SAN FELIPE

ESTUDIO [74]

CON INTENCIÓN VOL. 3 Hoy queremos ver de una manera más optimista el futuro, tal como sucedió hace un año Todos unidos con la intención de salir adelante regenerando el tejido que quedó congelado con una retrospectiva-introspectiva; un ensayo que invita a retomar la solidaridad como punto de inflexión, a la vez que presenta las exploraciones de los artistas con el uso de unos nuevos ojos, unos ojos construidos en medio de una detención temporal de las pocas certezas que habíamos construido. Detrás de toda obra siempre habrá una intención personal oculta. Construir una curaduría colectiva también delata las intenciones del alquimista que reúne deseos disímiles en un escenario recortado. Hace más de un año, muchos de los artistas y amigos que hoy se encuentran en esta exposición se reunieron para ayudarnos después de un robo dolorosamente memorable. Hoy, después de mil vueltas, somos nosotros quienes se solidarizan con el trabajo artístico que se ha visto truncado por días de encierro que han sido mucho más largos que los minutos que alguna vez nos despojaron de todo.

Contacto

Autogestionado
ESTUDIO 74
Daniel Espinosa I
Calle 74a numerto 20c 75
3104258505
Desde su creación en el 2017, Fundación Casa estudio [74] ha tenido la misión de ser una plataforma para la visibilización de proyectos artísticos y la creación de nuevos públicos. Estos son los principios del diseño de su programación anual, en el marco del arte contemporáneo. El concepto de la sala de proyectos parte del cuerpo y la naturaleza como elementos básicos para construir y reconstruir, como un ejercicio de reflexión sobre el momento actual, el ahora estudio [74] acoge diferentes apuesta, desde la bidimensionalidad con lenguajes como es la pintura, la fotografía y el grabado; hasta puestas en escena que le dan cabida a las instalaciones, performance y danza, en los cuales el cuerpo es el escenario expandido que permite el diálogo permanente con el espectador.
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Santiago Leal
Sin titulo, 2020
Serigrafia
variables

Reseña del artista

Dicotomías 2 Entre lo privado y lo publico. En estos últimos meses se genero un vinculo más estrecho con la virtualidad, convivimos en un aislamiento donde sólo debemos desplazarnos y visitar a otros, gracias a pantallas. Todo el día miramos mas allá de nuestras 4 paredes atreves de marcos, bien sea de ventanas reales o virtuales. Estamos en nuestros universos estáticos, solos o con la familia cercana, pero estamos de alguna manera más expuestos que nunca. Al menos a titulo personal yo no dejo entrar a mi casa sino al circulo más cercano y eso es sólo en ocasiones especiales. Pero ahora todo el mundo gracias a las cámaras tiene acceso a partes de lo que nos es intimo. Desde el comienzo del confinamiento y la idea es continuar hasta el final, se han dibujado 1 persona por día que muestra parte de su cotidiano (desde el 2005 uso el te que me tomo todos los días para representar el cotidiano, por eso los dibujos están impregnados con mi té diario.) Dibujo estas personas vestidas gracias a las imágenes que comparten y después me imagino y dibujo el desnudo. La dicotomía entra a jugar entre el mundo privado que se esta haciendo publico, donde la vulnerabilidad de nuestra privacidad se convierte en publica dejándonos expuestos como si nos desnudáramos. Estos marcos tienen dos caras mostrando lo publico en lo privado.

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Santiago Leal
Autoretrato del Caos cotidiano , 2020
Dibujo
variable

Reseña del artista

Dicotomías 2 Entre lo privado y lo publico. En estos últimos meses se genero un vinculo más estrecho con la virtualidad, convivimos en un aislamiento donde sólo debemos desplazarnos y visitar a otros, gracias a pantallas. Todo el día miramos mas allá de nuestras 4 paredes atreves de marcos, bien sea de ventanas reales o virtuales. Estamos en nuestros universos estáticos, solos o con la familia cercana, pero estamos de alguna manera más expuestos que nunca. Al menos a titulo personal yo no dejo entrar a mi casa sino al circulo más cercano y eso es sólo en ocasiones especiales. Pero ahora todo el mundo gracias a las cámaras tiene acceso a partes de lo que nos es intimo. Desde el comienzo del confinamiento y la idea es continuar hasta el final, se han dibujado 1 persona por día que muestra parte de su cotidiano (desde el 2005 uso el te que me tomo todos los días para representar el cotidiano, por eso los dibujos están impregnados con mi té diario.) Dibujo estas personas vestidas gracias a las imágenes que comparten y después me imagino y dibujo el desnudo. La dicotomía entra a jugar entre el mundo privado que se esta haciendo publico, donde la vulnerabilidad de nuestra privacidad se convierte en publica dejándonos expuestos como si nos desnudáramos. Estos marcos tienen dos caras mostrando lo publico en lo privado.

