Un programa de la Cámara de Comercio de Bogotá
Un programa cultural de:
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Reflexionando sobre su práctica, el artista colombiano Santiago Cárdenas dijo una vez, "el punto de mi pintura es que lo que ves es un objeto, no una imagen". A lo largo de la prolífica carrera de Santiago Cárdenas, el artista se ha basado en una amplia gama de prácticas históricas artísticas, desde los viejos maestros hasta el arte pop, en la creación de enigmáticos bodegones de objetos cotidianos.
Sin embargo, a pesar de su asombrosa exactitud de forma, las pinturas y dibujos de Cárdenas no son ejercicios sencillos de tromp l'oeil. “Mis intenciones”, reflexionó el artista, “no son engañar ni jugar con el espectador. Utilizo el ilusionismo para crear una 'presencia', tal como lo hace la naturaleza". Con pinturas, dibujos e impresiones de enchufes eléctricos, percheros, trajes, pizarrones y flores, por nombrar solo algunos temas recurrentes, Cárdenas reorienta el ojo del arte pop hacia la parodia para hacer preguntas persistentes sobre la naturaleza de la representación y la superficie pictórica en sí. En lugar de abrirse al espacio, las pinturas de Cárdenas de pizarrones, paredes y ventanas, refutan la relación convencional entre el espectador y la obra de arte.
Entre sus series más importantes y conocidas se encuentran sus representaciones de pizarrones, que Cárdenas comenzó a producir en la década de 1970. Para la Semana ARTBO 2021 Galería León Tovar propone una exposición individual del Artista que destaca estas obras.
Basándose en artistas como Jasper Johns, que transformó los lienzos en los mismos objetos que representaba, Cárdenas transformó el plano de la imagen en un espacio para otra forma de representación: la de la escritura. Las tres piezas de Pizarrón que se presentarán no sólo son ejemplos monumental característico de esta serie, —haciendo alusión a los lienzos garabateados de Cy Twombly de finales de los sesenta y principios de los setenta— son un importante referente histórico, siendo los presentados en la Bienal de São Paulo de 1977, por los cuales recibió una mención honorífica.
Leon Tovar es una galería con sede en Nueva York que se especializa en arte moderno de América Latina. Después de treinta años de funcionamiento, la Galería sigue comprometida con la promoción, educación y la visibilidad en el mercado de estos artistas como parte integral en la historia del Modernismo. La misión de la Galería es satisfacer la urgente necesidad de cultivar narrativas históricas del arte más precisas e inclusivas a través de la programación periódica de exposiciones, catálogos, ferias de arte y colaboraciones institucionales. Al hacerlo, se ha consolidado como una autoridad en el campo del arte latinoamericano y como un recurso destacado para todos los niveles de coleccionistas.
Inaugurada en Bogotá en 1990 y trasladada a Nueva York en 2002, la Galería opera un espacio de exhibición en el Upper East Side. Miembro del ADAA desde 2019, Leon Tovar Gallery representa a Fanny Sanín y los estates de Carmelo Arden Quin, Martin Blaszko, Marcelo Bonevardi, Agustín Fernández, Edgar Negret y Eduardo Ramírez Villamizar.
