SAN FELIPE

Grey Cube Projects

Abiogénesis Es el proceso natural por el cual la vida ha surgido de la materia no viva. Si bien los detalles de esta fase aún se desconocen, la hipótesis científica predominante, es que la transición de entidades no vivas a entidades vivientes, no fue un evento único, sino un proceso evolutivo de complejidad creciente que involucró auto-replicación molecular, auto-ensamblaje, auto-catálisis y la subsecuente aparición de membranas celulares. Los artistas que hacen parte de este proyecto proponen reconfigurar la noción del origen mediante distintos dispositivos de creación. Por lo tanto las obras que surgen de esta colaboración configuran un nuevo origen, en el que el ordenamiento de las cosas surgió por una respuesta al estímulo aleatorio. El movimiento, el choque y la colisión fueron fenómenos que originaron la vida y está en sus inicios era inorgánica. Esa interface de lo inorgánico a lo orgánico, es lo que cada artista materializa en sus piezas. La reflexión que podemos extraer de este gesto colaborativo entre trece artistas que indagan el concepto de origen y la respuesta ante el estímulo aleatorio, es una pregunta fundamental de que manera vamos a cooperar en conjunto como civilización para reorganizar y redefinir el mundo? Sucederá esto aprendiendo a reconocer y habitar con nuestros sentidos ahora aumentados, superando los obstáculos de las mediaciones tecnológicas, es necesario entender cómo civilización que debemos generar una nueva simbiosis entre el pensamiento humano y la naturaleza. Combinando la sabiduría ancestral y el nuevo saber asistido por las tecnologías y el conocimiento científico.

Contacto

Autogestionado
Grey Cube Projects
Rodriguez Castro
Carrera 22 # 74-30, San Felipe, Bogota, Colombia
573124003444
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Joel Grossman
PARED, espacio entre las cosas, 2019
Piedra caliza, hierro, acrílico y hojilla de oro
70 x 70 x 30 cms

Reseña del artista

Joel Grossman presenta obras que fusionan las estrategias de repetición del minimalismo y las maneras de comprender la elaboración monumental que empleaban las civilizaciones ancestrales, de estas extrae la simplicidad como manipulaban la materia. Por lo tanto sus esculturas y pinturas se ejecutan en piedra, evocando los monolitos y tótems. La reflexión que podemos extraer de este gesto colaborativo entre dos artistas que indagan el concepto de origen y la respuesta ante el estimulo aleatorio, es una pregunta fundamental de que manera vamos a cooperar en conjunto como civilización para reorganizar y redefinir el mundo? Sucederá esto aprendiendo a reconocer y habitar con nuestros sentidos ahora aumentados, superando los obstáculos de las mediaciones tecnológicas, es necesario entender como civilización que debemos generar una nueva simbiosis entre el pensamiento humano y la naturaleza. Combinando la sabiduría ancestral y el nuevo saber asistido por las tecnologías y el conocimiento científico.

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Joel Grossman
ESPACIO ENTRE LAS COSAS, 2019
20 dibujos en papel y lino crudo, óleo y hojilla de oro
Medidas varían 300 x 150 cms

Reseña del artista

Joel Grossman presenta obras que fusionan las estrategias de repetición del minimalismo y las maneras de comprender la elaboración monumental que empleaban las civilizaciones ancestrales, de estas extrae la simplicidad como manipulaban la materia. Por lo tanto sus esculturas y pinturas se ejecutan en piedra, evocando los monolitos y tótems. La reflexión que podemos extraer de este gesto colaborativo entre dos artistas que indagan el concepto de origen y la respuesta ante el estimulo aleatorio, es una pregunta fundamental de que manera vamos a cooperar en conjunto como civilización para reorganizar y redefinir el mundo? Sucederá esto aprendiendo a reconocer y habitar con nuestros sentidos ahora aumentados, superando los obstáculos de las mediaciones tecnológicas, es necesario entender como civilización que debemos generar una nueva simbiosis entre el pensamiento humano y la naturaleza. Combinando la sabiduría ancestral y el nuevo saber asistido por las tecnologías y el conocimiento científico.

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Joel Grossman
SIMULTANEOS, 2019
bronce
60 x 60 cms

Reseña del artista

Joel Grossman presenta obras que fusionan las estrategias de repetición del minimalismo y las maneras de comprender la elaboración monumental que empleaban las civilizaciones ancestrales, de estas extrae la simplicidad como manipulaban la materia. Por lo tanto sus esculturas y pinturas se ejecutan en piedra, evocando los monolitos y tótems. La reflexión que podemos extraer de este gesto colaborativo entre dos artistas que indagan el concepto de origen y la respuesta ante el estimulo aleatorio, es una pregunta fundamental de que manera vamos a cooperar en conjunto como civilización para reorganizar y redefinir el mundo? Sucederá esto aprendiendo a reconocer y habitar con nuestros sentidos ahora aumentados, superando los obstáculos de las mediaciones tecnológicas, es necesario entender como civilización que debemos generar una nueva simbiosis entre el pensamiento humano y la naturaleza. Combinando la sabiduría ancestral y el nuevo saber asistido por las tecnologías y el conocimiento científico.

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Mauricio Jaramillo
serie Artificios , 2016
Concreto vaciado
Dimensiones variables

Reseña del artista

El mundo contemporáneo está caracterizado por una constante ruptura entre el hombre y la naturaleza. Uno de los grandes signos que más evidencian este fenómeno se evidencia con la pérdida del paisaje natural, frente al desmesurado crecimiento de las ciudades. El trabajo Mauricio Jaramillo genera una reflexión acerca de la manera como nos vamos apropiando del espacio natural y de la constante tensión que se presenta entre naturaleza y arquitectura, donde los elementos naturales y los artificios se interponen, se intersectan y se modulan, gestando formas y a elementos estéticos que se van entretejiendo dinámicamente y que generalmente terminan siendo una acción usurpadora. Mediante diversos lenguajes como la instalación, la escultura o la pintura, ejecuta un diálogo con objetos y materiales propios de la construcción con elementos o espacios naturales, generando paradójicos paisajes y poesías visuales.

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Mauricio Jaramillo
Estructuras etéreas de la serie paisajes contingentes (detalle de la instalación) , 2017
Malla electrosoldada intervenida
Dimensiones variables

Reseña del artista

El mundo contemporáneo está caracterizado por una constante ruptura entre el hombre y la naturaleza. Uno de los grandes signos que más evidencian este fenómeno se evidencia con la pérdida del paisaje natural, frente al desmesurado crecimiento de las ciudades. El trabajo Mauricio Jaramillo genera una reflexión acerca de la manera como nos vamos apropiando del espacio natural y de la constante tensión que se presenta entre naturaleza y arquitectura, donde los elementos naturales y los artificios se interponen, se intersectan y se modulan, gestando formas y a elementos estéticos que se van entretejiendo dinámicamente y que generalmente terminan siendo una acción usurpadora. Mediante diversos lenguajes como la instalación, la escultura o la pintura, ejecuta un diálogo con objetos y materiales propios de la construcción con elementos o espacios naturales, generando paradójicos paisajes y poesías visuales.