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Santiago Leal
Ilusiones expansiones efimeras, 2020
Papel de lija
variable

Reseña del artista

Dicotomías 2 Entre lo privado y lo publico. En estos últimos meses se genero un vinculo más estrecho con la virtualidad, convivimos en un aislamiento donde sólo debemos desplazarnos y visitar a otros, gracias a pantallas. Todo el día miramos mas allá de nuestras 4 paredes atreves de marcos, bien sea de ventanas reales o virtuales. Estamos en nuestros universos estáticos, solos o con la familia cercana, pero estamos de alguna manera más expuestos que nunca. Al menos a titulo personal yo no dejo entrar a mi casa sino al circulo más cercano y eso es sólo en ocasiones especiales. Pero ahora todo el mundo gracias a las cámaras tiene acceso a partes de lo que nos es intimo. Desde el comienzo del confinamiento y la idea es continuar hasta el final, se han dibujado 1 persona por día que muestra parte de su cotidiano (desde el 2005 uso el te que me tomo todos los días para representar el cotidiano, por eso los dibujos están impregnados con mi té diario.) Dibujo estas personas vestidas gracias a las imágenes que comparten y después me imagino y dibujo el desnudo. La dicotomía entra a jugar entre el mundo privado que se esta haciendo publico, donde la vulnerabilidad de nuestra privacidad se convierte en publica dejándonos expuestos como si nos desnudáramos. Estos marcos tienen dos caras mostrando lo publico en lo privado.

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Camilo Bojacá
Cielo Abierto 2, 2016
carboncillo, pastel blanco sobre papel, yeso y arboles de maqueta
0,68 x 1 m

Reseña del artista

Bojacá ha construido una obra conceptualmente sólida con piezas que son más bien extremadamente frágiles. Muchas de ellas han confrontado la idea de mundo natural y urbano, a partir de un elemento próximo al artista (a todo artista) como lo es la mina de grafito. De distintos anchos o graduaciones, aunque igualmente quebradizas, el artista las suele emplear como una línea de dibujo en sí, no solo sobre el plano sino tridimensionalmente, como simulando varillas de metal de las usadas en los proyectos constructivos. En algunas de las piezas que presenta aquí levanta estructuras sobre dibujos previamente realizados con detalles de arquitecturas góticas o volutas y ornamentos que son usualmente, como metáfora, lo que el pastillaje al ponqué. En muchos casos, el contraste se da entre los diseños orgánicos o vegetales (fitomórficos) que casi irónicamente recubren los edificios. Sobre ellos el artista levanta estructuras intentando un diálogo entre la vida y estas figuras geométricas relativamente básicas. Diálogo que, si bien existe, no siempre ha tenido la misma constancia o armonía.

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Camilo Bojacá
Sin Título (tractor), 2019
dibujo a lapiz y acuerela sobre papel de algodón
Variable

Reseña del artista

Bojacá ha construido una obra conceptualmente sólida con piezas que son más bien extremadamente frágiles. Muchas de ellas han confrontado la idea de mundo natural y urbano, a partir de un elemento próximo al artista (a todo artista) como lo es la mina de grafito. De distintos anchos o graduaciones, aunque igualmente quebradizas, el artista las suele emplear como una línea de dibujo en sí, no solo sobre el plano sino tridimensionalmente, como simulando varillas de metal de las usadas en los proyectos constructivos. En algunas de las piezas que presenta aquí levanta estructuras sobre dibujos previamente realizados con detalles de arquitecturas góticas o volutas y ornamentos que son usualmente, como metáfora, lo que el pastillaje al ponqué. En muchos casos, el contraste se da entre los diseños orgánicos o vegetales (fitomórficos) que casi irónicamente recubren los edificios. Sobre ellos el artista levanta estructuras intentando un diálogo entre la vida y estas figuras geométricas relativamente básicas. Diálogo que, si bien existe, no siempre ha tenido la misma constancia o armonía.

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Camilo Bojacá
Cielo Abierto 2 (Detalle), 2018
Dibujo
Variable

Reseña del artista

Bojacá ha construido una obra conceptualmente sólida con piezas que son más bien extremadamente frágiles. Muchas de ellas han confrontado la idea de mundo natural y urbano, a partir de un elemento próximo al artista (a todo artista) como lo es la mina de grafito. De distintos anchos o graduaciones, aunque igualmente quebradizas, el artista las suele emplear como una línea de dibujo en sí, no solo sobre el plano sino tridimensionalmente, como simulando varillas de metal de las usadas en los proyectos constructivos. En algunas de las piezas que presenta aquí levanta estructuras sobre dibujos previamente realizados con detalles de arquitecturas góticas o volutas y ornamentos que son usualmente, como metáfora, lo que el pastillaje al ponqué. En muchos casos, el contraste se da entre los diseños orgánicos o vegetales (fitomórficos) que casi irónicamente recubren los edificios. Sobre ellos el artista levanta estructuras intentando un diálogo entre la vida y estas figuras geométricas relativamente básicas. Diálogo que, si bien existe, no siempre ha tenido la misma constancia o armonía.

