Un programa de la Cámara de Comercio de Bogotá
Un programa cultural de:
Un programa de la Cámara de Comercio de Bogotá
Un programa cultural de:
ARTIFACTS Desde el jueves de 23 de septiembre hasta el viernes 22 de octubre Curado por Barbara Krulik, curadora independiente residente en Amsterdam, gestora cultural, escritora y editora; Mildred Durán, PhD de la Universidad de París I - Panteón Sorbona, historiadora, crítica de arte y curadora independiente vinculada al Centro Georges Pompidou en varias exposiciones
Este proyecto parte de la inusual relación entre la estadística y el arte. ¿Cómo utilizan los artistas las diferentes variables estadísticas y cómo las aplican? Este proyecto de exposición surge como una respuesta contingente a esta pregunta. Con el deseo de ir más allá de una mera reducción cuantitativa, diferentes fuentes y diversas herramientas metodológicas (como: estadísticas, gráficos, datos cuantitativos y cualitativos, directorios, mapas) constituyen la base de un profundo trabajo de investigación, por parte de los artistas, sobre la interiorización de los distintos datos en la esfera social y su relación con los individuos en contextos específicos. Así, estos artistas tejen relaciones insospechadas entre datos y valores estadísticos y temas específicos: problemas migratorios, violencia en Colombia, conflicto palestino-israelí, la enfermedad del SIDA y sus repercusiones, cuestiones medioambientales, temas identitarios y/o sociopolíticos, entre otros.
Artistas participantes: Jaime Ávila, Fernando Arias, Perry Bard & Richard Sullivan, Edson Barrus, Marisa Baumgartner, Yann Beauvais, Terry Berkowitz, Rossella Biscotti, Julian Dupont, William Engelen, Raphaël Faon & Andres Salgado, Richard Garrison, Ben Grosser, Ligorano/Reese, David Medina, Christian Lesmes Mendoza, Lucy McKenna, Emeka Ogboh, Morgan O’Hara, Juan Pablo Pacheco, PROM.RUN collective, Carlos Schwartz, Taryn Simon, Francesc Torres, Gabriel Zea.
Casa Hoffmann es un espacio de exhibición dedicado a producir investigaciones en arte contemporáneo comisionadas a curadores o investigadores. Una vez exhibidos los proyectos curatoriales en nuestra sede, el propósito es promoverlos en museos, fundaciones, galerías e instituciones culturales. Consideramos que la transversalidad conceptual fomenta e innova el desarrollo de prácticas creativas y culturales, por este motivo, promovemos ejes de diálogo entre propuestas de artistas locales e internacionales. Desde el espacio, hemos venido impulsando el desarrollo de proyectos de investigación que indagan la interacción entre arte, ciencias y tecnología.
Jaime, nació en 1966 en Saboyá (Boyacá). Tras estudiar Ingeniería Civil, ingresó a la Facultad de Artes de la Universidad de los Andes en Bogotá. Desde muy pronto se interesó por los problemas sociales y económicos de las grandes ciudades latinoamericanas, y llevó a cabo varios proyectos, en particular con jóvenes desorientados y personas de poblaciones marginadas. Su obra toca diferentes campos como el cómic, el vídeo, la instalación y la fotografía. Sus obras, especialmente sus instalaciones fotográficas La vida es una pasarela y 10 metros cúbicos, han formado parte de numerosas exposiciones colectivas e individuales. Jaime Ávila participó en las Bienales de Sao Paulo y Liverpool (2005), y en la de La Habana (2006). Su obra ha recibido numerosos premios.Fue invitado al programa de investigación y estudios latinoamericanos para artistas del Centro David Rockefeller de Estudios Latinoamericanos de la Universidad de Harvard, donde ofrece Cuarto Mundo en 2005. En 2007 fue invitado a participar en el Photoquai du Quai Branly de París. Sus siguientes exposiciones individuales fueron : El traje del Palacio en la Galería Nueveochenta, Bogotá (2018) y Ciudad Perdida en el Museo de Arte de Pereira, Pereira (2016) y varias instituciones de arte en Colombia, Estados Unidos y México así como, ARCO Madrid (2020).
Fernando, nacido en 1963 en Armenia (Colombia), vive y trabaja entre Londres y Bogotá. Reconocido internacionalmente por su trabajo subversivo con el cuerpo, el género y la sexualidad. En sus obras, Arias destaca temas como la construcción de la nación, las relaciones de poder, la política, la violencia, el conflicto armado, las dinámicas represivas que han determinado las instituciones religiosas y políticas en el ser humano. El trabajo de investigación de Arias está completamente enraizado en la compleja realidad sociopolítica de Colombia. Arias denuncia el intolerable exceso de violencia política, social y cultural que intensifica los problemas que afectan al país, y que envuelven a la sociedad contemporánea. Involucrado en el desarrollo de proyectos sociales y culturales, Arias es uno de los dos fundadores de 'Más arte, más acción', una fundación sin ánimo de lucro que desde 2011 trabaja para generar una plataforma de proyectos artísticos interdisciplinarios con otros artistas. Involucra a comunidades de la región del Pacífico colombiano. El artista investiga la realidad colombiana para descubrir las distintas capas que la componen y se convierte en el medio para expresar los mensajes de las comunidades excluidas y marginadas. Su trabajo le permite comprender la inadecuación y el descontento de la sociedad.
Edson Barrus nació en 1961 en Carnaubeira da Penha, Brasil. Vive entre Recife y París. Es un activista cultural, ha creado el espacio alternativo Rés do Chão en Río de Janeiro de 2002 a 2005, un espacio para estudiar, realizar exposiciones e investigar sobre las prácticas artísticas contemporáneas. Desarrolla ahora con la UTBM el proyecto Perro de Mulato. Artista becado por el CNPQ-Brasil. Es también editor de la revista Nós Contemporâneos. Trabaja con vídeo desde hace casi diez años. La cámara es una herramienta esencial en su producción, capta imágenes (en el metro de Berlín, durante una manifestación en París), las encuadra lo más cerca posible (rua Lavradio en Río de Janeiro, una cocina en Catskill) y crea imágenes muy plásticas (el agua bajo todas sus formas) utilizando discretos dispositivos de filmación: una cámara digital y un teléfono móvil. El sonido, nunca ilustrativo, es tratado en pie de igualdad con la imagen cuya presencia refuerza. La práctica del vídeo permite a Edson Barrus actuar sobre la vida cotidiana transformándola en obra artística, siempre que esta obra se considere una actividad social. Ha participado en numerosos festivales internacionales de cine en Europa y América.
Marisa Baumgartner nació en Washington D.C. en 1980 y se crió entre Washington y Salzburgo, Austria. Se licenció en Bellas Artes en Fotografía por la Rhode Island School of Design en 2002 y obtuvo un máster en Fotografía por la Universidad de Yale en 2006. Ha expuesto en numerosos países y en 2011 expuso por primera vez en un museo de Estados Unidos. Marisa Baumgartner vive y trabaja actualmente en Brooklyn, Nueva York.
igura destacada del videoarte y el cine experimental en Francia. Yann Beauvais es académico, cineasta, crítico, teórico y autor de una treintena de cortometrajes e instalaciones. También es el cofundador, en 1982, con Miles McKane, de Light Cone, una asociación con sede en París dedicada al servicio de la creación, distribución y salvaguarda del cine experimental. Beauvais ha establecido, desde los años 80, una importante red de amistades y vínculos con cineastas experimentales estadounidenses e internacionales. Notables artistas han depositado sus películas en Light Cone, haciendo de esta estructura, con más de tres mil quinientas películas en su catálogo, la mayor cooperativa europea de distribución de cine experimental, y la segunda del mundo después de la Film-Makers Cooperative de Nueva York, cofundada por Jonas Mekas en 1962 (que cuenta con cinco mil piezas). Consiguió establecer fructíferos diálogos con instituciones museísticas y ofrecer así al cine experimental una mayor visibilidad que en el pasado. Fundó en 2011 con Edson Barrus un espacio cultural en Recife. Es profesor en la Escuela Nacional Superior de Artes de París-Cergy. También ha enseñado estética e historia del cine experimental en el Studio Le Fresnoy, la Universidad de París 3 - Sorbonne Nouvelle y la Universidad de Florida. Ha sido comisario y programador en el American Center y trabaja en el Centro Nacional de Arte y Cultura Georges-Pompidou (que le dio carta blanca en 2007 y en 2010), en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de París así como en la Galería Nacional del Jeu de Paume. Sus artículos, publicados en diversas revistas, han sido recogidos en la colección Poussière d'image, publicada en 1998, por Éditions Paris experimental. Sus vídeos y películas se han presentado en diferentes festivales y museos de todo el mundo.
Berkowitz crea instalaciones, vídeos, fotografía, audio y objetos que abordan la crítica social y política, la conciencia social y la condición humana. Desde principios de los años setenta, ha expuesto en museos, bienales y otras instituciones internacionales, como el PS1 de Long Island City, el Whitney Museum of American Art de Nueva York, la Primera Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Cartagena de Indias (Colombia), el Alternative Museum de Nueva York, el Boca Raton Museum of Art, el Contemporary Arts Museum de Houston, el Metrònom de Barcelona y el Museo do Pobo Galego de Santiago de Compostela.
Dupont es un artista visual nacido en Colombia (1985). Su práctica es una pregunta por la política de presentación en contexto, un espacio potencial que confronta el racionalismo occidental a través de la articulación de intervenciones site-specific, desplegando lo siniestro en experiencias biosemióticas como resistencia al lenguaje. Actualmente es estudiante de la división de Filosofía, Arte y Pensamiento Crítico en The European Graduate School, trabajando el diálogo entre el chamanismo y la automatización. Ha realizado exposiciones individuales como 'UUS YAHTX' en Popayán con la colaboración de la Guardia Indígena del Cauca en 2018, MAPARADOXTERRA en el Cine del Museo La Tertulia en Cali (2013); y ha participado en exposiciones colectivas como ARTECAMARA en ARTBO organizada por Helena Producciones en Bogotá (2019), Húesped en Lugar a dudas en Cali (2016), La segunda Bienal de Montevideo en Uruguay (2014) y 'Colombia Hoy' en #1 Cartagena, la Bienal de Arte contemporáneo de Cartagena (2014).