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Mauricio Jaramillo
Vestigios, 2019
Resina de poliester y metal
150 x 200 x 20 cms

Reseña del artista

El mundo contemporáneo está caracterizado por una constante ruptura entre el hombre y la naturaleza. Uno de los grandes signos que más evidencian este fenómeno se evidencia con la pérdida del paisaje natural, frente al desmesurado crecimiento de las ciudades. El trabajo Mauricio Jaramillo genera una reflexión acerca de la manera como nos vamos apropiando del espacio natural y de la constante tensión que se presenta entre naturaleza y arquitectura, donde los elementos naturales y los artificios se interponen, se intersectan y se modulan, gestando formas y a elementos estéticos que se van entretejiendo dinámicamente y que generalmente terminan siendo una acción usurpadora. Mediante diversos lenguajes como la instalación, la escultura o la pintura, ejecuta un diálogo con objetos y materiales propios de la construcción con elementos o espacios naturales, generando paradójicos paisajes y poesías visuales.

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Alicia De La Torre
Filos (azul), 2020
Inyección de pigmento en silicona
100 x 100 cm

Reseña del artista

Alicia de la Torre presenta una serie de obras tituladas “Filos”, las cuales fueron realizadas con inyección de pigmento a silicona y plástico. La artista ha seleccionado esta palabra porque es un concepto que hace alusión a las distintas formas de vida que existen y esto es algo importante a destacar en su observación como artista. La biología se ha tenido que reestructurar debido a las nuevas observaciones microscópicas, existen órdenes y reinos desconocidos que no estaban en el árbol de la vida, es mas esta estructura se ha sustituido por un modelo rizomático. Las naturalezas inertes, inorgánicas y radioactivas que hemos identificado como nocivas y negativas, por el manejo comercial que le ha otorgado la industria; son elementos que en su estado puro mineral, no son perjudiciales para el hombre, fue precisamente esa precipitada necesidad por capitalizar y extraer elementos de la tierra, la que ha provocado varios desmanes en el medio ambiente, como el cambio climático, cuyos efectos y consecuencias hemos comenzado a distinguir. Por este motivo las obras de Alicia presentan una configuración de pinturas cuyos materiales Nuestro sistema económico y social esta diseñado predominantemente para desplegar un consumo acelerado y desmedido, en donde la naturaleza orgánica esta en una constante disyunción; por lo tanto hacer una transición a formas de energía que no destruyan los diferentes ecosistemas, es un objetivo inaplazable e incorporarlo a nivel global una premisa.

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Alicia De La Torre
Filos (Blanco), 2020
Inyección de pigmento en silicona
96 x 93 cm

Reseña del artista

Alicia de la Torre presenta una serie de obras tituladas “Filos”, las cuales fueron realizadas con inyección de pigmento a silicona y plástico. La artista ha seleccionado esta palabra porque es un concepto que hace alusión a las distintas formas de vida que existen y esto es algo importante a destacar en su observación como artista. La biología se ha tenido que reestructurar debido a las nuevas observaciones microscópicas, existen órdenes y reinos desconocidos que no estaban en el árbol de la vida, es mas esta estructura se ha sustituido por un modelo rizomático. Las naturalezas inertes, inorgánicas y radioactivas que hemos identificado como nocivas y negativas, por el manejo comercial que le ha otorgado la industria; son elementos que en su estado puro mineral, no son perjudiciales para el hombre, fue precisamente esa precipitada necesidad por capitalizar y extraer elementos de la tierra, la que ha provocado varios desmanes en el medio ambiente, como el cambio climático, cuyos efectos y consecuencias hemos comenzado a distinguir. Por este motivo las obras de Alicia presentan una configuración de pinturas cuyos materiales Nuestro sistema económico y social esta diseñado predominantemente para desplegar un consumo acelerado y desmedido, en donde la naturaleza orgánica esta en una constante disyunción; por lo tanto hacer una transición a formas de energía que no destruyan los diferentes ecosistemas, es un objetivo inaplazable e incorporarlo a nivel global una premisa.

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Alicia De La Torre
Filos (Cafe), 2020
Inyección de pigmento en silicona
90 x 105 cm

Reseña del artista

Alicia de la Torre presenta una serie de obras tituladas “Filos”, las cuales fueron realizadas con inyección de pigmento a silicona y plástico. La artista ha seleccionado esta palabra porque es un concepto que hace alusión a las distintas formas de vida que existen y esto es algo importante a destacar en su observación como artista. La biología se ha tenido que reestructurar debido a las nuevas observaciones microscópicas, existen órdenes y reinos desconocidos que no estaban en el árbol de la vida, es mas esta estructura se ha sustituido por un modelo rizomático. Las naturalezas inertes, inorgánicas y radioactivas que hemos identificado como nocivas y negativas, por el manejo comercial que le ha otorgado la industria; son elementos que en su estado puro mineral, no son perjudiciales para el hombre, fue precisamente esa precipitada necesidad por capitalizar y extraer elementos de la tierra, la que ha provocado varios desmanes en el medio ambiente, como el cambio climático, cuyos efectos y consecuencias hemos comenzado a distinguir. Por este motivo las obras de Alicia presentan una configuración de pinturas cuyos materiales Nuestro sistema económico y social esta diseñado predominantemente para desplegar un consumo acelerado y desmedido, en donde la naturaleza orgánica esta en una constante disyunción; por lo tanto hacer una transición a formas de energía que no destruyan los diferentes ecosistemas, es un objetivo inaplazable e incorporarlo a nivel global una premisa.

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Mario Velez
Proximidad espacial(De la serie Canto Rodado) , 2013
Instalacion, Mixta, vitrina de vidrio, acero, piedras y pigmento sobre madera.
130 x 80 x 90 cm

Reseña del artista

La manera en que las pinturas y obras tridimensionales, han surgido en la practica artística de Mario, hacen pensar en procesos de replicación y alteridad, que a su vez se relacionan con esta nueva fase geológica del Antropoceno, la cual define las transformaciones materiales de la tierra con la presencia humana y como se están alterando los sistemas atmosféricos, geológicos, hidrológicos y biosféricos. Las observaciones del artista no solo se relacionan con estos fenómenos geológicos, también revelan la fascinación que despierta la materia inerte, en su producción artística (rocas, fósiles, cristales, polvo de cuarzo, resina, minerales y polímeros). La vida inorgánica según el historiador Wilhelm Worringer “es una manifestación de la voluntad hacia la abstracción y con ella una expresión de la entropía y la muerte, mientras que la vida orgánica es la voluntad hacia la racionalidad, la empatía y la familiaridad”. Las pinturas poseen títulos que sugieren como la comprensión humana define la temporalidad y las eras del planeta tierra. Por ejemplo en Atlas los medios que Mario emplea para originar los mapamundis son una deriva y extensión de materia organizada que se encontraba latente en sus pinturas, no son ejercicios estrictamente matemáticos. Sin embargo, podemos vislumbrar mediciones abstractas, que pueden ser intuitivas y experimentales. En el artículo de 1992 'Vida no orgánica' de Manuel DeLanda, “la idea de la vida va más allá del organismo y se redefine como "la matemática de la auto-organización". En esta dimensión podríamos observar los gestos ejecutados sobre las esculturas y los lienzos; estas piezas esbozan propiedades intensivas y transformaciones físicas de la materia no-orgánica: la longitud, el área y el volumen. Estos cambios ocasionados por la acción del tiempo sobre la materia, han cimentado el análisis abstracto de Mario Vélez, cuando el se refiere a los cantos rodados -que son rocas o trozos de rocas sueltos, más o menos redondeados, de tonalidades y superficies suaves- no intenta describir literalmente estos elementos, por el contrario, ambiciona correlacionar la existencia humana con la temporalidad de los cuerpos inorgánicos y así ofrecernos otra forma de comprender estos fenómenos.

