Un programa de la Cámara de Comercio de Bogotá
Un programa cultural de:
Un programa de la Cámara de Comercio de Bogotá
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Nuestra propuesta para Artbo 2021 es una conversación transversal a través de la obra de cuatro artistas de tres generaciones (60-80-90). Las particularidades del lenguaje y medios que cada uno utiliza parecieran, a primera vista, no generar puntos de contacto; sin embargo, tanto el cuerpo como los objetos cotidianos son sujetos o referencia en la elaboración y formalización de sus obras. La cuestión en torno a la imagen, la presencia de los referentes humanos y urbanos están presentes en el conjunto de trabajos que se mostrarán.
Pedro Terán, maestro histórico de las vanguardias venezolanas, nos presenta cuatro obras de la serie Polagramas. Polagrama es una palabra creada por Terán para denominar una serie en la que trabaja con secuencias de polaroids, desarrollada inicialmente en Inglaterra y presentada por primera vez en 1979 en el renombrado Centro de Arte Contemporáneo Arnolfini, en Bristol.
Polagrama: una instantánea que fotografía un espacio o a una persona; seguida de otra instantánea que fotografía esa instantánea; y de nuevo una imagen de otra imagen, hasta conformar una sucesión, una tautología, en la que lo fotografiado originalmente ha desaparecido para dar paso a una nueva construcción, estructurada enteramente a partir del procedimiento fotográfico.
Luis Romero encuentra en objetos e imágenes de la ciudad una constelación para construir con destreza, a partir de referencias como las rejas, paredes u objetos encontrados, un sistema de códigos individuales que integran los referentes de la historia del arte y las estructuras vivas de su cotidianidad en un extenso ensayo iconográfico.
Hecdwin Carreño presenta un conjunto de pinturas realistas de personas que le son cercanas. Cabezas flotantes con ojos cerrados, fragmentos de cuerpo y personajes que parecen querer ocultarse. Este conjunto de obras forman parte de su investigación Cacería inhumana. Sus pinturas, volúmenes de luz y de sombras nos hablan de los dramas de la separación, la mutilación, la alienación o el desarraigo.
Para Jurgens Portillo la realidad está atravesada por su mirada y por su necesidad de adaptarla al lienzo. Lo real para Portillo se basa en escenas y objetos que dan cuenta de la pobreza manifiesta en Venezuela; su mirada es marginal y acude a aquello que no queremos hacer visible para hablar de un momento y un contexto. En sus obras la presencia humana cobra vida a través de los objetos. Estas pinturas nos abofetean por la crudeza con la cual exponen lo que vemos, leemos y vivimos cotidianamente.
ABRA es una galería dedicada al arte contemporáneo, fundada en enero de 2016 por Melina Fernández Temes y Luis Romero. Ubicada en el Centro de Arte Los Galpones, complejo cultural en la ciudad de Caracas/Venezuela, la galería cuenta con dos salas expositivas en los galpones 6 y 9 del centro cultural.
ABRA se comprende desde sus inicios como un espacio multidisciplinario y abierto, en el que el público interesado puede confluir y dialogar en el marco de encuentros recurrentes dedicados a diversas expresiones creativas. Es por ello que funciona como galería, sala de proyectos, taller para artistas visitantes, espacio para charlas y talleres, así como proyecciones y conciertos.
En los espacios de ABRA se han realizado hasta la fecha más de cincuenta muestras –individuales y colectivas–, ademas de encuentros regulares como: charlas, visitas guiadas, recitales de poesía, presentaciones de danza contemporánea, performances, entre otros, múltiples talleres de formación, así como ciclos de encuentros musicales.
