SAN FELIPE

Plural Nodo Cultural

Plural Nodo Cultural tiene el gusto de presentar la segunda edición de piedrapiedrapiedra: Encuentro de Arte y Cocina, proyecto apoyado por el Programa Nacional de Concertación Cultural del Ministerio de Cultura. En esta edición buscamos afianzar este programa dentro de la comunidad artística colombiana. Hemos encontrado en piedrapiedrapiedra una plataforma de creación, discusión y aprendizaje que sigue creciendo gracias a las alianzas sociales y conceptuales que hemos generado con agentes e investigadores de la cocina, el territorio rural y los alimentos. En el espacio físico de Plural Nodo Cultural se llevará a cabo una exposición colectiva que propone narrativas y visiones en relación con las tensiones y convergencias entre la ciudad y el campo, entre el hombre y la mujer de ciudad y el campesino. Los artistas que hacen parte de la exposición provienen de diferentes partes de Colombia entendiendo que la diversidad de este territorio da cuenta de la pluralidad de perspectivas y que son importantes señalar. Adicional a la exposición se llevarán a cabo las siguientes actividades: Simposio, Acciones performativas y conversatorios a los cuales se pueden asistir de manera presencial y también en plataformas digitales.

Contacto

Fundacion
Plural Nodo Cultural
Juan Fernando López Salazar
Cll 72a #22-62
3045460648
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Daniel Álvarez
De la serie 'Expediciones' (detalle), 2017
Intaglio, smog sobre papel
70 x 50 cm

Reseña del artista

Daniel Álvarez hará parte del componente expositivo con algunas piezas de la serie 'Expediciones'. En palabras del artista: "Las plantas que crecen en el ambiente urbano, son plantas cada vez más escasas, planificadas, encerradas y asfixiadas. Han perdido el verde, pero no es por la sequía, ni por el otoño; han perdido el verde para ganar en gris. El gris – esto es, el material particulado –, depositado encima de la superficie de las hojas se transforma en pigmento que, por medio de un proceso de prensado (técnica del intaglio), termina por representar a manera de grabado las plantas seleccionadas, para finalmente construir un taxón botánico pero a la vez un taxón urbano."

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Daniel Álvarez
De la serie 'Expediciones', 2017
Intaglio, smog sobre papel
70 x 50

Reseña del artista

Daniel Álvarez hará parte del componente expositivo con algunas piezas de la serie 'Expediciones'. En palabras del artista: "Las plantas que crecen en el ambiente urbano, son plantas cada vez más escasas, planificadas, encerradas y asfixiadas. Han perdido el verde, pero no es por la sequía, ni por el otoño; han perdido el verde para ganar en gris. El gris – esto es, el material particulado –, depositado encima de la superficie de las hojas se transforma en pigmento que, por medio de un proceso de prensado (técnica del intaglio), termina por representar a manera de grabado las plantas seleccionadas, para finalmente construir un taxón botánico pero a la vez un taxón urbano."

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Daniel Álvarez
De la serie 'Expediciones', 2017
Intaglio, smog sobre papel
70 x 50

Reseña del artista

Daniel Álvarez hará parte del componente expositivo con algunas piezas de la serie 'Expediciones'. En palabras del artista: "Las plantas que crecen en el ambiente urbano, son plantas cada vez más escasas, planificadas, encerradas y asfixiadas. Han perdido el verde, pero no es por la sequía, ni por el otoño; han perdido el verde para ganar en gris. El gris – esto es, el material particulado –, depositado encima de la superficie de las hojas se transforma en pigmento que, por medio de un proceso de prensado (técnica del intaglio), termina por representar a manera de grabado las plantas seleccionadas, para finalmente construir un taxón botánico pero a la vez un taxón urbano."

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Linda Pongutá
Transmisión, 2017
Cemento, tela, hierro y frutas
202 x 111,5 x 5 cm

Reseña del artista

Linda Pongutá participará del componente expositivo con dos obras que hace parte de la serie 'Transmisión'. En palabras de la artista: "Al descomponerse, la materia orgánica comienza un proceso de transformación rápido, donde es absorbida por otros organismos hasta secar. En transmisión, el material deshidratado y encontrado alrededor del edificio Telecom se adhiere al concreto insinuando resistencia. La fruta espera pacientemente el momento en que abunden las condiciones necesarias para renovarse a partir de sus propios residuos. En transmisión capturo ese instante nutritivo y de expansión: profundo, seco y liberador."