William Engelen es un artista visual y compositor nacido en los Países Bajos que vive y trabaja en Berlín. Su obra atraviesa el espectro entre las artes visuales y la música, tomando estrategias de cada campo para poner a prueba los límites entre la imagen y el sonido. La producción incluye instalaciones, performances, vídeos, partituras e incluso maquetas. Engelen ha expuesto en solitario en el Drawing Center de Nueva York, en la Haus am Waldsee de Berlín, en la Kunsthalle Mannheim de Mannheim, en la Kunsthalle Osnabrück de Osnabrück, en el Central Museum de Utrecht, en el Witte de With de Rotterdam, en el Nasjonalmuseet de Oslo y próximamente en el Kunstmuseum Den Haag de Holanda. Sus composiciones se han interpretado en Maerzmusik, Berlín; Gaudeamus, Utrecht; Ultima, Oslo. Los intérpretes con los que ha colaborado son: Clemens Merkel, Montreal; Motion Ensemble, NB; Sonar Quartett, Berlín; Joan La Barbara, Nueva York; Dimitrios Polisoidis, Viena; Talujon, Nueva York; KNM Berlín. Sus discos de vinilo están publicados por Edition Telemark, Berlín.
Raphaël Faon y Andres Salgado, licenciados por la École Nationale Supérieure d'Arts de Paris-Cergy (ENSAPC) y actualmente investigadores en la École des Hautes Études en Sciences Sociales (EHESS) de París. Raphaël Faon se propone poner en crisis los sistemas de representación, revelar la construcción de la realidad por un mundo de imágenes, más que producir imágenes de un mundo llamado "real". Utilizando archivos, corrientes y objetos manufacturados, sus obras se centran en la fotografía, las instalaciones y los proyectos digitales. Partiendo del propio simulacro de las imágenes transmitidas por los medios visuales y de comunicación (cine, publicidad, Internet, televisión), Andrés Salgado exalta el artificio en su obra. Sus imágenes están íntimamente ligadas al texto axiomático que recorre las pantallas de sus vídeos. Salgado da prioridad a diferentes medios como el vídeo, la instalación, la escultura o la fotografía. Su trabajo ha sido presentado en diferentes exposiciones en el Centro Pompidou de París y Málaga, Fondation Louis Vuitton, Musée de la Chasse et de la Nature, Galería YGREC en Francia. Han obtenido reconocimientos como el Premio-Ganador del Numeriscope- 104 para el Grand Palais (2019), el Premio Maif (2016), han sido finalistas del Programa de Investigación Organoïde en el Institut Pasteur (2019), Premio Pulsar (2018). Recientemente han estado en residencia de creación en Ateliers Médicis, la-Ville-aux-Clercs.(2018) y han participado en la 4ª Bienal Internacional de Casablanca (Marruecos) en 2018.
Richard Garrison se licenció en Arte de Estudio en el College of Saint Rose, Albany, NY, en 1993, y obtuvo un máster en la Universidad de Cornell, Ithaca, NY, en 1995. Su obra ha sido expuesta a nivel nacional e internacional, en el Weatherspoon Art Museum de Greensboro (Carolina del Norte), en el Mass MoCA de North Adams (Massachusetts), en el Ruth and Elmer Wellin Museum of Art de Clinton (Nueva York), en el Rochester Contemporary Art Center de Nueva York, en el Visual Arts Center of New Jersey de Summit (Nueva Jersey), en el International Print Center de Nueva York, en el Elmhurst Museum of Art y en el Queens Museum of Art, entre otros. Vive y mantiene su estudio en Delmar, NY.
El trabajo de Grosser se centra en los efectos culturales, sociales y políticos del software. La obra de Grosser se ha expuesto en importantes lugares, exposiciones y festivales internacionales, como Eyebeam en Nueva York, Arebyte en Londres, Museu de Comunicacōes en Lisboa, Museum Kesselhaus en Berlín, FILE en São Paulo, Digital Arts Festival en Atenas, Pikselin Bergen, WRO Media Art Biennale en Wroclaw, Science Gallery en Dublín, Museum Ludwig en Colonia, Kunsthaus Langenthal en Suiza y Galerie Charlot en París. Su obra se puede ver actualmente en el marco de AI: More than Human, organizado por el Barbican Center de Londres, y viajará al Groninger Forum de los Países Bajos, y a 24/7 en Somerset House, Londres, entre otros.
Nora Ligorano y Marshall Reese se han dedicado al arte de la colaboración desde que se conocieron en Baltimore. Sus primeras colaboraciones se iniciaron en el videoarte y la performance. A lo largo de tres décadas, los artistas han realizado arte de hardware y software, ediciones múltiples limitadas, vídeos, esculturas e instalaciones utilizando diversos materiales y procesos tradicionales y digitales. A finales de la década de 2000, comenzaron a instalar monumentos públicos temporales durante las convenciones políticas, una serie llamada Melted away. Estas esculturas de palabras talladas en hielo son filmadas, fotografiadas y transmitidas en streaming mientras se derriten y desaparecen. Han presentado 7 esculturas en 8 ciudades diferentes, incluyendo las convenciones de 2008, 2012 y 2016. Se han publicado artículos sobre su trabajo en el New York Times, Art Forum, Art In America, el Huffington Post, y se han visto en la televisión y otros medios. Han recibido premios y subvenciones, incluyendo 3 becas de la NYFA, así como una beca de la NEA, dos becas de la Fundación Jerome, una beca Puffin y varias residencias de artistas.
David Medina, fontanero colombo-venezolano, es un ingeniero informático con un máster en Bellas Artes y Artes Visuales que actualmente reside en Bogotá, Colombia. La política de la interfaz, la traducción como medio expresivo y el lenguaje como forma son algunas de las áreas de exploración utilizando software, vídeo, performance, impresos y otros medios. Cofundador de grama.co con un grupo de otros artistas y entidades.
Christian Lesmes Mendoza es investigador, escritor y artista. Desde una práctica basada en la investigación, su trabajo se dirige a explorar las relaciones objetuales desde una perspectiva no jerárquica y no centrada en el sujeto, considerando al ser humano tan trascendental como las bacterias o los virus. Christian desarrolla intervenciones artísticas site-specific que deconstruyen las narrativas hegemónicas. También lleva a cabo investigaciones a largo plazo relacionadas con la realidad digital y, por tanto, con la propia realidad. En la actualidad, Christian forma parte del equipo de investigadores de la Universidad Técnica de Delft (Países Bajos), que explora las relaciones objetuales a nivel geologico y humano.
McKenna es licenciada por la NCAD, Thomas St, Dublín, 2000-2005 Su trabajo se centra en la observación y la constante estructuración/reestructuración de los sistemas de información que intentan explicar el universo y nuestro lugar en él. A través de diversos medios, rastrea las diferentes formas de extracción, recopilación y comunicación de datos desarrolladas por los seres humanos para comprender la existencia, incluidos los métodos de experimentación científica, la tecnología, el lenguaje, los símbolos, la narración de historias, las creencias intuitivas o los mitos. Utilizando su práctica artística visual como herramienta de recopilación de información y destilación de datos, sus obras buscan desplegar la información oculta en aquellos espacios en los que concurren lo analítico y lo intuitivo. Su práctica es multidisciplinar y se compone de dibujo, fotografía, cine, instalación, audio y obras escultóricas. Ha recibido numerosos premios y ha realizado residencias en Nueva York, Islandia e Irlanda.
Emeka Ogboh se conecta a los lugares con sus sentidos del oído y el gusto. A través de sus instalaciones sonoras y obras gastronómicas, Ogboh explora cómo las memorias e historias privadas, públicas y colectivas se traducen, transforman y codifican en sonido y comida. Estas obras contemplan cómo las experiencias auditivas y gustativas captan las relaciones existenciales, enmarcan nuestra comprensión del mundo y proporcionan un contexto en el que plantear preguntas críticas sobre la inmigración, la globalización y el poscolonialismo. Ogboh ha participado en numerosas exposiciones internacionales, como documenta 14, (2017), Atenas y Kassel, Skulptur Projekte Münster (2017), la 56ª edición de La Biennale di Venezia, Italia (2015), y la Bienal de Dakar (2014).
Morgan O'Hara nació en Los Ángeles, creció en Japón, obtuvo un máster en Arte por la Universidad Estatal de California en Los Ángeles, y realizó su primera exposición individual en el Museo Cantonal de Bellas Artes de Lausana (Suiza) en 1978. Comenzó a trabajar a nivel internacional en festivales de arte escénico en 1989, y realizó sus primeros dibujos murales específicos en De Fabriek, en Eindhoven (Países Bajos). O'Hara imparte clases magistrales de dibujo y psicología de la creatividad en academias de arte de Estados Unidos, Europa y Asia. O'Hara ha realizado numerosas residencias internacionales, incluidas dos sesiones en la MacDowell Colony de New Hampshire. Ha recibido becas de la Fundación Pollock-Krasner, la Fundación Gottleib, la Fundación Leon Levy, el Fondo de Viajes David y Rosamond Putnam y la Fundación Milton y Sally Avery. Su obra se encuentra en las colecciones permanentes de muchas instituciones, entre ellas Arkansas Art Center, Little Rock, Arkansas; Czech National Gallery, Praga; Hammer Museum, Los Ángeles, California; Hood Museum of Art Dartmouth College, New Hampshire; Janacek Museum, Brno, República Checa; Macau Art Museum, Macao, China; Moravian Gallery, Brno, República Checa; National Gallery of Art, Washington, D. C.; Museo de Arte de Olomouc, República Checa; Stedelijk Museum, Ámsterdam; Vrij Universiteit, Ámsterdam, Países Bajos; Wannieck Gallery, Brno, República Checa; Weatherspoon Gallery, Greensboro, Carolina del Norte. Sus dibujos murales permanentes se encuentran en el Museo de Arte de Macao (China), en la Academia Canadiense de Kobe (Japón) y en el edificio OZW de la Universidad de Ámsterdam (Países Bajos). Vivió en Italia durante 21 años. O'Hara se convirtió en miembro de la Elizabeth Foundation en 2010.