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Mario Velez
Proximidad espacial(De la serie Canto Rodado) , 2014
Instalacion, Mixta, vitrina de vidrio, acero, piedras y pigmento sobre madera.
130 x 80 x 90 cm

Reseña del artista

La manera en que las pinturas y obras tridimensionales, han surgido en la practica artística de Mario, hacen pensar en procesos de replicación y alteridad, que a su vez se relacionan con esta nueva fase geológica del Antropoceno, la cual define las transformaciones materiales de la tierra con la presencia humana y como se están alterando los sistemas atmosféricos, geológicos, hidrológicos y biosféricos. Las observaciones del artista no solo se relacionan con estos fenómenos geológicos, también revelan la fascinación que despierta la materia inerte, en su producción artística (rocas, fósiles, cristales, polvo de cuarzo, resina, minerales y polímeros). La vida inorgánica según el historiador Wilhelm Worringer “es una manifestación de la voluntad hacia la abstracción y con ella una expresión de la entropía y la muerte, mientras que la vida orgánica es la voluntad hacia la racionalidad, la empatía y la familiaridad”. Las pinturas poseen títulos que sugieren como la comprensión humana define la temporalidad y las eras del planeta tierra. Por ejemplo en Atlas los medios que Mario emplea para originar los mapamundis son una deriva y extensión de materia organizada que se encontraba latente en sus pinturas, no son ejercicios estrictamente matemáticos. Sin embargo, podemos vislumbrar mediciones abstractas, que pueden ser intuitivas y experimentales. En el artículo de 1992 'Vida no orgánica' de Manuel DeLanda, “la idea de la vida va más allá del organismo y se redefine como "la matemática de la auto-organización". En esta dimensión podríamos observar los gestos ejecutados sobre las esculturas y los lienzos; estas piezas esbozan propiedades intensivas y transformaciones físicas de la materia no-orgánica: la longitud, el área y el volumen. Estos cambios ocasionados por la acción del tiempo sobre la materia, han cimentado el análisis abstracto de Mario Vélez, cuando el se refiere a los cantos rodados -que son rocas o trozos de rocas sueltos, más o menos redondeados, de tonalidades y superficies suaves- no intenta describir literalmente estos elementos, por el contrario, ambiciona correlacionar la existencia humana con la temporalidad de los cuerpos inorgánicos y así ofrecernos otra forma de comprender estos fenómenos.

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Mario Velez
Proximidad espacial(De la serie Canto Rodado) , 2014
Instalacion, Mixta, vitrina de vidrio, acero, piedras y pigmento sobre madera.
130 x 80 x 90 cm

Reseña del artista

La manera en que las pinturas y obras tridimensionales, han surgido en la practica artística de Mario, hacen pensar en procesos de replicación y alteridad, que a su vez se relacionan con esta nueva fase geológica del Antropoceno, la cual define las transformaciones materiales de la tierra con la presencia humana y como se están alterando los sistemas atmosféricos, geológicos, hidrológicos y biosféricos. Las observaciones del artista no solo se relacionan con estos fenómenos geológicos, también revelan la fascinación que despierta la materia inerte, en su producción artística (rocas, fósiles, cristales, polvo de cuarzo, resina, minerales y polímeros). La vida inorgánica según el historiador Wilhelm Worringer “es una manifestación de la voluntad hacia la abstracción y con ella una expresión de la entropía y la muerte, mientras que la vida orgánica es la voluntad hacia la racionalidad, la empatía y la familiaridad”. Las pinturas poseen títulos que sugieren como la comprensión humana define la temporalidad y las eras del planeta tierra. Por ejemplo en Atlas los medios que Mario emplea para originar los mapamundis son una deriva y extensión de materia organizada que se encontraba latente en sus pinturas, no son ejercicios estrictamente matemáticos. Sin embargo, podemos vislumbrar mediciones abstractas, que pueden ser intuitivas y experimentales. En el artículo de 1992 'Vida no orgánica' de Manuel DeLanda, “la idea de la vida va más allá del organismo y se redefine como "la matemática de la auto-organización". En esta dimensión podríamos observar los gestos ejecutados sobre las esculturas y los lienzos; estas piezas esbozan propiedades intensivas y transformaciones físicas de la materia no-orgánica: la longitud, el área y el volumen. Estos cambios ocasionados por la acción del tiempo sobre la materia, han cimentado el análisis abstracto de Mario Vélez, cuando el se refiere a los cantos rodados -que son rocas o trozos de rocas sueltos, más o menos redondeados, de tonalidades y superficies suaves- no intenta describir literalmente estos elementos, por el contrario, ambiciona correlacionar la existencia humana con la temporalidad de los cuerpos inorgánicos y así ofrecernos otra forma de comprender estos fenómenos.

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Juan Walker
Pacto con la Soledad, 2019
fotografía digital. Impresa en aluminio chromalux.
120 cm x 80 cm

Reseña del artista

El trabajo de Juan Walker es una continua búsqueda de huellas, rastros, fragmentos, residuos, instantes; de esquirlas en el tiempo. Descubrir, conocer, reconocer, experimentar, recorrer; imágenes en diversas temporalidades que funcionan como metáforas en un proceso de creación continuo. Espacios, territorios, pedazos de recuerdos de algo, de alguien. Fragmentos que no pretenden concluir nada, tampoco orbitan en ningún centro; imágenes poéticas que muestran un intercambio de materias, texturas, atmósferas, sonidos que fluyen en diferentes lecturas. Procesos de ensamblaje, de multiplicidad y simultaneidad que se expanden a experimentaciones temporales y hacia una construcción de la memoria colectiva.