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Rodrigo Echeverri
Sin título, 2019
acrilico sobre mdf
1,6 x 1,6 m

Reseña del artista

Echeverri demostró en los inicios de su trabajo una fuerte preocupación por las condiciones de violencia en Colombia y buscó la forma de materializarlas a través de una obra abstracta donde el color y la forma son su mayor argumento. En Contenidos (2005), una serie en la que utiliza la tinta del tóner para producir dibujos en blanco y negro, aparecen por primera vez sus cajones, con una clara referencia al féretro, contenedor del cuerpo muerto. Posteriormente se adentra en la abstracción total con un corte minimalista, al convertir estos cajones en formas que, mediante el color rojo, Cajas negras (2006) tendrán ahora una referencia más sutil al tema. En adelante Echeverri se concentra en utilizar el concepto de la destrucción, tomado de la realidad colombiana, pero también en sentido más global, para ser el punto de partida para construir. De ahí sus pinturas en formas irregulares en tonos grises y negros, No todo es blanco y negro (2007) y más recientemente en los tonos de la madera, Astilla en el ojo (2009), en la que sus cajas toman un significado más formal al referirse al material del cual están hechas y al variar la forma de expresión con dibujos y collages. Hay otro cuerpo de trabajo como Bibliografía (2007) o A mi medida (2010) en el cual rompe esta estructura formal para buscar recursos nuevos. En el uno, juega con el metro como la medida de longitud y el metro como la herramienta para hacer mediciones, buscando agotar las posibilidades físicas de presentación del mismo en el espacio. En el segundo, busca generar una relación directa entre el texto y la imagen. Tomado de Transpolitico, José Roca / Sylvia Suárez

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Rodrigo Echeverri
Sin título, 2018
Serigrafia
0,5 x 0,7 m

Reseña del artista

Echeverri demostró en los inicios de su trabajo una fuerte preocupación por las condiciones de violencia en Colombia y buscó la forma de materializarlas a través de una obra abstracta donde el color y la forma son su mayor argumento. En Contenidos (2005), una serie en la que utiliza la tinta del tóner para producir dibujos en blanco y negro, aparecen por primera vez sus cajones, con una clara referencia al féretro, contenedor del cuerpo muerto. Posteriormente se adentra en la abstracción total con un corte minimalista, al convertir estos cajones en formas que, mediante el color rojo, Cajas negras (2006) tendrán ahora una referencia más sutil al tema. En adelante Echeverri se concentra en utilizar el concepto de la destrucción, tomado de la realidad colombiana, pero también en sentido más global, para ser el punto de partida para construir. De ahí sus pinturas en formas irregulares en tonos grises y negros, No todo es blanco y negro (2007) y más recientemente en los tonos de la madera, Astilla en el ojo (2009), en la que sus cajas toman un significado más formal al referirse al material del cual están hechas y al variar la forma de expresión con dibujos y collages. Hay otro cuerpo de trabajo como Bibliografía (2007) o A mi medida (2010) en el cual rompe esta estructura formal para buscar recursos nuevos. En el uno, juega con el metro como la medida de longitud y el metro como la herramienta para hacer mediciones, buscando agotar las posibilidades físicas de presentación del mismo en el espacio. En el segundo, busca generar una relación directa entre el texto y la imagen. Tomado de Transpolitico, José Roca / Sylvia Suárez

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Rodrigo Echeverri
Sin título, 2018
Serigrafia
0,5 x 0,7 m