Artista y escritor, cuyas investigaciones reflexionan sobre las conexiones entre las tecnologías digitales y los sistemas políticos, ecológicos y sociales. Su trabajo explora el agua como medio, sugiriendo las relaciones entre los sistemas líquidos y las tecnologías digitales. Recientemente, también ha investigado sobre Internet como red de caza. Ha sido profesor en el departamento de artes visuales de la Universidad Javeriana de Bogotá, coordinador de proyectos y asesor en Plataforma Bogotá: laboratorio interactivo de arte, ciencia y tecnología, y coordinador de programación alternativa en Espacio Odeón, un espacio de arte contemporáneo en Bogotá. Actualmente está realizando sus estudios en el programa de máster conjunto Erasmus "Media Arts Cultures", con sede en la Universidad del Danubio (Austria), la Universidad de Aalborg (Dinamarca) y la Universidad de Łódź (Polonia).
PROM es un equipo de producción audiovisual formado por Federico Pozuelo, Javier Ruiz, Martín Alonzo y el artista sónico MGMØ. Los miembros comparten cuartel creativo cuando sus caminos se cruzaron por primera vez en la Facultad de Bellas Artes de Madrid antes de que sus futuros caminos se dispersaran por Europa. Tres de sus miembros trabajan como artistas independientes mientras uno de ellos realiza un doctorado en Antropología en la Universidad de Cambridge. Ahora colaboran a distancia: Federico vive en Carrara (Italia); su proyecto suele vincular la materialidad geológica con los metadatos digitales. Martin vive en Ámsterdam, Países Bajos, y se centra en la producción de trabajos que implementan prótesis subversivas, interacciones altamente codificadas y la percepción humana. Javier, que actualmente vive en Cambridge (Reino Unido), combina sus proyectos de investigación con una práctica artística colaborativa. Por último, MGMØ se encuentra en Valladolid, España, donde cultiva su identidad sónica. Su sonido se nutre de las tradiciones de la música de Detroit y Dusseldorf, al tiempo que hurga en las raíces del bakalao y en las particularidades de la historia de la música electrónica en España. Prom puede referirse a un grupo de individuos pertenecientes a la misma generación, o a un baile al final de un año académico. En términos de memoria informática, PROM también se refiere a la memoria de sólo lectura programable, una forma de memoria digital en la que la configuración de cada bit está bloqueada por un fusible o antifusible, lo que significa que los datos que contienen son permanentes y no pueden modificarse. Una serie web de su proyecto de vídeo "orientAtio,-inducción-lanzamiento" ha sido difundida por Radial Gallery (Madrid, Nueva York). El colectivo también desarrolla un proyecto editorial llamado Prom.run. Su primer número se hizo público en noviembre de 2019.
Nació en 1966 en España. Vive y trabaja entre Madrid y Berlín. Desde los años 90, la obra de Carlos Schwartz se ha desarrollado con un mismo objetivo: dotar a los objetos cotidianos de un aura trascendente utilizando la luz y buscando una disposición teatral en el espacio. La evolución de su obra, desde sus pinturas de los 90 hasta los objetos reutilizados de los 2000, se adentra poco a poco en un simbolismo conceptual cada vez más denso. La luz genera una "lógica del extrañamiento", pone de relieve la dialéctica de lo permanente y lo evanescente, lo fijo y lo cambiante, el brillo y la oscuridad. Un juego de opuestos que crea niveles de significado en los que la obra muestra su potencial narrativo y simbólico.
Francesc Torres es tal vez más conocido por sus instalaciones escultóricas y multimedia que indagan en los órdenes sociales basados en las relaciones de poder político y económico. En estos entornos, a menudo arquitectónicos, como La cabeza del dragón (1981), La furia de los santos (1996) y Oikonomos (1989), Torres articula temas relacionados con la maquinaria de la guerra y la violencia en el contexto de la cultura y la historia. Sus vídeos monocanales continúan estas investigaciones, contemplando las tensiones entre la persistencia del tiempo y la fragilidad de la memoria en espacios políticamente cargados. Las obras de vídeo de Torres se basan en el examen de objetos (ruinas arquitectónicas, fetiches militaristas, artefactos de los medios de comunicación, etc.) y se extienden a través de asociaciones, metáforas e imágenes recurrentes para vincular estas narrativas contextualizadas con construcciones culturales más amplias. Francesc Torres nació en Barcelona, España, en 1948. Vivió en París y Chicago antes de trasladarse a Nueva York en 1974, adquiriendo la nacionalidad estadounidense en 1989. Ha recibido becas y ayudas del National Endowment for the Arts, la New York Foundation for the Arts, el Massachusetts Council for the Arts and Humanities, el Ministerio de Cultura español y el D.A.A.D. Berliner Kunstprogramm. También ha recibido una beca Fulbright.
Gabriel Zea obtuvo en 2005 su diploma en artes plásticas, especialidad nuevas tecnologías en la Universidad Nacional de Colombia y la Maestría en Tecnología y Estética de las Artes Electrónicas de la Universidad Nacional Tres de Febrero en Buenos Aires, Argentina en 2013. Zea busca entender la acción laboral en el sistema económico actual que produce bienes físicos y una gran cantidad de información a través de medios digitales. Le interesa encontrar el tiempo invertido en el trabajo productivo, la alienación y la burocracia. Su trabajo busca, como él dice, crear experiencias estéticas alienadas y se expresa a través del vídeo, la instalación o la performance. Su obra ha recibido numerosos premios; fue seleccionado para el X Premio Luis Caballero en Colombia (2018); y fue premiado por la IV Bienal de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño. En Bogotá, Colombia (2016); por las becas de circulación nacional e internacional del Ministerio de Cultura de Colombia (2014, 2013, 2012) o por la Mención de Honor de ASAB, altas, medias y bajas tecnologías (2009). Zea ha realizado varias residencias artísticas en Colombia y Brasil.
Gabriel Zea obtuvo en 2005 su diploma en artes plásticas, especialidad nuevas tecnologías en la Universidad Nacional de Colombia y la Maestría en Tecnología y Estética de las Artes Electrónicas de la Universidad Nacional Tres de Febrero en Buenos Aires, Argentina en 2013. Zea busca entender la acción laboral en el sistema económico actual que produce bienes físicos y una gran cantidad de información a través de medios digitales. Le interesa encontrar el tiempo invertido en el trabajo productivo, la alienación y la burocracia. Su trabajo busca, como él dice, crear experiencias estéticas alienadas y se expresa a través del vídeo, la instalación o la performance. Su obra ha recibido numerosos premios; fue seleccionado para el X Premio Luis Caballero en Colombia (2018); y fue premiado por la IV Bienal de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño. En Bogotá, Colombia (2016); por las becas de circulación nacional e internacional del Ministerio de Cultura de Colombia (2014, 2013, 2012) o por la Mención de Honor de ASAB, altas, medias y bajas tecnologías (2009). Zea ha realizado varias residencias artísticas en Colombia y Brasil.
Fernando es un artista de performance nacido en Bogotá (1968). Artista, gestor e investigador colombiano interesado en las relaciones entre el arte, el cuerpo y las problemáticas sociales, lleva a cabo acciones y proyectos culturales y artísticos de gestión desde los años noventa. Fernando estudió Arte en la Universidad de los Andes (Bogotá), es fundador y director de la Bienal Internacional de Performance PerfoArtNet y del Archivo Mundial de Performance, también dirige ArtOpenFundation.org, una fundación dedicada a promover un arte abierto a todos, un arte que contribuya a la construcción de la sociedad. Sus trabajos (acciones en el espacio público, talleres con comunidades, las exposiciones que ha organizado y sus escritos) muestran un profundo interés por los acontecimientos que se producen en el contexto sociopolítico actual colombiano, abriendo espacios que permiten la reflexión y la sensibilización de artistas, personas y entidades culturales y estatales. En los años noventa fue codirector de la Casa Guillermo. Ha participado en varios festivales de performance en Colombia y en el exterior como el Instituto Hemisférico de Performance y Política en Argentina, Colombia, RIAP en Canadá, etc. Forma parte del archivo y exposición de 20 años socialmente comprometidos organizado por Creative Time en Nueva York. En los últimos años se ha interesado por enseñar a las comunidades a manifestarse a través del cuerpo de los individuos y del cuerpo social, sus talleres se centran en el poder transformador que tiene el arte en el cambio de la sociedad que nos merecemos y en cómo el cuerpo, a través y de la acción puede generar reacción, promoviendo una marcha pacífica, la no violencia y la actitud activa y comprometida que debe tener el individuo en estos tiempos.
Nació en 1966 en España. Vive y trabaja entre Madrid y Berlín. Desde los años 90, la obra de Carlos Schwartz se ha desarrollado con un mismo objetivo: dotar a los objetos cotidianos de un aura trascendente utilizando la luz y buscando una disposición teatral en el espacio. La evolución de su obra, desde sus pinturas de los 90 hasta los objetos reutilizados de los 2000, se adentra poco a poco en un simbolismo conceptual cada vez más denso. La luz genera una "lógica del extrañamiento", pone de relieve la dialéctica de lo permanente y lo evanescente, lo fijo y lo cambiante, el brillo y la oscuridad. Un juego de opuestos que crea niveles de significado en los que la obra muestra su potencial narrativo y simbólico.
McKenna es licenciada por la NCAD, Thomas St, Dublín, 2000-2005 Su trabajo se centra en la observación y la constante estructuración/reestructuración de los sistemas de información que intentan explicar el universo y nuestro lugar en él. A través de diversos medios, rastrea las diferentes formas de extracción, recopilación y comunicación de datos desarrolladas por los seres humanos para comprender la existencia, incluidos los métodos de experimentación científica, la tecnología, el lenguaje, los símbolos, la narración de historias, las creencias intuitivas o los mitos. Utilizando su práctica artística visual como herramienta de recopilación de información y destilación de datos, sus obras buscan desplegar la información oculta en aquellos espacios en los que concurren lo analítico y lo intuitivo. Su práctica es multidisciplinar y se compone de dibujo, fotografía, cine, instalación, audio y obras escultóricas. Ha recibido numerosos premios y ha realizado residencias en Nueva York, Islandia e Irlanda.
