El Museo

Contacto: Luis Fernando Pradilla
Calle 81 # 11 - 41
7447588

Los artistas aquí propuestos plantean su obra desde una perspectiva narrativa capaz de producir discursos abiertos por medio de la construcción de historias que entablan un diálogo visual y emocional con el espectador. Los trabajos enfatizan las vivencias de su cotidianidad, documentando la realidad contemporánea desde una óptica subjetiva; aportando una reflexión personal sobre su entorno. Por medio de su obra, los artistas exponen una mirada que cuestiona este mundo cada vez más agitado y en permanente transformación.

Contacto

Galeria
Galería El Museo
Luis Fernando Pradilla
Calle 81 # 11 - 41
7447588
Las galerías El Museo de Bogotá (fundada en 1987) y Fernando Pradilla de Madrid (fundada en 2001), con estrategias y objetivos diferentes, bajo la dirección de un mismo fundador, centran su actividad en la promoción y comercialización del arte iberoamericano contemporáneo, dedicando especial atención al arte joven emergente en los circuitos nacionales e internacionales del arte, a través de exposiciones y ferias. De igual manera, ambas galerías actúan como puente en la difusión del arte español y latinoamericano, intercambiando exposiciones de los artistas representados de cada galería.

 

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Gonzalo Fuenmayor
Macondo magno, 2020
Carboncillo sobre papel
152 x 178

Reseña del artista

En la obra de Gonzalo Fuenmayor, yace una profunda reflexión sobre las percepciones de la identidad caribeña y tropical desde una mirada exógena que consciente o no, exotiza y estereotipa al sujeto, referentes idiosincráticos, la naturaleza y elementos característicos de este imaginario geográfico. En su acercamiento a estas diversas temáticas, particularmente cuando se alude al trópico, busca a través de la ironía y el humor, cuestionar esas percepciones tan profundamente arraigadas. Esa tensión entre la destreza de su dibujo y el mensaje directo generan una crítica sin artificios a esas construcciones culturales. En su más reciente exposición, titulada “Los Macondos”, Fuenmayor presenta una serie de dibujos donde el logotipo icónico de la cadena de comidas rápidas McDonald’s se fusiona de manera natural con el nombre del pueblo mítico de Cien Años de Soledad: Macondo. Esta unión no es arbitraria. El génesis de la serie de dibujos se inspira en una campaña publicitaria por parte del Ministerio de Comercio, Industria y Turismo y PROCOLOMBIA realizada hace unos años

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Jorge Cabieses
Estados de un cuerpo XIV, 2020
Acrílico sobre lino
150 x 200

Reseña del artista

La obra de Jorge Cabieses (Lima, Perú, 1971) toma como punto de partida la fusión de diversos elementos de la cultura popular peruana que el artista fusiona y reinterpreta en clave neo-pop. Con una resolución plástica cercana al concretismo americano, al constructivismo ruso y a la Bauhaus, conceptualmente se aproxima a postulados del arte pop tales como el uso del collage, de recursos y colores de la publicidad, las revistas, las artes gráficas y la señalética aeroportuaria y de carga. A lo largo de sus más de veinte años de carrera, Cabieses ha trabajado sobre diversos soportes: la madera, el plástico, el papel y el lienzo. Algunas de sus obras se apropian de elementos ya existentes como los tapices de gobelinos sobre cuyas imágenes pastorales e idílicas el artista pinta al óleo formas geométricas inspiradas en la pintura hard-edge, de colores planos y primarios para proponer con ello una superposición de imágenes que nos hace reflexionar sobre la manera en la que la visión se construye, biológica y culturalmente.

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Rubén Rodrigo
Número 17, 2018
Óleo sobre lienzo
65 x 108

Reseña del artista

"En mi trabajo siempre ha existido una tendencia a la improvisación y a la búsqueda de lo sublime a través de procesos en los que intervenga cierto azar controlado. Este azar, el misterio y una determinada cualidad táctil, siempre relacionada con la levedad, han estado presentes en mi obra desde el principio. Actualmente estoy explorando las posibilidades formales del color en campos prácticamente monocromáticos. Quiero llegar a la máxima pureza mediante un proceso de mancha única (Sumi-e*) dejando que la pintura, en un estado muy líquido, gotee extendiéndose por la superficie del lienzo, generando una vibración que varía según la luminosidad del fondo o su interacción cromática. Me interesan el pulso, la tensión, la espiritualidad y vitalidad del espacio pictórico. Trato de profundizar en la materia y la energía que hay en el color, y la dicotomía que existe entre su fisicidad y las relaciones que se establecen en nosotros a través de la cultura y la historia del arte, en un diálogo constante con la luz y el espacio arquitectónico, otorgando importancia al ambiente, el cultivo de la elipsis, las pausas, la contención, el efecto del tiempo y la sombra."