Aunque nació en la capital de Colombia, Cárdenas se mudó a Pelham, Nueva York, con su familia en 1947 a la edad de diez años. Asistió a la Escuela de Diseño de Rhode Island, donde estudió arquitectura antes de pasar a la pintura y el dibujo. Tras recibir su BFA en 1960, se unió al Ejército de los Estados Unidos, aprovechando su puesto en Europa para visitar instituciones como el Louvre y el Prado, y conoció de primera mano las obras de Diego Velázquez, Francisco Goya y los pintores flamencos. En 1962, Cárdenas ingresó a la Universidad de Yale para realizar sus estudios de posgrado en un momento en que la Universidad contaba entre sus profesores a personas como Alex Katz, Jack Tworkov y Al Held, y cuando sus compañeros de clase incluían a Richard Serra, Chuck Close, Nancy Graves y Jennifer Bartlett. Sus pinturas de esta época delatan la impresión indeleble que le dejó la comunidad de artistas circundante. Los colores planos y el uso de imágenes de la cultura pop hablan de la proximidad del artista a Alex Katz en particular. Cárdenas recibió su MFA de Yale en 1964 y regresó a Colombia al año siguiente donde volvió a reunirse con el escultor Edgar Negret, cuyo estudio de Nueva York visitó por primera vez el joven artista en 1959. Negret le aconsejó a Cárdenas que consiguiera una audiencia con Marta Traba, directora del Museo de Arte Moderno de Bogotá. A través de la intervención de la escultora Feliza Bursztyn, Traba conoció al joven pintor y presentó una exposición individual de la obra del artista en la institución en 1966. Su arte de esta época aún presentaba imágenes del arte pop, pero en 1967 Cárdenas había comenzado a incorporar objetos reales en sus pinturas y el trabajo con óleo sobre madera, a menudo cortando el soporte para adaptarlo a la forma de los objetos que estaba representando. Esta serie de movimientos concibió el plano de la imagen como un objeto físico tridimensional en el espacio más que como una superficie que se desmaterializa en una "ventana". Estas ideas fueron exploradas a gran escala como parte de la muestra colectiva radical Espacios ambientales, curada por Marta Traba y realizada en el Museo de Arte Moderno en 1968. Fundamental para el surgimiento de prácticas conceptuales en Colombia, e importante para introducir la internacionalidad estética del arte de “Instalaciones” para el país, la exposición invitó a Cárdenas, Bursztyn, Ana Mercedes Hoyos y Álvaro Barrios a crear ambientes a gran escala. La historiadora del arte Gina McDaniel Tarver describió el aporte de Cárdenas como “una pintura de una habitación colindante con una sala real del museo, en la que colocó una plancha real, cuyo cordón real se fusionó con un cordón pintado en la pared”. En 1970, Cárdenas recibió el premio al Mejor Artista Colombiano en la Bienal de Coltejer de Medellín por su cuadro "Enchufe en la pared" del mismo año. Un lienzo a gran escala que representa una pared con un enchufe, la ilusión era de tal calidad que los espectadores no podían evitar tocarla para verificar su existencia como pintura. Si esta anécdota da fe de la fuerza de la representación de Cárdenas, también revela el grado en que los objetos representados provocan la interacción humana. Como ha señalado el curador y profesor Raúl Cristancho, es esta cualidad la que distingue el estilo pop de Cárdenas del que se encuentra en la obra de artistas como Andy Warhol, Robert Rauschenberg o Jasper Johns. Los objetos que comienza a incorporar a sus pinturas a principios de la década tienen “una alusión implícita” a los seres humanos: enchufes que piden ser enchufados y desenchufados; ropa a la espera de ser descolgada; paraguas apoyados en previsión de ser abiertos. Aspiran a provocar en el espectador un nivel de compromiso que vaya más allá de la contemplación meramente estética. El artista revela que este efecto es intencional, una vez que reflexiona que "el punto de mi pintura es que lo que ves es un objeto, no una imagen". En 1973, Cárdenas y su compatriota Carlos Rojas realizaron una exposición a dos personas en el Centro de Relaciones Interamericanas (ahora The Americas Society) en Nueva York. Este mismo año, el Museo de Arte Moderno compró uno de los dibujos al carboncillo de Cárdenas para su colección permanente antes de adquirir una pintura del artista en 1976 titulada "Black Slate with Shelf" (1975). Esta última pieza refleja una tendencia general en la obra del artista que se manifiesta a mediados de la década, cuando Cárdenas, como Jasper Johns, “restringió su temática a cosas que eran en sí mismas bidimensionales, como pizarrones, cortinas de ventanas, lado de una caja de cartón corrugado, marcos de fotos vacíos y la parte posterior de los lienzos ". Basándose en el precedente de Cy Twombly, estas pizarras se