Un programa de la Cámara de Comercio de Bogotá
Un programa de
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AURORA presentará para Artbo Fin de Semana, un portafolio variado de gran calidad conformados por artistas de la talla de Rodrigo Echeverri, Aníbal Vallejo, Juan Walker y Angélica Chavarro, todos ellos con técnicas y formatos diferentes pero que incursionan en reflexiones sobre el entorno, la naturaleza y el ser.
Echeverri demostró en los inicios de su trabajo una fuerte preocupación por las condiciones de violencia en Colombia y buscó la forma de materializarlas a través de una obra abstracta donde el color y la forma son su mayor argumento. En Contenidos (2005), una serie en la que utiliza la tinta del tóner para producir dibujos en blanco y negro, aparecen por primera vez sus cajones, con una clara referencia al féretro, contenedor del cuerpo muerto. Posteriormente se adentra en la abstracción total con un corte minimalista, al convertir estos cajones en formas que, mediante el color rojo, Cajas negras (2006) tendrán ahora una referencia más sutil al tema. En adelante Echeverri se concentra en utilizar el concepto de la destrucción, tomado de la realidad colombiana, pero también en sentido más global, para ser el punto de partida para construir. De ahí sus pinturas en formas irregulares en tonos grises y negros, No todo es blanco y negro (2007) y más recientemente en los tonos de la madera, Astilla en el ojo (2009), en la que sus cajas toman un significado más formal al referirse al material del cual están hechas y al variar la forma de expresión con dibujos y collages. Hay otro cuerpo de trabajo como Bibliografía (2007) o A mi medida (2010) en el cual rompe esta estructura formal para buscar recursos nuevos. En el uno, juega con el metro como la medida de longitud y el metro como la herramienta para hacer mediciones, buscando agotar las posibilidades físicas de presentación del mismo en el espacio. En el segundo, busca generar una relación directa entre el texto y la imagen. Tomado de Transpolitico, José Roca / Sylvia Suárez ...................................
Echeverri demostró en los inicios de su trabajo una fuerte preocupación por las condiciones de violencia en Colombia y buscó la forma de materializarlas a través de una obra abstracta donde el color y la forma son su mayor argumento. En Contenidos (2005), una serie en la que utiliza la tinta del tóner para producir dibujos en blanco y negro, aparecen por primera vez sus cajones, con una clara referencia al féretro, contenedor del cuerpo muerto. Posteriormente se adentra en la abstracción total con un corte minimalista, al convertir estos cajones en formas que, mediante el color rojo, Cajas negras (2006) tendrán ahora una referencia más sutil al tema. En adelante Echeverri se concentra en utilizar el concepto de la destrucción, tomado de la realidad colombiana, pero también en sentido más global, para ser el punto de partida para construir. De ahí sus pinturas en formas irregulares en tonos grises y negros, No todo es blanco y negro (2007) y más recientemente en los tonos de la madera, Astilla en el ojo (2009), en la que sus cajas toman un significado más formal al referirse al material del cual están hechas y al variar la forma de expresión con dibujos y collages. Hay otro cuerpo de trabajo como Bibliografía (2007) o A mi medida (2010) en el cual rompe esta estructura formal para buscar recursos nuevos. En el uno, juega con el metro como la medida de longitud y el metro como la herramienta para hacer mediciones, buscando agotar las posibilidades físicas de presentación del mismo en el espacio. En el segundo, busca generar una relación directa entre el texto y la imagen. Tomado de Transpolitico, José Roca / Sylvia Suárez ...................................
Echeverri demostró en los inicios de su trabajo una fuerte preocupación por las condiciones de violencia en Colombia y buscó la forma de materializarlas a través de una obra abstracta donde el color y la forma son su mayor argumento. En Contenidos (2005), una serie en la que utiliza la tinta del tóner para producir dibujos en blanco y negro, aparecen por primera vez sus cajones, con una clara referencia al féretro, contenedor del cuerpo muerto. Posteriormente se adentra en la abstracción total con un corte minimalista, al convertir estos cajones en formas que, mediante el color rojo, Cajas negras (2006) tendrán ahora una referencia más sutil al tema. En adelante Echeverri se concentra en utilizar el concepto de la destrucción, tomado de la realidad colombiana, pero también en sentido más global, para ser el punto de partida para construir. De ahí sus pinturas en formas irregulares en tonos grises y negros, No todo es blanco y negro (2007) y más recientemente en los tonos de la madera, Astilla en el ojo (2009), en la que sus cajas toman un significado más formal al referirse al material del cual están hechas y al variar la forma de expresión con dibujos y collages. Hay otro cuerpo de trabajo como Bibliografía (2007) o A mi medida (2010) en el cual rompe esta estructura formal para buscar recursos nuevos. En el uno, juega con el metro como la medida de longitud y el metro como la herramienta para hacer mediciones, buscando agotar las posibilidades físicas de presentación del mismo en el espacio. En el segundo, busca generar una relación directa entre el texto y la imagen. Tomado de Transpolitico, José Roca / Sylvia Suárez ...................................