“En estos últimos años, he estado reflexionando sobre mis procesos de producción y, por ende, sobre mi relación con la pintura, intentando establecer cuál es el interés o el fin de la misma. No creo que hayan asuntos donde la palabra sea la real conducente del sentido de mi obra, en ese justo momento es donde empieza a tener sentido el acto de pintar, ese gesto. Creo que llevado por distintas situaciones, he entendido que el lugar de la palabra en nuestra sociedad, y más en este tiempo, se ha visto desvirtuada, vacía. Cuando hablo de la palabra me refiero al discurso, a la retórica imperante. Por esa misma vulnerabilidad decido, como acto de índole política, concentrarme en el gesto. En esa búsqueda de intentar generar una postura casi performática, esa acción casi litúrgica de realizar piezas donde el tiempo de dedicación es un factor fundamental, un elemento detonante, simbólico. Empiezo a entender la inmediatez que me circunda, o a pensar en la contemplación y el detenimiento como herramienta indispensable para la comprensión. Por el momento, esto es parte sustancial de mi trabajo, intento establecer una lectura clara en la relación de los procesos con la discursividad de la obra, es decir, ampliar la lectura, profundizar, no solo en el objeto, o en la imagen, sino en la que forma detrás de la obra, la honestidad existente entre la palabra y la acción. Creo que la pintura se me ha hecho pertinente, pensar en ella como un gesto primigenio, entrelazarla con lo primitivo, lo antropológico. Con ella entiendo lo verosímil y narro con ella mi verosimilitud. La fotografía es indispensable en mi trabajo su lenguaje es siempre pertinente, la fotografía hoy reclama la certidumbre de la verdad, hoy sabemos que es tan vulnerable como la palabra”. Reseña del artista
Extracto del Texto curatorial de Carlos E . Palacios para la exposición “Lo sencillo y cotidiano” de Jurgens Portillo en AbraCaracas. Marzo-Abril 2020 "¿Hará falta precisar, viendo las pinturas de JurgensPortillo (Maracaibo, 1990), que son realistas? El realismo es engañoso como un trampantojo, por cierto la mayor invención de la pintura sobre lo real: burla a la vista y nos hace creer que miramos la realidad cuando es un efecto ilusorio de lo pictórico. Pensamos que vemos el reverso de un cuadro y nuestra proximidad al lienzo nos descubre materia plástica bien aplicada. Lo que creíamos era una etiqueta pegada al bastidor de una pintura volteada, resultó que eran sutiles brochazos. Durante siglos, el trampantojo era la mejor demostración del talento de un pintor. Mientras mas habilidoso, mayor la trampa al ojo, mejor el trompe l’oeil. Las pinturas de Portillo se entroncan con la larga y densa tradición filosófica del arte en la que se discute la veracidad de lo real sobre el mundo de las apariencias, en el cual se encuentra la obra artística. Sobra decir que la realidad está atravesada por la mirada del artista y por la necesidad de adaptarla al lienzo. Loreal para Portillo se basa en escenas y objetos que dan cuenta de la pobreza manifiesta de Venezuela. Estas pinturas nos abofetean por la crudeza con la cual exponen lo que vemos, leemos y vivimos cotidianamente. Sería baladí compararlas con la tradición de bodegones, paisajes y escenas de género de la pintura moderna.Es obvio que pertenecen a esta genealogía pero también lo es que su lugar es un nefasto imaginario que ha sobrevenido a la realidad política de nuestros últimos y aciagos años. El almuerzo nose corresponde con las comilonas de los pintores holandeses del siglo XVII ni siquiera con los austeros huevos fritos que magistralmente pintara Diego Velázquez en 1618. Jurgens Portillo le da vida a la mala realidad que nos tocó vivir en estas últimas dos décadas. La sensación que nos genera como espectadores es que no merecemos la cotidianidad a la que indolentemente se nos ha arrojado. Sus pinturas son la otra cara de los luminosos paisajes de Manuel Cabré desde el Country Club de Caracas. Podríamos decir rizando el rizo, que si al Ávila le corresponde figurar como el paisaje de la primera modernidad venezolana,la de los brillantes primeros años del siglo pasado, a estas pinturas de Portillo les corresponderá con suerte, el lugar del aciago y tenebroso paisaje de la Venezuela de los primeros años del siglo XXI".
