LA Galería

Contacto: Luis Alfonso Aristizábal
Cll. 77 # 12-03 L-101

Vanitas

Para esta temporada, proponemos una reflexión sobre las consecuencias y lecciones que han surgido durante las condiciones en que hemos vivido en los últimos meses, que, además, corresponden a las preocupaciones que desde antes se venían manifestando. El mundo entero requiere aprender de lo sucedido para evolucionar a una sociedad más sabia y una forma de vivir sostenible.

Contacto

Galeria
LA galería
Luis Alfonso Aristizábal
Catherine Leost
Cll. 77 # 12-03 L-101
+573106972701
LA galería es un espacio dedicado a presentar propuestas de artistas colombianos y latinoamericanos relacionadas con temas sociales y asuntos humanos y existenciales. Nos preocupamos por generar reflexión y mejorar nuestra sociedad y la forma como habitamos el mundo. Prestamos particular atención al uso del lenguaje plástico, y nos interesa, en especial, promover propuestas que produzcan un impacto en la sociedad.
Maquiamelo Maquiamelo
King, 2020
Impresión sobre aluminio
90 x 67
COP 12.000.000

Reseña del artista

Como una reacción relativa a la incomodidad que lo invade, Maquiamelo ha encontrado una metáfora con la que expresa este sentimiento en la observación de la vida y la metamorfosis de las mariposas y el impacto que le produjo al descubrir y descifrar la radicalidad de estas transformaciones en las que cada etapa nueva es la negación dramática de la anterior, como una permanente insatisfacción, como una perpetua fuga hacia otra cosa, como una omnipresente ruina de su condición. Y que sea precisamente su acceso al despliegue de sus alas coloridas cuando parecen alcanzar su secreta pretensión, cuando la vida se contrae y les niega la existencia, como si la muerte viniera apresurada a castigar su insolencia.

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Maquiamelo Maquiamelo
XXX, 2020
Impresión sobre aluminio
90 x 67
COP 12.000.000

Reseña del artista

Como una reacción relativa a la incomodidad que lo invade, Maquiamelo ha encontrado una metáfora con la que expresa este sentimiento en la observación de la vida y la metamorfosis de las mariposas y el impacto que le produjo al descubrir y descifrar la radicalidad de estas transformaciones en las que cada etapa nueva es la negación dramática de la anterior, como una permanente insatisfacción, como una perpetua fuga hacia otra cosa, como una omnipresente ruina de su condición. Y que sea precisamente su acceso al despliegue de sus alas coloridas cuando parecen alcanzar su secreta pretensión, cuando la vida se contrae y les niega la existencia, como si la muerte viniera apresurada a castigar su insolencia.

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Maquiamelo Maquiamelo
Marilin , 2015
Fotografía lenticular
80 x 100
COP 23.000.000

Reseña del artista

Como una reacción relativa a la incomodidad que lo invade, Maquiamelo ha encontrado una metáfora con la que expresa este sentimiento en la observación de la vida y la metamorfosis de las mariposas y el impacto que le produjo al descubrir y descifrar la radicalidad de estas transformaciones en las que cada etapa nueva es la negación dramática de la anterior, como una permanente insatisfacción, como una perpetua fuga hacia otra cosa, como una omnipresente ruina de su condición. Y que sea precisamente su acceso al despliegue de sus alas coloridas cuando parecen alcanzar su secreta pretensión, cuando la vida se contrae y les niega la existencia, como si la muerte viniera apresurada a castigar su insolencia.

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Nicolás Cárdenas
De la serie SER AHI, 2018
Instalación penetrable
100 x 100
COP 9.000.000