Las obras e instalaciones más recientes de la artista, materializan plásticamente la atmósfera propia del espacio mental meditativo e inducen al espectador a un estado de contemplación e introspección. Ha expuesto en muestras individuales y colectivas en Colombia y fuera del país. Su proyecto más reciente fue expuesto el pasado diciembre de 2019 en la Fundación Gilberto Álzate Avendaño, denominado Intenciones del silencio una instalación In Situ aludiendo a las etapas de la meditación evidenciadas a través de los elementos plásticos dispuestos en el espacio: luz y oscuridad, sonido y silencio, produciendo una narrativa no lineal.
Las obras e instalaciones más recientes de la artista, materializan plásticamente la atmósfera propia del espacio mental meditativo e inducen al espectador a un estado de contemplación e introspección. Ha expuesto en muestras individuales y colectivas en Colombia y fuera del país. Su proyecto más reciente fue expuesto el pasado diciembre de 2019 en la Fundación Gilberto Álzate Avendaño, denominado Intenciones del silencio una instalación In Situ aludiendo a las etapas de la meditación evidenciadas a través de los elementos plásticos dispuestos en el espacio: luz y oscuridad, sonido y silencio, produciendo una narrativa no lineal.
Las obras e instalaciones más recientes de la artista, materializan plásticamente la atmósfera propia del espacio mental meditativo e inducen al espectador a un estado de contemplación e introspección. Ha expuesto en muestras individuales y colectivas en Colombia y fuera del país. Su proyecto más reciente fue expuesto el pasado diciembre de 2019 en la Fundación Gilberto Álzate Avendaño, denominado Intenciones del silencio una instalación In Situ aludiendo a las etapas de la meditación evidenciadas a través de los elementos plásticos dispuestos en el espacio: luz y oscuridad, sonido y silencio, produciendo una narrativa no lineal.
El artista construye composiciones para hablar del tiempo, de la memoria, de la existencia, de la realidad y su ficción. Imágenes poéticas que muestran un intercambio de materias, texturas, atmósferas, sonidos que fluyen al mismo tiempo. Procesos de ensamblaje, de multiplicidad y simultaneidad que se expanden a experimentaciones temporales y hacia una construcción de la memoria colectiva, que dará cuenta de lo que hemos vivido o lo que queremos olvidar.
El artista construye composiciones para hablar del tiempo, de la memoria, de la existencia, de la realidad y su ficción. Imágenes poéticas que muestran un intercambio de materias, texturas, atmósferas, sonidos que fluyen al mismo tiempo. Procesos de ensamblaje, de multiplicidad y simultaneidad que se expanden a experimentaciones temporales y hacia una construcción de la memoria colectiva, que dará cuenta de lo que hemos vivido o lo que queremos olvidar.
El artista construye composiciones para hablar del tiempo, de la memoria, de la existencia, de la realidad y su ficción. Imágenes poéticas que muestran un intercambio de materias, texturas, atmósferas, sonidos que fluyen al mismo tiempo. Procesos de ensamblaje, de multiplicidad y simultaneidad que se expanden a experimentaciones temporales y hacia una construcción de la memoria colectiva, que dará cuenta de lo que hemos vivido o lo que queremos olvidar.
“Su perfil transdisciplinar le ha permitido a Vallejo integrar preocupaciones y materiales extra artísticos a su práctica, aun con el riesgo de parecer contradictorio para alguien que escogió la pintura, tal vez el más tradicional y antiguo de los oficios en el arte, como medio expresivo. Su mirada, evidentemente permeada por las inquietudes y soluciones propias del diseño, constantemente lo ha llevado a explorar materiales como el hilo y el textil, y a encontrar estrategias personales para incorporarlos no solo formalmente a la obra, sino conceptualmente a su proceso investigativo”. Aníbal Vallejo: tránsitos y regresos. Reflexiones a propósito de su pintura Melissa Aguilar
“Su perfil transdisciplinar le ha permitido a Vallejo integrar preocupaciones y materiales extra artísticos a su práctica, aun con el riesgo de parecer contradictorio para alguien que escogió la pintura, tal vez el más tradicional y antiguo de los oficios en el arte, como medio expresivo. Su mirada, evidentemente permeada por las inquietudes y soluciones propias del diseño, constantemente lo ha llevado a explorar materiales como el hilo y el textil, y a encontrar estrategias personales para incorporarlos no solo formalmente a la obra, sino conceptualmente a su proceso investigativo”. Aníbal Vallejo: tránsitos y regresos. Reflexiones a propósito de su pintura Melissa Aguilar
“Su perfil transdisciplinar le ha permitido a Vallejo integrar preocupaciones y materiales extra artísticos a su práctica, aun con el riesgo de parecer contradictorio para alguien que escogió la pintura, tal vez el más tradicional y antiguo de los oficios en el arte, como medio expresivo. Su mirada, evidentemente permeada por las inquietudes y soluciones propias del diseño, constantemente lo ha llevado a explorar materiales como el hilo y el textil, y a encontrar estrategias personales para incorporarlos no solo formalmente a la obra, sino conceptualmente a su proceso investigativo”. Aníbal Vallejo: tránsitos y regresos. Reflexiones a propósito de su pintura Melissa Aguilar