Fernando es un artista de performance nacido en Bogotá (1968). Artista, gestor e investigador colombiano interesado en las relaciones entre el arte, el cuerpo y las problemáticas sociales, lleva a cabo acciones y proyectos culturales y artísticos de gestión desde los años noventa. Fernando estudió Arte en la Universidad de los Andes (Bogotá), es fundador y director de la Bienal Internacional de Performance PerfoArtNet y del Archivo Mundial de Performance, también dirige ArtOpenFundation.org, una fundación dedicada a promover un arte abierto a todos, un arte que contribuya a la construcción de la sociedad. Sus trabajos (acciones en el espacio público, talleres con comunidades, las exposiciones que ha organizado y sus escritos) muestran un profundo interés por los acontecimientos que se producen en el contexto sociopolítico actual colombiano, abriendo espacios que permiten la reflexión y la sensibilización de artistas, personas y entidades culturales y estatales. En los años noventa fue codirector de la Casa Guillermo. Ha participado en varios festivales de performance en Colombia y en el exterior como el Instituto Hemisférico de Performance y Política en Argentina, Colombia, RIAP en Canadá, etc. Forma parte del archivo y exposición de 20 años socialmente comprometidos organizado por Creative Time en Nueva York. En los últimos años se ha interesado por enseñar a las comunidades a manifestarse a través del cuerpo de los individuos y del cuerpo social, sus talleres se centran en el poder transformador que tiene el arte en el cambio de la sociedad que nos merecemos y en cómo el cuerpo, a través y de la acción puede generar reacción, promoviendo una marcha pacífica, la no violencia y la actitud activa y comprometida que debe tener el individuo en estos tiempos.
Emeka Ogboh se conecta a los lugares con sus sentidos del oído y el gusto. A través de sus instalaciones sonoras y obras gastronómicas, Ogboh explora cómo las memorias e historias privadas, públicas y colectivas se traducen, transforman y codifican en sonido y comida. Estas obras contemplan cómo las experiencias auditivas y gustativas captan las relaciones existenciales, enmarcan nuestra comprensión del mundo y proporcionan un contexto en el que plantear preguntas críticas sobre la inmigración, la globalización y el poscolonialismo. Ogboh ha participado en numerosas exposiciones internacionales, como documenta 14, (2017), Atenas y Kassel, Skulptur Projekte Münster (2017), la 56ª edición de La Biennale di Venezia, Italia (2015), y la Bienal de Dakar (2014).
Emeka Ogboh se conecta a los lugares con sus sentidos del oído y el gusto. A través de sus instalaciones sonoras y obras gastronómicas, Ogboh explora cómo las memorias e historias privadas, públicas y colectivas se traducen, transforman y codifican en sonido y comida. Estas obras contemplan cómo las experiencias auditivas y gustativas captan las relaciones existenciales, enmarcan nuestra comprensión del mundo y proporcionan un contexto en el que plantear preguntas críticas sobre la inmigración, la globalización y el poscolonialismo. Ogboh ha participado en numerosas exposiciones internacionales, como documenta 14, (2017), Atenas y Kassel, Skulptur Projekte Münster (2017), la 56ª edición de La Biennale di Venezia, Italia (2015), y la Bienal de Dakar (2014).
Fernando es un artista de performance nacido en Bogotá (1968). Artista, gestor e investigador colombiano interesado en las relaciones entre el arte, el cuerpo y las problemáticas sociales, lleva a cabo acciones y proyectos culturales y artísticos de gestión desde los años noventa. Fernando estudió Arte en la Universidad de los Andes (Bogotá), es fundador y director de la Bienal Internacional de Performance PerfoArtNet y del Archivo Mundial de Performance, también dirige ArtOpenFundation.org, una fundación dedicada a promover un arte abierto a todos, un arte que contribuya a la construcción de la sociedad. Sus trabajos (acciones en el espacio público, talleres con comunidades, las exposiciones que ha organizado y sus escritos) muestran un profundo interés por los acontecimientos que se producen en el contexto sociopolítico actual colombiano, abriendo espacios que permiten la reflexión y la sensibilización de artistas, personas y entidades culturales y estatales. En los años noventa fue codirector de la Casa Guillermo. Ha participado en varios festivales de performance en Colombia y en el exterior como el Instituto Hemisférico de Performance y Política en Argentina, Colombia, RIAP en Canadá, etc. Forma parte del archivo y exposición de 20 años socialmente comprometidos organizado por Creative Time en Nueva York. En los últimos años se ha interesado por enseñar a las comunidades a manifestarse a través del cuerpo de los individuos y del cuerpo social, sus talleres se centran en el poder transformador que tiene el arte en el cambio de la sociedad que nos merecemos y en cómo el cuerpo, a través y de la acción puede generar reacción, promoviendo una marcha pacífica, la no violencia y la actitud activa y comprometida que debe tener el individuo en estos tiempos.
Morgan O'Hara nació en Los Ángeles, creció en Japón, obtuvo un máster en Arte por la Universidad Estatal de California en Los Ángeles, y realizó su primera exposición individual en el Museo Cantonal de Bellas Artes de Lausana (Suiza) en 1978. Comenzó a trabajar a nivel internacional en festivales de arte escénico en 1989, y realizó sus primeros dibujos murales específicos en De Fabriek, en Eindhoven (Países Bajos). O'Hara imparte clases magistrales de dibujo y psicología de la creatividad en academias de arte de Estados Unidos, Europa y Asia. O'Hara ha realizado numerosas residencias internacionales, incluidas dos sesiones en la MacDowell Colony de New Hampshire. Ha recibido becas de la Fundación Pollock-Krasner, la Fundación Gottleib, la Fundación Leon Levy, el Fondo de Viajes David y Rosamond Putnam y la Fundación Milton y Sally Avery. Su obra se encuentra en las colecciones permanentes de muchas instituciones, entre ellas Arkansas Art Center, Little Rock, Arkansas; Czech National Gallery, Praga; Hammer Museum, Los Ángeles, California; Hood Museum of Art Dartmouth College, New Hampshire; Janacek Museum, Brno, República Checa; Macau Art Museum, Macao, China; Moravian Gallery, Brno, República Checa; National Gallery of Art, Washington, D. C.; Museo de Arte de Olomouc, República Checa; Stedelijk Museum, Ámsterdam; Vrij Universiteit, Ámsterdam, Países Bajos; Wannieck Gallery, Brno, República Checa; Weatherspoon Gallery, Greensboro, Carolina del Norte. Sus dibujos murales permanentes se encuentran en el Museo de Arte de Macao (China), en la Academia Canadiense de Kobe (Japón) y en el edificio OZW de la Universidad de Ámsterdam (Países Bajos). Vivió en Italia durante 21 años. O'Hara se convirtió en miembro de la Elizabeth Foundation en 2010.
Morgan O'Hara nació en Los Ángeles, creció en Japón, obtuvo un máster en Arte por la Universidad Estatal de California en Los Ángeles, y realizó su primera exposición individual en el Museo Cantonal de Bellas Artes de Lausana (Suiza) en 1978. Comenzó a trabajar a nivel internacional en festivales de arte escénico en 1989, y realizó sus primeros dibujos murales específicos en De Fabriek, en Eindhoven (Países Bajos). O'Hara imparte clases magistrales de dibujo y psicología de la creatividad en academias de arte de Estados Unidos, Europa y Asia. O'Hara ha realizado numerosas residencias internacionales, incluidas dos sesiones en la MacDowell Colony de New Hampshire. Ha recibido becas de la Fundación Pollock-Krasner, la Fundación Gottleib, la Fundación Leon Levy, el Fondo de Viajes David y Rosamond Putnam y la Fundación Milton y Sally Avery. Su obra se encuentra en las colecciones permanentes de muchas instituciones, entre ellas Arkansas Art Center, Little Rock, Arkansas; Czech National Gallery, Praga; Hammer Museum, Los Ángeles, California; Hood Museum of Art Dartmouth College, New Hampshire; Janacek Museum, Brno, República Checa; Macau Art Museum, Macao, China; Moravian Gallery, Brno, República Checa; National Gallery of Art, Washington, D. C.; Museo de Arte de Olomouc, República Checa; Stedelijk Museum, Ámsterdam; Vrij Universiteit, Ámsterdam, Países Bajos; Wannieck Gallery, Brno, República Checa; Weatherspoon Gallery, Greensboro, Carolina del Norte. Sus dibujos murales permanentes se encuentran en el Museo de Arte de Macao (China), en la Academia Canadiense de Kobe (Japón) y en el edificio OZW de la Universidad de Ámsterdam (Países Bajos). Vivió en Italia durante 21 años. O'Hara se convirtió en miembro de la Elizabeth Foundation en 2010.
Gabriel Zea obtuvo en 2005 su diploma en artes plásticas, especialidad nuevas tecnologías en la Universidad Nacional de Colombia y la Maestría en Tecnología y Estética de las Artes Electrónicas de la Universidad Nacional Tres de Febrero en Buenos Aires, Argentina en 2013. Zea busca entender la acción laboral en el sistema económico actual que produce bienes físicos y una gran cantidad de información a través de medios digitales. Le interesa encontrar el tiempo invertido en el trabajo productivo, la alienación y la burocracia. Su trabajo busca, como él dice, crear experiencias estéticas alienadas y se expresa a través del vídeo, la instalación o la performance. Su obra ha recibido numerosos premios; fue seleccionado para el X Premio Luis Caballero en Colombia (2018); y fue premiado por la IV Bienal de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño. En Bogotá, Colombia (2016); por las becas de circulación nacional e internacional del Ministerio de Cultura de Colombia (2014, 2013, 2012) o por la Mención de Honor de ASAB, altas, medias y bajas tecnologías (2009). Zea ha realizado varias residencias artísticas en Colombia y Brasil.