convierten en un motivo recurrente en el trabajo del artista, y luego funcionarán como fondo para composiciones de naturaleza muerta en las que los detalles exactos de Cárdenas juegan contra las nieblas del borrado de tiza. Tres pizarrones se muestran en la Bienal de São Paulo (1977), lo que le valió una mención honorífica. A medida que avanzaba la carrera de Cárdenas, sus lienzos se volvían cada vez más aventureros. A mediados de la década de 1980, comenzó a incorporar un uso más libre y expresivo del color, preparando el escenario para composiciones que citan a personajes como Matisse y Picasso, sin dejar de ser fiel al estilo que le ha valido el reconocimiento internacional. La importancia de la práctica pionera de Cárdenas se ha subrayado a través de numerosas exposiciones individuales en espacios como la Biblioteca Luis Ángel Arango; Museo de Arte Moderno, Bogotá; Museo de Arte La Tertulia, Cali, Colombia; Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber; y el Museo Rufino Tamayo, Ciudad de México, entre otras instituciones de prestigio. Su trabajo ha sido presentado en espacios internacionales como la Bienal de Coltejer, Medellín (1968-72), Bienal de París (1971), Bienal de São Paulo (1977), Bienal de Medellín (1981) y Bienal de Venecia (1990). La obra de Cárdenas fue incluida en las ahora canónicas exposiciones Art in Latin America 1820–1980 en la Hayward Gallery de Londres (1989) y The Latin American Presence, organizadas por el Bronx Museum en 1988, que viajaron al El Paso Museum of Art; Museo de Arte de San Diego; Instituto de Cultura Puertorriqueña, San Juan; y el Centro de las Artes, Vero Beach, Florida. Varias de las “pizarras” del artista también fueron incluidas en la importante exposición Artistas latinoamericanos del siglo XX, inaugurada en la Plaza de Armas de Sevilla en 1992 y posteriormente presentada en el Centro Pompidou de París; Cologne Kunsthalle; y el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Hoy, el trabajo de Cárdenas se puede encontrar en el Art Institute of Chicago; Museo de Arte Blanton, Universidad de Texas, Austin; Museo Nacional de Colombia; Museo Rufino Tamayo, Ciudad de México; Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro; Museo de Arte Moderno de Santiago, Chile; Museo de Bellas Artes, Caracas; Museo de Arte Moderno de Nueva York; y la Escuela de Diseño de Rhode Island, Providence.
Aunque nació en la capital de Colombia, Cárdenas se mudó a Pelham, Nueva York, con su familia en 1947 a la edad de diez años. Asistió a la Escuela de Diseño de Rhode Island, donde estudió arquitectura antes de pasar a la pintura y el dibujo. Tras recibir su BFA en 1960, se unió al Ejército de los Estados Unidos, aprovechando su puesto en Europa para visitar instituciones como el Louvre y el Prado, y conoció de primera mano las obras de Diego Velázquez, Francisco Goya y los pintores flamencos. En 1962, Cárdenas ingresó a la Universidad de Yale para realizar sus estudios de posgrado en un momento en que la Universidad contaba entre sus profesores a personas como Alex Katz, Jack Tworkov y Al Held, y cuando sus compañeros de clase incluían a Richard Serra, Chuck Close, Nancy Graves y Jennifer Bartlett. Sus pinturas de esta época delatan la impresión indeleble que le dejó la comunidad de artistas circundante. Los colores planos y el uso de imágenes de la cultura pop hablan de la proximidad del artista a Alex Katz en particular. Cárdenas recibió su MFA de Yale en 1964 y regresó a Colombia al año siguiente donde volvió a reunirse con el escultor Edgar Negret, cuyo estudio de Nueva York visitó por primera vez el joven artista en 1959. Negret le aconsejó a Cárdenas que consiguiera una audiencia con Marta Traba, directora del Museo de Arte Moderno de Bogotá. A través de la intervención de la escultora Feliza Bursztyn, Traba conoció al joven pintor y presentó una exposición individual de la obra del artista en la institución en 1966. Su arte de esta época aún presentaba imágenes del arte pop, pero en 1967 Cárdenas había comenzado a incorporar objetos reales en sus pinturas y el trabajo con óleo sobre madera, a menudo cortando el soporte para adaptarlo a la forma de los objetos que estaba representando. Esta serie de movimientos concibió el plano de la imagen como un objeto físico tridimensional en el espacio más que como una superficie que se desmaterializa en una "ventana". Estas ideas fueron exploradas a gran escala como parte de la muestra colectiva radical Espacios ambientales, curada por Marta Traba y realizada en el Museo de Arte Moderno en 1968. Fundamental para el surgimiento de prácticas conceptuales en Colombia, e importante para introducir la internacionalidad estética del arte de “Instalaciones” para el país, la exposición invitó a