Un programa de la Cámara de Comercio de Bogotá
Un programa cultural de:
Un programa de la Cámara de Comercio de Bogotá
Un programa cultural de:
La Galería tiene planeado llevar a la feria ArtBo 2022 una propuesta mixta enseñando diversos medios artísticos. Esperamos que esta propuesta enriquezca la experiencia del público asistente sin dejar de lado el rigor técnico y conceptual que acostumbramos presentar en ArtBO.
Galería de arte contemporáneo con un proyecto que impulsa y apoya artistas jóvenes colombianos. Inaugurada en el año 2009, ubicada en el barrio San Felipe. Ademas de su programación fija, cuenta con un programa de artistas invitados, el cual cobija artistas de otras generaciones.
Valor de cambio sugiere la reflexión sobre los paisajes inmortalizados en los billetes como índice de la naturaleza controlada y domesticada; de un paraíso perenne y resistente al paso del tiempo mediante la persistencia, el esfuerzo y la acción del hombre. El paisaje constituye un de los ejes de indagación en la obra de David Guarnizo, abordando a través de lo visual problemas filosóficos relativos al espacio, el tiempo y otros conceptos que sitúan la presencia, la mirada y la acción humana sobre el espacio. Desde el 2014, algunos de sus proyectos han partido de la reconstrucción semántica de nociones como límite, frontera, territorio y lugar, reflexionando en torno al horizonte como línea que marca límites territoriales permanentes y visibles, pero inasibles. En sus obras, la mirada ejerce un acto de delimitación sobre el territorio hasta convertirlo en paisaje, y el recorrido del artista- caminante enfatiza las líneas divisorias que quedan ocultas tras un edificio o un accidente geográfico. Guarnizo también reflexiona en torno al horizonte como límite del campo visual de un observador sobre el territorio que lo circunda. Sin embargo, también estudia la palabra ‘horizonte’ desde el valor metafórico y poético que lo define como el conjunto de anticipaciones, expectativas y sueños que guían la deriva vital del sujeto. Siguiendo esa connotación, propone que cuando una persona se aproxima al horizonte trazado, no se encuentra con nada distinto a lo que la ha habitado y orientado su voluntad desde el inicio del recorrido. Esto mismo ocurre plásticamente cuando el artista se desplaza a través de un vasto territorio mientras se dirige hacia el horizonte; al tiempo que se aleja, su figura se funde con el paisaje, con esa línea de destino. Despojado de toda intención instrumental, el andar se observa como un modo de habitar el mundo. Los medios mediante los cuales materializa estas reflexiones y preguntas son el dibujo, el video, la fotografía, la escultura, el performance, entre otros.
Valor de cambio sugiere la reflexión sobre los paisajes inmortalizados en los billetes como índice de la naturaleza controlada y domesticada; de un paraíso perenne y resistente al paso del tiempo mediante la persistencia, el esfuerzo y la acción del hombre. El paisaje constituye un de los ejes de indagación en la obra de David Guarnizo, abordando a través de lo visual problemas filosóficos relativos al espacio, el tiempo y otros conceptos que sitúan la presencia, la mirada y la acción humana sobre el espacio. Desde el 2014, algunos de sus proyectos han partido de la reconstrucción semántica de nociones como límite, frontera, territorio y lugar, reflexionando en torno al horizonte como línea que marca límites territoriales permanentes y visibles, pero inasibles. En sus obras, la mirada ejerce un acto de delimitación sobre el territorio hasta convertirlo en paisaje, y el recorrido del artista- caminante enfatiza las líneas divisorias que quedan ocultas tras un edificio o un accidente geográfico. Guarnizo también reflexiona en torno al horizonte como límite del campo visual de un observador sobre el territorio que lo circunda. Sin embargo, también estudia la palabra ‘horizonte’ desde el valor metafórico y poético que lo define como el conjunto de anticipaciones, expectativas y sueños que guían la deriva vital del sujeto. Siguiendo esa connotación, propone que cuando una persona se aproxima al horizonte trazado, no se encuentra con nada distinto a lo que la ha habitado y orientado su voluntad desde el inicio del recorrido. Esto mismo ocurre plásticamente cuando el artista se desplaza a través de un vasto territorio mientras se dirige hacia el horizonte; al tiempo que se aleja, su figura se funde con el paisaje, con esa línea de destino. Despojado de toda intención instrumental, el andar se observa como un modo de habitar el mundo. Los medios mediante los cuales materializa estas reflexiones y preguntas son el dibujo, el video, la fotografía, la escultura, el performance, entre otros.