Nació en 1966 en España. Vive y trabaja entre Madrid y Berlín. Desde los años 90, la obra de Carlos Schwartz se ha desarrollado con un mismo objetivo: dotar a los objetos cotidianos de un aura trascendente utilizando la luz y buscando una disposición teatral en el espacio. La evolución de su obra, desde sus pinturas de los 90 hasta los objetos reutilizados de los 2000, se adentra poco a poco en un simbolismo conceptual cada vez más denso. La luz genera una "lógica del extrañamiento", pone de relieve la dialéctica de lo permanente y lo evanescente, lo fijo y lo cambiante, el brillo y la oscuridad. Un juego de opuestos que crea niveles de significado en los que la obra muestra su potencial narrativo y simbólico.
Artista y escritor, cuyas investigaciones reflexionan sobre las conexiones entre las tecnologías digitales y los sistemas políticos, ecológicos y sociales. Su trabajo explora el agua como medio, sugiriendo las relaciones entre los sistemas líquidos y las tecnologías digitales. Recientemente, también ha investigado sobre Internet como red de caza. Ha sido profesor en el departamento de artes visuales de la Universidad Javeriana de Bogotá, coordinador de proyectos y asesor en Plataforma Bogotá: laboratorio interactivo de arte, ciencia y tecnología, y coordinador de programación alternativa en Espacio Odeón, un espacio de arte contemporáneo en Bogotá. Actualmente está realizando sus estudios en el programa de máster conjunto Erasmus "Media Arts Cultures", con sede en la Universidad del Danubio (Austria), la Universidad de Aalborg (Dinamarca) y la Universidad de Łódź (Polonia).
Artista y escritor, cuyas investigaciones reflexionan sobre las conexiones entre las tecnologías digitales y los sistemas políticos, ecológicos y sociales. Su trabajo explora el agua como medio, sugiriendo las relaciones entre los sistemas líquidos y las tecnologías digitales. Recientemente, también ha investigado sobre Internet como red de caza. Ha sido profesor en el departamento de artes visuales de la Universidad Javeriana de Bogotá, coordinador de proyectos y asesor en Plataforma Bogotá: laboratorio interactivo de arte, ciencia y tecnología, y coordinador de programación alternativa en Espacio Odeón, un espacio de arte contemporáneo en Bogotá. Actualmente está realizando sus estudios en el programa de máster conjunto Erasmus "Media Arts Cultures", con sede en la Universidad del Danubio (Austria), la Universidad de Aalborg (Dinamarca) y la Universidad de Łódź (Polonia).
Francesc Torres es tal vez más conocido por sus instalaciones escultóricas y multimedia que indagan en los órdenes sociales basados en las relaciones de poder político y económico. En estos entornos, a menudo arquitectónicos, como La cabeza del dragón (1981), La furia de los santos (1996) y Oikonomos (1989), Torres articula temas relacionados con la maquinaria de la guerra y la violencia en el contexto de la cultura y la historia. Sus vídeos monocanales continúan estas investigaciones, contemplando las tensiones entre la persistencia del tiempo y la fragilidad de la memoria en espacios políticamente cargados. Las obras de vídeo de Torres se basan en el examen de objetos (ruinas arquitectónicas, fetiches militaristas, artefactos de los medios de comunicación, etc.) y se extienden a través de asociaciones, metáforas e imágenes recurrentes para vincular estas narrativas contextualizadas con construcciones culturales más amplias. Francesc Torres nació en Barcelona, España, en 1948. Vivió en París y Chicago antes de trasladarse a Nueva York en 1974, adquiriendo la nacionalidad estadounidense en 1989. Ha recibido becas y ayudas del National Endowment for the Arts, la New York Foundation for the Arts, el Massachusetts Council for the Arts and Humanities, el Ministerio de Cultura español y el D.A.A.D. Berliner Kunstprogramm. También ha recibido una beca Fulbright.
Francesc Torres es tal vez más conocido por sus instalaciones escultóricas y multimedia que indagan en los órdenes sociales basados en las relaciones de poder político y económico. En estos entornos, a menudo arquitectónicos, como La cabeza del dragón (1981), La furia de los santos (1996) y Oikonomos (1989), Torres articula temas relacionados con la maquinaria de la guerra y la violencia en el contexto de la cultura y la historia. Sus vídeos monocanales continúan estas investigaciones, contemplando las tensiones entre la persistencia del tiempo y la fragilidad de la memoria en espacios políticamente cargados. Las obras de vídeo de Torres se basan en el examen de objetos (ruinas arquitectónicas, fetiches militaristas, artefactos de los medios de comunicación, etc.) y se extienden a través de asociaciones, metáforas e imágenes recurrentes para vincular estas narrativas contextualizadas con construcciones culturales más amplias. Francesc Torres nació en Barcelona, España, en 1948. Vivió en París y Chicago antes de trasladarse a Nueva York en 1974, adquiriendo la nacionalidad estadounidense en 1989. Ha recibido becas y ayudas del National Endowment for the Arts, la New York Foundation for the Arts, el Massachusetts Council for the Arts and Humanities, el Ministerio de Cultura español y el D.A.A.D. Berliner Kunstprogramm. También ha recibido una beca Fulbright.
PROM es un equipo de producción audiovisual formado por Federico Pozuelo, Javier Ruiz, Martín Alonzo y el artista sónico MGMØ. Los miembros comparten cuartel creativo cuando sus caminos se cruzaron por primera vez en la Facultad de Bellas Artes de Madrid antes de que sus futuros caminos se dispersaran por Europa. Tres de sus miembros trabajan como artistas independientes mientras uno de ellos realiza un doctorado en Antropología en la Universidad de Cambridge. Ahora colaboran a distancia: Federico vive en Carrara (Italia); su proyecto suele vincular la materialidad geológica con los metadatos digitales. Martin vive en Ámsterdam, Países Bajos, y se centra en la producción de trabajos que implementan prótesis subversivas, interacciones altamente codificadas y la percepción humana. Javier, que actualmente vive en Cambridge (Reino Unido), combina sus proyectos de investigación con una práctica artística colaborativa. Por último, MGMØ se encuentra en Valladolid, España, donde cultiva su identidad sónica. Su sonido se nutre de las tradiciones de la música de Detroit y Dusseldorf, al tiempo que hurga en las raíces del bakalao y en las particularidades de la historia de la música electrónica en España. Prom puede referirse a un grupo de individuos pertenecientes a la misma generación, o a un baile al final de un año académico. En términos de memoria informática, PROM también se refiere a la memoria de sólo lectura programable, una forma de memoria digital en la que la configuración de cada bit está bloqueada por un fusible o antifusible, lo que significa que los datos que contienen son permanentes y no pueden modificarse. Una serie web de su proyecto de vídeo "orientAtio,-inducción-lanzamiento" ha sido difundida por Radial Gallery (Madrid, Nueva York). El colectivo también desarrolla un proyecto editorial llamado Prom.run. Su primer número se hizo público en noviembre de 2019.
PROM es un equipo de producción audiovisual formado por Federico Pozuelo, Javier Ruiz, Martín Alonzo y el artista sónico MGMØ. Los miembros comparten cuartel creativo cuando sus caminos se cruzaron por primera vez en la Facultad de Bellas Artes de Madrid antes de que sus futuros caminos se dispersaran por Europa. Tres de sus miembros trabajan como artistas independientes mientras uno de ellos realiza un doctorado en Antropología en la Universidad de Cambridge. Ahora colaboran a distancia: Federico vive en Carrara (Italia); su proyecto suele vincular la materialidad geológica con los metadatos digitales. Martin vive en Ámsterdam, Países Bajos, y se centra en la producción de trabajos que implementan prótesis subversivas, interacciones altamente codificadas y la percepción humana. Javier, que actualmente vive en Cambridge (Reino Unido), combina sus proyectos de investigación con una práctica artística colaborativa. Por último, MGMØ se encuentra en Valladolid, España, donde cultiva su identidad sónica. Su sonido se nutre de las tradiciones de la música de Detroit y Dusseldorf, al tiempo que hurga en las raíces del bakalao y en las particularidades de la historia de la música electrónica en España. Prom puede referirse a un grupo de individuos pertenecientes a la misma generación, o a un baile al final de un año académico. En términos de memoria informática, PROM también se refiere a la memoria de sólo lectura programable, una forma de memoria digital en la que la configuración de cada bit está bloqueada por un fusible o antifusible, lo que significa que los datos que contienen son permanentes y no pueden modificarse. Una serie web de su proyecto de vídeo "orientAtio,-inducción-lanzamiento" ha sido difundida por Radial Gallery (Madrid, Nueva York). El colectivo también desarrolla un proyecto editorial llamado Prom.run. Su primer número se hizo público en noviembre de 2019.
McKenna es licenciada por la NCAD, Thomas St, Dublín, 2000-2005 Su trabajo se centra en la observación y la constante estructuración/reestructuración de los sistemas de información que intentan explicar el universo y nuestro lugar en él. A través de diversos medios, rastrea las diferentes formas de extracción, recopilación y comunicación de datos desarrolladas por los seres humanos para comprender la existencia, incluidos los métodos de experimentación científica, la tecnología, el lenguaje, los símbolos, la narración de historias, las creencias intuitivas o los mitos. Utilizando su práctica artística visual como herramienta de recopilación de información y destilación de datos, sus obras buscan desplegar la información oculta en aquellos espacios en los que concurren lo analítico y lo intuitivo. Su práctica es multidisciplinar y se compone de dibujo, fotografía, cine, instalación, audio y obras escultóricas. Ha recibido numerosos premios y ha realizado residencias en Nueva York, Islandia e Irlanda.
Nora Ligorano y Marshall Reese se han dedicado al arte de la colaboración desde que se conocieron en Baltimore. Sus primeras colaboraciones se iniciaron en el videoarte y la performance. A lo largo de tres décadas, los artistas han realizado arte de hardware y software, ediciones múltiples limitadas, vídeos, esculturas e instalaciones utilizando diversos materiales y procesos tradicionales y digitales. A finales de la década de 2000, comenzaron a instalar monumentos públicos temporales durante las convenciones políticas, una serie llamada Melted away. Estas esculturas de palabras talladas en hielo son filmadas, fotografiadas y transmitidas en streaming mientras se derriten y desaparecen. Han presentado 7 esculturas en 8 ciudades diferentes, incluyendo las convenciones de 2008, 2012 y 2016. Se han publicado artículos sobre su trabajo en el New York Times, Art Forum, Art In America, el Huffington Post, y se han visto en la televisión y otros medios. Han recibido premios y subvenciones, incluyendo 3 becas de la NYFA, así como una beca de la NEA, dos becas de la Fundación Jerome, una beca Puffin y varias residencias de artistas.
