como la Feria Internacional de Arte de Bogotá, Voltaje | Salón de arte y tecnología, la Fundación para el Arte y las Tecnologías Creativas de Liverpool, el Museo de Arte Contemporáneo de Panamá, el Museo de Arte Moderno de Bogotá, y la Cámara de Comercio de Bogotá, entre otros.
Leonel Vásquez es artista plástico y sonoro colombiano. A lo largo de su trayectoria ha recibido múltiples reconocimientos y galardones, entre los cuales se cuentan la Beca de Creación para Artistas de Trayectoria Intermedia, entregada por el Ministerio de Cultura de Colombia (2019), la Beca de Residencia Plataforma Bogotá – Más Arte Más Acción por parte del Instituto Distrital para las Artes (2018), y la Beca de Circulación Internacional del Ministerio de Cultura de Colombia en dos ocasiones (2017 y 2014), entre otras. Ha llevado a cabo numerosas exhibiciones individuales, tales como Tierras del Mar en el Festival de las Artes de Valparaíso (Chile, 2018), The River’s Cradle en la Bienal OpenArt 2017 de Örebro (Suecia), y Canto Rodado en Casa Hoffmann (Bogotá, 2019), entre otras. Ha sido invitado a participar en varios paneles internacionales en contextos como el XI Festival Tsonami de Arte Sonoro (Chile, 2017), y la mesa Arte y Performance: Haciendo Visible el Trauma durante el Encuentro Anual del Instituto Hemisférico de Performance y Política (Montreal, 2014), entre otros. Actualmente se desempeña como profesor de arte sonoro en el Departamento de Arte de la Universidad de Los Andes (Bogotá). Vásquez cuenta con amplio reconocimiento como investigador y gestor cultural por proyectos realizados en colaboración junto con la Radio Nacional de Colombia, el Centro Nacional para la Memoria Histórica, y el Ministerio de Cultura de Colombia, entre otros. Sus obras han sido exhibidas en instituciones como el Museo de Arte Moderno de Bogotá | MAMBO, el Museo de Arte Miguel Urrutia (Banco de la República de Colombia) | MAMU, el Museo Nacional de Colombia, el Museo de Arte Moderno de Medellín | MAMM, el Museo de Antioquia, el Centro de Memoria, Paz y Reconciliación, el Museo del Agua y la Cámara de Comercio de Bogotá, entre otras. A lo largo de su práctica artística, Vásquez reflexiona y explora los poderes del sonido como sustancia que moldea la experiencia sensible, y como fuerza vibracional que transita los espacios y se consolida en esculturas, piezas multimedia, e instalaciones sonoras arquitectónicas. Explora maneras de expandir el acto de la escucha como acción política, estética y recomponedora, y como medio para la construcción de nuevos vínculos y relaciones en contextos de conflicto social y ambiental. El canto entendido como práctica de resistencia, las memorias sonoras en contextos de conflicto armado, las dinámicas del silencio y el sonido, las cualidades sonoras de los paisajes de agua y el sonido subacuático se cuentan entre sus intereses conceptuales principales.
Fernando Sierra Rodríguez (Medellín, enero 6 de 1969) es Diseñador Industrial y músico. Miembro fundador de la banda de rock electrónico Estados Alterados. Se ha desempeñado en el diseño de vestuario y de producto, dirección de arte para videos y conciertos. Tiene un proyecto de investigación sonora y performance de sonido experimental con el que se ha presentado en el Museo de Arte Moderno de Medellín, galería KB y Galería Casa Hoffmann. Entre sus trabajos recientes se puede mencionar que colaboró con el diseño de vestuario y personaje para el performance Hybris de Carmen Gil Vrolijk y con diseño de vestuario e intérprete de personaje para Violeta, Ópera Modular de Santiago Lozano. Actualmente dirige el programa de Diseño en la Facultad de Creación de la Universidad del Rosario.