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Linda Pongutá
Transmisión, 2017
Cemento, tela, hierro y frutas
91 x 68 x 4 cm

Reseña del artista

Linda Pongutá participará del componente expositivo con dos obras que hace parte de la serie 'Transmisión'. En palabras de la artista: "Al descomponerse, la materia orgánica comienza un proceso de transformación rápido, donde es absorbida por otros organismos hasta secar. En transmisión, el material deshidratado y encontrado alrededor del edificio Telecom se adhiere al concreto insinuando resistencia. La fruta espera pacientemente el momento en que abunden las condiciones necesarias para renovarse a partir de sus propios residuos. En transmisión capturo ese instante nutritivo y de expansión: profundo, seco y liberador."

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Linda Pongutá
Transmisión (vista general), 2017
Cemento, tela, hierro y frutas
Variables

Reseña del artista

Linda Pongutá participará del componente expositivo con dos obras que hace parte de la serie 'Transmisión'. En palabras de la artista: "Al descomponerse, la materia orgánica comienza un proceso de transformación rápido, donde es absorbida por otros organismos hasta secar. En transmisión, el material deshidratado y encontrado alrededor del edificio Telecom se adhiere al concreto insinuando resistencia. La fruta espera pacientemente el momento en que abunden las condiciones necesarias para renovarse a partir de sus propios residuos. En transmisión capturo ese instante nutritivo y de expansión: profundo, seco y liberador."

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Estefanía Castro Londoño
Piel de café (vista general), 2020
Acrílico, tinta de café y velas
200 x 250 x 20 cm

Reseña del artista

Estefanía Castro Londoño estará participando en la exposición con la pieza 'Piel de Café'. En palabras de la artista, la obra habla de "cuerpos impregnados de café que echaron raíces, pieles curtidas de la miel de una semilla. La añoranza por el lugar que ya no se habita y que brindaba la seguridad de un nido; casa, abuela, madre, padre, tierra, recuerdos de montañas bañadas por aroma, casas añejas por el tizne, pocillos rotos y la labor de mujeres abnegadas son los elementos extraídos de una memoria color ámbar. Piel de café es una pieza de retazos que se unieron previamente en una acción llamada Abrigo, 2016". Estefanía exalta desde las memorias colectivas ancladas al paisaje cultural cafetero las manifestaciones propias del territorio y sus habitantes. Allí el café se ha convertido en insumo artístico y detonante de recononocimiento y reivindicación de esas memorias color ámbar. A él se suman otros objetos, bienes y manifestaciones de esa identidad, los cuales han permitido recrear, representar y evocar desde el tejido, piezas escultóricas, acciones, fotografías e instalaciones, esos espacios culturales y esa posibilidad de encontrarnos con el paisaje cultural cafetero.

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Estefanía Castro Londoño
Piel de café (detalle), 2020
Acrílico, tinta de café y velas
200 x 250 x 20 cm

Reseña del artista

Estefanía Castro Londoño estará participando en la exposición con la pieza 'Piel de Café'. En palabras de la artista, la obra habla de "cuerpos impregnados de café que echaron raíces, pieles curtidas de la miel de una semilla. La añoranza por el lugar que ya no se habita y que brindaba la seguridad de un nido; casa, abuela, madre, padre, tierra, recuerdos de montañas bañadas por aroma, casas añejas por el tizne, pocillos rotos y la labor de mujeres abnegadas son los elementos extraídos de una memoria color ámbar. Piel de café es una pieza de retazos que se unieron previamente en una acción llamada Abrigo, 2016". Estefanía exalta desde las memorias colectivas ancladas al paisaje cultural cafetero las manifestaciones propias del territorio y sus habitantes. Allí el café se ha convertido en insumo artístico y detonante de recononocimiento y reivindicación de esas memorias color ámbar. A él se suman otros objetos, bienes y manifestaciones de esa identidad, los cuales han permitido recrear, representar y evocar desde el tejido, piezas escultóricas, acciones, fotografías e instalaciones, esos espacios culturales y esa posibilidad de encontrarnos con el paisaje cultural cafetero.