Christian Lesmes Mendoza es investigador, escritor y artista. Desde una práctica basada en la investigación, su trabajo se dirige a explorar las relaciones objetuales desde una perspectiva no jerárquica y no centrada en el sujeto, considerando al ser humano tan trascendental como las bacterias o los virus. Christian desarrolla intervenciones artísticas site-specific que deconstruyen las narrativas hegemónicas. También lleva a cabo investigaciones a largo plazo relacionadas con la realidad digital y, por tanto, con la propia realidad. En la actualidad, Christian forma parte del equipo de investigadores de la Universidad Técnica de Delft (Países Bajos), que explora las relaciones objetuales a nivel geologico y humano.
Biscotti se graduó en la Accademia di Belle Arti de Nápoles en 2002 y asistió a la Rijksakademie van Beeldende Kunsten de Ámsterdam en 2010-2011. Ha participado en importantes exposiciones internacionales, como la 55ª Bienal de Venecia y la 13ª Bienal de Estambul (2013), Documenta 13 (2012) y Manifesta 9 (2012). Su obra se ha presentado en exposiciones individuales en Witte de With, Rotterdam, Fondazione Ratti, Como, daadgalerie, Berlín (2019), Kunsthaus Baselland, Protocinema Estambul (2018), Fundación V-A-C en el Museo Estatal de Historia GULAG de Moscú (2016-2017), Museion Bolzano (2015), Haus Lange Haus Esters, Krefeld, Wiels, Bruselas, Sculpture Center, Nueva York (2014), Secession, Viena, e-flux, Nueva York (2013), CAC Vilnius (2012). También ha expuesto en varias exposiciones colectivas, como Dhaka Art Summit (2020), Stedelijk Museum, Ámsterdam (2019-2018), Kunstmuseum St Gallen, Tate St Ives (2018), Contour Biennale, Malinas (2017), MAXXI, Roma (2010-2017), Van Abbemuseum, Eindhoven, el Instituto Suizo de Nueva York (2016), Sonsbeek, comisariado por ruangrupa, Arnhem (2016), IMMA Dublín (2015), ICA Londres, Pinchuk Art Center, Kiev (2014), Castello di Rivoli (2012), Museu Serralves, Oporto (2010).
Jaime, nació en 1966 en Saboyá (Boyacá). Tras estudiar Ingeniería Civil, ingresó a la Facultad de Artes de la Universidad de los Andes en Bogotá. Desde muy pronto se interesó por los problemas sociales y económicos de las grandes ciudades latinoamericanas, y llevó a cabo varios proyectos, en particular con jóvenes desorientados y personas de poblaciones marginadas. Su obra toca diferentes campos como el cómic, el vídeo, la instalación y la fotografía. Sus obras, especialmente sus instalaciones fotográficas La vida es una pasarela y 10 metros cúbicos, han formado parte de numerosas exposiciones colectivas e individuales. Jaime Ávila participó en las Bienales de Sao Paulo y Liverpool (2005), y en la de La Habana (2006). Su obra ha recibido numerosos premios.Fue invitado al programa de investigación y estudios latinoamericanos para artistas del Centro David Rockefeller de Estudios Latinoamericanos de la Universidad de Harvard, donde ofrece Cuarto Mundo en 2005. En 2007 fue invitado a participar en el Photoquai du Quai Branly de París. Sus siguientes exposiciones individuales fueron : El traje del Palacio en la Galería Nueveochenta, Bogotá (2018) y Ciudad Perdida en el Museo de Arte de Pereira, Pereira (2016) y varias instituciones de arte en Colombia, Estados Unidos y México así como, ARCO Madrid (2020).
Fernando, nacido en 1963 en Armenia (Colombia), vive y trabaja entre Londres y Bogotá. Reconocido internacionalmente por su trabajo subversivo con el cuerpo, el género y la sexualidad. En sus obras, Arias destaca temas como la construcción de la nación, las relaciones de poder, la política, la violencia, el conflicto armado, las dinámicas represivas que han determinado las instituciones religiosas y políticas en el ser humano. El trabajo de investigación de Arias está completamente enraizado en la compleja realidad sociopolítica de Colombia. Arias denuncia el intolerable exceso de violencia política, social y cultural que intensifica los problemas que afectan al país, y que envuelven a la sociedad contemporánea. Involucrado en el desarrollo de proyectos sociales y culturales, Arias es uno de los dos fundadores de 'Más arte, más acción', una fundación sin ánimo de lucro que desde 2011 trabaja para generar una plataforma de proyectos artísticos interdisciplinarios con otros artistas. Involucra a comunidades de la región del Pacífico colombiano. El artista investiga la realidad colombiana para descubrir las distintas capas que la componen y se convierte en el medio para expresar los mensajes de las comunidades excluidas y marginadas. Su trabajo le permite comprender la inadecuación y el descontento de la sociedad.
Fernando, nacido en 1963 en Armenia (Colombia), vive y trabaja entre Londres y Bogotá. Reconocido internacionalmente por su trabajo subversivo con el cuerpo, el género y la sexualidad. En sus obras, Arias destaca temas como la construcción de la nación, las relaciones de poder, la política, la violencia, el conflicto armado, las dinámicas represivas que han determinado las instituciones religiosas y políticas en el ser humano. El trabajo de investigación de Arias está completamente enraizado en la compleja realidad sociopolítica de Colombia. Arias denuncia el intolerable exceso de violencia política, social y cultural que intensifica los problemas que afectan al país, y que envuelven a la sociedad contemporánea. Involucrado en el desarrollo de proyectos sociales y culturales, Arias es uno de los dos fundadores de 'Más arte, más acción', una fundación sin ánimo de lucro que desde 2011 trabaja para generar una plataforma de proyectos artísticos interdisciplinarios con otros artistas. Involucra a comunidades de la región del Pacífico colombiano. El artista investiga la realidad colombiana para descubrir las distintas capas que la componen y se convierte en el medio para expresar los mensajes de las comunidades excluidas y marginadas. Su trabajo le permite comprender la inadecuación y el descontento de la sociedad.
Edson Barrus nació en 1961 en Carnaubeira da Penha, Brasil. Vive entre Recife y París. Es un activista cultural, ha creado el espacio alternativo Rés do Chão en Río de Janeiro de 2002 a 2005, un espacio para estudiar, realizar exposiciones e investigar sobre las prácticas artísticas contemporáneas. Desarrolla ahora con la UTBM el proyecto Perro de Mulato. Artista becado por el CNPQ-Brasil. Es también editor de la revista Nós Contemporâneos. Trabaja con vídeo desde hace casi diez años. La cámara es una herramienta esencial en su producción, capta imágenes (en el metro de Berlín, durante una manifestación en París), las encuadra lo más cerca posible (rua Lavradio en Río de Janeiro, una cocina en Catskill) y crea imágenes muy plásticas (el agua bajo todas sus formas) utilizando discretos dispositivos de filmación: una cámara digital y un teléfono móvil. El sonido, nunca ilustrativo, es tratado en pie de igualdad con la imagen cuya presencia refuerza. La práctica del vídeo permite a Edson Barrus actuar sobre la vida cotidiana transformándola en obra artística, siempre que esta obra se considere una actividad social. Ha participado en numerosos festivales internacionales de cine en Europa y América.
Edson Barrus nació en 1961 en Carnaubeira da Penha, Brasil. Vive entre Recife y París. Es un activista cultural, ha creado el espacio alternativo Rés do Chão en Río de Janeiro de 2002 a 2005, un espacio para estudiar, realizar exposiciones e investigar sobre las prácticas artísticas contemporáneas. Desarrolla ahora con la UTBM el proyecto Perro de Mulato. Artista becado por el CNPQ-Brasil. Es también editor de la revista Nós Contemporâneos. Trabaja con vídeo desde hace casi diez años. La cámara es una herramienta esencial en su producción, capta imágenes (en el metro de Berlín, durante una manifestación en París), las encuadra lo más cerca posible (rua Lavradio en Río de Janeiro, una cocina en Catskill) y crea imágenes muy plásticas (el agua bajo todas sus formas) utilizando discretos dispositivos de filmación: una cámara digital y un teléfono móvil. El sonido, nunca ilustrativo, es tratado en pie de igualdad con la imagen cuya presencia refuerza. La práctica del vídeo permite a Edson Barrus actuar sobre la vida cotidiana transformándola en obra artística, siempre que esta obra se considere una actividad social. Ha participado en numerosos festivales internacionales de cine en Europa y América.
Marisa Baumgartner nació en Washington D.C. en 1980 y se crió entre Washington y Salzburgo, Austria. Se licenció en Bellas Artes en Fotografía por la Rhode Island School of Design en 2002 y obtuvo un máster en Fotografía por la Universidad de Yale en 2006. Ha expuesto en numerosos países y en 2011 expuso por primera vez en un museo de Estados Unidos. Marisa Baumgartner vive y trabaja actualmente en Brooklyn, Nueva York.