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Edwin Monsalve
Geodesia, ríos y montañas, 2020
Hojilla de oro, petróleo y carbón sobre lienzo
70 x 70 x 4

Reseña del artista

En su obra actual Monsalve plantea una reflexión acerca de la exploración y la transformación del paisaje en la que utiliza la realidad y la ficción como estrategia; la ciencia y la naturaleza como método y la ecología y la política como espacio de discusión. Petróleo, carbón, oro, plata y cobre son materias minerales y orgánicas sustraídas de la tierra que en su forma plástica han sido concebidas por Monsalve como abstracciones del paisaje donde la materia y su significante toman aún más relevancia y se asocian a problemáticas locales y globales, como modo de denunciar los desastres ecológicos causados por la minería ilegal y la explotación de los recursos naturales.

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Marco Mojica
After Jeroen Diepenmaat, 2020
Óleo sobre tela
80 x 130

Reseña del artista

La obra de Mojica parte de la apropiación de obras de conocidos artistas contemporáneos, contraponiendo con ironía y humor el refinamiento del mundo del arte con la cultura popular Su trabajo es el resultado de encuentros inesperados; de una experiencia particular con el collage; de esa yuxtaposición de imágenes (y de significados) capaces de generar una inquietante e irónica tensión en la lectura de sus contenidos. Las cualidades de este medio, en el que se contextualizan imágenes, le permiten al artista crear esbozos de futuras obras. Mojica es un consumidor de imágenes, con un archivo personal de todo registro visual que cree pertinente para su obra. Las fuentes desde revistas de variedad, magazines de arte, libros ilustrados, catálogos para ingenieros, archivos de Internet, videos e incluso fotocopias. Todos estos archivos se convierten en bocetos previos de sus obras, y en este sentido, la apropiación, entendida como estrategia plástica, se convierte en una eficaz herramienta que le permite a Mojica abordar temas tan pertinentes dentro del arte contemporáneo como es el concepto de originalidad.

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Sebastián Dávila
Monólogo 89, 2019
Escabiladero, concreto y metal
51 x 158 x 52

Reseña del artista

En Monólogos, su ultimo trabajo a partir del 2013, Sebastián Dávila(Bogotá, 1981) reflexiona sobre la condición humana a través del trabajo con el espacio, la escala y la sugerencia de narrativas absurdas. Los espacios arquitectónicos inútiles, generados a partir de objetos encontrados, se componen para habitar lo inhabitable y transformar en lugar lo que ya se consideraba desecho.

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Vicky Neumann
Tomaticos en maceta, 2020
Óleo sobre lienzo
150 x 163

Reseña del artista

Desde siempre Vicky Neumann ha trabajado a partir de recuerdos. No sobra señalar que los simbolistas lo hacían a partir de la fantasía, los cubistas a partir del intelecto y los surrealistas a partir del sueño. Tampoco sobra mencionar que el uruguayo Pedro Figari también pintó recuerdos con la intención del historiador preocupado en dejar documentos fidedignos de la vida cotidiana que presenció durante la niñez. En la pintora colombiana no hay una intención documental tan evidente porque las imágenes son, en sí mismas, trozos de historia. La manera como procede es atípica y no obedece las normas de algunas de las corrientes en boga. Centrada en su propio mundo, imbuida de preocupaciones que son las suyas, cargada como está de imágenes que desea comunicar, Vicky Neumann es una artista solitaria como Edward Hopper, Rouault y Louise Nevelson. La suya es una soledad consubstancial al arte latinoamericano, cuya historia está hecha de islas. Esas islas tienes nombres propios: Tarsila Do Amaral, Rufino Tamayo, Frida Khalo, Amelia Peláez, Alejandro Obregón, Fernando de Syszlo, Francisco Toledo, Daniel Senise, José Bedia, Arnaldo Roche Rabel. Quiere decir que la soledad de la pintora colombiana es una soledad confortable y envidiable.