Reseña del artista

Echeverri demostró en los inicios de su trabajo una fuerte preocupación por las condiciones de violencia en Colombia y buscó la forma de materializarlas a través de una obra abstracta donde el color y la forma son su mayor argumento. En Contenidos (2005), una serie en la que utiliza la tinta del tóner para producir dibujos en blanco y negro, aparecen por primera vez sus cajones, con una clara referencia al féretro, contenedor del cuerpo muerto. Posteriormente se adentra en la abstracción total con un corte minimalista, al convertir estos cajones en formas que, mediante el color rojo, Cajas negras (2006) tendrán ahora una referencia más sutil al tema. En adelante Echeverri se concentra en utilizar el concepto de la destrucción, tomado de la realidad colombiana, pero también en sentido más global, para ser el punto de partida para construir. De ahí sus pinturas en formas irregulares en tonos grises y negros, No todo es blanco y negro (2007) y más recientemente en los tonos de la madera, Astilla en el ojo (2009), en la que sus cajas toman un significado más formal al referirse al material del cual están hechas y al variar la forma de expresión con dibujos y collages. Hay otro cuerpo de trabajo como Bibliografía (2007) o A mi medida (2010) en el cual rompe esta estructura formal para buscar recursos nuevos. En el uno, juega con el metro como la medida de longitud y el metro como la herramienta para hacer mediciones, buscando agotar las posibilidades físicas de presentación del mismo en el espacio. En el segundo, busca generar una relación directa entre el texto y la imagen. Tomado de Transpolitico, José Roca / Sylvia Suárez

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Leonardo Guayan
Vestigio 19, 2019
: Fotografía
0,7 x 0,5 m

Reseña del artista

Mis líneas investigativas giran en torno a la imagen poética, los elementos de la naturaleza, el universo y la humanidad. Establecer diálogos entre la fotografía y la literatura, me permite conjugar de manera directa la producción de sentidos entre lenguajes y contextos.

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Leonardo Guayan
Vestigio 20, 2019
Fotografía
0,7 x 0,5 m

Reseña del artista

Mis líneas investigativas giran en torno a la imagen poética, los elementos de la naturaleza, el universo y la humanidad. Establecer diálogos entre la fotografía y la literatura, me permite conjugar de manera directa la producción de sentidos entre lenguajes y contextos.

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Leonardo Guayan
Vestidio 21, 2019
Fotografía
0,7 x 0,5 m

Reseña del artista

Mis líneas investigativas giran en torno a la imagen poética, los elementos de la naturaleza, el universo y la humanidad. Establecer diálogos entre la fotografía y la literatura, me permite conjugar de manera directa la producción de sentidos entre lenguajes y contextos.

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Adriana Ramírez
Doble Espejo , 2019
Fuego
0,61 x 0,7 m

Reseña del artista

Bajo la siguiente premisa: "los conceptos dependen de las circunstancias", señalo, cuestiono y promuevo las relaciones humanas. Además de ser una artista que hace cosas, soy una artista que le gusta hacer que las cosas pasen. Me considero dibujante en un sentido amplio del concepto; creo vínculos, líneas, plataformas y narrativas donde el espectador se puede convertir en actor o incluso co-autor de su propuesta. Desde la profesión, propongo iniciar las conversaciones partiendo de las inquietudes y necesidades fundamentales y compartidas, en lugar de hacerlo desde la manera en la que cada uno responde a ellas; esto significa hablar desde las intenciones y no desde las posiciones, y el hacerlo así multiplica las posibilidades de acción y de interpretación. Busco igualar la vida misma a la experiencia escultórica y mi discurso se articula entre cuatro puntos cardinales: Posición, postura, potencia y contingencia. La posición es el lugar geográfico desde donde se experimenta un evento, la postura es la actitud, y esta depende del paradigma que enmarca a cada persona. La potencia habla de lo que se puede llegar a ser y tiene mucho que ver con la voluntad, y la contingencia hace referencia a lo que puede suceder o no y depende ello del destino. Mi propuesta resulta ser una amalgama entre lo propio y lo colectivo

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Adriana Ramírez
Doble Espejo, 2019
Fuego
0,61 x 0,7 m

Reseña del artista

Bajo la siguiente premisa: "los conceptos dependen de las circunstancias", señalo, cuestiono y promuevo las relaciones humanas. Además de ser una artista que hace cosas, soy una artista que le gusta hacer que las cosas pasen. Me considero dibujante en un sentido amplio del concepto; creo vínculos, líneas, plataformas y narrativas donde el espectador se puede convertir en actor o incluso co-autor de su propuesta. Desde la profesión, propongo iniciar las conversaciones partiendo de las inquietudes y necesidades fundamentales y compartidas, en lugar de hacerlo desde la manera en la que cada uno responde a ellas; esto significa hablar desde las intenciones y no desde las posiciones, y el hacerlo así multiplica las posibilidades de acción y de interpretación. Busco igualar la vida misma a la experiencia escultórica y mi discurso se articula entre cuatro puntos cardinales: Posición, postura, potencia y contingencia. La posición es el lugar geográfico desde donde se experimenta un evento, la postura es la actitud, y esta depende del paradigma que enmarca a cada persona. La potencia habla de lo que se puede llegar a ser y tiene mucho que ver con la voluntad, y la contingencia hace referencia a lo que puede suceder o no y depende ello del destino. Mi propuesta resulta ser una amalgama entre lo propio y lo colectivo