Artista, investigadora y docente colombiana, radicada actualmente en la Ciudad de México. Sus proyectos se sitúan en territorios donde lo vivo y lo inanimado se redefinen, abordándolos desde la articulación entre diversos saberes y prácticas. Concebidos como investigaciones abiertas y de largo aliento, estos parten de la apropiación de ciertas tradiciones epistémicas, para darles la vuelta y abrir un lugar a procesos colaborativos, experimentos museológicos, escrituras experimentales, foros de discusión, espacios pedagógicos, entre otros procesos de construcción de otros tipos de conocimiento. Desde 2015, sus procesos de investigación se han centrado en las transformaciones y movimientos de resistencia (humanos y otros) propios de la región del lago de Texcoco, así como en las crisis hídricas de la zona metropolitana de la Ciudad de México. Adriana es licenciada en Artes Plásticas de la Universidad Jorge Tadeo Lozano de Bogotá, maestra en Filosofía de la Universidad Javeriana de la misma ciudad y doctora en Arte y Diseño de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Es docente del programa de Artes Visuales de la Universidad Javeriana de Bogotá, tallerista y asesora de proyectos culturales. También escribe textos, libros y artículos para publicaciones artísticas, académicas y de divulgación.
Artista, investigadora y docente colombiana, radicada actualmente en la Ciudad de México. Sus proyectos se sitúan en territorios donde lo vivo y lo inanimado se redefinen, abordándolos desde la articulación entre diversos saberes y prácticas. Concebidos como investigaciones abiertas y de largo aliento, estos parten de la apropiación de ciertas tradiciones epistémicas, para darles la vuelta y abrir un lugar a procesos colaborativos, experimentos museológicos, escrituras experimentales, foros de discusión, espacios pedagógicos, entre otros procesos de construcción de otros tipos de conocimiento. Desde 2015, sus procesos de investigación se han centrado en las transformaciones y movimientos de resistencia (humanos y otros) propios de la región del lago de Texcoco, así como en las crisis hídricas de la zona metropolitana de la Ciudad de México. Adriana es licenciada en Artes Plásticas de la Universidad Jorge Tadeo Lozano de Bogotá, maestra en Filosofía de la Universidad Javeriana de la misma ciudad y doctora en Arte y Diseño de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Es docente del programa de Artes Visuales de la Universidad Javeriana de Bogotá, tallerista y asesora de proyectos culturales. También escribe textos, libros y artículos para publicaciones artísticas, académicas y de divulgación.
Artista, investigadora y docente colombiana, radicada actualmente en la Ciudad de México. Sus proyectos se sitúan en territorios donde lo vivo y lo inanimado se redefinen, abordándolos desde la articulación entre diversos saberes y prácticas. Concebidos como investigaciones abiertas y de largo aliento, estos parten de la apropiación de ciertas tradiciones epistémicas, para darles la vuelta y abrir un lugar a procesos colaborativos, experimentos museológicos, escrituras experimentales, foros de discusión, espacios pedagógicos, entre otros procesos de construcción de otros tipos de conocimiento. Desde 2015, sus procesos de investigación se han centrado en las transformaciones y movimientos de resistencia (humanos y otros) propios de la región del lago de Texcoco, así como en las crisis hídricas de la zona metropolitana de la Ciudad de México. Adriana es licenciada en Artes Plásticas de la Universidad Jorge Tadeo Lozano de Bogotá, maestra en Filosofía de la Universidad Javeriana de la misma ciudad y doctora en Arte y Diseño de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Es docente del programa de Artes Visuales de la Universidad Javeriana de Bogotá, tallerista y asesora de proyectos culturales. También escribe textos, libros y artículos para publicaciones artísticas, académicas y de divulgación.
Valentina Ruiz es artista, fotógrafa y docente. Es Maestra en Artes Plásticas por parte de la Facultad de Artes de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, y magíster Cum Laude en Artes Plásticas, Electrónicas y del Tiempo por parte de la Universidad de Los Andes. Centra su práctica artística en la observación atenta de la conciencia de la materia, y aplica mediaciones electrónicas para descomponer sus narrativas. Ruiz investiga las posibilidades plásticas que materialidades de cualidades tecnológicas, electrónicas u orgánicas adquieren frente a las transposiciones temporales de la memoria natural y digital. Ruiz ha participado como artista, curadora y coproductora en escenarios como ARTBO | Artecámara y Voltaje | Salón de Arte y Tecnología, entre otros. Hace parte del colectivo Proyecto 555, con el cual llevó a cabo el laboratorio CyberDuelos en el espacio experimental El Parqueadero del Museo de Arte Miguel Urrutia (Bogotá); participó en la muestra experimental de video Días del futuro pasado en la Galería Santa Fe (Bogotá), e hizo parte del Tercer Salón Universitario de Fotografía en 2017. Actualmente se desempeña como docente en el área de artes electrónicas del Departamento de Arte de la Universidad Javeriana. Paralelamente, crea proyectos multimedia, escultóricos e instalativos en gran formato, enfocados en la materia, el transmedia y las prácticas plásticas atravesadas por tecnología.Observadora de la materia y su conciencia implícita en las narrativas que la componen y la mediación electrónica que la descompone. El Peso, circuitos, grasa, pólvora, cables, polvo y bits se funden con la memoria, la ausencia y la evanescencia. Transponiéndose en el tiempo quebrado por la materialidad y su imaginario, resistiéndose al olvido en medio de la liminalidad que la conforma y la deforma.