Marisa Baumgartner nació en Washington D.C. en 1980 y se crió entre Washington y Salzburgo, Austria. Se licenció en Bellas Artes en Fotografía por la Rhode Island School of Design en 2002 y obtuvo un máster en Fotografía por la Universidad de Yale en 2006. Ha expuesto en numerosos países y en 2011 expuso por primera vez en un museo de Estados Unidos. Marisa Baumgartner vive y trabaja actualmente en Brooklyn, Nueva York.
igura destacada del videoarte y el cine experimental en Francia. Yann Beauvais es académico, cineasta, crítico, teórico y autor de una treintena de cortometrajes e instalaciones. También es el cofundador, en 1982, con Miles McKane, de Light Cone, una asociación con sede en París dedicada al servicio de la creación, distribución y salvaguarda del cine experimental. Beauvais ha establecido, desde los años 80, una importante red de amistades y vínculos con cineastas experimentales estadounidenses e internacionales. Notables artistas han depositado sus películas en Light Cone, haciendo de esta estructura, con más de tres mil quinientas películas en su catálogo, la mayor cooperativa europea de distribución de cine experimental, y la segunda del mundo después de la Film-Makers Cooperative de Nueva York, cofundada por Jonas Mekas en 1962 (que cuenta con cinco mil piezas). Consiguió establecer fructíferos diálogos con instituciones museísticas y ofrecer así al cine experimental una mayor visibilidad que en el pasado. Fundó en 2011 con Edson Barrus un espacio cultural en Recife. Es profesor en la Escuela Nacional Superior de Artes de París-Cergy. También ha enseñado estética e historia del cine experimental en el Studio Le Fresnoy, la Universidad de París 3 - Sorbonne Nouvelle y la Universidad de Florida. Ha sido comisario y programador en el American Center y trabaja en el Centro Nacional de Arte y Cultura Georges-Pompidou (que le dio carta blanca en 2007 y en 2010), en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de París así como en la Galería Nacional del Jeu de Paume. Sus artículos, publicados en diversas revistas, han sido recogidos en la colección Poussière d'image, publicada en 1998, por Éditions Paris experimental. Sus vídeos y películas se han presentado en diferentes festivales y museos de todo el mundo.
igura destacada del videoarte y el cine experimental en Francia. Yann Beauvais es académico, cineasta, crítico, teórico y autor de una treintena de cortometrajes e instalaciones. También es el cofundador, en 1982, con Miles McKane, de Light Cone, una asociación con sede en París dedicada al servicio de la creación, distribución y salvaguarda del cine experimental. Beauvais ha establecido, desde los años 80, una importante red de amistades y vínculos con cineastas experimentales estadounidenses e internacionales. Notables artistas han depositado sus películas en Light Cone, haciendo de esta estructura, con más de tres mil quinientas películas en su catálogo, la mayor cooperativa europea de distribución de cine experimental, y la segunda del mundo después de la Film-Makers Cooperative de Nueva York, cofundada por Jonas Mekas en 1962 (que cuenta con cinco mil piezas). Consiguió establecer fructíferos diálogos con instituciones museísticas y ofrecer así al cine experimental una mayor visibilidad que en el pasado. Fundó en 2011 con Edson Barrus un espacio cultural en Recife. Es profesor en la Escuela Nacional Superior de Artes de París-Cergy. También ha enseñado estética e historia del cine experimental en el Studio Le Fresnoy, la Universidad de París 3 - Sorbonne Nouvelle y la Universidad de Florida. Ha sido comisario y programador en el American Center y trabaja en el Centro Nacional de Arte y Cultura Georges-Pompidou (que le dio carta blanca en 2007 y en 2010), en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de París así como en la Galería Nacional del Jeu de Paume. Sus artículos, publicados en diversas revistas, han sido recogidos en la colección Poussière d'image, publicada en 1998, por Éditions Paris experimental. Sus vídeos y películas se han presentado en diferentes festivales y museos de todo el mundo.
Berkowitz crea instalaciones, vídeos, fotografía, audio y objetos que abordan la crítica social y política, la conciencia social y la condición humana. Desde principios de los años setenta, ha expuesto en museos, bienales y otras instituciones internacionales, como el PS1 de Long Island City, el Whitney Museum of American Art de Nueva York, la Primera Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Cartagena de Indias (Colombia), el Alternative Museum de Nueva York, el Boca Raton Museum of Art, el Contemporary Arts Museum de Houston, el Metrònom de Barcelona y el Museo do Pobo Galego de Santiago de Compostela.
Berkowitz crea instalaciones, vídeos, fotografía, audio y objetos que abordan la crítica social y política, la conciencia social y la condición humana. Desde principios de los años setenta, ha expuesto en museos, bienales y otras instituciones internacionales, como el PS1 de Long Island City, el Whitney Museum of American Art de Nueva York, la Primera Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Cartagena de Indias (Colombia), el Alternative Museum de Nueva York, el Boca Raton Museum of Art, el Contemporary Arts Museum de Houston, el Metrònom de Barcelona y el Museo do Pobo Galego de Santiago de Compostela.
Biscotti se graduó en la Accademia di Belle Arti de Nápoles en 2002 y asistió a la Rijksakademie van Beeldende Kunsten de Ámsterdam en 2010-2011. Ha participado en importantes exposiciones internacionales, como la 55ª Bienal de Venecia y la 13ª Bienal de Estambul (2013), Documenta 13 (2012) y Manifesta 9 (2012). Su obra se ha presentado en exposiciones individuales en Witte de With, Rotterdam, Fondazione Ratti, Como, daadgalerie, Berlín (2019), Kunsthaus Baselland, Protocinema Estambul (2018), Fundación V-A-C en el Museo Estatal de Historia GULAG de Moscú (2016-2017), Museion Bolzano (2015), Haus Lange Haus Esters, Krefeld, Wiels, Bruselas, Sculpture Center, Nueva York (2014), Secession, Viena, e-flux, Nueva York (2013), CAC Vilnius (2012). También ha expuesto en varias exposiciones colectivas, como Dhaka Art Summit (2020), Stedelijk Museum, Ámsterdam (2019-2018), Kunstmuseum St Gallen, Tate St Ives (2018), Contour Biennale, Malinas (2017), MAXXI, Roma (2010-2017), Van Abbemuseum, Eindhoven, el Instituto Suizo de Nueva York (2016), Sonsbeek, comisariado por ruangrupa, Arnhem (2016), IMMA Dublín (2015), ICA Londres, Pinchuk Art Center, Kiev (2014), Castello di Rivoli (2012), Museu Serralves, Oporto (2010).
Dupont es un artista visual nacido en Colombia (1985). Su práctica es una pregunta por la política de presentación en contexto, un espacio potencial que confronta el racionalismo occidental a través de la articulación de intervenciones site-specific, desplegando lo siniestro en experiencias biosemióticas como resistencia al lenguaje. Actualmente es estudiante de la división de Filosofía, Arte y Pensamiento Crítico en The European Graduate School, trabajando el diálogo entre el chamanismo y la automatización. Ha realizado exposiciones individuales como 'UUS YAHTX' en Popayán con la colaboración de la Guardia Indígena del Cauca en 2018, MAPARADOXTERRA en el Cine del Museo La Tertulia en Cali (2013); y ha participado en exposiciones colectivas como ARTECAMARA en ARTBO organizada por Helena Producciones en Bogotá (2019), Húesped en Lugar a dudas en Cali (2016), La segunda Bienal de Montevideo en Uruguay (2014) y 'Colombia Hoy' en #1 Cartagena, la Bienal de Arte contemporáneo de Cartagena (2014).
Christian Lesmes Mendoza es investigador, escritor y artista. Desde una práctica basada en la investigación, su trabajo se dirige a explorar las relaciones objetuales desde una perspectiva no jerárquica y no centrada en el sujeto, considerando al ser humano tan trascendental como las bacterias o los virus. Christian desarrolla intervenciones artísticas site-specific que deconstruyen las narrativas hegemónicas. También lleva a cabo investigaciones a largo plazo relacionadas con la realidad digital y, por tanto, con la propia realidad. En la actualidad, Christian forma parte del equipo de investigadores de la Universidad Técnica de Delft (Países Bajos), que explora las relaciones objetuales a nivel geologico y humano.
Dupont es un artista visual nacido en Colombia (1985). Su práctica es una pregunta por la política de presentación en contexto, un espacio potencial que confronta el racionalismo occidental a través de la articulación de intervenciones site-specific, desplegando lo siniestro en experiencias biosemióticas como resistencia al lenguaje. Actualmente es estudiante de la división de Filosofía, Arte y Pensamiento Crítico en The European Graduate School, trabajando el diálogo entre el chamanismo y la automatización. Ha realizado exposiciones individuales como 'UUS YAHTX' en Popayán con la colaboración de la Guardia Indígena del Cauca en 2018, MAPARADOXTERRA en el Cine del Museo La Tertulia en Cali (2013); y ha participado en exposiciones colectivas como ARTECAMARA en ARTBO organizada por Helena Producciones en Bogotá (2019), Húesped en Lugar a dudas en Cali (2016), La segunda Bienal de Montevideo en Uruguay (2014) y 'Colombia Hoy' en #1 Cartagena, la Bienal de Arte contemporáneo de Cartagena (2014).
William Engelen es un artista visual y compositor nacido en los Países Bajos que vive y trabaja en Berlín. Su obra atraviesa el espectro entre las artes visuales y la música, tomando estrategias de cada campo para poner a prueba los límites entre la imagen y el sonido. La producción incluye instalaciones, performances, vídeos, partituras e incluso maquetas. Engelen ha expuesto en solitario en el Drawing Center de Nueva York, en la Haus am Waldsee de Berlín, en la Kunsthalle Mannheim de Mannheim, en la Kunsthalle Osnabrück de Osnabrück, en el Central Museum de Utrecht, en el Witte de With de Rotterdam, en el Nasjonalmuseet de Oslo y próximamente en el Kunstmuseum Den Haag de Holanda. Sus composiciones se han interpretado en Maerzmusik, Berlín; Gaudeamus, Utrecht; Ultima, Oslo. Los intérpretes con los que ha colaborado son: Clemens Merkel, Montreal; Motion Ensemble, NB; Sonar Quartett, Berlín; Joan La Barbara, Nueva York; Dimitrios Polisoidis, Viena; Talujon, Nueva York; KNM Berlín. Sus discos de vinilo están publicados por Edition Telemark, Berlín.