Cápsula informativa escrita por la investigadora Costanza De Rogatis sobre los Polagramas de Pedro Terán, para nuestro proyecto ArchivoAbierto, Revisiones: "Polagrama. Una palabra creada por Pedro Terán para denominar una serie en la que trabaja con secuencias de Polaroids, desarrollada inicialmente en Inglaterra y presentada por primera vez en 1979 en el renombrado Centro de Arte Contemporáneo Arnolfini, en Bristol. Polagrama: una instantánea que fotografía un espacio; seguida de otra instantánea que fotografía esa instantánea; y de nuevo una imagen de otra imagen, hasta conformar una sucesión, una tautología, en la que lo fotografiado originalmente ha desaparecido para dar paso a una nueva construcción, estructurada enteramente a partir del procedimiento fotográfico. O un espacio, el mismo espacio. Fotografiado mediante la cámara Polaroid una y otra vez, a distintas horas del día, y de este modo, las imágenes resultantes, los objetos resultantes, apoyados unos sobre otros, son deslizados ligeramente para permitir ver sólo un borde de esa luz cambiante del día a la noche que se entrevé en su superficie. Una nueva construcción visual, una escalera de color, erigida a través del tiempo y la luz, las variables que fundamentan la fotografía".
"Mediante una efectiva economía de recursos y una factura variable, Romero articula con destreza un sistema de códigos individuales como registros constantes de su práctica, al integrar los referentes de la historia del arte, las estructuras vivas de su cotidianidad, la palabra como idea y el vacío como ensayo iconográfico, todo ello ensamblado a una construcción de circulación diacrónica que se desarrolla en un sistema abierto de constelaciones creativas. Como consecuencia de un pensamiento relacional y dialógico, su trabajo emprende una incesante revisión de los diversos principios de la percepción, así como de la conceptualización de realidades contextuales. Ya desde sus primeras obras el discurso plástico se construye a partir de una puntual y perseverante recopilación y reciclaje de imágenes y objetos, textos y tipografías encontradas que –a partir del uso de soportes diversos y técnicas mixtas tales como el dibujo, las artes gráficas, la pintura, el collage y el ensamblaje-, despliegan un universo enciclopédico de relaciones que provienen del ámbito doméstico y de la esfera urbana vinculadas, de igual forma, a una lógica biográfica. No obstante, el relato fragmentado que se organiza entre la palabra, la imagen y el espacio trasciende la experiencia personal para avanzaren la construcción de un imaginario abstracto y autorreferencial que nace de la imaginación". Fragmento del texto curatorial de Ruth Auerbachpara la exposición C(r)udo 2018
“En estos últimos años, he estado reflexionando sobre mis procesos de producción y, por ende, sobre mi relación con la pintura, intentando establecer cuál es el interés o el fin de la misma. No creo que hayan asuntos donde la palabra sea la real conducente del sentido de mi obra, en ese justo momento es donde empieza a tener sentido el acto de pintar, ese gesto. Creo que llevado por distintas situaciones, he entendido que el lugar de la palabra en nuestra sociedad, y más en este tiempo, se ha visto desvirtuada, vacía. Cuando hablo de la palabra me refiero al discurso, a la retórica imperante. Por esa misma vulnerabilidad decido, como acto de índole política, concentrarme en el gesto. En esa búsqueda de intentar generar una postura casi performática, esa acción casi litúrgica de realizar piezas donde el tiempo de dedicación es un factor fundamental, un elemento detonante, simbólico. Empiezo a entender la inmediatez que me circunda, o a pensar en la contemplación y el detenimiento como herramienta indispensable para la comprensión. Por el momento, esto es parte sustancial de mi trabajo, intento establecer una lectura clara en la relación de los procesos con la discursividad de la obra, es decir, ampliar la lectura, profundizar, no solo en el objeto, o en la imagen, sino en la que forma detrás de la obra, la honestidad existente entre la palabra y la acción. Creo que la pintura se me ha hecho pertinente, pensar en ella como un gesto primigenio, entrelazarla con lo primitivo, lo antropológico. Con ella entiendo lo verosímil y narro con ella mi verosimilitud. La fotografía es indispensable en mi trabajo su lenguaje es siempre pertinente, la fotografía hoy reclama la certidumbre de la verdad, hoy sabemos que es tan vulnerable como la palabra”. Reseña del artista
