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Adrián Ibáñez Galería

Contacto: Adrián Ibáñez
Vereda Juaica Carrón, antes de subir a Carrón doblar a la izquierda, casa azul de dos pisos, Adrián Ibáñez Galería, Tabio Cundinamarca.
3124174747

EN PAUSA Reúne las obras de 5 artistas, obras que viajaban entre marzo y abril a las ferias internacionales de Drawing Now París, AAF Brussels y Art Lima en Francia, Bélgica y Perú, las tres ferias por motivos del COVID 19 han quedado ¨En Pausa¨ Los artistas participantes son: Javier Caraballo – Gloria Herazo – Andrés Layos – Carlos Alarcón y Harold Rubio ¨En Pausa¨ se funda en los terrenos de lo incierto y lo conocido, el conjunto de obras que acá se presenta son parte de tres diferentes ferias internacionales de arte, (Bélgica, Francia y Perú), obras que durante meses habían sido preparadas por los artistas para establecer diálogos con sus pares en otras latitudes y que por ahora ha quedado ¨En Pausa¨. Dicho diálogo ya tendrá oportunidad de darse, por ahora se establece una conversación pausada y silente, en la que el arte reposa solitario en las salas de la galería, no obstante, nosotros seremos puente entre ellas y los espectadores que esperan ávidos al otro lado de las pantallas por verlas y dejarse atrapar por sus mensajes y conceptos. 5 artistas llenan nuestras salas, dispuestas en sus paredes cuelgan una a una esperando ser descubiertas, por ahora en la distancia… Las circunstancias nos plantean la posibilidad de disfrutar de este conjunto de obras en Colombia.

Contacto

Galeria
Adrián ibáñez Galería
Adrián Ibáñez
Vereda Juaica Carrón, antes de subir a Carrón doblar a la izquierda, casa azul de dos pisos, Adrián Ibáñez Galería, Tabio Cundinamarca.
3124174747
Adrián Ibáñez Galería, se dedica a la reflexión, exhibición y dinamización de la cultura, enfocados en arte contemporáneo. Creemos en la descentralización de la exhibición y practica de las artes visuales, prestamos atención a pensar nuestro contexto como corredor cultural para toda una región, planteado desde lo local a lo global y dando énfasis a lo glocal. Del municipio al departamento, del departamento a la nación, como una puerta de acceso a lo internacional, nos presentamos como opción para el intercambio cultural y artístico. Adrián Ibáñez Galería nace de la propia experiencia como artistas y nuestro devenir en el sector del arte tanto en Colombia como en el exterior. Hemos tenido la posibilidad de entender de cerca procesos y las prácticas artísticas, su problemática con la exhibición y dinamización de las mismas; de allí nace la idea de tener un espacio-plataforma para que los artistas puedan exhibir y generar reflexión desde sus más diversas poéticas, y confrontar las mismas con artistas de otras regiones y países.
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Harold Rubio
Refound Paradises - El nacimiento de venus, 2020
Plastilina sobre madera
40x50 cms

Reseña del artista

Refound Paradises – ó el neocolonialismo invertido La naturaleza indómita desborda las obras de Harold Rubio, bromelias, heliconias, jaguares, monos y tucanes aparecen altaneros en su bioma, fertilidad y abundancia colonizan cada centímetro de soporte que hábilmente Rubio recompone; deseo y creación entablan dialogo entre los componentes de un planteamiento hibrido que a manera de grandes escenas o certeros encuadres de lo imaginado, nos llevan a descifrar lo habitado por personajes que se sostienen gracias a la pulsión vital que la abundancia propone en estos paisajes neocolonialistas. Rubio plantea el éxtasis de los personajes como manifestación de lo sublime ante lo inconmensurable de la naturaleza, dicha relación representada como el choque de dos mundos y sus contradictorias correlaciones y/o aceptaciones no son más que la búsqueda de una identidad. Las fricciones entre mundos y culturas aparecen ahora desvanecidas por la plasticidad no solo de un material si no de un mensaje; el proceso de construcción de un nuevo mundo. El efecto espejo retrata ahora la otra cara antes invisible y nos propone el constructo de una cultura en expedición hacia lo desconocido como refugio. La pureza de lo no tocado derrama aquí su sangre transformada en ríos de colores, fauna y flora exótica apropiada por la globalización. Lo no civilizado agota aquí su lengua y desaparece mezclada en una nueva otredad. Refound Paradises es un juego de matices una mezcla de tiempos y verdades, es creación pura y regodeo de poder ante la aparición de nuevos mundos poblados por la fundación y el re-encuentro. Rubio empuja aquí los límites y el binomio dominador/dominado se torna difuso para quien asume la lectura de estos ahora nuevos – viejos mundos.