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Juan Walker
AUSENCIA, 2019
fotografía digital. Impresa en aluminio chromalux
120 cm x 80 cm

Reseña del artista

El trabajo de Juan Walker es una continua búsqueda de huellas, rastros, fragmentos, residuos, instantes; de esquirlas en el tiempo. Descubrir, conocer, reconocer, experimentar, recorrer; imágenes en diversas temporalidades que funcionan como metáforas en un proceso de creación continuo. Espacios, territorios, pedazos de recuerdos de algo, de alguien. Fragmentos que no pretenden concluir nada, tampoco orbitan en ningún centro; imágenes poéticas que muestran un intercambio de materias, texturas, atmósferas, sonidos que fluyen en diferentes lecturas. Procesos de ensamblaje, de multiplicidad y simultaneidad que se expanden a experimentaciones temporales y hacia una construcción de la memoria colectiva.

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Juan Walker
LA ÚLTIMA FRONTERA, 2019
fotografía digital. Impresión el aluminio chromalux
120 cm x 80 cm

Reseña del artista

El trabajo de Juan Walker es una continua búsqueda de huellas, rastros, fragmentos, residuos, instantes; de esquirlas en el tiempo. Descubrir, conocer, reconocer, experimentar, recorrer; imágenes en diversas temporalidades que funcionan como metáforas en un proceso de creación continuo. Espacios, territorios, pedazos de recuerdos de algo, de alguien. Fragmentos que no pretenden concluir nada, tampoco orbitan en ningún centro; imágenes poéticas que muestran un intercambio de materias, texturas, atmósferas, sonidos que fluyen en diferentes lecturas. Procesos de ensamblaje, de multiplicidad y simultaneidad que se expanden a experimentaciones temporales y hacia una construcción de la memoria colectiva.

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Camila Botero
Volcán II, 2019
Acrílico sobre lienzo
90 x 110 cm

Reseña del artista

Una reflexión intuitiva sobre el Antropoceno, término que ha sido sugerido para nombrar la época geológica actual y que subraya el impacto del hombre sobre el ecosistema, lleva a Camila Botero a poner en relación la escala temporal del hombre con la del planeta. Procesos geológicos es una serie de esculturas que surgen de troncos de árboles petrificados que la artista encuentra en el Magdalena bajo y que datan millones de años. Estas esculturas también podrían ser restos de asteroides o algún otro cuerpo celeste, que nos recuerdan la brevedad de nuestro paso por el mundo y las derivaciones –tanto positivas como negativas– de esa estancia.

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Camila Botero
Procesos geológicos, 2019
Instalación Mixta
Dimesiones variables

Reseña del artista

Una reflexión intuitiva sobre el Antropoceno, término que ha sido sugerido para nombrar la época geológica actual y que subraya el impacto del hombre sobre el ecosistema, lleva a Camila Botero a poner en relación la escala temporal del hombre con la del planeta. Procesos geológicos es una serie de esculturas que surgen de troncos de árboles petrificados que la artista encuentra en el Magdalena bajo y que datan millones de años. Estas esculturas también podrían ser restos de asteroides o algún otro cuerpo celeste, que nos recuerdan la brevedad de nuestro paso por el mundo y las derivaciones –tanto positivas como negativas– de esa estancia.

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Camila Botero
Procesos geológicos, 2019
Instalación Mixta
Dimesiones variables

Reseña del artista

Una reflexión intuitiva sobre el Antropoceno, término que ha sido sugerido para nombrar la época geológica actual y que subraya el impacto del hombre sobre el ecosistema, lleva a Camila Botero a poner en relación la escala temporal del hombre con la del planeta. Procesos geológicos es una serie de esculturas que surgen de troncos de árboles petrificados que la artista encuentra en el Magdalena bajo y que datan millones de años. Estas esculturas también podrían ser restos de asteroides o algún otro cuerpo celeste, que nos recuerdan la brevedad de nuestro paso por el mundo y las derivaciones –tanto positivas como negativas– de esa estancia.

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Evelyn Tovar
Postal Cards, 2019
Hueco Grabados sobre fotografía montada en aluminio
11,5 x 16,8 cm

Reseña del artista

Las piezas de Evelyn incorporan diferentes métodos de ejecución artística para configurar sus obras, alternando medios como la serigrafía, el dibujo, la fotografía y los ensamblajes. En sus piezas se hacen señalamientos al devastador proceso de extracción del carbón y cómo este proceso derivado del extractivismo, esta desplazando comunidades, cambiando entre otras cosas, sus hábitos alimenticios y formas de relacionarse socialmente. Situación que menoscaba la sostenibilidad de las microeconomías y beneficia el fortalecimiento de las corporaciones internacionales. Con esta acción la artista quiere hacernos pensar cómo estamos sacrificando la riqueza de la biodiversidad por extraer carbón y otros minerales. Vacilar en considerar como formalizar políticas ecológicas, pondría en riesgo no solo a las futuras generaciones, también dejaríamos una serie de vestigios virtuales, maquetas y registros fotográficos que asistidos por la tecnología sustituirían la experiencia de habitar los paisajes que aun podemos rescatar de las practicas extractivitas. Por lo tanto el territorio debe ser repensado de una forma integral. Evelyn rescata técnicas que surgieron en el periodo de la primera revolución industrial, para manifestar como se trasladaban las experiencias naturales de un paisajes a otros territorios, en donde estos sublimes lugares se reconocían como paisajes exóticos. La situación que manifiesta Evelyn en este proyecto, es que la distancia temporal y el impacto que estamos ejerciendo sobre el medio ambiente, no son una simple recreación mediática, o una imagen fútil del social media, es una realidad que afecta directamente los ecosistemas de nuestro territorio y esta situación entrelaza todas las sociedades en el planeta tierra.

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Evelyn Tovar
Postal Cards, 2019
Hueco Grabados sobre fotografía montada en aluminio
11,5 x 16,8 cm

Reseña del artista

Las piezas de Evelyn incorporan diferentes métodos de ejecución artística para configurar sus obras, alternando medios como la serigrafía, el dibujo, la fotografía y los ensamblajes. En sus piezas se hacen señalamientos al devastador proceso de extracción del carbón y cómo este proceso derivado del extractivismo, esta desplazando comunidades, cambiando entre otras cosas, sus hábitos alimenticios y formas de relacionarse socialmente. Situación que menoscaba la sostenibilidad de las microeconomías y beneficia el fortalecimiento de las corporaciones internacionales. Con esta acción la artista quiere hacernos pensar cómo estamos sacrificando la riqueza de la biodiversidad por extraer carbón y otros minerales. Vacilar en considerar como formalizar políticas ecológicas, pondría en riesgo no solo a las futuras generaciones, también dejaríamos una serie de vestigios virtuales, maquetas y registros fotográficos que asistidos por la tecnología sustituirían la experiencia de habitar los paisajes que aun podemos rescatar de las practicas extractivitas. Por lo tanto el territorio debe ser repensado de una forma integral. Evelyn rescata técnicas que surgieron en el periodo de la primera revolución industrial, para manifestar como se trasladaban las experiencias naturales de un paisajes a otros territorios, en donde estos sublimes lugares se reconocían como paisajes exóticos. La situación que manifiesta Evelyn en este proyecto, es que la distancia temporal y el impacto que estamos ejerciendo sobre el medio ambiente, no son una simple recreación mediática, o una imagen fútil del social media, es una realidad que afecta directamente los ecosistemas de nuestro territorio y esta situación entrelaza todas las sociedades en el planeta tierra.