Extracto del Texto curatorial de Carlos E . Palacios para la exposición “Lo sencillo y cotidiano” de Jurgens Portillo en AbraCaracas. Marzo-Abril 2020 "¿Hará falta precisar, viendo las pinturas de JurgensPortillo (Maracaibo, 1990), que son realistas? El realismo es engañoso como un trampantojo, por cierto la mayor invención de la pintura sobre lo real: burla a la vista y nos hace creer que miramos la realidad cuando es un efecto ilusorio de lo pictórico. Pensamos que vemos el reverso de un cuadro y nuestra proximidad al lienzo nos descubre materia plástica bien aplicada. Lo que creíamos era una etiqueta pegada al bastidor de una pintura volteada, resultó que eran sutiles brochazos. Durante siglos, el trampantojo era la mejor demostración del talento de un pintor. Mientras mas habilidoso, mayor la trampa al ojo, mejor el trompe l’oeil. Las pinturas de Portillo se entroncan con la larga y densa tradición filosófica del arte en la que se discute la veracidad de lo real sobre el mundo de las apariencias, en el cual se encuentra la obra artística. Sobra decir que la realidad está atravesada por la mirada del artista y por la necesidad de adaptarla al lienzo. Loreal para Portillo se basa en escenas y objetos que dan cuenta de la pobreza manifiesta de Venezuela. Estas pinturas nos abofetean por la crudeza con la cual exponen lo que vemos, leemos y vivimos cotidianamente. Sería baladí compararlas con la tradición de bodegones, paisajes y escenas de género de la pintura moderna.Es obvio que pertenecen a esta genealogía pero también lo es que su lugar es un nefasto imaginario que ha sobrevenido a la realidad política de nuestros últimos y aciagos años. El almuerzo nose corresponde con las comilonas de los pintores holandeses del siglo XVII ni siquiera con los austeros huevos fritos que magistralmente pintara Diego Velázquez en 1618. Jurgens Portillo le da vida a la mala realidad que nos tocó vivir en estas últimas dos décadas. La sensación que nos genera como espectadores es que no merecemos la cotidianidad a la que indolentemente se nos ha arrojado. Sus pinturas son la otra cara de los luminosos paisajes de Manuel Cabré desde el Country Club de Caracas. Podríamos decir rizando el rizo, que si al Ávila le corresponde figurar como el paisaje de la primera modernidad venezolana,la de los brillantes primeros años del siglo pasado, a estas pinturas de Portillo les corresponderá con suerte, el lugar del aciago y tenebroso paisaje de la Venezuela de los primeros años del siglo XXI".
Cápsula informativa escrita por la investigadora Costanza De Rogatis sobre los Polagramas de Pedro Terán, para nuestro proyecto ArchivoAbierto, Revisiones: "Polagrama. Una palabra creada por Pedro Terán para denominar una serie en la que trabaja con secuencias de Polaroids, desarrollada inicialmente en Inglaterra y presentada por primera vez en 1979 en el renombrado Centro de Arte Contemporáneo Arnolfini, en Bristol. Polagrama: una instantánea que fotografía un espacio; seguida de otra instantánea que fotografía esa instantánea; y de nuevo una imagen de otra imagen, hasta conformar una sucesión, una tautología, en la que lo fotografiado originalmente ha desaparecido para dar paso a una nueva construcción, estructurada enteramente a partir del procedimiento fotográfico. O un espacio, el mismo espacio. Fotografiado mediante la cámara Polaroid una y otra vez, a distintas horas del día, y de este modo, las imágenes resultantes, los objetos resultantes, apoyados unos sobre otros, son deslizados ligeramente para permitir ver sólo un borde de esa luz cambiante del día a la noche que se entrevé en su superficie. Una nueva construcción visual, una escalera de color, erigida a través del tiempo y la luz, las variables que fundamentan la fotografía".