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Jose Horacio Martinez
Ríos y dragones, 2019
Acrílico y tinta sobre lienzo
180 x 174

Reseña del artista

Jose Horacio Martínez, nace en 1961 en Buga, Colombia, y se inicia en la pintura a principios de los años 80. En 1994 recibe el primer premio en XXXV Salón Nacional de Artistas Colombianos, que significó para él, el gran primer posicionamiento de su trabajo y la determinación en el ejercicio de su carrera, produciendo una pintura que se reinventa permanentemente. Una pintura expandida, como ejercicio vital y cotidiano que propicia sus acercamientos a lo inaprensible que no podría lograr por otros medios. Martínez no es un pintor de fórmulas. Todo lo contrario, su intinerario está marcado por rompimientos, riesgos y por la intención de contar historias de todos los días y en lo vernáculo, argumentos de una pintura que siempre parece interrogarse y cuestionarse sobre su propia condición. Le interesa la pintura como “ línea de tiempo” y lugar de aprendizaje sujeto a transmutaciones y solamente abierto al que desee entrar, en sus pinturas que demandan múltiples miradas y varios acercamientos. A partir del 2010, Martinez ve la necesidad de pintar grandes zonas de color y luego de dibujar sobre ellas elementos que puedan componer una historia de sugerencias y evocaciones. Lo que plantea es una materialización de algo que no existe antes que él lo ponga allí. Son imágenes de naturaleza extraña y encantadora, que nos permiten descubrir ese otro mundo paralelo y cercano al nuestro. Es así como su pintura se traduce en una obra de gran complejidad pensada como una construcción diaria, basada en las relaciones del acontecer cotidiano, meditado o azaroso a la vez que se extiende sobre una superficie de referentes simbólicos, apuntes humorísticos, literarios o científicos.

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Freda Sargent
Figura 1, 2011
Óleo sobre tela
100 x 80

Reseña del artista

Su carrera como pintora ha tenido dos etapas: una primera en Europa y una segunda en Colombia, donde se enfrentó a un proceso opuesto al de los artistas nacionales; pues mientras estos crecieron en América y desarrollaron un lenguaje local, posteriormente se alimentaron de los movimientos de vanguardia europeos y americanos. Freda, por el contrario, creció permeada por las propuestas revolucionarias de los movimientos de entre guerras en Europa y posteriormente vino a Colombia donde se vio influenciada por los temas, la luz y los colores del trópico. Sargent construye sus pinturas con una paleta de pocos contrastes y con una sutil variedad de llamativas tonalidades, creando espacios enigmáticos que recuerdan sueños, fábulas o visiones de la infancia. Los azules en diferentes tonalidades; los amarillos alegres y festivos y los reflejos de una luz hábilmente manejada, son en parte el registro de lo que la rodea. Su sensibilidad la lleva a poner al descubierto la fragilidad de las cosas y la fugacidad del momento que, por medio del encanto de su trazo y de su gesto, resulta en el desarrollo de un lenguaje figurativo donde hay un gran interés en la composición, la luz, y la perspectiva. Como ella afirma, “pinto lo que veo, pinto mi vida”, y es por medio de la representación de su entorno y de sus memorias que, con una composición abstraccionista y gestual, hace de su pintura una experiencia de inmediata comprensión para el espectador.

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Juanita Carrasco
Bronx, cúpula Voto Nacional, 2019
Construcción fotográfica
200 x 110

Reseña del artista

Juanita Carrasco lleva muchos años explorando ciudades, para entenderlas histórica, social y geográficamente a través de extensos recorridos y la observación detallada de los mismos. La fotografía ha sido la herramienta que le ha permitido hacer registro de todo lo que le motiva de una manera sincera y espontánea. Arquitectura, renovación, movimiento y repetición se convierten en elementos determinantes para la construcción de sus escenarios los cuales crea a partir de la fragmentación del espacio, y la descomposición del mismo diversas capas y volúmenes. Carrasco estudia las ciudades partiendo de documentos de renovación urbana, la evolución de estas y su consecuente transformación. Su trabajo se ha estructurado sobre la base de referentes importantes, como en los textos del semiólogo colombiano Armando Silva, la forma de estudiar las ciudades del artista español Xavier Rivas; la forma en la que Gerhard Richter trabaja los archivos; y en como David Hockney descomponía los espacios

Patrocinador: Banco de Bogotá | Audioguía: El Museo
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