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Evelyn Tovar
Postal Cards, 2019
Hueco Grabados sobre fotografía montada en aluminio
11,5 x 16,8 cm

Reseña del artista

Las piezas de Evelyn incorporan diferentes métodos de ejecución artística para configurar sus obras, alternando medios como la serigrafía, el dibujo, la fotografía y los ensamblajes. En sus piezas se hacen señalamientos al devastador proceso de extracción del carbón y cómo este proceso derivado del extractivismo, esta desplazando comunidades, cambiando entre otras cosas, sus hábitos alimenticios y formas de relacionarse socialmente. Situación que menoscaba la sostenibilidad de las microeconomías y beneficia el fortalecimiento de las corporaciones internacionales. Con esta acción la artista quiere hacernos pensar cómo estamos sacrificando la riqueza de la biodiversidad por extraer carbón y otros minerales. Vacilar en considerar como formalizar políticas ecológicas, pondría en riesgo no solo a las futuras generaciones, también dejaríamos una serie de vestigios virtuales, maquetas y registros fotográficos que asistidos por la tecnología sustituirían la experiencia de habitar los paisajes que aun podemos rescatar de las practicas extractivitas. Por lo tanto el territorio debe ser repensado de una forma integral. Evelyn rescata técnicas que surgieron en el periodo de la primera revolución industrial, para manifestar como se trasladaban las experiencias naturales de un paisajes a otros territorios, en donde estos sublimes lugares se reconocían como paisajes exóticos. La situación que manifiesta Evelyn en este proyecto, es que la distancia temporal y el impacto que estamos ejerciendo sobre el medio ambiente, no son una simple recreación mediática, o una imagen fútil del social media, es una realidad que afecta directamente los ecosistemas de nuestro territorio y esta situación entrelaza todas las sociedades en el planeta tierra.

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Jeison Sierra
Constelaciones, 2020
Mixta, roca, oro y papel
Variables

Reseña del artista

Dándole continuidad a los procesos e inquietudes Jeison Sierra adelanta el proyecto “PESO-CONTRAPESO” indaga en la minería misma, que para la extracción de un castellano de oro (4,6 gramos) una mina puede socavar en la tierra cerca de unos 27 metros cúbicos, generando daños irreversibles al ecosistema. “PESO CONTRAPESO” busca cuestionar y poner al espectador en un punto de Tensión al situarlo debajo de una gran roca colgada del techo, en donde pueda Contemplar una pequeña roca de Oro extraída de las minas y a su vez evidenciar los Daños causados al territorio y su afectación al paisaje como consecuencia de la Extracción del Oro.

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Jeison Sierra
Constelaciones, 2020
Mixta, roca, oro y papel
Instalacion, Variables

Reseña del artista

Dándole continuidad a los procesos e inquietudes Jeison Sierra adelanta el proyecto “PESO-CONTRAPESO” indaga en la minería misma, que para la extracción de un castellano de oro (4,6 gramos) una mina puede socavar en la tierra cerca de unos 27 metros cúbicos, generando daños irreversibles al ecosistema. “PESO CONTRAPESO” busca cuestionar y poner al espectador en un punto de Tensión al situarlo debajo de una gran roca colgada del techo, en donde pueda Contemplar una pequeña roca de Oro extraída de las minas y a su vez evidenciar los Daños causados al territorio y su afectación al paisaje como consecuencia de la Extracción del Oro.

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Jeison Sierra
Constelaciones, 2020
Mixta, roca, oro y papel
Variables

Reseña del artista

Dándole continuidad a los procesos e inquietudes Jeison Sierra adelanta el proyecto “PESO-CONTRAPESO” indaga en la minería misma, que para la extracción de un castellano de oro (4,6 gramos) una mina puede socavar en la tierra cerca de unos 27 metros cúbicos, generando daños irreversibles al ecosistema. “PESO CONTRAPESO” busca cuestionar y poner al espectador en un punto de Tensión al situarlo debajo de una gran roca colgada del techo, en donde pueda Contemplar una pequeña roca de Oro extraída de las minas y a su vez evidenciar los Daños causados al territorio y su afectación al paisaje como consecuencia de la Extracción del Oro.

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Ximena De Valdenebro
Glauco, 2020
Fotografía Impresión digital y acrílico
49 x 128 cms

Reseña del artista

Ximena De Valdenebro presenta Fronteras del aire es una serie de imágenes fotográficas del paisaje de la sabana de Bogotá en los cuales se registra la alteración espacial y natural por cuenta de la presencia de invernaderos de plástico dedicados fundamentalmente al cultivo de flores y hortalizas. La relación corporal con lo natural se afecta, la percepción del paisaje y el horizonte por parte de quien transita estos lugares se ve perturbada por barreras plásticas que alcanzan alturas de más de tres metros y cuando entran en deterioro generan fragmentos que se dispersan en los campos. En el invernadero se aceleran los procesos naturales de crecimiento que cambian de acuerdo a variables de humedad, temperatura, iluminación, fertilización, aireación, se produce la aceleración de la fotosíntesis en la cual interviene la enzima RuBisCo (ribulosa-1,5-bisfosfato carboxilasa/oxigenasa). Ésta es una enzima proteínica abundante en la biosfera que cataliza la fijación de dioxido de carbono a una forma orgánica. La enzima en su proceso secuestra 3 -4 moléculas de dióxido de carbono por cada una de oxígeno, lo que la hace ineficiente, es decir gasta oxigeno y por lo tanto se convierte en un factor limitante de la fotosíntesis. La fotosíntesis acelerada roba más oxigeno al aire.

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Ximena De Valdenebro
Deshielo I, 2020
Fotografía Impresión digital y acrílico
140 x 60 cms

Reseña del artista

Ximena De Valdenebro presenta Fronteras del aire es una serie de imágenes fotográficas del paisaje de la sabana de Bogotá en los cuales se registra la alteración espacial y natural por cuenta de la presencia de invernaderos de plástico dedicados fundamentalmente al cultivo de flores y hortalizas. La relación corporal con lo natural se afecta, la percepción del paisaje y el horizonte por parte de quien transita estos lugares se ve perturbada por barreras plásticas que alcanzan alturas de más de tres metros y cuando entran en deterioro generan fragmentos que se dispersan en los campos. En el invernadero se aceleran los procesos naturales de crecimiento que cambian de acuerdo a variables de humedad, temperatura, iluminación, fertilización, aireación, se produce la aceleración de la fotosíntesis en la cual interviene la enzima RuBisCo (ribulosa-1,5-bisfosfato carboxilasa/oxigenasa). Ésta es una enzima proteínica abundante en la biosfera que cataliza la fijación de dioxido de carbono a una forma orgánica. La enzima en su proceso secuestra 3 -4 moléculas de dióxido de carbono por cada una de oxígeno, lo que la hace ineficiente, es decir gasta oxigeno y por lo tanto se convierte en un factor limitante de la fotosíntesis. La fotosíntesis acelerada roba más oxigeno al aire.