Verona estudia, imagina, mira, ensambla y construye objetos, les da vida, los resucita, los transfigura, los refigura, para enfrentarlos a la atmósfera mortuoria que irradia el ambiente. Algunos elementos, los que imagina y encuentra, que en un pasado fueron útiles para sus dueños y luego los abandonaron a su propio destino, los acoge en su seno. Y los construye, o reconstruye, o deconstruye, y los descontextualiza de su entorno desechable, y los ubica en un contexto vital.
El colectivo Paramédicos, fundado en Bogotá, Colombia en el año 2014; es el resultado del trabajo en equipo y la combinación de varias disciplinas como ingeniería, artes plásticas, diseño, publicidad y realización audiovisual. La propuesta se desarrolla bajo los principios del Low-Tech fabricando dispositivos extractores de THC con material reciclado, configurando formalmente las piezas por medio de la videoinstalación. John Chaves (dirección de arte) Samuel Rojas Padauí (ingeniería y programación) Kiran Fernandes (realización audiovisual)
Carlos Bonil es artista plástico y sonoro, y magíster en artes plásticas y visuales por parte de la Universidad Nacional de Colombia. Se ha desempeñado como docente en la Escuela de Artes de la Universidad Nacional de Colombia, la Academia Superior de Artes de Bogotá, la Universidad Jorge Tadeo Lozano, y la Pontificia Universidad Javeriana (Bogotá). La obra plástica de Carlos Bonil ha sido exhibida a nivel nacional e internacional en espacios como el Museo Stenersen (Oslo), la Galería de Arte de la Universidad de York (Toronto), el 46 Salón Nacional de Artistas (Colombia), ARTBO | Feria Internacional de Arte de Bogotá, ARCO Madrid, la sala experimental El Parqueadero del MAMU | Museo de Arte Miguel Urrutia – Banco de la República (Bogotá), la Casa Museo Lope de Vega (Madrid), la Casa Museo Diego Rivera (Guanajuato), el Centro Cultural MOCA (Buenos Aires) y Casa Hoffman (Bogotá), entre otros. Asimismo, ha realizado intervenciones sonoras en escenarios como el MAMM | Museo de Arte Moderno de Medellín, The Box Gallery (Los Angeles), Madame Claude (Berlín), MIR (Oslo), y el Museo de Arte de la Universidad Nacional de Colombia (Bogotá), entre otros. Bonil trabaja con objetos obsoletos que poseen una carga histórica, emocional y física. Sin excluir del proceso a la pintura ni al dibujo, recurre al ensamblaje como técnica predilecta para construir el grueso de su obra. Malentiende las imágenes bidimensionales (a propósito o no), en busca de subliminales, mientras tanto la tridimensionalidad le permite convertir muchos objetos del mundo en piezas que se pueden ensamblar entre sí, por coincidencias de tamaño, forma y color. También piensa en la representación metafórica de los animales como parte de la construcción humana del mundo.
Andrés Felipe Ñáñez es artista independiente dedicado a construir instalaciones, objetos, videos y música donde convergen el sonido y la interacción espacial, procesos termodinámicos, realidad aumentada, virtualidad y robótica, en busca de ambientes polisensoriales que generen imágenes de lógicas abiertas en pro de la construcción de poemas mediatizados. Parte importante de su desarrollo profesional se ha desarrollado en torno a la investigación sobre temáticas artísticas relacionadas con los medios de comunicación, la hipermediación, los mecanismo de soporte de información como obra de arte, la percepción y la alteración de los sentidos gracias a la imagen mediatizadas reproducibles. Sus obras han recorrido varios lugares del mundo como México, Canadá, Estados Unidos, Ecuador, Reino Unido, China y Argentina. Fundador de Percepttorium espacio para las artes y director de Fundacom "Fundación Educa-tiva para Comunidades Autogestoras", obtuvo el título de pregrado de Músico con énfasis en Composición en la Universidad Na-cional de Colombia y la Maestría en Artes Plásticas y Visuales en la facultad de Artes de la misma Universidad, Maestría en artes Plásticas, Electrónicas y del tiempo en la Universidad de los Andes, Ingles con énfasis en el negocio de la música en The London School of English en el Reino Unido y actualmente esta inscrito en el PhD en Fine Arts en la Universidad de Shanghai China.