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Harold Rubio
Refound Paradises - Walking in castle, 2020
Plastilina sobre madera
34x50cms

Reseña del artista

Refound Paradises – ó el neocolonialismo invertido La naturaleza indómita desborda las obras de Harold Rubio, bromelias, heliconias, jaguares, monos y tucanes aparecen altaneros en su bioma, fertilidad y abundancia colonizan cada centímetro de soporte que hábilmente Rubio recompone; deseo y creación entablan dialogo entre los componentes de un planteamiento hibrido que a manera de grandes escenas o certeros encuadres de lo imaginado, nos llevan a descifrar lo habitado por personajes que se sostienen gracias a la pulsión vital que la abundancia propone en estos paisajes neocolonialistas. Rubio plantea el éxtasis de los personajes como manifestación de lo sublime ante lo inconmensurable de la naturaleza, dicha relación representada como el choque de dos mundos y sus contradictorias correlaciones y/o aceptaciones no son más que la búsqueda de una identidad. Las fricciones entre mundos y culturas aparecen ahora desvanecidas por la plasticidad no solo de un material si no de un mensaje; el proceso de construcción de un nuevo mundo. El efecto espejo retrata ahora la otra cara antes invisible y nos propone el constructo de una cultura en expedición hacia lo desconocido como refugio. La pureza de lo no tocado derrama aquí su sangre transformada en ríos de colores, fauna y flora exótica apropiada por la globalización. Lo no civilizado agota aquí su lengua y desaparece mezclada en una nueva otredad. Refound Paradises es un juego de matices una mezcla de tiempos y verdades, es creación pura y regodeo de poder ante la aparición de nuevos mundos poblados por la fundación y el re-encuentro. Rubio empuja aquí los límites y el binomio dominador/dominado se torna difuso para quien asume la lectura de estos ahora nuevos – viejos mundos.

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Harold Rubio
Refound Paradises - Tres Galant, 2020
Plastilina sobre madera
23x23 cms

Reseña del artista

Refound Paradises – ó el neocolonialismo invertido La naturaleza indómita desborda las obras de Harold Rubio, bromelias, heliconias, jaguares, monos y tucanes aparecen altaneros en su bioma, fertilidad y abundancia colonizan cada centímetro de soporte que hábilmente Rubio recompone; deseo y creación entablan dialogo entre los componentes de un planteamiento hibrido que a manera de grandes escenas o certeros encuadres de lo imaginado, nos llevan a descifrar lo habitado por personajes que se sostienen gracias a la pulsión vital que la abundancia propone en estos paisajes neocolonialistas. Rubio plantea el éxtasis de los personajes como manifestación de lo sublime ante lo inconmensurable de la naturaleza, dicha relación representada como el choque de dos mundos y sus contradictorias correlaciones y/o aceptaciones no son más que la búsqueda de una identidad. Las fricciones entre mundos y culturas aparecen ahora desvanecidas por la plasticidad no solo de un material si no de un mensaje; el proceso de construcción de un nuevo mundo. El efecto espejo retrata ahora la otra cara antes invisible y nos propone el constructo de una cultura en expedición hacia lo desconocido como refugio. La pureza de lo no tocado derrama aquí su sangre transformada en ríos de colores, fauna y flora exótica apropiada por la globalización. Lo no civilizado agota aquí su lengua y desaparece mezclada en una nueva otredad. Refound Paradises es un juego de matices una mezcla de tiempos y verdades, es creación pura y regodeo de poder ante la aparición de nuevos mundos poblados por la fundación y el re-encuentro. Rubio empuja aquí los límites y el binomio dominador/dominado se torna difuso para quien asume la lectura de estos ahora nuevos – viejos mundos.