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Ximena De Valdenebro
Deshielo II, 2020
Fotografía Impresión digital y acrílico
110 x 80 cm

Reseña del artista

Ximena De Valdenebro presenta Fronteras del aire es una serie de imágenes fotográficas del paisaje de la sabana de Bogotá en los cuales se registra la alteración espacial y natural por cuenta de la presencia de invernaderos de plástico dedicados fundamentalmente al cultivo de flores y hortalizas. La relación corporal con lo natural se afecta, la percepción del paisaje y el horizonte por parte de quien transita estos lugares se ve perturbada por barreras plásticas que alcanzan alturas de más de tres metros y cuando entran en deterioro generan fragmentos que se dispersan en los campos. En el invernadero se aceleran los procesos naturales de crecimiento que cambian de acuerdo a variables de humedad, temperatura, iluminación, fertilización, aireación, se produce la aceleración de la fotosíntesis en la cual interviene la enzima RuBisCo (ribulosa-1,5-bisfosfato carboxilasa/oxigenasa). Ésta es una enzima proteínica abundante en la biosfera que cataliza la fijación de dioxido de carbono a una forma orgánica. La enzima en su proceso secuestra 3 -4 moléculas de dióxido de carbono por cada una de oxígeno, lo que la hace ineficiente, es decir gasta oxigeno y por lo tanto se convierte en un factor limitante de la fotosíntesis. La fotosíntesis acelerada roba más oxigeno al aire.

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Alvaro Diego Gomez Campuzano
Espeleotemas I, 2019
Pulioretano
Variables

Reseña del artista

Las esculturas de ALvaro Diego son aproximaciones y magnificaciones de criaturas microscópicas, este trabajo nos hace reflexionar como vamos a transitar de una economía consumista a una economía circular, que acceda a implementar materiales que no destruyan los ecosistemas de la tierra y las formas de vida acuáticas; estas extrañas criaturas pueden revelar como utilizar mejor nuestros recursos naturales y minerales, debido a que estos organismos utilizan y conmutan la energía de maneras enigmáticas. En la era cuántica se han podido observar los universos imperceptibles para el hombre, empleando diferentes técnicas: visualización de datos, sonorización de datos y en el caso del trabajo de Diego podemos leer una materialización de datos . La obra Espeleotemas es una pieza derivada de un proceso creativo que comprende pintura, escultura e instalación; acción que intenta desdibujar los limites existentes entre estos medios. La practica artística de Diego ha examinado la noción del tejido, para luego trasladar los términos operativos de esta practica a diferentes territorios de materialización, manteniendo una constante en la tridimensionalidad. Su investigación además de expandir las practicas creativas del tejido en el arte contemporáneo, es una indagación conceptual que nos invita a reconocer el saber ancestral de las diferentes civilizaciones; por esta razón en sus piezas identificamos una preocupación por la permanencia del ser humano en el ecosistema y en su mas reciente proyecto la interrelación con la vida oculta en las profundidades de los océanos. El hombre reside en la superficie y casi no tiene interacción con el fondo de los océanos, el agua fue un lugar donde se origino la vida orgánica y es allí donde podríamos localizar las piezas que se exhiben en la exposición “Simbiosis Entrópica”, estas escultura están forjadas a partir de plásticos reciclados (poliuretano de origen industrial) materiales usados en diferentes industrias para la elaboración de objetos utilitarios y desechables.

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Alvaro Diego Gomez Campuzano
Entalpia, 2019
Pulioretano
60 x 55 x 25 cm

Reseña del artista

Las esculturas de ALvaro Diego son aproximaciones y magnificaciones de criaturas microscópicas, este trabajo nos hace reflexionar como vamos a transitar de una economía consumista a una economía circular, que acceda a implementar materiales que no destruyan los ecosistemas de la tierra y las formas de vida acuáticas; estas extrañas criaturas pueden revelar como utilizar mejor nuestros recursos naturales y minerales, debido a que estos organismos utilizan y conmutan la energía de maneras enigmáticas. En la era cuántica se han podido observar los universos imperceptibles para el hombre, empleando diferentes técnicas: visualización de datos, sonorización de datos y en el caso del trabajo de Diego podemos leer una materialización de datos . La obra Espeleotemas es una pieza derivada de un proceso creativo que comprende pintura, escultura e instalación; acción que intenta desdibujar los limites existentes entre estos medios. La practica artística de Diego ha examinado la noción del tejido, para luego trasladar los términos operativos de esta practica a diferentes territorios de materialización, manteniendo una constante en la tridimensionalidad. Su investigación además de expandir las practicas creativas del tejido en el arte contemporáneo, es una indagación conceptual que nos invita a reconocer el saber ancestral de las diferentes civilizaciones; por esta razón en sus piezas identificamos una preocupación por la permanencia del ser humano en el ecosistema y en su mas reciente proyecto la interrelación con la vida oculta en las profundidades de los océanos. El hombre reside en la superficie y casi no tiene interacción con el fondo de los océanos, el agua fue un lugar donde se origino la vida orgánica y es allí donde podríamos localizar las piezas que se exhiben en la exposición “Simbiosis Entrópica”, estas escultura están forjadas a partir de plásticos reciclados (poliuretano de origen industrial) materiales usados en diferentes industrias para la elaboración de objetos utilitarios y desechables.

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Alvaro Diego Gomez Campuzano
Oscilaciones, 2019
Técnica mixta pinturas sintéticas
50 x 50 cm C/U

Reseña del artista

Las esculturas de ALvaro Diego son aproximaciones y magnificaciones de criaturas microscópicas, este trabajo nos hace reflexionar como vamos a transitar de una economía consumista a una economía circular, que acceda a implementar materiales que no destruyan los ecosistemas de la tierra y las formas de vida acuáticas; estas extrañas criaturas pueden revelar como utilizar mejor nuestros recursos naturales y minerales, debido a que estos organismos utilizan y conmutan la energía de maneras enigmáticas. En la era cuántica se han podido observar los universos imperceptibles para el hombre, empleando diferentes técnicas: visualización de datos, sonorización de datos y en el caso del trabajo de Diego podemos leer una materialización de datos . La obra Espeleotemas es una pieza derivada de un proceso creativo que comprende pintura, escultura e instalación; acción que intenta desdibujar los limites existentes entre estos medios. La practica artística de Diego ha examinado la noción del tejido, para luego trasladar los términos operativos de esta practica a diferentes territorios de materialización, manteniendo una constante en la tridimensionalidad. Su investigación además de expandir las practicas creativas del tejido en el arte contemporáneo, es una indagación conceptual que nos invita a reconocer el saber ancestral de las diferentes civilizaciones; por esta razón en sus piezas identificamos una preocupación por la permanencia del ser humano en el ecosistema y en su mas reciente proyecto la interrelación con la vida oculta en las profundidades de los océanos. El hombre reside en la superficie y casi no tiene interacción con el fondo de los océanos, el agua fue un lugar donde se origino la vida orgánica y es allí donde podríamos localizar las piezas que se exhiben en la exposición “Simbiosis Entrópica”, estas escultura están forjadas a partir de plásticos reciclados (poliuretano de origen industrial) materiales usados en diferentes industrias para la elaboración de objetos utilitarios y desechables.