Larry Muñoz (Colombia, 1982), vive y trabaja entre Bogotá y la Ciudad de México. La mayoria de sus trabajos rodean la complejidad con la que pensamos y nos relacionamos con el mundo natural. Con esculturas, videos e instalaciones su práctica ofrece un lugar en el que materiales orgánicos e industriales de diferentes origenes encuentra un lugar juntos. Estudio Publicidad en la Universidad Jorge Tadeo Lozano de Bogotá. Siendo las residencias artísticas centrales en su desarrollo, sus trabajos han sido expuestos en Finlandia, Japón, Brasil, Argentina, México Estados unidos Turquia y Colombia. Sus exposiciones individuales son: Después del fuego - Plural Nodo Cultural, Bogotá, Colombia, 2019, La eterna novedad del mundo - Muntref Ecoparque, Buenos Aires, Argentina 2018, Epifanía tardía - Galería Beta, Bogotá, Colombia, 2016, Los secretos de la invisibilidad - Hermes, Sao Paulo, Brasil, 2016, Exposiciones grupales: Ivy, Galeria Zilberman, Estambul Turquia 2022, Luciferinas Casa Hoffman, Bogotá, Colombia, 2021, Topofilia - Plural Nodo Cultural, Bogotá, Colombia, 2018, Fuga Alba Saturniidarum - Salón Voltage, Bogotá, Colombia, 2018, Multiverse - Galería melaká, Bogotá, Colombia, 2017, OtrO - Espacio Permanente, Bogotá, Colombia, 2017, URRA Galería Del infinito, Buenos Aires, Argentina, 2016, Números naturales - Galería Beta Bogotá, Colombia, 2016, 111 call you as soon as the sun goes down - Centro Cultural Heiska, Hameenkyro, Finlandia, 2014.
Catalina Mora conceptualiza su trabajo partiendo de investigaciones sobre intereses que abarcan la historia del arte y el comportamiento psicosocial, indagando la angustia existencial; pone en juego las inevitables relaciones del devenir de la tecnología con la cotidianidad humana y atómica (natural-artificial). Se interesa por lo absurdo, por lo obsoleto y por la existencia de lo no-vivo, acontecimiento propio de las máquinas semióticas que materializa bajo el concepto de existir. Las pesquisas acerca del comportamiento son una son una disculpa para plantear propuestas que confrontan la cotidianidad, lo intrascendente y lo anti-monumental, desarrollando máquinas robóticas obtusas que abordan procesos de emulación. Para la coexistencia biomecánica, ha realizado una serie de objetos robóticos autómatas desde el proyecto “Symbiosis”.