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Gloria Herazo
Thin Thread, 2020
Bordado y collage sobre papel
70 x 100 cms

Reseña del artista

Herazo, parte de la premisa de ubicarse como mujer, madre, y artista, sus pinturas de finales de los 90´s y comienzos del 2000 marcan escenarios en los cuales la mujer juega un ¨papel¨ esencial, damas de sociedad, perfectas esposas, amantes refinadas que por sus composiciones ocultan su identidad, sus rasgos reconocibles son cercenados dejando solo la pose, la moda, el estilo... La anulación de la identidad marca la muerte del retrato, y es remplazada por algo más, el objeto, el símbolo, el poder de lo masculino, de la palabra, de la norma... El dibujo adquiere protagonismo y construye con hilos y fibras sus pensadas escenas, que nos dejan entrever en sus veladuras las capas que definen los roles sociales, a través de las épocas los velos caen y se erigen de nuevo desde lo político y los papeles que dispone la cultura. Soporte, hilo, fibras, puntadas, papel, imagen, todo esto Herazo lo convierte en elementos maleables que conforman las palabras que construyen la narrativa de sus obras, la lectura de ellas se complementa con los contenidos propios y la memoria colectiva del espectador pues es allí donde se fundamenta la estructura social. Es evidente en su trabajo actual la presencia de sus imágenes que juegan irónicas entre posturas patriarcales y feminismos ocultos, esa dupla del dominador dominado aparece en unas más en otras se activa gracias a la lectura de ese espectador que se refleja o huye de sus propuestas. En sus trabajos más recientes, la contención es importante, el formato, la escala, el detalle, el material cobra una marcada importancia y se traduce en parte fundamental de la obra, sus dibujos de hilo y tiempo devoran el papel y las telas que los soportan, las figuras que yacen allí atrapadas luchan por entregar un mensaje, que como espectadores nos debemos a la búsqueda del mismo, y bien podemos caer en el engaño de lo sutil y lo bello y no morder el anzuelo para ser atrapados por el veneno que conllevan sus imágenes, pues son un grito lanzado desde los fundamentos de género y la posición de la mujer en la sociedad, sus formatos se hayan entre la escala oculta de lo mínimo y el trabajo de escala mural. Herazo ha expuesto sus obras en Luxemburgo, Portugal, Francia, Bélgica, Alemania, España, Estados Unidos, Panamá y Colombia entre otros.

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Gloria Herazo
Innocence, 2020
Bordado y collage sobre papel
100 x 35 cms

