SGR Galería

Contacto: Steven Guberek Reyes
Calle 26 a bis # 4-18

Artistas SGR

Para esta edición de ARTBO, SGR Galería presenta la obra de 10 de sus artistas representados. La reunión de este grupo de artistas bajo sus condiciones actuales nos hace reflexionar acerca de los privilegios que, como humanidad, habíamos adquirido inadvertidamente. Con sus obras, estos 10 artistas nos hablan de formas de vida y percepción que se han visto afectadas por la pandemia.

Contacto

Galeria
SGR Galería
Steven Guberek Reyes
Calle 26 a bis # 4-18
+ 57 3153363852
SGR Galería es un espacio dedicado a fomentar y difundir propuestas artísticas contemporáneas latinoamericanas, que busca presentar a su público una mirada al arte alejada de los discursos de difícil acceso. A través de un programa expositivo orientado hacia la instalación y las intervenciones de sitio específico, y tomando como punto de partida la configuración arquitectónica del espacio físico de la galería; ha impulsado a sus artistas a realizar intervenciones espaciales de gran escala. Con esta estrategia, SGR Galería desafía las ideas preconcebidas sobre las formas de muestra y exhibición en espacios comerciales de arte, mientras que reta a sus artistas a expandir los límites de sus prácticas personales; por otro lado, enfatiza la centralidad que para la galería tiene la relación entre las artes visuales y la arquitectura, la manera en la que el arte habita y modifica los espacios que ocupamos.
Alejandro Londoño
Paisaje Doméstico (Glaciar Pastoruri, Perú), 2020
Pintura acrílica sobre metacrilato
50 x 70
COP 8.000.000

Reseña del artista

Paisaje Doméstico, presenta una serie de pinturas hechas a mano, que representan diferentes lugares de todo el mundo basadas en la de-codificación de imágenes que se encuentran en la web. Sin embargo, la finalidad del proyecto es justamente vaciar de contenido al paisaje –no hay árboles, ni nubes, ni construcciones- para dotar a la pintura de un elemento discursivo: la consecuencia inmediata de la digitalización. Las pinturas de la serie son, en consecuencia, reducciones plásticas de un proceso de reducción digital, o más fácil, el producto material de un proceso inmaterial. Cuando la imagen de ese atardecer marino le sorprendió por la mañana, el Blanco Navajo (ffdead), derivado del Rojo (ff0000) y del Amarillo (ffff00) y en composición similar al Cajón de Arena (fef5ca) o al Salmón Claro (ffa07a), pudo ser identificado como tono de transición entre el Azul Acero (36648b) y el Rojo Naranja (ff4500). Lo identificó cuando recorría el Boulevard Albert 1er en el Street View desde un cómodo asiento que predominaba sobre su sala de estar ; lo identificó enseguida porque únicamente veía colores : habituado a la pantalla, su experiencia sensible se había reducido casi por completo pero sus agudos ojos podían reconocer y catalogar hasta 256 tonos del espectro electromagnético. Así reducido, observando y distinguiendo colores, había derrochado los días y las horas, incluso las semanas, inmerso en un espectacular programa que con el tiempo se convirtió en vicio. A punta de ratón y tecla llegó a identificar pisos térmicos y microclimas, aprendió a catalogar especies de árboles y arbustos, a medir altitudes sin barómetro y a referenciar su posición sin brújula. Visitó latitudes varias pero no por ello se convirtió en viajero o en turista, pues a pesar de recorrer considerables distancias, regresaba siempre con las manos vacías. Las imágenes prestadas le permitieron imaginar experiencias ajenas y con datos pudo construir universos virtuales; robó y compartió innumerables veces vivencias salvaguardadas por derechos de autor, vivencias que trató de apropiarse y que no pocas veces creyó propias; con extensiones tecnológicas erró y erró, y sin darse cuenta, entumeció su ser. Esa tarde, sin embargo, advirtió la reticencia del programa y decidió descansar unos días alejado de la pantalla, pensando que allí nada encontraría. Habiéndose recuperado de la fatiga y como tentado por las vibrantes apariciones, volvió entonces a su lugar habitual, vista la cara hacia la matriz linéal, y lleno de esperanza, buscó nuevos paisajes. Ésta vez, se dijo, algo recogeré.