Reseña del artista

Mi trabajo consiste en percibir y comprender el espacio. Comprender el espacio en el que vivimos los humanos y que nos rodea como seres vivos. Entendiendo que somos un cuerpo físico y mental que ocupa un espacio que hay que compartir con otras personas y otros seres. Mi interés es crear situaciones que cuestionen al espectador sobre lo que está mirando y el espacio que ocupan. La curiosidad del espectador es lo que le impulsa a interactuar con la pieza de forma física y mental. En la mayoría de mis piezas, el espectador tiene que usar su propio cuerpo, de manera física, para interactuar con la obra. A veces es descubriendo que pueden pisarlo o que pueden tocarlo o que tienen que caminar alrededor de él. El asombro que sienten las personas cuando se arriesgan a interactuar con el trabajo es lo que busco. Esa sensación de inestabilidad, alegría y asombro, que nos hace reaccionar de manera inconsciente, como: impedir que otros ocupen ciertas áreas del espacio, es lo que nos hace cuestionar cómo tomamos el mando, interactuamos y entendemos un área o lugar específico. Comprender cómo creamos nociones de espacio que están todas en nuestra imaginación, pero que son reales, es lo que nos hace darnos cuenta de cómo los humanos dibujamos líneas imaginarias que limitan o definen nuestra idea de un lugar y nuestro comportamiento en una sociedad. La gente puede experimentar miedo, admiración y poder al mismo tiempo. Finalmente terminan teniendo el control de sí mismos frente a la obra de arte.

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Blanca Botero
Caligrafías inmersivas, 2019
Instalación de gran formato que incluye dibujo, interacción de luz y letrero de neón controlados por arduino
variables. medidas mínimas del espacio expositivo: 3.50 x 3.50 x 5 m
COP 25.000.000

Reseña del artista

Exploro puntos de vista y escalas ajenas o inusuales, buscando posibles sintonías con seres vivos o inertes distintos al humano. Desde allí me interesa presentar, -principalmente en dibujo, video, fotografía e instalación-, aspectos críticos sobre la transformación que hace el humano del planeta Tierra. Ejercí el derecho corporativo y financiero durante algunos años, procurando comprender las dinámicas de dilución de responsabilidad por los daños que el humano causa a las demás especies y al medio ambiente. En 2008 vendí mi oficina para dedicarme exclusivamente al arte, pero si miro mucho más atrás, aún desde niña, encuentro dos constantes en mi vida: una es la curiosidad y la necesidad de experimentar con materiales y tecnologías, que es un confiable y divertido método para comprender; y dos, la investigación sobre el uso y transformación de todo lo que toca el ser humano, que es un vasto campo de investigación, un campo sin límites.

Mario Opazo
El Arte fue un trozo de arcilla cocido, 2019
Instalación luces de neón y pieza de arcilla
variables
COP 20.000.000

Reseña del artista

Profesor Asociado en el cargo de Coordinador Académico de la Maestría de Artes Plásticas y Visuales. Entre sus obras destacadas se encuentra el libro: “El perro estúpido y las fotos que nunca hice”, publicado por la Universidad Nacional de Colombia, un potente conjunto de imágenes escritas a manera de poesía en prosa, abocadas a señalar la memoria como potencia o fuerza creadora y su obra en video: “Olvido de arena”, a partir de la cual el filósofo colombiano radicado en Francia, Alfredo Gómez-Muller, escribió su ensayo político titulado: “Arte y memoria de la inhumanidad: acerca de un olvido de arena” publicado en el libro: “La vulnérabilité du monde: Démocraties et violences à l’heure de la globalisation », editado por la Université Catholique de Louvain. Ha participado en la 52º Bienal Internacional de Arte de Venecia en el 2007, la X Bienal de la Habana, la II Bienal de Mercosur y este año fue invitado a la Bienal de Monterrey en México. Fue ganador del Premio al Arte Latinoamericano en el MOLAA, Los Ángeles EE.UU. Ha participado en varias versiones de los RENCONTRES INTERNATIONALES PARÍS / BERLIN / MADRID en el Centro Georges Pompidou y en Beaux-arts de París y en el Museo Nacional Reina Sofía en Madrid, en el Museo Jeu de Paume en París. A exhibido su trabajo en exposiciones individuales y colectivas dentro y fuera del país, se destaca el estreno de su película “AMARGO COMO LA VIDA”, dedicada al pueblo Saharaui en exilio, esta película fue estrenada en Europa en el CENTRO CULTURAL MATADERO MADRID. Ha sido nominado a becas y premios de creación como: la nominación a la Beca Guggenheim por el artista brasilero Paulo Bruscky en el año 2000 y la nominación al Premio Luis Caballero en el 2008. Se destaca su exhibición individual “Territorio Fugitivo”, inaugurada en marzo del 2008 en la Galería Gabriela Mistral en Santiago de Chile. Entre otros premios importantes, ha recibido el Primer Premio en el 36º Salón Nacional de Artistas en Colombia, el premio Luis Caballero en el 2010, el Primer Premio en el salón de Arte Joven, el Primer Premio en el I Salón de Arte Bidimensional, el Primer Premio en el Salón Kent Explora de la British American Tobaco e innumerables menciones y reconocimientos a su trabajo.