Reseña del artista

Herazo, parte de la premisa de ubicarse como mujer, madre, y artista, sus pinturas de finales de los 90´s y comienzos del 2000 marcan escenarios en los cuales la mujer juega un ¨papel¨ esencial, damas de sociedad, perfectas esposas, amantes refinadas que por sus composiciones ocultan su identidad, sus rasgos reconocibles son cercenados dejando solo la pose, la moda, el estilo... La anulación de la identidad marca la muerte del retrato, y es remplazada por algo más, el objeto, el símbolo, el poder de lo masculino, de la palabra, de la norma... El dibujo adquiere protagonismo y construye con hilos y fibras sus pensadas escenas, que nos dejan entrever en sus veladuras las capas que definen los roles sociales, a través de las épocas los velos caen y se erigen de nuevo desde lo político y los papeles que dispone la cultura. Soporte, hilo, fibras, puntadas, papel, imagen, todo esto Herazo lo convierte en elementos maleables que conforman las palabras que construyen la narrativa de sus obras, la lectura de ellas se complementa con los contenidos propios y la memoria colectiva del espectador pues es allí donde se fundamenta la estructura social. Es evidente en su trabajo actual la presencia de sus imágenes que juegan irónicas entre posturas patriarcales y feminismos ocultos, esa dupla del dominador dominado aparece en unas más en otras se activa gracias a la lectura de ese espectador que se refleja o huye de sus propuestas. En sus trabajos más recientes, la contención es importante, el formato, la escala, el detalle, el material cobra una marcada importancia y se traduce en parte fundamental de la obra, sus dibujos de hilo y tiempo devoran el papel y las telas que los soportan, las figuras que yacen allí atrapadas luchan por entregar un mensaje, que como espectadores nos debemos a la búsqueda del mismo, y bien podemos caer en el engaño de lo sutil y lo bello y no morder el anzuelo para ser atrapados por el veneno que conllevan sus imágenes, pues son un grito lanzado desde los fundamentos de género y la posición de la mujer en la sociedad, sus formatos se hayan entre la escala oculta de lo mínimo y el trabajo de escala mural. Herazo ha expuesto sus obras en Luxemburgo, Portugal, Francia, Bélgica, Alemania, España, Estados Unidos, Panamá y Colombia entre otros.

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Gloria Herazo
Sois Belle, 2020
Collage y Bordado sobre papel
35x100 cms

Reseña del artista

Herazo, parte de la premisa de ubicarse como mujer, madre, y artista, sus pinturas de finales de los 90´s y comienzos del 2000 marcan escenarios en los cuales la mujer juega un ¨papel¨ esencial, damas de sociedad, perfectas esposas, amantes refinadas que por sus composiciones ocultan su identidad, sus rasgos reconocibles son cercenados dejando solo la pose, la moda, el estilo... La anulación de la identidad marca la muerte del retrato, y es remplazada por algo más, el objeto, el símbolo, el poder de lo masculino, de la palabra, de la norma... El dibujo adquiere protagonismo y construye con hilos y fibras sus pensadas escenas, que nos dejan entrever en sus veladuras las capas que definen los roles sociales, a través de las épocas los velos caen y se erigen de nuevo desde lo político y los papeles que dispone la cultura. Soporte, hilo, fibras, puntadas, papel, imagen, todo esto Herazo lo convierte en elementos maleables que conforman las palabras que construyen la narrativa de sus obras, la lectura de ellas se complementa con los contenidos propios y la memoria colectiva del espectador pues es allí donde se fundamenta la estructura social. Es evidente en su trabajo actual la presencia de sus imágenes que juegan irónicas entre posturas patriarcales y feminismos ocultos, esa dupla del dominador dominado aparece en unas más en otras se activa gracias a la lectura de ese espectador que se refleja o huye de sus propuestas. En sus trabajos más recientes, la contención es importante, el formato, la escala, el detalle, el material cobra una marcada importancia y se traduce en parte fundamental de la obra, sus dibujos de hilo y tiempo devoran el papel y las telas que los soportan, las figuras que yacen allí atrapadas luchan por entregar un mensaje, que como espectadores nos debemos a la búsqueda del mismo, y bien podemos caer en el engaño de lo sutil y lo bello y no morder el anzuelo para ser atrapados por el veneno que conllevan sus imágenes, pues son un grito lanzado desde los fundamentos de género y la posición de la mujer en la sociedad, sus formatos se hayan entre la escala oculta de lo mínimo y el trabajo de escala mural. Herazo ha expuesto sus obras en Luxemburgo, Portugal, Francia, Bélgica, Alemania, España, Estados Unidos, Panamá y Colombia entre otros.