"Mediante una efectiva economía de recursos y una factura variable, Romero articula con destreza un sistema de códigos individuales como registros constantes de su práctica, al integrar los referentes de la historia del arte, las estructuras vivas de su cotidianidad, la palabra como idea y el vacío como ensayo iconográfico, todo ello ensamblado a una construcción de circulación diacrónica que se desarrolla en un sistema abierto de constelaciones creativas. Como consecuencia de un pensamiento relacional y dialógico, su trabajo emprende una incesante revisión de los diversos principios de la percepción, así como de la conceptualización de realidades contextuales. Ya desde sus primeras obras el discurso plástico se construye a partir de una puntual y perseverante recopilación y reciclaje de imágenes y objetos, textos y tipografías encontradas que –a partir del uso de soportes diversos y técnicas mixtas tales como el dibujo, las artes gráficas, la pintura, el collage y el ensamblaje-, despliegan un universo enciclopédico de relaciones que provienen del ámbito doméstico y de la esfera urbana vinculadas, de igual forma, a una lógica biográfica. No obstante, el relato fragmentado que se organiza entre la palabra, la imagen y el espacio trasciende la experiencia personal para avanzaren la construcción de un imaginario abstracto y autorreferencial que nace de la imaginación". Fragmento del texto curatorial de Ruth Auerbachpara la exposición C(r)udo 2018
“En estos últimos años, he estado reflexionando sobre mis procesos de producción y, por ende, sobre mi relación con la pintura, intentando establecer cuál es el interés o el fin de la misma. No creo que hayan asuntos donde la palabra sea la real conducente del sentido de mi obra, en ese justo momento es donde empieza a tener sentido el acto de pintar, ese gesto. Creo que llevado por distintas situaciones, he entendido que el lugar de la palabra en nuestra sociedad, y más en este tiempo, se ha visto desvirtuada, vacía. Cuando hablo de la palabra me refiero al discurso, a la retórica imperante. Por esa misma vulnerabilidad decido, como acto de índole política, concentrarme en el gesto. En esa búsqueda de intentar generar una postura casi performática, esa acción casi litúrgica de realizar piezas donde el tiempo de dedicación es un factor fundamental, un elemento detonante, simbólico. Empiezo a entender la inmediatez que me circunda, o a pensar en la contemplación y el detenimiento como herramienta indispensable para la comprensión. Por el momento, esto es parte sustancial de mi trabajo, intento establecer una lectura clara en la relación de los procesos con la discursividad de la obra, es decir, ampliar la lectura, profundizar, no solo en el objeto, o en la imagen, sino en la que forma detrás de la obra, la honestidad existente entre la palabra y la acción. Creo que la pintura se me ha hecho pertinente, pensar en ella como un gesto primigenio, entrelazarla con lo primitivo, lo antropológico. Con ella entiendo lo verosímil y narro con ella mi verosimilitud. La fotografía es indispensable en mi trabajo su lenguaje es siempre pertinente, la fotografía hoy reclama la certidumbre de la verdad, hoy sabemos que es tan vulnerable como la palabra”. Reseña del artista
Extracto del Texto curatorial de Carlos E . Palacios para la exposición “Lo sencillo y cotidiano” de Jurgens Portillo en AbraCaracas. Marzo-Abril 2020 "¿Hará falta precisar, viendo las pinturas de JurgensPortillo (Maracaibo, 1990), que son realistas? El realismo es engañoso como un trampantojo, por cierto la mayor invención de la pintura sobre lo real: burla a la vista y nos hace creer que miramos la realidad cuando es un efecto ilusorio de lo pictórico. Pensamos que vemos el reverso de un cuadro y nuestra proximidad al lienzo nos descubre materia plástica bien aplicada. Lo que creíamos era una etiqueta pegada al bastidor de una pintura volteada, resultó que eran sutiles brochazos. Durante siglos, el trampantojo era la mejor demostración del talento de un pintor. Mientras mas habilidoso, mayor la trampa al ojo, mejor el trompe l’oeil. Las pinturas de Portillo se entroncan con la larga y densa tradición filosófica del arte en la que se discute la veracidad de lo real sobre el