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Adriana Ramírez
Doble Espejo, 2019
Fuego
0,61 x 0,7 m

Reseña del artista

Bajo la siguiente premisa: "los conceptos dependen de las circunstancias", señalo, cuestiono y promuevo las relaciones humanas. Además de ser una artista que hace cosas, soy una artista que le gusta hacer que las cosas pasen. Me considero dibujante en un sentido amplio del concepto; creo vínculos, líneas, plataformas y narrativas donde el espectador se puede convertir en actor o incluso co-autor de su propuesta. Desde la profesión, propongo iniciar las conversaciones partiendo de las inquietudes y necesidades fundamentales y compartidas, en lugar de hacerlo desde la manera en la que cada uno responde a ellas; esto significa hablar desde las intenciones y no desde las posiciones, y el hacerlo así multiplica las posibilidades de acción y de interpretación. Busco igualar la vida misma a la experiencia escultórica y mi discurso se articula entre cuatro puntos cardinales: Posición, postura, potencia y contingencia. La posición es el lugar geográfico desde donde se experimenta un evento, la postura es la actitud, y esta depende del paradigma que enmarca a cada persona. La potencia habla de lo que se puede llegar a ser y tiene mucho que ver con la voluntad, y la contingencia hace referencia a lo que puede suceder o no y depende ello del destino. Mi propuesta resulta ser una amalgama entre lo propio y lo colectivo

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Catalina Prado
Pintores, 2018
Mixta sobre tela
0,7 x 1 m

Reseña del artista

Catalina Prado Browne (1970). Licenciada en artes con mención en pintura de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Ganadora del premio Jhonny Walker (1999), ha expuesto en diferentes países y en espacios tan reconocidos como el Museo de Bellas Artes de Chile, La Sala Gasco (Santiago), Galería Patricia Ready (Santiago), Galería Caballo Verde (Concepción), Museo de Arte Moderno (Bogotá), Galería Enlace (Lima), Simon Patrich Gallery (Nueva York) y Lindenberg Gallery (Vancouver). La investigación y el desarrollo plástico de Catalina es resultado de una alquimia entre los lenguajes de la pintura y el grabado, en una redefinición de los alcances de ambas para crear escenarios oníricos, cargados de una esencia mística gracias a la mera sugerencia de seres que aparecen entre naturalezas y que se insinúan en un juego infinito de brillos sutiles, colores llamativos y texturas intrigantes. Más que un trabajo surrealista, Catalina Prado realiza un ejercicio de experimentación permanente, que no busca comprobaciones ni resultados a priori sino, por el contrario, convertir el proceso mismo del ensayo y el error en la materialización de toda su obra, de cada serie que convierte en una venta abierta que permite al espectador mirar a un horizonte imaginario para desmitificar las certezas y dejar el camino abierto a la incertidumbre como principio del pensamiento.

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Catalina Prado
Resplandor, 2018
Serigrafía, laminilla y óleo
0,5 x 0,7 m

Reseña del artista

Catalina Prado Browne (1970). Licenciada en artes con mención en pintura de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Ganadora del premio Jhonny Walker (1999), ha expuesto en diferentes países y en espacios tan reconocidos como el Museo de Bellas Artes de Chile, La Sala Gasco (Santiago), Galería Patricia Ready (Santiago), Galería Caballo Verde (Concepción), Museo de Arte Moderno (Bogotá), Galería Enlace (Lima), Simon Patrich Gallery (Nueva York) y Lindenberg Gallery (Vancouver). La investigación y el desarrollo plástico de Catalina es resultado de una alquimia entre los lenguajes de la pintura y el grabado, en una redefinición de los alcances de ambas para crear escenarios oníricos, cargados de una esencia mística gracias a la mera sugerencia de seres que aparecen entre naturalezas y que se insinúan en un juego infinito de brillos sutiles, colores llamativos y texturas intrigantes. Más que un trabajo surrealista, Catalina Prado realiza un ejercicio de experimentación permanente, que no busca comprobaciones ni resultados a priori sino, por el contrario, convertir el proceso mismo del ensayo y el error en la materialización de toda su obra, de cada serie que convierte en una venta abierta que permite al espectador mirar a un horizonte imaginario para desmitificar las certezas y dejar el camino abierto a la incertidumbre como principio del pensamiento.