Hamilton Mestizo. Artista, gestor cultural, investigador. Bogotá Colombia, Madrid España. Con un trabajo transdisciplinar, explora la relación entre arte, ciencia y tecnología desde una mirada crítica y/o propositiva: indagando en sus implicaciones socioculturales, biológicas y ecológicas. En la última década, ha complementado su práctica artística con iniciativas pedagógicas experimentales en universidades, colegios, centro culturales y museos, donde se investiga el uso y desarrollo tecnológico desde el arte y el diseño como también la práctica de la ciencia de forma creativa. Su trabajo explora el desarrollo de software y hardware (de código abierto), el prototipado digital, las bellas artes, la ciencia ciudadana, el bioarte, los nuevos medios y la biotecnología. Realiza piezas, instalaciones y proyectos artísticos experimentando con distintos medios, materiales y métodos: involucra electrónica, computación, robótica, fotografía, biología y técnicas tradicionales e industriales. Coordinó el programa «BioCrea, Espacio Abierto de Biología Creativa» en el Medialab-Prado y es candidato a Doctor en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid. En 2016-17, trabajó en el Parque Explora Medellín (2016-2017) donde, con un equipo multidisciplinario, diseñó y planificó el programa y las actividades en el «Exploratorio (Laboratorio y Taller público de Experimentación Público)«. De 2007 a 2014 fue docente en biotecnología y computación física en el Departamento de Diseño y Arquitectura (2008-2012) y Departamento de Arte (2014) en la Universidad Javeriana de Bogotá y en el Departamento de Cine de la Universidad Nacional de Colombia (2007). Además, ha participado con diferentes instituciones público-privadas desarrollando estrategías y asesoramiento en pedagogía y educación. Ha estado vinculado a colectivos artísticos latinoamericanos como Surófona y al proyecto La Poeta Soundsystema. Ha participado en varios encuentros, exposiciones y festivales alrededor el mundo, incluyendo: Homo Ludens Caixa Forum (Madrid, 2021); Piksel Festival (Bergen, 2020); Biosummit 3.0 (Boston MIT Media Lab, 2019); Siggraph Art Gallery (Los Angeles, 2017); GOSH – Gathering for Open Science Hardware (Santiago de Chile, 2017); Medialab-Prado (Madrid, 2016); rural.scapes (Brasil, 2015); Festival Internacional de la Imagen ( Manizales, 2015); Fundación Platohedro (Medellín, 2015); Centro de Cultura Digital CCD (México, 2014); ISEA sur-south (Sydney, 2013); Balance-Unbalance (Noosa, 2013); Maker Fair (London, 2013); Pixelache (Helsinki-Tallinn, 2013); Plataforma (Bogotá, 2012); Labsurlab ( Quito, 2012); Culturadigital (Rio De Janeiro, 2011); Deus Ex Media (Santiago, 2011); Interactivos?10:neigburhoodscience-Medialab-Prado (Madrid, 2010); VIDA Art and Artificial Life International Awards (Spain, 2007), entre otros.
Juan Melo nació en Cali en 1969. Es artista plástico y diseñador graduado del Instituto Departamental de Bellas Artes de Cali, y cuenta con una maestría en Diseño y Creación Interactiva de la Universidad de Caldas. Su trabajo se enfoca en la experimentación con nuevos medios y la integración de nuevas tecnologías con las artes visuales y conceptuales. A través de su trabajo ha investigado aspectos de la historia del arte y del comportamiento psicosocial, indagando por el sentimiento de angustia existencial como resultado de la evolución tecnológica de la vida cotidiana. Su investigación sobre comportamientos físicos es una oportunidad para confrontar la vida común y nociones como los antimonumentos, el mestizaje y la robótica. A lo largo de su carrera ha trabajado como artista y educador. El trabajo de Melo ha sido exhibido en escenarios como el Museo de Pereira, el MAC | Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá y la galería Lugar a Dudas en Cali, entre otros.
Miguel Kuan es artista sonoro y plástico colombiano. Su práctica artística abarca un amplio rango de materialidades y medios, desde instalaciones sonoras y ensamblajes multimedia hasta objetos electromecánicos y acciones participativas. A través de su trabajo explora los impactos de las saturaciones tecnológicas, los procesos industriales y la contaminación sobre los ecosistemas y las sociedades contemporáneas, apuntando hacia la abundancia de dispositivos electrónicos, materiales industriales, tecnologías obsoletas, desechos y sobrecargas multimedia en los entornos urbanos. Kuan lleva a cabo una metodología de investigación de campo con el fin de recoger información, materiales, objetos y registros de video y sonido que posteriormente incorpora en sus piezas. Como resultado de su proceso de investigación y creación, las obras de arte elaboradas por Kuan consisten en ensamblajes que integran dispositivos obsoletos, chatarra electrónica, plásticos y múltiples objetos encontrados, constituyendo observaciones incisivas sobre las consecuencias sociales y ambientales de la producción industrial masiva y el consumismo. Sus obras reflexionan acerca de fenómenos tanto materiales como inmateriales, componiendo instalaciones multimedia y multisensoriales que conceptual y estéticamente comprended puntos de vista analíticos hacia la aceptación acrítica de las siempre crecientes dinámicas producción y consumo en el mundo contemporáneo, impulsadas por el mercado. La obra de Miguel Kuan ha sido exhibida en el Museo Stenersen (Noruega), la Passerelle Centre d’art Contemporain (Francia), el Paço da Liberdade (Brasil), y el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá (Colombia), entre otros.