William Engelen es un artista visual y compositor nacido en los Países Bajos que vive y trabaja en Berlín. Su obra atraviesa el espectro entre las artes visuales y la música, tomando estrategias de cada campo para poner a prueba los límites entre la imagen y el sonido. La producción incluye instalaciones, performances, vídeos, partituras e incluso maquetas. Engelen ha expuesto en solitario en el Drawing Center de Nueva York, en la Haus am Waldsee de Berlín, en la Kunsthalle Mannheim de Mannheim, en la Kunsthalle Osnabrück de Osnabrück, en el Central Museum de Utrecht, en el Witte de With de Rotterdam, en el Nasjonalmuseet de Oslo y próximamente en el Kunstmuseum Den Haag de Holanda. Sus composiciones se han interpretado en Maerzmusik, Berlín; Gaudeamus, Utrecht; Ultima, Oslo. Los intérpretes con los que ha colaborado son: Clemens Merkel, Montreal; Motion Ensemble, NB; Sonar Quartett, Berlín; Joan La Barbara, Nueva York; Dimitrios Polisoidis, Viena; Talujon, Nueva York; KNM Berlín. Sus discos de vinilo están publicados por Edition Telemark, Berlín.
Raphaël Faon y Andres Salgado, licenciados por la École Nationale Supérieure d'Arts de Paris-Cergy (ENSAPC) y actualmente investigadores en la École des Hautes Études en Sciences Sociales (EHESS) de París. Raphaël Faon se propone poner en crisis los sistemas de representación, revelar la construcción de la realidad por un mundo de imágenes, más que producir imágenes de un mundo llamado "real". Utilizando archivos, corrientes y objetos manufacturados, sus obras se centran en la fotografía, las instalaciones y los proyectos digitales. Partiendo del propio simulacro de las imágenes transmitidas por los medios visuales y de comunicación (cine, publicidad, Internet, televisión), Andrés Salgado exalta el artificio en su obra. Sus imágenes están íntimamente ligadas al texto axiomático que recorre las pantallas de sus vídeos. Salgado da prioridad a diferentes medios como el vídeo, la instalación, la escultura o la fotografía. Su trabajo ha sido presentado en diferentes exposiciones en el Centro Pompidou de París y Málaga, Fondation Louis Vuitton, Musée de la Chasse et de la Nature, Galería YGREC en Francia. Han obtenido reconocimientos como el Premio-Ganador del Numeriscope- 104 para el Grand Palais (2019), el Premio Maif (2016), han sido finalistas del Programa de Investigación Organoïde en el Institut Pasteur (2019), Premio Pulsar (2018). Recientemente han estado en residencia de creación en Ateliers Médicis, la-Ville-aux-Clercs.(2018) y han participado en la 4ª Bienal Internacional de Casablanca (Marruecos) en 2018.
Raphaël Faon y Andres Salgado, licenciados por la École Nationale Supérieure d'Arts de Paris-Cergy (ENSAPC) y actualmente investigadores en la École des Hautes Études en Sciences Sociales (EHESS) de París. Raphaël Faon se propone poner en crisis los sistemas de representación, revelar la construcción de la realidad por un mundo de imágenes, más que producir imágenes de un mundo llamado "real". Utilizando archivos, corrientes y objetos manufacturados, sus obras se centran en la fotografía, las instalaciones y los proyectos digitales. Partiendo del propio simulacro de las imágenes transmitidas por los medios visuales y de comunicación (cine, publicidad, Internet, televisión), Andrés Salgado exalta el artificio en su obra. Sus imágenes están íntimamente ligadas al texto axiomático que recorre las pantallas de sus vídeos. Salgado da prioridad a diferentes medios como el vídeo, la instalación, la escultura o la fotografía. Su trabajo ha sido presentado en diferentes exposiciones en el Centro Pompidou de París y Málaga, Fondation Louis Vuitton, Musée de la Chasse et de la Nature, Galería YGREC en Francia. Han obtenido reconocimientos como el Premio-Ganador del Numeriscope- 104 para el Grand Palais (2019), el Premio Maif (2016), han sido finalistas del Programa de Investigación Organoïde en el Institut Pasteur (2019), Premio Pulsar (2018). Recientemente han estado en residencia de creación en Ateliers Médicis, la-Ville-aux-Clercs.(2018) y han participado en la 4ª Bienal Internacional de Casablanca (Marruecos) en 2018.
Richard Garrison se licenció en Arte de Estudio en el College of Saint Rose, Albany, NY, en 1993, y obtuvo un máster en la Universidad de Cornell, Ithaca, NY, en 1995. Su obra ha sido expuesta a nivel nacional e internacional, en el Weatherspoon Art Museum de Greensboro (Carolina del Norte), en el Mass MoCA de North Adams (Massachusetts), en el Ruth and Elmer Wellin Museum of Art de Clinton (Nueva York), en el Rochester Contemporary Art Center de Nueva York, en el Visual Arts Center of New Jersey de Summit (Nueva Jersey), en el International Print Center de Nueva York, en el Elmhurst Museum of Art y en el Queens Museum of Art, entre otros. Vive y mantiene su estudio en Delmar, NY.
Richard Garrison se licenció en Arte de Estudio en el College of Saint Rose, Albany, NY, en 1993, y obtuvo un máster en la Universidad de Cornell, Ithaca, NY, en 1995. Su obra ha sido expuesta a nivel nacional e internacional, en el Weatherspoon Art Museum de Greensboro (Carolina del Norte), en el Mass MoCA de North Adams (Massachusetts), en el Ruth and Elmer Wellin Museum of Art de Clinton (Nueva York), en el Rochester Contemporary Art Center de Nueva York, en el Visual Arts Center of New Jersey de Summit (Nueva Jersey), en el International Print Center de Nueva York, en el Elmhurst Museum of Art y en el Queens Museum of Art, entre otros. Vive y mantiene su estudio en Delmar, NY.
El trabajo de Grosser se centra en los efectos culturales, sociales y políticos del software. La obra de Grosser se ha expuesto en importantes lugares, exposiciones y festivales internacionales, como Eyebeam en Nueva York, Arebyte en Londres, Museu de Comunicacōes en Lisboa, Museum Kesselhaus en Berlín, FILE en São Paulo, Digital Arts Festival en Atenas, Pikselin Bergen, WRO Media Art Biennale en Wroclaw, Science Gallery en Dublín, Museum Ludwig en Colonia, Kunsthaus Langenthal en Suiza y Galerie Charlot en París. Su obra se puede ver actualmente en el marco de AI: More than Human, organizado por el Barbican Center de Londres, y viajará al Groninger Forum de los Países Bajos, y a 24/7 en Somerset House, Londres, entre otros.
El trabajo de Grosser se centra en los efectos culturales, sociales y políticos del software. La obra de Grosser se ha expuesto en importantes lugares, exposiciones y festivales internacionales, como Eyebeam en Nueva York, Arebyte en Londres, Museu de Comunicacōes en Lisboa, Museum Kesselhaus en Berlín, FILE en São Paulo, Digital Arts Festival en Atenas, Pikselin Bergen, WRO Media Art Biennale en Wroclaw, Science Gallery en Dublín, Museum Ludwig en Colonia, Kunsthaus Langenthal en Suiza y Galerie Charlot en París. Su obra se puede ver actualmente en el marco de AI: More than Human, organizado por el Barbican Center de Londres, y viajará al Groninger Forum de los Países Bajos, y a 24/7 en Somerset House, Londres, entre otros.
Nora Ligorano y Marshall Reese se han dedicado al arte de la colaboración desde que se conocieron en Baltimore. Sus primeras colaboraciones se iniciaron en el videoarte y la performance. A lo largo de tres décadas, los artistas han realizado arte de hardware y software, ediciones múltiples limitadas, vídeos, esculturas e instalaciones utilizando diversos materiales y procesos tradicionales y digitales. A finales de la década de 2000, comenzaron a instalar monumentos públicos temporales durante las convenciones políticas, una serie llamada Melted away. Estas esculturas de palabras talladas en hielo son filmadas, fotografiadas y transmitidas en streaming mientras se derriten y desaparecen. Han presentado 7 esculturas en 8 ciudades diferentes, incluyendo las convenciones de 2008, 2012 y 2016. Se han publicado artículos sobre su trabajo en el New York Times, Art Forum, Art In America, el Huffington Post, y se han visto en la televisión y otros medios. Han recibido premios y subvenciones, incluyendo 3 becas de la NYFA, así como una beca de la NEA, dos becas de la Fundación Jerome, una beca Puffin y varias residencias de artistas.
Jaime, nació en 1966 en Saboyá (Boyacá). Tras estudiar Ingeniería Civil, ingresó a la Facultad de Artes de la Universidad de los Andes en Bogotá. Desde muy pronto se interesó por los problemas sociales y económicos de las grandes ciudades latinoamericanas, y llevó a cabo varios proyectos, en particular con jóvenes desorientados y personas de poblaciones marginadas. Su obra toca diferentes campos como el cómic, el vídeo, la instalación y la fotografía. Sus obras, especialmente sus instalaciones fotográficas La vida es una pasarela y 10 metros cúbicos, han formado parte de numerosas exposiciones colectivas e individuales. Jaime Ávila participó en las Bienales de Sao Paulo y Liverpool (2005), y en la de La Habana (2006). Su obra ha recibido numerosos premios.Fue invitado al programa de investigación y estudios latinoamericanos para artistas del Centro David Rockefeller de Estudios Latinoamericanos de la Universidad de Harvard, donde ofrece Cuarto Mundo en 2005. En 2007 fue invitado a participar en el Photoquai du Quai Branly de París. Sus siguientes exposiciones individuales fueron : El traje del Palacio en la Galería Nueveochenta, Bogotá (2018) y Ciudad Perdida en el Museo de Arte de Pereira, Pereira (2016) y varias instituciones de arte en Colombia, Estados Unidos y México así como, ARCO Madrid (2020).
David Medina, fontanero colombo-venezolano, es un ingeniero informático con un máster en Bellas Artes y Artes Visuales que actualmente reside en Bogotá, Colombia. La política de la interfaz, la traducción como medio expresivo y el lenguaje como forma son algunas de las áreas de exploración utilizando software, vídeo, performance, impresos y otros medios. Cofundador de grama.co con un grupo de otros artistas y entidades.
David Medina, fontanero colombo-venezolano, es un ingeniero informático con un máster en Bellas Artes y Artes Visuales que actualmente reside en Bogotá, Colombia. La política de la interfaz, la traducción como medio expresivo y el lenguaje como forma son algunas de las áreas de exploración utilizando software, vídeo, performance, impresos y otros medios. Cofundador de grama.co con un grupo de otros artistas y entidades.