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Javier Caraballo
El arte es cosa de niños - Klein, 2020
Óleo sobre tela
130x150 cms

Reseña del artista

El apropiacionismo es herramienta fundamental en algunas de las series de Caraballo, se vale de el para proyectar de manera critica sus piezas, sus superficies funcionan a manera de trampantojo, y desvirtúan el aura de la obra soporte, tomando así otra deriva pictórica, desde la cual se propone un escenario naif que nos incorpora a una nueva obra, esta relación o formula híbrida que propone el artista requiere claramente de un tercer componente que es la interacción con el acervo del espectador, pues es determinante para la obra la relectura de sus partes. Lo realmente destacable es la aparición de esta nueva aura en la creación de la imagen, partiendo de los conceptos de la reproductibilidad de la imagen, pero no de su aura, Caraballo cambia el contexto primario y objetiviza la obra como tal, resignificando y postulando nuevas posibilidades criticas entorno a la historia del arte y específicamente de la pintura. La primera capa funciona como territorio leído, como estructura de poder totalizante y verdadera, que el artista sobrepone con una nueva capa que no destruye la anterior, sino que a manera de recurso subversivo se introduce en ella para inocular su veneno y reafirmar un nuevo territorio, redescubriendo significantes y símbolos propuestos por ese inminente choque de dos mundos. En ciertos casos el artista propone una anulación o seccionamiento de la identidad de sus personajes, siendo esta remplazada por el elemento histórico, con lo cual, el peso de lo sublime recae sobre el eje central de la obra y plantea la historia del arte y sus iconos como columna vertebral de sus trabajos. De cierta manera Caraballo coloniza la historia del Arte y la reclama para sí.

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Javier Caraballo
El arte es cosa de niños - Haring, 2020
Óleo sobre tela
130x150cms

Reseña del artista

El apropiacionismo es herramienta fundamental en algunas de las series de Caraballo, se vale de el para proyectar de manera critica sus piezas, sus superficies funcionan a manera de trampantojo, y desvirtúan el aura de la obra soporte, tomando así otra deriva pictórica, desde la cual se propone un escenario naif que nos incorpora a una nueva obra, esta relación o formula híbrida que propone el artista requiere claramente de un tercer componente que es la interacción con el acervo del espectador, pues es determinante para la obra la relectura de sus partes. Lo realmente destacable es la aparición de esta nueva aura en la creación de la imagen, partiendo de los conceptos de la reproductibilidad de la imagen, pero no de su aura, Caraballo cambia el contexto primario y objetiviza la obra como tal, resignificando y postulando nuevas posibilidades criticas entorno a la historia del arte y específicamente de la pintura. La primera capa funciona como territorio leído, como estructura de poder totalizante y verdadera, que el artista sobrepone con una nueva capa que no destruye la anterior, sino que a manera de recurso subversivo se introduce en ella para inocular su veneno y reafirmar un nuevo territorio, redescubriendo significantes y símbolos propuestos por ese inminente choque de dos mundos. En ciertos casos el artista propone una anulación o seccionamiento de la identidad de sus personajes, siendo esta remplazada por el elemento histórico, con lo cual, el peso de lo sublime recae sobre el eje central de la obra y plantea la historia del arte y sus iconos como columna vertebral de sus trabajos. De cierta manera Caraballo coloniza la historia del Arte y la reclama para sí.

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Javier Caraballo
El arte es cosa de niños - Picasso, 2020
Óleo sobre tela
150x130cms