El trabajo de Carlos Castro parte de la apropiación de imágenes históricas y la recontextualización formal y simbólica de los objetos encontrados. Su obra explora elementos de la identidad individual y colectiva, buscando señalar puntos de vista y narrativas ignoradas en el relato histórico. Castro estudió Bellas Artes en la Universidad Jorge Tadeo Lozano (2002) y una maestría en el San Francisco Art Institute (2010). Es además músico y educador; sus proyectos musicales incluyen: POPO (2000), Los Claudios de Colombia (2005-2018) y Amor Negro (2020). Castro es profesor adjunto en San Diego State University. Vive y trabaja entre San Diego, Tijuana y Bogotá.
Andrea Cárdenas Prada (1996) es artista plástica por parte de la Universidad Nacional de Colombia. Fue participe en el 2021 de la exposición colectiva Prueba y Error realizada en el Centro Cultural Gabriel García Márquez - Fondo de Cultura Económica (Bogotá) y en el 2022 presentó la serie "Alindar" durante XLVI Muestra de Trabajos de Grado Escuela de Artes Plásticas de la Universidad Nacional de Colombia.
Falon Cañón es artista plástica egresada de la Academia Superior de Artes de Bogotá | ASAB. Aborda la obsolescencia programada en tanto problemática y fenómeno propio de las lógicas del consumo. A lo largo de su proceso artístico, manipula la electricidad, entendiéndola como fuerza primitiva para darle vida al aparato desechado, producido bajo las lógicas masivas del industrialismo contemporáneo. Su trabajo se enmarca en la corriente LOW-TECH, reivindicando las potencias plásticas de la reapropiación y el reciclaje, y proponiendo una reflexión hacia la creación tecnológica local. Su obra ha sido exhibida en el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, el Museo de Arte de Pereira, y la sección ARTECÁMARA de ARTBO | Feria Internacional de Arte de Bogotá, entre otros.
Mauricio Bejarano es profesor asociado en la Escuela de Artes Plásticas y coordinador de la Maestría en Artes Plásticas y Visuales en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Colombia. Investigador y creador en música concreta y arte sonoro. Arquitecto por parte de la Universidad Nacional de Colombia con estudios en creación acusmática en el Groupe de Recherches Musicales, G.R.M. con François Bayle, Francis Dhomont, Daniel Teruggi, Jean-Claude Risset, Leo Kupper, Serge de Laubier y Yann Geslin, París, Francia, 2001, 1997, 1995 y 1994 y con Iannis Xenakis en Les Ateliers UPIC en Massy, Francia, 1994. Ha participado individual y colectivamente en más de un centenar de eventos artísticos de música contemporánea y artes plásticas a nivel nacional e internacional. Ha sido invitado a estudios de creación y festivales de música electroacústica y arte sonoro en Alemania (Berlín), Argentina (Buenos Aires, San Juan), Austria (Viena), Bélgica (Bruselas), Brasil (Recife, Säo Paulo), Canadá (Montreal, Winnipeg), Ecuador (Quito), España (Baeza, Chodes, Madrid), Estados Unidos (Denton, Nueva York, Stanford), Francia (Arras, Bourges, Crest, Lyon, París, Perpignan), Holanda (Ámsterdam), Italia (Roma), México (México DF, Puebla), Örebro (Suecia) y Uruguay (Montevideo); y en Colombia (Bogotá, Cali, Ibagué, Manizales, Medellín, Mariquita, Pasto, Sasaima, Sutatenza, Tunja, etc.). Se han publicado sus trabajos sonoros, musicales y escritos en Canadá (DIFFUSION i MéDIA), Ecuador (Centro Experimental Oído Salvaje), España (UNIA), Francia (INA-GRM), Holanda (Mind the Gap), México (Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras CMMAS) y Colombia (Ministerio de Cultura, Universidad Nacional, Fundación Gilberto Alzate Avendaño, Goethe Institut, DAMA, etc.). En 1998 fundó “Murciélago, museo sonoro” dedicado a la investigación, colección, conservación, creación y diseño de sonidos y paisajes sonoros. Ha recibido premios en el 4o Concurso Internacional de composición de música acusmática Noroit 95, Francia, 1995; en el Primer Salón del juguete, Bogotá, 1996; recibió Beca Nacional de creación en arte sonoro, Ministerio de Cultura, 1996; el Premio Nacional de Composición, Ministerio de Cultura, 2003; premio en Arte Sonoro, convocatoria internacional Madrid Abierto 2007; nominado y expositor en el VI Premio Luis Caballero, Bogotá, 2011; ganador del II Premio Bienal de Artes Plásticas y Visuales, Bogotá, 2012, FUGA; y ganador, con el colectivo Reactante, de la Beca Arte y Ciencia, Planetario de Bogotá, 2015.