mundo de las apariencias, en el cual se encuentra la obra artística. Sobra decir que la realidad está atravesada por la mirada del artista y por la necesidad de adaptarla al lienzo. Loreal para Portillo se basa en escenas y objetos que dan cuenta de la pobreza manifiesta de Venezuela. Estas pinturas nos abofetean por la crudeza con la cual exponen lo que vemos, leemos y vivimos cotidianamente. Sería baladí compararlas con la tradición de bodegones, paisajes y escenas de género de la pintura moderna.Es obvio que pertenecen a esta genealogía pero también lo es que su lugar es un nefasto imaginario que ha sobrevenido a la realidad política de nuestros últimos y aciagos años. El almuerzo nose corresponde con las comilonas de los pintores holandeses del siglo XVII ni siquiera con los austeros huevos fritos que magistralmente pintara Diego Velázquez en 1618. Jurgens Portillo le da vida a la mala realidad que nos tocó vivir en estas últimas dos décadas. La sensación que nos genera como espectadores es que no merecemos la cotidianidad a la que indolentemente se nos ha arrojado. Sus pinturas son la otra cara de los luminosos paisajes de Manuel Cabré desde el Country Club de Caracas. Podríamos decir rizando el rizo, que si al Ávila le corresponde figurar como el paisaje de la primera modernidad venezolana,la de los brillantes primeros años del siglo pasado, a estas pinturas de Portillo les corresponderá con suerte, el lugar del aciago y tenebroso paisaje de la Venezuela de los primeros años del siglo XXI".
Cápsula informativa escrita por la investigadora Costanza De Rogatis sobre los Polagramas de Pedro Terán, para nuestro proyecto ArchivoAbierto, Revisiones: "Polagrama. Una palabra creada por Pedro Terán para denominar una serie en la que trabaja con secuencias de Polaroids, desarrollada inicialmente en Inglaterra y presentada por primera vez en 1979 en el renombrado Centro de Arte Contemporáneo Arnolfini, en Bristol. Polagrama: una instantánea que fotografía un espacio; seguida de otra instantánea que fotografía esa instantánea; y de nuevo una imagen de otra imagen, hasta conformar una sucesión, una tautología, en la que lo fotografiado originalmente ha desaparecido para dar paso a una nueva construcción, estructurada enteramente a partir del procedimiento fotográfico. O un espacio, el mismo espacio. Fotografiado mediante la cámara Polaroid una y otra vez, a distintas horas del día, y de este modo, las imágenes resultantes, los objetos resultantes, apoyados unos sobre otros, son deslizados ligeramente para permitir ver sólo un borde de esa luz cambiante del día a la noche que se entrevé en su superficie. Una nueva construcción visual, una escalera de color, erigida a través del tiempo y la luz, las variables que fundamentan la fotografía".
"Mediante una efectiva economía de recursos y una factura variable, Romero articula con destreza un sistema de códigos individuales como registros constantes de su práctica, al integrar los referentes de la historia del arte, las estructuras vivas de su cotidianidad, la palabra como idea y el vacío como ensayo iconográfico, todo ello ensamblado a una construcción de circulación diacrónica que se desarrolla en un sistema abierto de constelaciones creativas. Como consecuencia de un pensamiento relacional y dialógico, su trabajo emprende una incesante revisión de los diversos principios de la percepción, así como de la conceptualización de realidades contextuales. Ya desde sus primeras obras el discurso plástico se construye a partir de una puntual y perseverante recopilación y reciclaje de imágenes y objetos, textos y tipografías encontradas que –a partir del uso de soportes diversos y técnicas mixtas tales como el dibujo, las artes gráficas, la pintura, el collage y el ensamblaje-, despliegan un universo enciclopédico de relaciones que provienen del ámbito doméstico y de la esfera urbana vinculadas, de igual forma, a una lógica biográfica. No obstante, el relato fragmentado que se organiza entre la palabra, la imagen y el espacio trasciende la experiencia personal para avanzaren la construcción de un imaginario abstracto y autorreferencial que nace de la imaginación". Fragmento del texto curatorial de Ruth Auerbachpara la exposición C(r)udo 2018