Javier Vanegas
Tempus Fugit, 2019
Impresiones fotográficas sobre láminas de aluminio
35 x 20 cm c/u
COP 2.000.000

Reseña del artista

Bogotano (1984), Javier Vanegas estudió Artes Plásticas en la Universidad de los Andes, realizó el Máster de Investigación Arte y Creación en la Universidad Complutense de Madrid beca completa otorgada por la Fundación Carolina en 2017. En el 2019 empezó su tesis Doctoral “Investigación sobre la imagen fotográfica en la era del Aceleracionism” en Bellas Artes UCM línea de investigación fotografía. Hizo su primera exposición individual en el Museo de Arte Moderno de Bogotá MAMBO, con su proyecto de grado de la Universidad de los Andes “Portarretrato Postmoderno”, el cual obtuvo el reconocimiento de tesis meritoria. Posteriormente en 2009 participaría en Fotográfica Bogotá III en el Centro Gabriel García Márquez, En el 2014 expuso en MACRO Museo de Arte Contemporáneo de Roma en el marco del Festival de Fotografía de Italia con su obra titulada AMPO. Presentó en el 2018 la exposición individual titulada Echos en el marco de PhotoEspaña, Madrid . En el 2019 exhibió su último proyecto fotográfico EXTINTO en la Galería El Museo de Bogotá y participó con la obra Tempus Fugit en LA Galería en el marco de Fotográfica Bogotá 2019. En el 2017 recibió la “ Beca para colombianos en proceso de formación artística y cultural en el exterior” del Ministerio de Cultura”. Entre los reconocimientos que ha tenido su obra artística se destacan el Premio del 6º Salón de Arte Bidimensional otorgado por la Fundación Gilberto Álzate Avendaño, el Premio a las Artes Uniandinos IV versión y la mención de honor del Premio Fernando Botero. Obtuvo en el 2016 y 2017 la Beca Red Galería Santa Fe, categoría programación continua, como director y co-creador del Tercer Salón Universitario de Fotografía. Ha participado en la publicación de libros como Tarjeta De Memoria / Memory Card, Ensayos sobre fotografía contemporánea en Colombia. Los sueños de la Razón y Revela Colombia 2011 publicado por el Ministerio de Cultura. Participó como conferencista en TED Barranquilla en el 2013. Trabajó como profesor del Departamento de Artes de Universidad de los Andes donde ofreció la asignatura de Fotografía Experimental, Igualmente estuvo a cargo de la asignatura Fotografía Artística en la Universidad Jorge Tadeo Lozano y la clase Fotografía Avanzada de la Pontificia Universidad Javeriana. Desde el 2012 es miembro del Colectivo Si Nos Pagan Boys, iniciativa de autogestión independiente. Es el Director y co-creador del Salón Universitario de Fotografía, plataforma de difusión y visualización de las propuestas fotográficas que nacen en el ámbito de la educación superior de Colombia.

Javier Vanegas
Ampo 4, 2013
Fotografías sobre vidrio y proceso del siglo XIX conocido como Ambrotipo o Colodión
80 x 60
COP 2.800.000