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Estefanía Castro Londoño
Piel de café, 2020
Acrílico, tinta de café y velas
200 x 250 x 20 cm

Reseña del artista

Estefanía Castro Londoño estará participando en la exposición con la pieza 'Piel de Café'. En palabras de la artista, la obra habla de "cuerpos impregnados de café que echaron raíces, pieles curtidas de la miel de una semilla. La añoranza por el lugar que ya no se habita y que brindaba la seguridad de un nido; casa, abuela, madre, padre, tierra, recuerdos de montañas bañadas por aroma, casas añejas por el tizne, pocillos rotos y la labor de mujeres abnegadas son los elementos extraídos de una memoria color ámbar. Piel de café es una pieza de retazos que se unieron previamente en una acción llamada Abrigo, 2016". Estefanía exalta desde las memorias colectivas ancladas al paisaje cultural cafetero las manifestaciones propias del territorio y sus habitantes. Allí el café se ha convertido en insumo artístico y detonante de recononocimiento y reivindicación de esas memorias color ámbar. A él se suman otros objetos, bienes y manifestaciones de esa identidad, los cuales han permitido recrear, representar y evocar desde el tejido, piezas escultóricas, acciones, fotografías e instalaciones, esos espacios culturales y esa posibilidad de encontrarnos con el paisaje cultural cafetero.

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Diego Ayerbe
Trabajo de campo (vista general), 20132017
Punta seca en acrílico y grabado en mdf
27 x 17.5 cm c/u y 90 x 70 cm

Reseña del artista

Diego Ayerbe participará del componente expositivo con algunas piezas de la serie 'Trabajo de Campo'. "Este proyecto pretende encontrar respuestas a interrogantes del artista que hacen parte de su oficio. Algunas de estos son ¿cómo el oficio puede contribuir a labores sociales? ¿cuál es la relación entre el artista y el campo?. A partir de estas preguntas han surgido unas reflexiones sobre su identidad y ha logrado entender que hace parte de una red muy grande y compleja de información y estilos de vida que sería casi imposible crear una taxonomía de los factores que configuran quien es el hoy. Es por eso que este proyecto que se basa en la intuición y en la conexión que generan las vivencias y recuerdos en su contacto con el campo. Los elementos del campo se vuelven híbridos en las imágenes mostrando vivencias, pensamientos, metáforas y reflexiones personales hacia la vida en el campo colombiano. El dibujo es la base fundamental de su oficio como artista. Es la que permite plasmar las ideas, combinar pensamientos y reflexionar con el “hacer”. El grabado, permite que las imágenes se multipliquen y permite intervenir el papel de diversas maneras. Las artes gráficas le han permitido crear una reflexión entre el trabajo de taller y el trabajo en el campo. Dos oficios que en su contexto han cambiado su rol protagónico por diferentes circunstancias. La afinidad que tiene hacia los oficios campesinos y las artes gráficas, generan una reflexión de los materiales, procesos y vivencias." https://www.tallertrez.com/diegoayerbe

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Diego Ayerbe
Trabajo de campo (vista general), 2013
Punta seca en acrílico
27 x 17.5 cm c/u

Reseña del artista

Diego Ayerbe participará del componente expositivo con algunas piezas de la serie 'Trabajo de Campo'. "Este proyecto pretende encontrar respuestas a interrogantes del artista que hacen parte de su oficio. Algunas de estos son ¿cómo el oficio puede contribuir a labores sociales? ¿cuál es la relación entre el artista y el campo?. A partir de estas preguntas han surgido unas reflexiones sobre su identidad y ha logrado entender que hace parte de una red muy grande y compleja de información y estilos de vida que sería casi imposible crear una taxonomía de los factores que configuran quien es el hoy. Es por eso que este proyecto que se basa en la intuición y en la conexión que generan las vivencias y recuerdos en su contacto con el campo. Los elementos del campo se vuelven híbridos en las imágenes mostrando vivencias, pensamientos, metáforas y reflexiones personales hacia la vida en el campo colombiano. El dibujo es la base fundamental de su oficio como artista. Es la que permite plasmar las ideas, combinar pensamientos y reflexionar con el “hacer”. El grabado, permite que las imágenes se multipliquen y permite intervenir el papel de diversas maneras. Las artes gráficas le han permitido crear una reflexión entre el trabajo de taller y el trabajo en el campo. Dos oficios que en su contexto han cambiado su rol protagónico por diferentes circunstancias. La afinidad que tiene hacia los oficios campesinos y las artes gráficas, generan una reflexión de los materiales, procesos y vivencias." https://www.tallertrez.com/diegoayerbe