Julia Nanda Bejarano López es artista y cuenta con una Maestría en Artes Visuales por parte de la Universidad Javeriana (Bogotá). El sonido es la materia que más utiliza en su práctica artística. Tiene un gran interés por el trabajo directo y físico con los objetos sonoros y su comportamiento en espacios específicos, por la acción de escuchar y grabar las sonoridades propias de lugares particulares, y por los paisajes sonoros del mundo habitado. Asimismo, se ha interesado en otras materias y prácticas tales como la escritura, la fotografía, el dibujo y la creación de objetos, personas y situaciones imaginarias y poéticas. Bejarano ha participado en múltiples exhibiciones individuales y colectivas, así como en numerosos eventos artísticos entre los que destacan “Siphonophora, música electroacústica y arte sonoro” (CDMX); el Festival “Transitions Sonores”, Universidad París VIII (París); “Recorded Audio Festival Helicotrema” (Venecia); la muestra individual “La estancia del viento” (Zaragoza); y la muestra individual “Sonido de piedra” (Bogotá), entre otras. El sonido es uno de los aspectos más importantes de su vida pues le da sentido y bienestar, y es la materia que más utiliza en su quehacer como artista. Tiene un interés muy grande por el trabajo directo y físico con los objetos sonoros y cómo se desenvuelven en espacios específicos, y de igual forma por la acción de escuchar y grabar los lugares y los paisajes sonoros del mundo. Asimismo se ha interesado en otras materias y prácticas como la escritura, la fotografía, el dibujo y en la creación de objetos, personas y situaciones imaginarias y poéticas. Ha participado en diversos eventos artísticos entre los que destacan la participación en el concierto “Siphonophora, música electroacústica y arte sonoro” en México DF-México con la pieza Caracola a propósito de la instalación de Thomas Glassford en el Museo Universitario del Chopo; participación en el “Festival Transitions Sonores”, Universidad París VIII, París, Francia, con la pieza sonora Una caracola de pájaros (2016); participación en el “Recorded Audio Festival Helicotrema” en Forte Marghera, Venecia y Mestre-Italia con la pieza sonora Gira, respira y escucha: la máquina de ulular (2015); la presentación Gira, respira y escucha: la máquina de ulular en el Teatro el Parque, Bogotá-Colombia (2015); la muestra individual La estancia del viento producto de la residencia abierta realizada en La Cala, Chodes, España (2014); la muestra individual Sonido de piedra realizada en la Galería Mezzanine, Bogotá-Colombia (2013); la participación en la exposición colectiva “Arte y Naturaleza: lo defendible” en el Jardín Botánico con la instalación sonora Ambiente-zumbido, Bogotá-Colombia (2013); y la participación en la exposición colectiva “Auras” en la Galería Valenzuela Klenner con la serie fotográfica ¡¡Sin palabras!!, Bogotá-Colombia (2012-2013).
Alberto Roa desarrolla un trabajo cerebral en gráfica, pintura, escultura e instalaciones. En 2011 Roa participó con ""La esnifadora" y “Ruido Blanco” en la sección ARTECÁMARA de la feria ARTBO. Ambas obras demuestran su capacidad de mutar de medios y técnicas para cuestionar tanto la actual sociedad de adicciones como la binarización actual de los lenguajes -y de la opinión en general-. A lo largo de su práctica artística, Roa explora el poco tratado campo de las relaciones entre el arte y la economía. En lugar de ocuparse del mercado de arte, Roa se interesa por plantear entrecruzamientos entre el objeto artístico, el espacio de exposición y las dinámicas de consumo que se generan entre el espectador y la obra de arte. Roa ha llevado exhibiciones individuales tales como “El Arte de la Pintura” (Sala Alterna de la Galería Santa Fe, 2004), y “La Perfección del Diseño” (Sala de Exposiciones ASAB, 2003), entre otras. Asimismo, ha participado en múltiples muestras colectivas en espacios como la Galería La Cometa (Bogotá), la Fundación Gilberto Alzate Avendaño (Bogotá), y el pabellón ARTECÁMARA de la Feria Internacional de Arte de Bogotá.