Reseña del artista

El apropiacionismo es herramienta fundamental en algunas de las series de Caraballo, se vale de el para proyectar de manera critica sus piezas, sus superficies funcionan a manera de trampantojo, y desvirtúan el aura de la obra soporte, tomando así otra deriva pictórica, desde la cual se propone un escenario naif que nos incorpora a una nueva obra, esta relación o formula híbrida que propone el artista requiere claramente de un tercer componente que es la interacción con el acervo del espectador, pues es determinante para la obra la relectura de sus partes. Lo realmente destacable es la aparición de esta nueva aura en la creación de la imagen, partiendo de los conceptos de la reproductibilidad de la imagen, pero no de su aura, Caraballo cambia el contexto primario y objetiviza la obra como tal, resignificando y postulando nuevas posibilidades criticas entorno a la historia del arte y específicamente de la pintura. La primera capa funciona como territorio leído, como estructura de poder totalizante y verdadera, que el artista sobrepone con una nueva capa que no destruye la anterior, sino que a manera de recurso subversivo se introduce en ella para inocular su veneno y reafirmar un nuevo territorio, redescubriendo significantes y símbolos propuestos por ese inminente choque de dos mundos. En ciertos casos el artista propone una anulación o seccionamiento de la identidad de sus personajes, siendo esta remplazada por el elemento histórico, con lo cual, el peso de lo sublime recae sobre el eje central de la obra y plantea la historia del arte y sus iconos como columna vertebral de sus trabajos. De cierta manera Caraballo coloniza la historia del Arte y la reclama para sí.

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Andrés Layos
Creciendo Juntos / Jaguara, 2020
Lápices de color sobre papel
30x25cms

Reseña del artista

Creciendo juntos Creciendo Juntos es una serie de dibujos a dos manos, se trata de un trabajo colaborativo entre mi hija y yo. Valentina Layos es una niña de 8 años amante de los animales, el dibujo y la pintura, que prefiere una libreta y un lápiz antes que un juguete. (aunque existen excepciones ) Comenzamos a finales del año 2010, cuando Valentina tenía 3 años, Nuestras imágenes cuentan historias, relatos, recuerdos y sus animales favoritos. Ella es quien propone qué dibujar y se adueña de las imágenes, en resumidas cuentas me he convertido en su colaborador. Con inocentes trazos, gestos y líneas bien tratadas, tan limpio y tan sucio como todo niño con la autoridad propia de ser quien es, nos muestra en este caso una colección al que ella y yo hemos dado por nombre “creciendo juntos”. Esta serie invita al espectador a dar cuenta del profundo lazo entre padre e hija, el arte, y el amor puro en un mismo espacio gráfico presente, donde me convierto en su colaborador y ella en mi guía. “siento mucho amor cuando dibujo al lado de mi papá”

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Andrés Layos
Creciendo juntos / Salchicha, 2020
Lápices de color sobre papel
30x25 cms

Reseña del artista

Creciendo juntos Creciendo Juntos es una serie de dibujos a dos manos, se trata de un trabajo colaborativo entre mi hija y yo. Valentina Layos es una niña de 8 años amante de los animales, el dibujo y la pintura, que prefiere una libreta y un lápiz antes que un juguete. (aunque existen excepciones ) Comenzamos a finales del año 2010, cuando Valentina tenía 3 años, Nuestras imágenes cuentan historias, relatos, recuerdos y sus animales favoritos. Ella es quien propone qué dibujar y se adueña de las imágenes, en resumidas cuentas me he convertido en su colaborador. Con inocentes trazos, gestos y líneas bien tratadas, tan limpio y tan sucio como todo niño con la autoridad propia de ser quien es, nos muestra en este caso una colección al que ella y yo hemos dado por nombre “creciendo juntos”. Esta serie invita al espectador a dar cuenta del profundo lazo entre padre e hija, el arte, y el amor puro en un mismo espacio gráfico presente, donde me convierto en su colaborador y ella en mi guía. “siento mucho amor cuando dibujo al lado de mi papá”

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Andrés Layos
Creciendo Juntos / Hiena, 2020
lápices de color sobre papel
30x25cms