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Alejandro Londoño
Paisaje Doméstico (Sahuasiray, Perú), 2020
Pintura acrílica sobre metacrilato
50 x 70
COP 8.000.000

Reseña del artista

Paisaje Doméstico, presenta una serie de pinturas hechas a mano, que representan diferentes lugares de todo el mundo basadas en la de-codificación de imágenes que se encuentran en la web. Sin embargo, la finalidad del proyecto es justamente vaciar de contenido al paisaje –no hay árboles, ni nubes, ni construcciones- para dotar a la pintura de un elemento discursivo: la consecuencia inmediata de la digitalización. Las pinturas de la serie son, en consecuencia, reducciones plásticas de un proceso de reducción digital, o más fácil, el producto material de un proceso inmaterial. Cuando la imagen de ese atardecer marino le sorprendió por la mañana, el Blanco Navajo (ffdead), derivado del Rojo (ff0000) y del Amarillo (ffff00) y en composición similar al Cajón de Arena (fef5ca) o al Salmón Claro (ffa07a), pudo ser identificado como tono de transición entre el Azul Acero (36648b) y el Rojo Naranja (ff4500). Lo identificó cuando recorría el Boulevard Albert 1er en el Street View desde un cómodo asiento que predominaba sobre su sala de estar ; lo identificó enseguida porque únicamente veía colores : habituado a la pantalla, su experiencia sensible se había reducido casi por completo pero sus agudos ojos podían reconocer y catalogar hasta 256 tonos del espectro electromagnético. Así reducido, observando y distinguiendo colores, había derrochado los días y las horas, incluso las semanas, inmerso en un espectacular programa que con el tiempo se convirtió en vicio. A punta de ratón y tecla llegó a identificar pisos térmicos y microclimas, aprendió a catalogar especies de árboles y arbustos, a medir altitudes sin barómetro y a referenciar su posición sin brújula. Visitó latitudes varias pero no por ello se convirtió en viajero o en turista, pues a pesar de recorrer considerables distancias, regresaba siempre con las manos vacías. Las imágenes prestadas le permitieron imaginar experiencias ajenas y con datos pudo construir universos virtuales; robó y compartió innumerables veces vivencias salvaguardadas por derechos de autor, vivencias que trató de apropiarse y que no pocas veces creyó propias; con extensiones tecnológicas erró y erró, y sin darse cuenta, entumeció su ser. Esa tarde, sin embargo, advirtió la reticencia del programa y decidió descansar unos días alejado de la pantalla, pensando que allí nada encontraría. Habiéndose recuperado de la fatiga y como tentado por las vibrantes apariciones, volvió entonces a su lugar habitual, vista la cara hacia la matriz linéal, y lleno de esperanza, buscó nuevos paisajes. Ésta vez, se dijo, algo recogeré.

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Alejandro Londoño
Paisaje Doméstico (Cerro Huascarán, Perú), 2020
Pintura acrílica sobre metacrilato
50 x 70
COP 8.000.000