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Catalina Prado
Paseo por el bosque, 2018
Serigrafía, laminilla y óleo
0,5 x 0,7 m

Reseña del artista

Catalina Prado Browne (1970). Licenciada en artes con mención en pintura de la Pontificia Universidad Católica de Chile. Ganadora del premio Jhonny Walker (1999), ha expuesto en diferentes países y en espacios tan reconocidos como el Museo de Bellas Artes de Chile, La Sala Gasco (Santiago), Galería Patricia Ready (Santiago), Galería Caballo Verde (Concepción), Museo de Arte Moderno (Bogotá), Galería Enlace (Lima), Simon Patrich Gallery (Nueva York) y Lindenberg Gallery (Vancouver). La investigación y el desarrollo plástico de Catalina es resultado de una alquimia entre los lenguajes de la pintura y el grabado, en una redefinición de los alcances de ambas para crear escenarios oníricos, cargados de una esencia mística gracias a la mera sugerencia de seres que aparecen entre naturalezas y que se insinúan en un juego infinito de brillos sutiles, colores llamativos y texturas intrigantes. Más que un trabajo surrealista, Catalina Prado realiza un ejercicio de experimentación permanente, que no busca comprobaciones ni resultados a priori sino, por el contrario, convertir el proceso mismo del ensayo y el error en la materialización de toda su obra, de cada serie que convierte en una venta abierta que permite al espectador mirar a un horizonte imaginario para desmitificar las certezas y dejar el camino abierto a la incertidumbre como principio del pensamiento.

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Diana Beltrán
Idea, 2019
Ensamblaje de alfileres en caja acrílica
0,15 x 0,15 x 0,15 m

Reseña del artista

Diana Beltrán nace en Bogotá en 1978. Adquiere el título de Maestra en Artes Plásticas en la Universidad Nacional. El trabajo de Beltrán ha sido constante y amplio identificándose principalmente en la fotografía. Ha expuesto individuales y colectivas en Colombia, España, EEUU, Alemania, Perú, Venezuela y Singapur. Sus obras pertenecen a diferentes colecciones de Chile, Colombia, EEUU, Panamá, España, Perú y Londres. Expone por primera vez en el Museo de la Universidad Nacional, en una colectiva curada por Gustavo Zalamea, exhibiendo su obra junto a las principales figuras del arte colombiano como Beatriz González y Bernardo Salcedo. Tras graduarse con honores viaja a España, donde hace una maestría en fotografía artística, participando con su trabajo de grado en Photoespaña2008. En el mismo año gana el primer premio de fotografía Novel Dove. En 2010 regresa a Colombia con una exposición en la Cámara de Comercio titulada Dimensiones Fotográficas. Tres años después participa en la exposición titulada Generación Emergente curada por Eduardo Serrano. Se pudo ver su más reciente producción enfocada en el concepto ampliado de la fotografía en una exposición individual con CasaCano. Actualmente reside y trabaja en Bogotá.

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Diana Beltrán
Intuición, 2019
Ensamblaje de alfileres en caja acrílica
0,15 x 0,15 x 0,15 m

Reseña del artista

Diana Beltrán nace en Bogotá en 1978. Adquiere el título de Maestra en Artes Plásticas en la Universidad Nacional. El trabajo de Beltrán ha sido constante y amplio identificándose principalmente en la fotografía. Ha expuesto individuales y colectivas en Colombia, España, EEUU, Alemania, Perú, Venezuela y Singapur. Sus obras pertenecen a diferentes colecciones de Chile, Colombia, EEUU, Panamá, España, Perú y Londres. Expone por primera vez en el Museo de la Universidad Nacional, en una colectiva curada por Gustavo Zalamea, exhibiendo su obra junto a las principales figuras del arte colombiano como Beatriz González y Bernardo Salcedo. Tras graduarse con honores viaja a España, donde hace una maestría en fotografía artística, participando con su trabajo de grado en Photoespaña2008. En el mismo año gana el primer premio de fotografía Novel Dove. En 2010 regresa a Colombia con una exposición en la Cámara de Comercio titulada Dimensiones Fotográficas. Tres años después participa en la exposición titulada Generación Emergente curada por Eduardo Serrano. Se pudo ver su más reciente producción enfocada en el concepto ampliado de la fotografía en una exposición individual con CasaCano. Actualmente reside y trabaja en Bogotá.

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Diana Beltrán
Mariposas, 2018
Ensamblaje de alfileres en caja acrílica
0,25 x 0,25 x 0,25 m

Reseña del artista

Diana Beltrán nace en Bogotá en 1978. Adquiere el título de Maestra en Artes Plásticas en la Universidad Nacional. El trabajo de Beltrán ha sido constante y amplio identificándose principalmente en la fotografía. Ha expuesto individuales y colectivas en Colombia, España, EEUU, Alemania, Perú, Venezuela y Singapur. Sus obras pertenecen a diferentes colecciones de Chile, Colombia, EEUU, Panamá, España, Perú y Londres. Expone por primera vez en el Museo de la Universidad Nacional, en una colectiva curada por Gustavo Zalamea, exhibiendo su obra junto a las principales figuras del arte colombiano como Beatriz González y Bernardo Salcedo. Tras graduarse con honores viaja a España, donde hace una maestría en fotografía artística, participando con su trabajo de grado en Photoespaña2008. En el mismo año gana el primer premio de fotografía Novel Dove. En 2010 regresa a Colombia con una exposición en la Cámara de Comercio titulada Dimensiones Fotográficas. Tres años después participa en la exposición titulada Generación Emergente curada por Eduardo Serrano. Se pudo ver su más reciente producción enfocada en el concepto ampliado de la fotografía en una exposición individual con CasaCano. Actualmente reside y trabaja en Bogotá.