Reseña del artista

Creciendo juntos Creciendo Juntos es una serie de dibujos a dos manos, se trata de un trabajo colaborativo entre mi hija y yo. Valentina Layos es una niña de 8 años amante de los animales, el dibujo y la pintura, que prefiere una libreta y un lápiz antes que un juguete. (aunque existen excepciones ) Comenzamos a finales del año 2010, cuando Valentina tenía 3 años, Nuestras imágenes cuentan historias, relatos, recuerdos y sus animales favoritos. Ella es quien propone qué dibujar y se adueña de las imágenes, en resumidas cuentas me he convertido en su colaborador. Con inocentes trazos, gestos y líneas bien tratadas, tan limpio y tan sucio como todo niño con la autoridad propia de ser quien es, nos muestra en este caso una colección al que ella y yo hemos dado por nombre “creciendo juntos”. Esta serie invita al espectador a dar cuenta del profundo lazo entre padre e hija, el arte, y el amor puro en un mismo espacio gráfico presente, donde me convierto en su colaborador y ella en mi guía. “siento mucho amor cuando dibujo al lado de mi papá”

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Carlos Alarcón
Paradojas libretas, 2019
lápices de color
12,5x17,5 cms

Reseña del artista

Carlos Alarcón – Gabinete de curiosidades Partiendo de la idea del cuarto de maravillas o gabinete de curiosidades, Carlos Alarcón establece en primera medida su afán por coleccionar y recolectar imágenes, rarezas y curiosidades; establecer analogías y metáforas en su búsqueda compositiva y conceptual. Lo mínimo es muy importante en la obra del artista. La propuesta presentada relaciona a su vez la imaginería popular con la historia del arte, las naturalezas muertas encuentran especial lugar en este conjunto y plantean una revisión contemporánea a sí mismas. La idea del cuarto de maravillas parte de una posición intimista, de una relectura de lo cientificista, las anatomías, y otras graficas que se regodean entre sus libretas de apuntes son testigo de este homo colector, Alarcón pretende mostrar lo recolectado en este gabinete de curiosidades un acercamiento a su interior que necesita ser develado ante un publico ávido de adentrase en lo más secreto de sus imágenes.

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Carlos Alarcón
Paradojas libretas, 2019
lápices de color
12,5x17,5 cms

Reseña del artista

Carlos Alarcón – Gabinete de curiosidades Partiendo de la idea del cuarto de maravillas o gabinete de curiosidades, Carlos Alarcón establece en primera medida su afán por coleccionar y recolectar imágenes, rarezas y curiosidades; establecer analogías y metáforas en su búsqueda compositiva y conceptual. Lo mínimo es muy importante en la obra del artista. La propuesta presentada relaciona a su vez la imaginería popular con la historia del arte, las naturalezas muertas encuentran especial lugar en este conjunto y plantean una revisión contemporánea a sí mismas. La idea del cuarto de maravillas parte de una posición intimista, de una relectura de lo cientificista, las anatomías, y otras graficas que se regodean entre sus libretas de apuntes son testigo de este homo colector, Alarcón pretende mostrar lo recolectado en este gabinete de curiosidades un acercamiento a su interior que necesita ser develado ante un publico ávido de adentrase en lo más secreto de sus imágenes.

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Carlos Alarcón
Paradojas libretas, 2019
lápices de color
12,5x17,5 cms

Reseña del artista

Carlos Alarcón – Gabinete de curiosidades Partiendo de la idea del cuarto de maravillas o gabinete de curiosidades, Carlos Alarcón establece en primera medida su afán por coleccionar y recolectar imágenes, rarezas y curiosidades; establecer analogías y metáforas en su búsqueda compositiva y conceptual. Lo mínimo es muy importante en la obra del artista. La propuesta presentada relaciona a su vez la imaginería popular con la historia del arte, las naturalezas muertas encuentran especial lugar en este conjunto y plantean una revisión contemporánea a sí mismas. La idea del cuarto de maravillas parte de una posición intimista, de una relectura de lo cientificista, las anatomías, y otras graficas que se regodean entre sus libretas de apuntes son testigo de este homo colector, Alarcón pretende mostrar lo recolectado en este gabinete de curiosidades un acercamiento a su interior que necesita ser develado ante un publico ávido de adentrase en lo más secreto de sus imágenes.