Reseña del artista

Paisaje Doméstico, presenta una serie de pinturas hechas a mano, que representan diferentes lugares de todo el mundo basadas en la de-codificación de imágenes que se encuentran en la web. Sin embargo, la finalidad del proyecto es justamente vaciar de contenido al paisaje –no hay árboles, ni nubes, ni construcciones- para dotar a la pintura de un elemento discursivo: la consecuencia inmediata de la digitalización. Las pinturas de la serie son, en consecuencia, reducciones plásticas de un proceso de reducción digital, o más fácil, el producto material de un proceso inmaterial. Cuando la imagen de ese atardecer marino le sorprendió por la mañana, el Blanco Navajo (ffdead), derivado del Rojo (ff0000) y del Amarillo (ffff00) y en composición similar al Cajón de Arena (fef5ca) o al Salmón Claro (ffa07a), pudo ser identificado como tono de transición entre el Azul Acero (36648b) y el Rojo Naranja (ff4500). Lo identificó cuando recorría el Boulevard Albert 1er en el Street View desde un cómodo asiento que predominaba sobre su sala de estar ; lo identificó enseguida porque únicamente veía colores : habituado a la pantalla, su experiencia sensible se había reducido casi por completo pero sus agudos ojos podían reconocer y catalogar hasta 256 tonos del espectro electromagnético. Así reducido, observando y distinguiendo colores, había derrochado los días y las horas, incluso las semanas, inmerso en un espectacular programa que con el tiempo se convirtió en vicio. A punta de ratón y tecla llegó a identificar pisos térmicos y microclimas, aprendió a catalogar especies de árboles y arbustos, a medir altitudes sin barómetro y a referenciar su posición sin brújula. Visitó latitudes varias pero no por ello se convirtió en viajero o en turista, pues a pesar de recorrer considerables distancias, regresaba siempre con las manos vacías. Las imágenes prestadas le permitieron imaginar experiencias ajenas y con datos pudo construir universos virtuales; robó y compartió innumerables veces vivencias salvaguardadas por derechos de autor, vivencias que trató de apropiarse y que no pocas veces creyó propias; con extensiones tecnológicas erró y erró, y sin darse cuenta, entumeció su ser. Esa tarde, sin embargo, advirtió la reticencia del programa y decidió descansar unos días alejado de la pantalla, pensando que allí nada encontraría. Habiéndose recuperado de la fatiga y como tentado por las vibrantes apariciones, volvió entonces a su lugar habitual, vista la cara hacia la matriz linéal, y lleno de esperanza, buscó nuevos paisajes. Ésta vez, se dijo, algo recogeré.

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Federico Ortegón
La suerte del obrero, 2020
Guantes de cuero usados
160 x 190
COP 12.000.000

Reseña del artista

La suerte del obrero La fortuna de las manos se deja leer por la adivina. Solo quien sabe ver las líneas que deja el desgaste, puede adivinar la suerte de quien se esfuerza en doblegar los materiales. Todas las materias ásperas, corrosivas, filosas, pesadas, terminan por suavizarse ante la insistencia de la piel y de la piel que suplanta la piel.

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Federico Ortegón
La suerte del obrero (Detalle), 2020
Guantes de cuero usados
160 x 190
COP 12.000.000

Reseña del artista

La suerte del obrero La fortuna de las manos se deja leer por la adivina. Solo quien sabe ver las líneas que deja el desgaste, puede adivinar la suerte de quien se esfuerza en doblegar los materiales. Todas las materias ásperas, corrosivas, filosas, pesadas, terminan por suavizarse ante la insistencia de la piel y de la piel que suplanta la piel.

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Juan Uribe
Multiple choice, 2020
Tinta sobre papel de algodón. (Instalación completa 20 piezas)
35 x 25 c/u
COP 13.000.000

Reseña del artista

El trabajo de Uribe (1985) que abarca texto, dibujo, collage, pintura y escultura se distingue por una perspectiva latinoamericana sobre el dominio y poder de la enseñanza histórica del arte occidental. Asumiendo las narrativas recibidas pero negándose a aceptarlas las representa de una manera en la que se cruzan humor, ironía, y un deseo irreverente por el dominio y los privilegios asociados a las obras canónicas occidentales y el culto a sus artistas. Al apropiarse e imitar a otros artistas revela afecto por su trabajo, al mismo tiempo que hace burla a las convenciones de la cultura contemporánea de galería, y la expectativa del público.

Juan Uribe
Multiple choice (Detalle), 2020
Tinta sobre papel de algodón. (Instalación completa 20 piezas)
35 x 25 c/u
COP 13.000.000

Reseña del artista

El trabajo de Uribe (1985) que abarca texto, dibujo, collage, pintura y escultura se distingue por una perspectiva latinoamericana sobre el dominio y poder de la enseñanza histórica del arte occidental. Asumiendo las narrativas recibidas pero negándose a aceptarlas las representa de una manera en la que se cruzan humor, ironía, y un deseo irreverente por el dominio y los privilegios asociados a las obras canónicas occidentales y el culto a sus artistas. Al apropiarse e imitar a otros artistas revela afecto por su trabajo, al mismo tiempo que hace burla a las convenciones de la cultura contemporánea de galería, y la expectativa del público.