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Diego Ayerbe
Costal, 2017
Grabado en mdf
90 x 70 cm

Reseña del artista

Diego Ayerbe participará del componente expositivo con algunas piezas de la serie 'Trabajo de Campo'. "Este proyecto pretende encontrar respuestas a interrogantes del artista que hacen parte de su oficio. Algunas de estos son ¿cómo el oficio puede contribuir a labores sociales? ¿cuál es la relación entre el artista y el campo?. A partir de estas preguntas han surgido unas reflexiones sobre su identidad y ha logrado entender que hace parte de una red muy grande y compleja de información y estilos de vida que sería casi imposible crear una taxonomía de los factores que configuran quien es el hoy. Es por eso que este proyecto que se basa en la intuición y en la conexión que generan las vivencias y recuerdos en su contacto con el campo. Los elementos del campo se vuelven híbridos en las imágenes mostrando vivencias, pensamientos, metáforas y reflexiones personales hacia la vida en el campo colombiano. El dibujo es la base fundamental de su oficio como artista. Es la que permite plasmar las ideas, combinar pensamientos y reflexionar con el “hacer”. El grabado, permite que las imágenes se multipliquen y permite intervenir el papel de diversas maneras. Las artes gráficas le han permitido crear una reflexión entre el trabajo de taller y el trabajo en el campo. Dos oficios que en su contexto han cambiado su rol protagónico por diferentes circunstancias. La afinidad que tiene hacia los oficios campesinos y las artes gráficas, generan una reflexión de los materiales, procesos y vivencias." https://www.tallertrez.com/diegoayerbe

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Carlos Alfonso
Horno de un solo pan, 2019
Arena, paja, greda, agua
Variables

Reseña del artista

Carlos Alfonso (Popayán, Colombia. 1986), está interesado en lo anecdótico, en la oralidad y en las múltiples narrativas que se pueden tejer entre lo abstracto y lo concreto del encuentro con lugares, personas, y la recepción entre ellas mismas. El dibujo suele estar presente para explorar espacios que se cruzan en la conformación y lectura de historias sobre las cuales se puede especular. Su investigación se puede entender como un ensayo que se apoya en este aspecto anecdótico involucrando la escultura, la antropología, lo audiovisual, el texto, la cocina, el recurso editorial y la colaboración con otrxs.

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Carlos Alfonso
'Retrato de lengua' del 'Libro de lenguas', 2019
Lápiz sobre papel
21,5 cm x 14 cm

Reseña del artista

Carlos Alfonso (Popayán, Colombia. 1986), está interesado en lo anecdótico, en la oralidad y en las múltiples narrativas que se pueden tejer entre lo abstracto y lo concreto del encuentro con lugares, personas, y la recepción entre ellas mismas. El dibujo suele estar presente para explorar espacios que se cruzan en la conformación y lectura de historias sobre las cuales se puede especular. Su investigación se puede entender como un ensayo que se apoya en este aspecto anecdótico involucrando la escultura, la antropología, lo audiovisual, el texto, la cocina, el recurso editorial y la colaboración con otrxs.

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Carlos Alfonso
Registro de dibujo para 'Libro de lenguas', 2019
Lápiz sobre papel
21,5 cm x 14 cm

Reseña del artista

Carlos Alfonso (Popayán, Colombia. 1986), está interesado en lo anecdótico, en la oralidad y en las múltiples narrativas que se pueden tejer entre lo abstracto y lo concreto del encuentro con lugares, personas, y la recepción entre ellas mismas. El dibujo suele estar presente para explorar espacios que se cruzan en la conformación y lectura de historias sobre las cuales se puede especular. Su investigación se puede entender como un ensayo que se apoya en este aspecto anecdótico involucrando la escultura, la antropología, lo audiovisual, el texto, la cocina, el recurso editorial y la colaboración con otrxs.