Reseña del artista

Bogotano (1984), Javier Vanegas estudió Artes Plásticas en la Universidad de los Andes, realizó el Máster de Investigación Arte y Creación en la Universidad Complutense de Madrid beca completa otorgada por la Fundación Carolina en 2017. En el 2019 empezó su tesis Doctoral “Investigación sobre la imagen fotográfica en la era del Aceleracionism” en Bellas Artes UCM línea de investigación fotografía. Hizo su primera exposición individual en el Museo de Arte Moderno de Bogotá MAMBO, con su proyecto de grado de la Universidad de los Andes “Portarretrato Postmoderno”, el cual obtuvo el reconocimiento de tesis meritoria. Posteriormente en 2009 participaría en Fotográfica Bogotá III en el Centro Gabriel García Márquez, En el 2014 expuso en MACRO Museo de Arte Contemporáneo de Roma en el marco del Festival de Fotografía de Italia con su obra titulada AMPO. Presentó en el 2018 la exposición individual titulada Echos en el marco de PhotoEspaña, Madrid . En el 2019 exhibió su último proyecto fotográfico EXTINTO en la Galería El Museo de Bogotá y participó con la obra Tempus Fugit en LA Galería en el marco de Fotográfica Bogotá 2019. En el 2017 recibió la “ Beca para colombianos en proceso de formación artística y cultural en el exterior” del Ministerio de Cultura”. Entre los reconocimientos que ha tenido su obra artística se destacan el Premio del 6º Salón de Arte Bidimensional otorgado por la Fundación Gilberto Álzate Avendaño, el Premio a las Artes Uniandinos IV versión y la mención de honor del Premio Fernando Botero. Obtuvo en el 2016 y 2017 la Beca Red Galería Santa Fe, categoría programación continua, como director y co-creador del Tercer Salón Universitario de Fotografía. Ha participado en la publicación de libros como Tarjeta De Memoria / Memory Card, Ensayos sobre fotografía contemporánea en Colombia. Los sueños de la Razón y Revela Colombia 2011 publicado por el Ministerio de Cultura. Participó como conferencista en TED Barranquilla en el 2013. Trabajó como profesor del Departamento de Artes de Universidad de los Andes donde ofreció la asignatura de Fotografía Experimental, Igualmente estuvo a cargo de la asignatura Fotografía Artística en la Universidad Jorge Tadeo Lozano y la clase Fotografía Avanzada de la Pontificia Universidad Javeriana. Desde el 2012 es miembro del Colectivo Si Nos Pagan Boys, iniciativa de autogestión independiente. Es el Director y co-creador del Salón Universitario de Fotografía, plataforma de difusión y visualización de las propuestas fotográficas que nacen en el ámbito de la educación superior de Colombia.

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David Peña
Optimismo, 2017
Dibujo sobre papel
30 x 20 cm c/u
COP 12.000.000

Reseña del artista

David Peña Lopera (Colombia) Bogotá, 1981. Maestro en Artes Plásticas de la Universidad Nacional de Colombia y MFA del San Francisco Art Institute, maestría que cursó como becario Fulbright – Ministerio de Cultura. Ha sido docente de la Universidad Nacional, la Universidad Jorge Tadeo Lozano y la Universidad Javeriana. A través de medios diversos que incluyen el dibujo, la programación, la escultura y el video, su obra busca interrogar regímenes de representación y conocimiento que incluyen la geometría, la cartografía y el documental. Optimismo es la más reciente exposición de David Peña Lopera. Bajo la premisa de que todos los sentidos son el tacto modificado y reconociendo que esta idea es particularmente inquietante cuando se piensa en la visión, David Peña representa situaciones en las que imagina el tacto extendido en el espacio o la visión en condiciones improbables de distancia nula. A través de dibujo, vídeo y escultura el artista bogotano continúa indagando plásticamente sobre escala y percepción, ideas constantes en su trabajo de los últimos años, para señalar condiciones del razonamiento condicionado por la escala del cuerpo humano.

David Peña
Mapa de los oceanos, 2012
Dibujo sobre papel
70 x 90
COP 6.000.000

Reseña del artista

David Peña Lopera (Colombia) Bogotá, 1981. Maestro en Artes Plásticas de la Universidad Nacional de Colombia y MFA del San Francisco Art Institute, maestría que cursó como becario Fulbright – Ministerio de Cultura. Ha sido docente de la Universidad Nacional, la Universidad Jorge Tadeo Lozano y la Universidad Javeriana. A través de medios diversos que incluyen el dibujo, la programación, la escultura y el video, su obra busca interrogar regímenes de representación y conocimiento que incluyen la geometría, la cartografía y el documental. Optimismo es la más reciente exposición de David Peña Lopera. Bajo la premisa de que todos los sentidos son el tacto modificado y reconociendo que esta idea es particularmente inquietante cuando se piensa en la visión, David Peña representa situaciones en las que imagina el tacto extendido en el espacio o la visión en condiciones improbables de distancia nula. A través de dibujo, vídeo y escultura el artista bogotano continúa indagando plásticamente sobre escala y percepción, ideas constantes en su trabajo de los últimos años, para señalar condiciones del razonamiento condicionado por la escala del cuerpo humano.

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