Juan Uribe
Multiple choice (Detalle), 2020
Tinta sobre papel de algodón. (Instalación completa 20 piezas)
35 x 25 c/u
COP 13.000.000

Reseña del artista

El trabajo de Uribe (1985) que abarca texto, dibujo, collage, pintura y escultura se distingue por una perspectiva latinoamericana sobre el dominio y poder de la enseñanza histórica del arte occidental. Asumiendo las narrativas recibidas pero negándose a aceptarlas las representa de una manera en la que se cruzan humor, ironía, y un deseo irreverente por el dominio y los privilegios asociados a las obras canónicas occidentales y el culto a sus artistas. Al apropiarse e imitar a otros artistas revela afecto por su trabajo, al mismo tiempo que hace burla a las convenciones de la cultura contemporánea de galería, y la expectativa del público.

Juan Uribe
Multiple choice (Detalle), 2020
Tinta sobre papel de algodón. (Instalación completa 20 piezas)
35 x 25 c/u
COP 13.000.000

Reseña del artista

El trabajo de Uribe (1985) que abarca texto, dibujo, collage, pintura y escultura se distingue por una perspectiva latinoamericana sobre el dominio y poder de la enseñanza histórica del arte occidental. Asumiendo las narrativas recibidas pero negándose a aceptarlas las representa de una manera en la que se cruzan humor, ironía, y un deseo irreverente por el dominio y los privilegios asociados a las obras canónicas occidentales y el culto a sus artistas. Al apropiarse e imitar a otros artistas revela afecto por su trabajo, al mismo tiempo que hace burla a las convenciones de la cultura contemporánea de galería, y la expectativa del público.

Juan Uribe
Multiple choice (Detalle), 2020
Tinta sobre papel de algodón. (Instalación completa 20 piezas)
35 x 25 c/u
COP 13.000.000

Reseña del artista

El trabajo de Uribe (1985) que abarca texto, dibujo, collage, pintura y escultura se distingue por una perspectiva latinoamericana sobre el dominio y poder de la enseñanza histórica del arte occidental. Asumiendo las narrativas recibidas pero negándose a aceptarlas las representa de una manera en la que se cruzan humor, ironía, y un deseo irreverente por el dominio y los privilegios asociados a las obras canónicas occidentales y el culto a sus artistas. Al apropiarse e imitar a otros artistas revela afecto por su trabajo, al mismo tiempo que hace burla a las convenciones de la cultura contemporánea de galería, y la expectativa del público.

Juan Uribe
Multiple choice (Detalle), 2020
Tinta sobre papel de algodón. (Instalación completa 20 piezas)
35 x 25 c/u
COP 13.000.000

Reseña del artista

El trabajo de Uribe (1985) que abarca texto, dibujo, collage, pintura y escultura se distingue por una perspectiva latinoamericana sobre el dominio y poder de la enseñanza histórica del arte occidental. Asumiendo las narrativas recibidas pero negándose a aceptarlas las representa de una manera en la que se cruzan humor, ironía, y un deseo irreverente por el dominio y los privilegios asociados a las obras canónicas occidentales y el culto a sus artistas. Al apropiarse e imitar a otros artistas revela afecto por su trabajo, al mismo tiempo que hace burla a las convenciones de la cultura contemporánea de galería, y la expectativa del público.