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Ana Maria Poveda Perez
Base 1, 2020
Instalacion mixta y medios
Variables

Reseña del artista

Conceptualmente las propuestas de Ana Maria giran en torno a la fragilidad. Jugando con dos elementos opuestos el cielo y el mármol ¿Cómo se convierte el cielo en un espacio habitable? ¿Cómo se patinaría sobre el mármol? Para esto irónicamente se seguin tres pasos 1) Generar un contenedor artificial 2) Construir un lugar estático que se desdoblará en la memoria 3) Hacer un camino que conducirá a ningún lugar. Las superficies del mundo quedan adheridas a la memoria. Tal vez residuos de lo natural a través del artificio. Tengo una imagen que fue mediada, que fue un problema, que es inspiración. A partir de esta premisa conceptual, genero estos renders y bocetos que buscan, desde lo artificial, proponer una narrativa en donde se cuestione la fragilidad en el cielo y el mármol. Está propuesta se inspira en la investigación de opuestos universales de nuestra vida cotidiana a través de la ciencia (aproximación Zeldovich y teoría del caos), la poesía (Proust, Eugenio Montejo, Milán Kundera, Camus y Kafka) y la filosofía (Heráclito, Nietzsche y Platón). Recientemente este proceso me ha llevado a realizar cuestionamientos en mis obras acerca de la vida virtual y la vida “real”.

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Ana Maria Poveda Perez
Base 2, 2020
Mixta y medios digitales
Variables

Reseña del artista

Conceptualmente las propuestas de Ana Maria giran en torno a la fragilidad. Jugando con dos elementos opuestos el cielo y el mármol ¿Cómo se convierte el cielo en un espacio habitable? ¿Cómo se patinaría sobre el mármol? Para esto irónicamente se seguin tres pasos 1) Generar un contenedor artificial 2) Construir un lugar estático que se desdoblará en la memoria 3) Hacer un camino que conducirá a ningún lugar. Las superficies del mundo quedan adheridas a la memoria. Tal vez residuos de lo natural a través del artificio. Tengo una imagen que fue mediada, que fue un problema, que es inspiración. A partir de esta premisa conceptual, genero estos renders y bocetos que buscan, desde lo artificial, proponer una narrativa en donde se cuestione la fragilidad en el cielo y el mármol. Está propuesta se inspira en la investigación de opuestos universales de nuestra vida cotidiana a través de la ciencia (aproximación Zeldovich y teoría del caos), la poesía (Proust, Eugenio Montejo, Milán Kundera, Camus y Kafka) y la filosofía (Heráclito, Nietzsche y Platón). Recientemente este proceso me ha llevado a realizar cuestionamientos en mis obras acerca de la vida virtual y la vida “real”.

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Ana Maria Poveda Perez
Base 3, 2020
Mixta y medios digitales
Variables

Reseña del artista

Conceptualmente las propuestas de Ana Maria giran en torno a la fragilidad. Jugando con dos elementos opuestos el cielo y el mármol ¿Cómo se convierte el cielo en un espacio habitable? ¿Cómo se patinaría sobre el mármol? Para esto irónicamente se seguin tres pasos 1) Generar un contenedor artificial 2) Construir un lugar estático que se desdoblará en la memoria 3) Hacer un camino que conducirá a ningún lugar. Las superficies del mundo quedan adheridas a la memoria. Tal vez residuos de lo natural a través del artificio. Tengo una imagen que fue mediada, que fue un problema, que es inspiración. A partir de esta premisa conceptual, genero estos renders y bocetos que buscan, desde lo artificial, proponer una narrativa en donde se cuestione la fragilidad en el cielo y el mármol. Está propuesta se inspira en la investigación de opuestos universales de nuestra vida cotidiana a través de la ciencia (aproximación Zeldovich y teoría del caos), la poesía (Proust, Eugenio Montejo, Milán Kundera, Camus y Kafka) y la filosofía (Heráclito, Nietzsche y Platón). Recientemente este proceso me ha llevado a realizar cuestionamientos en mis obras acerca de la vida virtual y la vida “real”.

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Rosell Meseguer
TIERRAS RARAS -QUADRA MINERALE, 2018
Instalacion Mixta
Variables

Reseña del artista

A Rosell Meseguer le interesan las implicaciones geopolíticas de la explotación de “tierras raras”, nombre común de los elementos químicos que son utilizados para realizar productos de alta tecnología. La artista muestra su meticuloso inventario en vitrinas prestadas por el Museo Geominero de España, visibilizando el cambio de percepción que puede surgir al desplazar los materiales de un marco institucional a otro. La transformación del espacio, así como el concepto defensivo en su campo militar, social o político, son temas constantes en la creación de metáforas visuales, realizadas en diversos medios: fotografía, instalación, dibujos, pintura y documentación. Estos conceptos son desarrollados en proyectos como: Batería de Cenizas, donde los sistemas de guerra se muestran frente al bucólico mar; lo local es extrapolado a lo universal siendo el mar un puente de conexión. Doctora en Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid. Ha realizado docencia universitaria y estancias de investigación en las Facultades de Artes de Cuenca, España; Bogotá, Colombia y Santiago de Chile. Ha expuesto desde 1997 en The Photographers´Gallery, Londres; Manifesta8; PHE2004 y PHE2010; Casa Encendida y MataderoMadrid, Madrid; Galerie im Taxispalais, Innsbruck, Austria; Kulturhuset, Estocolmo; The Stenersen Museum, Oslo; National Museum of Photography, Copenhague; Centro de Arte Santa Mónica, Barcelona; Matucana 100, Santiago de Chile; La Panera, Lérida, Centro Cultural Borges, Buenos Aires. Ha recibido entre otros el Primer Premio Aena y las becas: MataderoMadrid, Beca Academia de España en Roma o Generaciones Caja Madrid. Su obra se encuentra en colecciones como: Museo Patio Herreriano, Valladolid; Colección Alcobendas, Madrid; Caja Madrid Obra Social; Ayuntamiento de Cartagena; Real Academia de España en Roma; entre otros

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Rosell Meseguer
TIERRAS RARAS, 2018
Políptico de emulsión fotosensible y pintura sobre papel, inspirado en las tierras raras y otros elementos –sujeción con imanes de neodimio
12 piezas de 70 x 100 cm