Cárdenas, Bursztyn, Ana Mercedes Hoyos y Álvaro Barrios a crear ambientes a gran escala. La historiadora del arte Gina McDaniel Tarver describió el aporte de Cárdenas como “una pintura de una habitación colindante con una sala real del museo, en la que colocó una plancha real, cuyo cordón real se fusionó con un cordón pintado en la pared”. En 1970, Cárdenas recibió el premio al Mejor Artista Colombiano en la Bienal de Coltejer de Medellín por su cuadro "Enchufe en la pared" del mismo año. Un lienzo a gran escala que representa una pared con un enchufe, la ilusión era de tal calidad que los espectadores no podían evitar tocarla para verificar su existencia como pintura. Si esta anécdota da fe de la fuerza de la representación de Cárdenas, también revela el grado en que los objetos representados provocan la interacción humana. Como ha señalado el curador y profesor Raúl Cristancho, es esta cualidad la que distingue el estilo pop de Cárdenas del que se encuentra en la obra de artistas como Andy Warhol, Robert Rauschenberg o Jasper Johns. Los objetos que comienza a incorporar a sus pinturas a principios de la década tienen “una alusión implícita” a los seres humanos: enchufes que piden ser enchufados y desenchufados; ropa a la espera de ser descolgada; paraguas apoyados en previsión de ser abiertos. Aspiran a provocar en el espectador un nivel de compromiso que vaya más allá de la contemplación meramente estética. El artista revela que este efecto es intencional, una vez que reflexiona que "el punto de mi pintura es que lo que ves es un objeto, no una imagen". En 1973, Cárdenas y su compatriota Carlos Rojas realizaron una exposición a dos personas en el Centro de Relaciones Interamericanas (ahora The Americas Society) en Nueva York. Este mismo año, el Museo de Arte Moderno compró uno de los dibujos al carboncillo de Cárdenas para su colección permanente antes de adquirir una pintura del artista en 1976 titulada "Black Slate with Shelf" (1975). Esta última pieza refleja una tendencia general en la obra del artista que se manifiesta a mediados de la década, cuando Cárdenas, como Jasper Johns, “restringió su temática a cosas que eran en sí mismas bidimensionales, como pizarrones, cortinas de ventanas, lado de una caja de cartón corrugado, marcos de fotos vacíos y la parte posterior de los lienzos ". Basándose en el precedente de Cy Twombly, estas pizarras se convierten en un motivo recurrente en el trabajo del artista, y luego funcionarán como fondo para composiciones de naturaleza muerta en las que los detalles exactos de Cárdenas juegan contra las nieblas del borrado de tiza. Tres pizarrones se muestran en la Bienal de São Paulo (1977), lo que le valió una mención honorífica. A medida que avanzaba la carrera de Cárdenas, sus lienzos se volvían cada vez más aventureros. A mediados de la década de 1980, comenzó a incorporar un uso más libre y expresivo del color, preparando el escenario para composiciones que citan a personajes como Matisse y Picasso, sin dejar de ser fiel al estilo que le ha valido el reconocimiento internacional. La importancia de la práctica pionera de Cárdenas se ha subrayado a través de numerosas exposiciones individuales en espacios como la Biblioteca Luis Ángel Arango; Museo de Arte Moderno, Bogotá; Museo de Arte La Tertulia, Cali, Colombia; Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber; y el Museo Rufino Tamayo, Ciudad de México, entre otras instituciones de prestigio. Su trabajo ha sido presentado en espacios internacionales como la Bienal de Coltejer, Medellín (1968-72), Bienal de París (1971), Bienal de São Paulo (1977), Bienal de Medellín (1981) y Bienal de Venecia (1990). La obra de Cárdenas fue incluida en las ahora canónicas exposiciones Art in Latin America 1820–1980 en la Hayward Gallery de Londres (1989) y The Latin American Presence, organizadas por el Bronx Museum en 1988, que viajaron al El Paso Museum of Art; Museo de Arte de San Diego; Instituto de Cultura Puertorriqueña, San Juan; y el Centro de las Artes, Vero Beach, Florida. Varias de las “pizarras” del artista también fueron incluidas en la importante exposición Artistas latinoamericanos del siglo XX, inaugurada en la Plaza de Armas de Sevilla en 1992 y posteriormente presentada en el Centro Pompidou de París; Cologne Kunsthalle; y el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Hoy, el trabajo de Cárdenas se puede encontrar en el Art Institute of Chicago; Museo de Arte Blanton, Universidad de Texas, Austin; Museo Nacional de Colombia; Museo Rufino Tamayo, Ciudad de México; Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro; Museo de Arte Moderno de Santiago, Chile; Museo de Bellas Artes, Caracas; Museo de Arte Moderno de Nueva York; y la Escuela de Diseño de Rhode Island, Providence.