Juan Uribe
Multiple choice (Detalle), 2020
Tinta sobre papel de algodón. (Instalación completa 20 piezas)
35 x 25 c/u
COP 13.000.000

Reseña del artista

El trabajo de Uribe (1985) que abarca texto, dibujo, collage, pintura y escultura se distingue por una perspectiva latinoamericana sobre el dominio y poder de la enseñanza histórica del arte occidental. Asumiendo las narrativas recibidas pero negándose a aceptarlas las representa de una manera en la que se cruzan humor, ironía, y un deseo irreverente por el dominio y los privilegios asociados a las obras canónicas occidentales y el culto a sus artistas. Al apropiarse e imitar a otros artistas revela afecto por su trabajo, al mismo tiempo que hace burla a las convenciones de la cultura contemporánea de galería, y la expectativa del público.

Luciano Denver
Museum Of Latin American Life, 2020
impresión giclée sobre papel de conservación. Edición: 1/5
148 x 115
COP 19.000.000

Reseña del artista

Nace en 1975 en la ciudad de Junín, Argentina. En 1994 se traslada a Buenos Aires desde Junín, para estudiar Diseño de indumentaria y luego Arquitectura en la Universidad de Buenos Aires. Durante su Carrera colabora con oficinas de arquitectura en proyectos paisajísticos, momento en el cual despierta su interés por el territorio como eje central de su búsqueda plástica. En el año 2001 se traslada a Europa donde presenta por primera vez su trabajo artístico. En 2012 llega a Bogotá donde reside y trabaja actualmente. En su trabajo se acerca a ciudades de diferentes contextos culturales, revisando el devenir de su arquitectura y urbanismo y como estos afectan la vida cotidiana. Uno de los medios claves dentro de su práctica artística es la fotografía, comprendida de la forma menos convencional posible, porque se distancia de una valoración documental de la imagen, pero también se resiste a un empleo “artístico” de ella. Lo que propone es el uso de la fotografía como una práctica artística que implica la apropiación de diferentes concepciones de su lógica; al ver sus imágenes se puede pensar en primera instancia que se trata de una proposición documental, pero luego parecería surgir la idea de que se trata es de una entera invención imaginaria. Pero si se sigue indagando se llega a descubrir que hay tanto de lo uno como de lo otro, salvo que se articulan estas dos lecturas por motivaciones enteramente críticas.

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Javier Morales Casas
Unicornios de río, 2020
Óleo sobre madera
25 x 40
COP 1.620.000

Reseña del artista

Pintor y ceramista, sus procesos se vinculan con una fuerte sensación de ver a lo lejos la vida en el campo, le tiene miedo al vacío y lo dice porque cree que lo expresivo se genera como un contrapeso de lo que no hay. Sus pinturas las hace sobre maderas descartadas que encuentra en la basura, al caminar o flotando en el mar, le interesa lo austero y lo precario, los motivos y la búsqueda del estilo pictórico vienen de un sincretismo entre el Primitivismo Colombiano y la pintura vudú haitiana, la figuración del Antiguo Egipto y las Miniaturas Persas.

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Santiago Pinyol
Un poco de historia, 2020
Pintura en esmalte sobre vidrio
120 x 168
COP 10.000.000

Reseña del artista

Vive y trabaja entre Roterdam, Holanda y Bogotá, Colombia. Graduado de Licenciatura en Bellas Artes en 2008 y como Máster en arte, creación e investigación en 2011 de la Universidad Complutense de Madrid. El trabajo de Santiago Pinyol revisa las problemáticas del arte como una industria de producción de conocimiento. La obra reciente de Santiago se cuestiona a cerca del distanciamiento material a la obra y el acercamiento a lo discursivo, producto de la reproductibilidad de obras maestras en libros y textos a través de la crítica y la enseñanza de la historia del arte. En sus trabajos estos cuestionamientos se traducen a un lenguaje visual pulcro y contundente, característico de su producción plástica, objetos enmarcados y seriados que juegan simultáneamente el papel de producto plástico y subversión visual. Hace parte del colectivo laagencia y co/director de la galería CARNE.