Reseña del artista

A Rosell Meseguer le interesan las implicaciones geopolíticas de la explotación de “tierras raras”, nombre común de los elementos químicos que son utilizados para realizar productos de alta tecnología. La artista muestra su meticuloso inventario en vitrinas prestadas por el Museo Geominero de España, visibilizando el cambio de percepción que puede surgir al desplazar los materiales de un marco institucional a otro. La transformación del espacio, así como el concepto defensivo en su campo militar, social o político, son temas constantes en la creación de metáforas visuales, realizadas en diversos medios: fotografía, instalación, dibujos, pintura y documentación. Estos conceptos son desarrollados en proyectos como: Batería de Cenizas, donde los sistemas de guerra se muestran frente al bucólico mar; lo local es extrapolado a lo universal siendo el mar un puente de conexión. Doctora en Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid. Ha realizado docencia universitaria y estancias de investigación en las Facultades de Artes de Cuenca, España; Bogotá, Colombia y Santiago de Chile. Ha expuesto desde 1997 en The Photographers´Gallery, Londres; Manifesta8; PHE2004 y PHE2010; Casa Encendida y MataderoMadrid, Madrid; Galerie im Taxispalais, Innsbruck, Austria; Kulturhuset, Estocolmo; The Stenersen Museum, Oslo; National Museum of Photography, Copenhague; Centro de Arte Santa Mónica, Barcelona; Matucana 100, Santiago de Chile; La Panera, Lérida, Centro Cultural Borges, Buenos Aires. Ha recibido entre otros el Primer Premio Aena y las becas: MataderoMadrid, Beca Academia de España en Roma o Generaciones Caja Madrid. Su obra se encuentra en colecciones como: Museo Patio Herreriano, Valladolid; Colección Alcobendas, Madrid; Caja Madrid Obra Social; Ayuntamiento de Cartagena; Real Academia de España en Roma; entre otros

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Rosell Meseguer
TIERRAS RARAS, 2018
Políptico de emulsión fotosensible y pintura sobre papel, inspirado en las tierras raras y otros elementos –sujeción con imanes de neodimio
12 piezas de 70 x 100 cm

Reseña del artista

A Rosell Meseguer le interesan las implicaciones geopolíticas de la explotación de “tierras raras”, nombre común de los elementos químicos que son utilizados para realizar productos de alta tecnología. La artista muestra su meticuloso inventario en vitrinas prestadas por el Museo Geominero de España, visibilizando el cambio de percepción que puede surgir al desplazar los materiales de un marco institucional a otro. La transformación del espacio, así como el concepto defensivo en su campo militar, social o político, son temas constantes en la creación de metáforas visuales, realizadas en diversos medios: fotografía, instalación, dibujos, pintura y documentación. Estos conceptos son desarrollados en proyectos como: Batería de Cenizas, donde los sistemas de guerra se muestran frente al bucólico mar; lo local es extrapolado a lo universal siendo el mar un puente de conexión. Doctora en Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid. Ha realizado docencia universitaria y estancias de investigación en las Facultades de Artes de Cuenca, España; Bogotá, Colombia y Santiago de Chile. Ha expuesto desde 1997 en The Photographers´Gallery, Londres; Manifesta8; PHE2004 y PHE2010; Casa Encendida y MataderoMadrid, Madrid; Galerie im Taxispalais, Innsbruck, Austria; Kulturhuset, Estocolmo; The Stenersen Museum, Oslo; National Museum of Photography, Copenhague; Centro de Arte Santa Mónica, Barcelona; Matucana 100, Santiago de Chile; La Panera, Lérida, Centro Cultural Borges, Buenos Aires. Ha recibido entre otros el Primer Premio Aena y las becas: MataderoMadrid, Beca Academia de España en Roma o Generaciones Caja Madrid. Su obra se encuentra en colecciones como: Museo Patio Herreriano, Valladolid; Colección Alcobendas, Madrid; Caja Madrid Obra Social; Ayuntamiento de Cartagena; Real Academia de España en Roma; entre otros

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Javier Barrios
Metafisica, 2019
oleo sobre acrilico montado en caja de luz
200 x 180 cm

Reseña del artista

El proyecto artístico de Javier Barrios se mueve entre un paisaje de utopía y hechos, extraídos de la ciencia ficción, visiones del futuro, tecnología, arquitectura, ciencia y exploración espacial, por mencionar solo algunas fuentes. El núcleo interno del proyecto se relaciona con las grandes preguntas filosóficas que rodean el origen, la evolución de la humanidad y la necesidad de encontrar el equilibrio entre los hechos y la ficción en este campo. Desde los medios populistas como revistas, televisión, internet, películas y libros obtiene inspiración y luego desde un punto de vista populista desea utilizar ese material para arrojar luces sobre las tendencias contemporáneas. No hay duda que estamos viviendo tiempos emocionantes en los que el mundo está experimentando un cambio de poder económico, climático y estructural. Mientras la población mundial está aumentando y nuestros recursos naturales se están agotando, el rápido progreso tecnológico está estableciendo una nueva plataforma para nuestra vida moderna.

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Javier Barrios
Høstutstillingen, 2016
oleo sobre acrilico
180 x 180 cm

Reseña del artista

El proyecto artístico de Javier Barrios se mueve entre un paisaje de utopía y hechos, extraídos de la ciencia ficción, visiones del futuro, tecnología, arquitectura, ciencia y exploración espacial, por mencionar solo algunas fuentes. El núcleo interno del proyecto se relaciona con las grandes preguntas filosóficas que rodean el origen, la evolución de la humanidad y la necesidad de encontrar el equilibrio entre los hechos y la ficción en este campo. Desde los medios populistas como revistas, televisión, internet, películas y libros obtiene inspiración y luego desde un punto de vista populista desea utilizar ese material para arrojar luces sobre las tendencias contemporáneas. No hay duda que estamos viviendo tiempos emocionantes en los que el mundo está experimentando un cambio de poder económico, climático y estructural. Mientras la población mundial está aumentando y nuestros recursos naturales se están agotando, el rápido progreso tecnológico está estableciendo una nueva plataforma para nuestra vida moderna.

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Javier Barrios
Høstutstillingen, 2016
oleo sobre acrilico
220 x 220 cm

Reseña del artista

El proyecto artístico de Javier Barrios se mueve entre un paisaje de utopía y hechos, extraídos de la ciencia ficción, visiones del futuro, tecnología, arquitectura, ciencia y exploración espacial, por mencionar solo algunas fuentes. El núcleo interno del proyecto se relaciona con las grandes preguntas filosóficas que rodean el origen, la evolución de la humanidad y la necesidad de encontrar el equilibrio entre los hechos y la ficción en este campo. Desde los medios populistas como revistas, televisión, internet, películas y libros obtiene inspiración y luego desde un punto de vista populista desea utilizar ese material para arrojar luces sobre las tendencias contemporáneas. No hay duda que estamos viviendo tiempos emocionantes en los que el mundo está experimentando un cambio de poder económico, climático y estructural. Mientras la población mundial está aumentando y nuestros recursos naturales se están agotando, el rápido progreso tecnológico está estableciendo una nueva plataforma para nuestra vida moderna.