Aunque nació en la capital de Colombia, Cárdenas se mudó a Pelham, Nueva York, con su familia en 1947 a la edad de diez años. Asistió a la Escuela de Diseño de Rhode Island, donde estudió arquitectura antes de pasar a la pintura y el dibujo. Tras recibir su BFA en 1960, se unió al Ejército de los Estados Unidos, aprovechando su puesto en Europa para visitar instituciones como el Louvre y el Prado, y conoció de primera mano las obras de Diego Velázquez, Francisco Goya y los pintores flamencos. En 1962, Cárdenas ingresó a la Universidad de Yale para realizar sus estudios de posgrado en un momento en que la Universidad contaba entre sus profesores a personas como Alex Katz, Jack Tworkov y Al Held, y cuando sus compañeros de clase incluían a Richard Serra, Chuck Close, Nancy Graves y Jennifer Bartlett. Sus pinturas de esta época delatan la impresión indeleble que le dejó la comunidad de artistas circundante. Los colores planos y el uso de imágenes de la cultura pop hablan de la proximidad del artista a Alex Katz en particular. Cárdenas recibió su MFA de Yale en 1964 y regresó a Colombia al año siguiente donde volvió a reunirse con el escultor Edgar Negret, cuyo estudio de Nueva York visitó por primera vez el joven artista en 1959. Negret le aconsejó a Cárdenas que consiguiera una audiencia con Marta Traba, directora del Museo de Arte Moderno de Bogotá. A través de la intervención de la escultora Feliza Bursztyn, Traba conoció al joven pintor y presentó una exposición individual de la obra del artista en la institución en 1966. Su arte de esta época aún presentaba imágenes del arte pop, pero en 1967 Cárdenas había comenzado a incorporar objetos reales en sus pinturas y el trabajo con óleo sobre madera, a menudo cortando el soporte para adaptarlo a la forma de los objetos que estaba representando. Esta serie de movimientos concibió el plano de la imagen como un objeto físico tridimensional en el espacio más que como una superficie que se desmaterializa en una "ventana". Estas ideas fueron exploradas a gran escala como parte de la muestra colectiva radical Espacios ambientales, curada por Marta Traba y realizada en el Museo de Arte Moderno en 1968. Fundamental para el surgimiento de prácticas conceptuales en Colombia, e importante para introducir la internacionalidad estética del arte de “Instalaciones” para el país, la exposición invitó a Cárdenas, Bursztyn, Ana Mercedes Hoyos y Álvaro Barrios a crear ambientes a gran escala. La historiadora del arte Gina McDaniel Tarver describió el aporte de Cárdenas como “una pintura de una habitación colindante con una sala real del museo, en la que colocó una plancha real, cuyo cordón real se fusionó con un cordón pintado en la pared”. En 1970, Cárdenas recibió el premio al Mejor Artista Colombiano en la Bienal de Coltejer de Medellín por su cuadro "Enchufe en la pared" del mismo año. Un lienzo a gran escala que representa una pared con un enchufe, la ilusión era de tal calidad que los espectadores no podían evitar tocarla para verificar su existencia como pintura. Si esta anécdota da fe de la fuerza de la representación de Cárdenas, también revela el grado en que los objetos representados provocan la interacción humana. Como ha señalado el curador y profesor Raúl Cristancho, es esta cualidad la que distingue el estilo pop de Cárdenas del que se encuentra en la obra de artistas como Andy Warhol, Robert Rauschenberg o Jasper Johns. Los objetos que comienza a incorporar a sus pinturas a principios de la década tienen “una alusión implícita” a los seres humanos: enchufes que piden