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Manuel Hernández
Islas II, 2020
Acrílico sobre satén
70 x 106
COP 4.500.000

Reseña del artista

Manuel Hernández Ruiz Vive y trabaja en Atenas, Grecia Manuel Hernández nace en el año 1986 en la ciudad de Cali. En el 2010 se gradúa como Artista Plástico de la Universidad Javeriana de Bogotá. Entre el 2007 y el 2011 construye el colectivo TALLER18, una plataforma para el desarrollo de proyectos editoriales, talleres de gráfica autogestionada y exposiciones de arte emergente. Esta experiencia enriqueció la práctica del artista y lo condujo a técnicas como la serigrafía, el dibujo y la pintura. En la obra de Hernández la estética de cartel gráfico, como intención comunicativa explícita, y el fatalismo como una forma de poesía, son recursos para la consolidación de un lenguaje transgresor. Dentro de su trabajo más reciente está la exposición individual.

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Colectivo Mangle
Celosía Mellethalia, 2015
Calado a mano sobre madera de okume contrachapada
200 x 119 x 28
COP 26.600.000

Reseña del artista

Colectivo “Mangle” está conformado por María Paula y Diego Álvarez. Sus trabajos envuelven materiales y herramientas propios de la carpintería, llevando esta práctica al límite, logrando presentarnos con su manejo del material una obra que permite percibir profundos planteamientos a cerca de la sensibilidad, la movilidad y la experimentación en función de la destreza manual.

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Paulo Licona
La alondra persiguiendo el disco rojo (version de Joan Miró) , 2020
Tapiz en papel de algodón impreso por el artista
180 x 90
COP 9.000.000

Reseña del artista

Paulo Licona nace en el año 1977 en la ciudad de Tunja. Su trabajo tiene especial interés en los procesos educativos, el castigo, el portarse mal, y en este mismo sentido confronta al espectador a través de un tono humorístico que raya con la ironía y la burla.

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Verónica Lehner
Las cosas pasan, 2020
Pintura acrílica sin soporte
35 x 35 cm c/u
COP 15.000.000

Reseña del artista

En su trabajo, Verónica Lehner examina los procesos materiales como herramienta para conocer el espacio y las relaciones que lo conforman. Sus pinturas frecuentemente se vuelven instalaciones, objetos o fotografías que muestran las propiedades particulares de los materiales utilizados mientras hacen un recuento de la forma en que han sido trabajados. El material es así no sólo una materia prima para la consecución de un fin sino que es lo que impulsa y guía del acto mismo de crear.

Verónica Lehner
Las cosas pasan (Detalle), 2020
Pintura acrílica sin soporte
35 x 35 cm c/u
COP 15.000.000

Reseña del artista

En su trabajo, Verónica Lehner examina los procesos materiales como herramienta para conocer el espacio y las relaciones que lo conforman. Sus pinturas frecuentemente se vuelven instalaciones, objetos o fotografías que muestran las propiedades particulares de los materiales utilizados mientras hacen un recuento de la forma en que han sido trabajados. El material es así no sólo una materia prima para la consecución de un fin sino que es lo que impulsa y guía del acto mismo de crear.

Verónica Lehner
Las cosas pasan (Detalle), 2020
Pintura acrílica sin soporte
35 x 35 cm c/u
COP 15.000.000

Reseña del artista

En su trabajo, Verónica Lehner examina los procesos materiales como herramienta para conocer el espacio y las relaciones que lo conforman. Sus pinturas frecuentemente se vuelven instalaciones, objetos o fotografías que muestran las propiedades particulares de los materiales utilizados mientras hacen un recuento de la forma en que han sido trabajados. El material es así no sólo una materia prima para la consecución de un fin sino que es lo que impulsa y guía del acto mismo de crear.

Verónica Lehner
Las cosas pasan (Detalle), 2020
Pintura acrílica sin soporte
35 x 35 cm c/u
COP 15.000.000

Reseña del artista

En su trabajo, Verónica Lehner examina los procesos materiales como herramienta para conocer el espacio y las relaciones que lo conforman. Sus pinturas frecuentemente se vuelven instalaciones, objetos o fotografías que muestran las propiedades particulares de los materiales utilizados mientras hacen un recuento de la forma en que han sido trabajados. El material es así no sólo una materia prima para la consecución de un fin sino que es lo que impulsa y guía del acto mismo de crear.

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