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Fredy Clavijo
Río Seco, 2017
24 vasos de cristal atravesado por una rama de madera
Variables

Reseña del artista

Fredy Clavijo participa en el componente expositivo con las piezas 'Río Seco' y 'Péndulo'. La primera se trata de una instalación, un dibujo en el espacio de Plural compuesta de vasos de cristal atravesados por ramas de madera para señalar la noción de un cuerpo sediento . Es frecuente el uso de objetos domésticos, de la vida cotidiana, en este caso el vaso recordando anécdotas del hogar para mencionar el agua como una unidad básica de vida. En cuanto a la obra de vídeo, hace parte del proyecto 'De lo árido', del 2018. Este vídeo recoge su inquietud por la mujer como figura creadora que ha estado presente en diferentes culturas y que ha sido desplazada progresivamente por una idea de una imagen patriarcal, de un dios masculino que desplaza a una diosa femenina que estaba más vinculada a la tierra y a la noción de cultivo y los ciclos de la naturaleza, a una relación con el campo diferente a la idea patriarcal de progreso. La pieza señala los ciclos a través de un brazo pendular que altera su ritmo cada 3 minutos para mencionar un ritmo que ha sido roto y que ha sido alterado por alguna relación que ha establecido el ser humano con la naturaleza.

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Fredy Clavijo
Río Seco (detalle), 2017
24 vasos de cristal atravesado por una rama de madera
Variables

Reseña del artista

Fredy Clavijo participa en el componente expositivo con las piezas 'Río Seco' y 'Péndulo'. La primera se trata de una instalación, un dibujo en el espacio de Plural compuesta de vasos de cristal atravesados por ramas de madera para señalar la noción de un cuerpo sediento . Es frecuente el uso de objetos domésticos, de la vida cotidiana, en este caso el vaso recordando anécdotas del hogar para mencionar el agua como una unidad básica de vida. En cuanto a la obra de vídeo, hace parte del proyecto 'De lo árido', del 2018. Este vídeo recoge su inquietud por la mujer como figura creadora que ha estado presente en diferentes culturas y que ha sido desplazada progresivamente por una idea de una imagen patriarcal, de un dios masculino que desplaza a una diosa femenina que estaba más vinculada a la tierra y a la noción de cultivo y los ciclos de la naturaleza, a una relación con el campo diferente a la idea patriarcal de progreso. La pieza señala los ciclos a través de un brazo pendular que altera su ritmo cada 3 minutos para mencionar un ritmo que ha sido roto y que ha sido alterado por alguna relación que ha establecido el ser humano con la naturaleza.

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Fredy Clavijo
Péndulo, 2017
Vídeo monocanal blanco y negro, 10'40" mins de duración, sonido estéreo, 16:9,

Reseña del artista

Fredy Clavijo participa en el componente expositivo con las piezas 'Río Seco' y 'Péndulo'. La primera se trata de una instalación, un dibujo en el espacio de Plural compuesta de vasos de cristal atravesados por ramas de madera para señalar la noción de un cuerpo sediento . Es frecuente el uso de objetos domésticos, de la vida cotidiana, en este caso el vaso recordando anécdotas del hogar para mencionar el agua como una unidad básica de vida. En cuanto a la obra de vídeo, hace parte del proyecto 'De lo árido', del 2018. Este vídeo recoge su inquietud por la mujer como figura creadora que ha estado presente en diferentes culturas y que ha sido desplazada progresivamente por una idea de una imagen patriarcal, de un dios masculino que desplaza a una diosa femenina que estaba más vinculada a la tierra y a la noción de cultivo y los ciclos de la naturaleza, a una relación con el campo diferente a la idea patriarcal de progreso. La pieza señala los ciclos a través de un brazo pendular que altera su ritmo cada 3 minutos para mencionar un ritmo que ha sido roto y que ha sido alterado por alguna relación que ha establecido el ser humano con la naturaleza.