ser enchufados y desenchufados; ropa a la espera de ser descolgada; paraguas apoyados en previsión de ser abiertos. Aspiran a provocar en el espectador un nivel de compromiso que vaya más allá de la contemplación meramente estética. El artista revela que este efecto es intencional, una vez que reflexiona que "el punto de mi pintura es que lo que ves es un objeto, no una imagen". En 1973, Cárdenas y su compatriota Carlos Rojas realizaron una exposición a dos personas en el Centro de Relaciones Interamericanas (ahora The Americas Society) en Nueva York. Este mismo año, el Museo de Arte Moderno compró uno de los dibujos al carboncillo de Cárdenas para su colección permanente antes de adquirir una pintura del artista en 1976 titulada "Black Slate with Shelf" (1975). Esta última pieza refleja una tendencia general en la obra del artista que se manifiesta a mediados de la década, cuando Cárdenas, como Jasper Johns, “restringió su temática a cosas que eran en sí mismas bidimensionales, como pizarrones, cortinas de ventanas, lado de una caja de cartón corrugado, marcos de fotos vacíos y la parte posterior de los lienzos ". Basándose en el precedente de Cy Twombly, estas pizarras se convierten en un motivo recurrente en el trabajo del artista, y luego funcionarán como fondo para composiciones de naturaleza muerta en las que los detalles exactos de Cárdenas juegan contra las nieblas del borrado de tiza. Tres pizarrones se muestran en la Bienal de São Paulo (1977), lo que le valió una mención honorífica. A medida que avanzaba la carrera de Cárdenas, sus lienzos se volvían cada vez más aventureros. A mediados de la década de 1980, comenzó a incorporar un uso más libre y expresivo del color, preparando el escenario para composiciones que citan a personajes como Matisse y Picasso, sin dejar de ser fiel al estilo que le ha valido el reconocimiento internacional. La importancia de la práctica pionera de Cárdenas se ha subrayado a través de numerosas exposiciones individuales en espacios como la Biblioteca Luis Ángel Arango; Museo de Arte Moderno, Bogotá; Museo de Arte La Tertulia, Cali, Colombia; Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber; y el Museo Rufino Tamayo, Ciudad de México, entre otras instituciones de prestigio. Su trabajo ha sido presentado en espacios internacionales como la Bienal de Coltejer, Medellín (1968-72), Bienal de París (1971), Bienal de São Paulo (1977), Bienal de Medellín (1981) y Bienal de Venecia (1990). La obra de Cárdenas fue incluida en las ahora canónicas exposiciones Art in Latin America 1820–1980 en la Hayward Gallery de Londres (1989) y The Latin American Presence, organizadas por el Bronx Museum en 1988, que viajaron al El Paso Museum of Art; Museo de Arte de San Diego; Instituto de Cultura Puertorriqueña, San Juan; y el Centro de las Artes, Vero Beach, Florida. Varias de las “pizarras” del artista también fueron incluidas en la importante exposición Artistas latinoamericanos del siglo XX, inaugurada en la Plaza de Armas de Sevilla en 1992 y posteriormente presentada en el Centro Pompidou de París; Cologne Kunsthalle; y el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Hoy, el trabajo de Cárdenas se puede encontrar en el Art Institute of Chicago; Museo de Arte Blanton, Universidad de Texas, Austin; Museo Nacional de Colombia; Museo Rufino Tamayo, Ciudad de México; Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro; Museo de Arte Moderno de Santiago, Chile; Museo de Bellas Artes, Caracas; Museo de Arte Moderno de Nueva York; y la Escuela de Diseño de Rhode Island, Providence.