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Iván Castiblanco
Lugares comunes, 2016
Cerámica y baldosa hidráulica
Dimensiones variables

Reseña del artista

Partiendo del hallazgo arqueológico de restos que evidencian la memoria histórica, el artista Iván Castiblanco trabaja a partir del recorrido como experiencia del espacio y del tiempo. Su trabajo le lleva a buscar elementos arquitectónicos del pasado para rescatar fragmentos que reconstruyen las historias surgidas a modo de postdata. En un lugar sin nombre en el que se encuentra escarbando en el tiempo, el artista transita los relatos que surgen de una memoria a posteriori. Dicha memoria, convertida en ruina, cargada temporalmente del peso de la melancolía del pasado, termina ocupando un lugar entre el recuerdo y el olvido. Fragmento de texto por Caridad Botella

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Iván Castiblanco
Lugares comunes (Detalle), 2016
Cerámica y baldosa hidráulica
Dimensiones variables

Reseña del artista

Partiendo del hallazgo arqueológico de restos que evidencian la memoria histórica, el artista Iván Castiblanco trabaja a partir del recorrido como experiencia del espacio y del tiempo. Su trabajo le lleva a buscar elementos arquitectónicos del pasado para rescatar fragmentos que reconstruyen las historias surgidas a modo de postdata. En un lugar sin nombre en el que se encuentra escarbando en el tiempo, el artista transita los relatos que surgen de una memoria a posteriori. Dicha memoria, convertida en ruina, cargada temporalmente del peso de la melancolía del pasado, termina ocupando un lugar entre el recuerdo y el olvido. Fragmento de texto por Caridad Botella

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Iván Castiblanco
Lugares comunes (Detalle), 2016
Cerámica y baldosa hidráulica
Dimensiones variables

Reseña del artista

Partiendo del hallazgo arqueológico de restos que evidencian la memoria histórica, el artista Iván Castiblanco trabaja a partir del recorrido como experiencia del espacio y del tiempo. Su trabajo le lleva a buscar elementos arquitectónicos del pasado para rescatar fragmentos que reconstruyen las historias surgidas a modo de postdata. En un lugar sin nombre en el que se encuentra escarbando en el tiempo, el artista transita los relatos que surgen de una memoria a posteriori. Dicha memoria, convertida en ruina, cargada temporalmente del peso de la melancolía del pasado, termina ocupando un lugar entre el recuerdo y el olvido. Fragmento de texto por Caridad Botella

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Natali Manzo
Si te encuentras en un hoyo, deja de cavar, 2020
Remendado
0,7 x 1 m

Reseña del artista

Cuando me encuentro con el arte lo hago desde el autorretrato. Lo abordo desde el bordado y la ilustración describiendo situaciones, momentos y experiencias que en algunas ocasiones, me exponen y me confrontan, generando la necesidad de transformar dichas experiencias en una imagen-narrativa, que me permite reflexionar, cuestionarme y sanar; en algunos momentos describiendo a un otro, pero siempre desde mi propio espejo Según el escritor Ucraniano Leonid S. Sukhorukov: “Un Aforismo es como una novela escrita en una línea” De esta manera, estos aforismos son mil experiencia entre líneas, puntadas y nudos.

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Natali Manzo
Si te encuentras en un hoyo, deja de cavar (detalle), 2020
Remendado
0,7 x 1 m

Reseña del artista

Cuando me encuentro con el arte lo hago desde el autorretrato. Lo abordo desde el bordado y la ilustración describiendo situaciones, momentos y experiencias que en algunas ocasiones, me exponen y me confrontan, generando la necesidad de transformar dichas experiencias en una imagen-narrativa, que me permite reflexionar, cuestionarme y sanar; en algunos momentos describiendo a un otro, pero siempre desde mi propio espejo Según el escritor Ucraniano Leonid S. Sukhorukov: “Un Aforismo es como una novela escrita en una línea” De esta manera, estos aforismos son mil experiencia entre líneas, puntadas y nudos.

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Natali Manzo
Si te encuentras en un hoyo, deja de cavar (detalle), 2020
Remendado
0,7 x 1 m

Reseña del artista

Cuando me encuentro con el arte lo hago desde el autorretrato. Lo abordo desde el bordado y la ilustración describiendo situaciones, momentos y experiencias que en algunas ocasiones, me exponen y me confrontan, generando la necesidad de transformar dichas experiencias en una imagen-narrativa, que me permite reflexionar, cuestionarme y sanar; en algunos momentos describiendo a un otro, pero siempre desde mi propio espejo Según el escritor Ucraniano Leonid S. Sukhorukov: “Un Aforismo es como una novela escrita en una línea” De esta manera, estos aforismos son mil experiencia entre líneas, puntadas y nudos.

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Carlos Blanco
Diario del viajante, 2018
Serigrafía
0,43 x 0,63 m

Reseña del artista

Carlos Blanco Artista Que Vive Y Trabaja Entre Bogota, Colombia Y La Ciudad De Los Ángeles. Su Enfoque Al Arte Siempre Se Ha Relacionado Con El Uso De La Esencia De Aire (Inflables, Hélices Y Video) En La Creación Y Tensión De Este Material. Objetos, Instalaciones Y Rendimientos Combinados. Entrenado Como Arquitecto En La Universidad Xavier En Bogota, Se Convierte En Artista Durante Su Ma En La Universidad Complutense En Madrid. Por Los Últimos 28 Años Ha Exhibido En Grandes Lugares, Como La Documenta Ix –Kassel Alemania, Venecia Biennale 1993, La 7ª La Habana Biennale –Cuba, Busan Biennale 2002, Y La Prague Biennale 2004. También Participó En Diferentes Artes; Art Chicago 2003, Scope Bassel, Suiza 2010, Art Miami 2015, Red Dot Miami 2017 Entre Otros. Su Visión Como Artista Ha Sido Traducida Como Curador De 150 Exposiciones En El Espacio De Arte En El Centro Colombo Americano En Bogota Invitando A Artistas Como Santiago Sierra Y Rikrit Tiravanija.

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Carlos Blanco
Girasol (Serie ringletes), 2018
Papel de algodón y acrílico
0,97 x 0,27 x 0,12 m

Reseña del artista

Carlos Blanco Artista Que Vive Y Trabaja Entre Bogota, Colombia Y La Ciudad De Los Ángeles. Su Enfoque Al Arte Siempre Se Ha Relacionado Con El Uso De La Esencia De Aire (Inflables, Hélices Y Video) En La Creación Y Tensión De Este Material. Objetos, Instalaciones Y Rendimientos Combinados. Entrenado Como Arquitecto En La Universidad Xavier En Bogota, Se Convierte En Artista Durante Su Ma En La Universidad Complutense En Madrid. Por Los Últimos 28 Años Ha Exhibido En Grandes Lugares, Como La Documenta Ix –Kassel Alemania, Venecia Biennale 1993, La 7ª La Habana Biennale –Cuba, Busan Biennale 2002, Y La Prague Biennale 2004. También Participó En Diferentes Artes; Art Chicago 2003, Scope Bassel, Suiza 2010, Art Miami 2015, Red Dot Miami 2017 Entre Otros. Su Visión Como Artista Ha Sido Traducida Como Curador De 150 Exposiciones En El Espacio De Arte En El Centro Colombo Americano En Bogota Invitando A Artistas Como Santiago Sierra Y Rikrit Tiravanija.

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Carlos Blanco
Diario del viajante, 2018
Seigrafía
0,43 x 0,63 m

Reseña del artista

Carlos Blanco Artista Que Vive Y Trabaja Entre Bogota, Colombia Y La Ciudad De Los Ángeles. Su Enfoque Al Arte Siempre Se Ha Relacionado Con El Uso De La Esencia De Aire (Inflables, Hélices Y Video) En La Creación Y Tensión De Este Material. Objetos, Instalaciones Y Rendimientos Combinados. Entrenado Como Arquitecto En La Universidad Xavier En Bogota, Se Convierte En Artista Durante Su Ma En La Universidad Complutense En Madrid. Por Los Últimos 28 Años Ha Exhibido En Grandes Lugares, Como La Documenta Ix –Kassel Alemania, Venecia Biennale 1993, La 7ª La Habana Biennale –Cuba, Busan Biennale 2002, Y La Prague Biennale 2004. También Participó En Diferentes Artes; Art Chicago 2003, Scope Bassel, Suiza 2010, Art Miami 2015, Red Dot Miami 2017 Entre Otros. Su Visión Como Artista Ha Sido Traducida Como Curador De 150 Exposiciones En El Espacio De Arte En El Centro Colombo Americano En Bogota Invitando A Artistas Como Santiago Sierra Y Rikrit Tiravanija.