Valor de cambio sugiere la reflexión sobre los paisajes inmortalizados en los billetes como índice de la naturaleza controlada y domesticada; de un paraíso perenne y resistente al paso del tiempo mediante la persistencia, el esfuerzo y la acción del hombre. El paisaje constituye un de los ejes de indagación en la obra de David Guarnizo, abordando a través de lo visual problemas filosóficos relativos al espacio, el tiempo y otros conceptos que sitúan la presencia, la mirada y la acción humana sobre el espacio. Desde el 2014, algunos de sus proyectos han partido de la reconstrucción semántica de nociones como límite, frontera, territorio y lugar, reflexionando en torno al horizonte como línea que marca límites territoriales permanentes y visibles, pero inasibles. En sus obras, la mirada ejerce un acto de delimitación sobre el territorio hasta convertirlo en paisaje, y el recorrido del artista- caminante enfatiza las líneas divisorias que quedan ocultas tras un edificio o un accidente geográfico. Guarnizo también reflexiona en torno al horizonte como límite del campo visual de un observador sobre el territorio que lo circunda. Sin embargo, también estudia la palabra ‘horizonte’ desde el valor metafórico y poético que lo define como el conjunto de anticipaciones, expectativas y sueños que guían la deriva vital del sujeto. Siguiendo esa connotación, propone que cuando una persona se aproxima al horizonte trazado, no se encuentra con nada distinto a lo que la ha habitado y orientado su voluntad desde el inicio del recorrido. Esto mismo ocurre plásticamente cuando el artista se desplaza a través de un vasto territorio mientras se dirige hacia el horizonte; al tiempo que se aleja, su figura se funde con el paisaje, con esa línea de destino. Despojado de toda intención instrumental, el andar se observa como un modo de habitar el mundo. Los medios mediante los cuales materializa estas reflexiones y preguntas son el dibujo, el video, la fotografía, la escultura, el performance, entre otros.
El arte es un proceso creativo donde confluye: un saber histórico, un saber técnico, una reflexión sobre el mundo y una gran capacidad perceptiva. En esta interacción entre conocimientos, disciplinas y experiencias, es fundamental el vínculo entre la formación académica y la sensibilidad, entre el saber que nos preexiste o se transforma continuamente, y los sentimientos que nos hacen humanos. Para mí, el espacio museográfico es un lugar donde se potencian las relaciones entre formas y planos, materiales y herramientas, obras y personas. Por ello, desde hace un tiempo exploro conceptos a partir de varias inquietudes que surgen de ese contexto, en el cual he sido artista o montajista, constructor de mis propias ideas o de los diseños de otros artistas o curadores, que buscan crear nuevas situaciones o transfigurar el “cubo blanco”. En consonancia con todo esto, quiero darle otra dimensión simbólica a los hechos, proponiendo aperturas para las interpretaciones de los instrumentos, materiales y objetos, que muchas veces son minimizados ante la trascendencia de la “obra plástica”.
El arte es un proceso creativo donde confluye: un saber histórico, un saber técnico, una reflexión sobre el mundo y una gran capacidad perceptiva. En esta interacción entre conocimientos, disciplinas y experiencias, es fundamental el vínculo entre la formación académica y la sensibilidad, entre el saber que nos preexiste o se transforma continuamente, y los sentimientos que nos hacen humanos. Para mí, el espacio museográfico es un lugar donde se potencian las relaciones entre formas y planos, materiales y herramientas, obras y personas. Por ello, desde hace un tiempo exploro conceptos a partir de varias inquietudes que surgen de ese contexto, en el cual he sido artista o montajista, constructor de mis propias ideas o de los diseños de otros artistas o curadores, que buscan crear nuevas situaciones o transfigurar el “cubo blanco”. En consonancia con todo esto, quiero darle otra dimensión simbólica a los hechos, proponiendo aperturas para las interpretaciones de los instrumentos, materiales y objetos, que muchas veces son minimizados ante la trascendencia de la “obra plástica”.
El arte es un proceso creativo donde confluye: un saber histórico, un saber técnico, una reflexión sobre el mundo y una gran capacidad perceptiva. En esta interacción entre conocimientos, disciplinas y experiencias, es fundamental el vínculo entre la formación académica y la sensibilidad, entre el saber que nos preexiste o se transforma continuamente, y los sentimientos que nos hacen humanos. Para mí, el espacio museográfico es un lugar donde se potencian las relaciones entre formas y planos, materiales y herramientas, obras y personas. Por ello, desde hace un tiempo exploro conceptos a partir de varias inquietudes que surgen de ese contexto, en el cual he sido artista o montajista, constructor de mis propias ideas o de los diseños de otros artistas o curadores, que buscan crear nuevas situaciones o transfigurar el “cubo blanco”. En consonancia con todo esto, quiero darle otra dimensión simbólica a los hechos, proponiendo aperturas para las interpretaciones de los instrumentos, materiales y objetos, que muchas veces son minimizados ante la trascendencia de la “obra plástica”.
Un mobiliario paradójico. En esta serie de obras llamada Un Mobiliario Paradójico exploro conceptos como la perspectiva, las ilusiones ópticas, las paradojas visuales, las distorsiones ópticas propias de la fotografía y otros aspectos y recursos de la percepción visual. Las obras incluidas en esta serie son imágenes de muebles y objetos cotidianos como puertas, cajas, cuadros y guacales que están dibujadas y representadas en perspectiva con las mismas partes o los mismos materiales que los conforman. En algunas de ellas, como en la obra “No es lo que estás pensando” los guacales fueron modificados, recortados y pintados para que al re ensamblarlos de nuevo produzcan la sensación de profundidad y tridimensionalidad sobre una superficie bidimensional. De modo que, el objeto que en un principio fuera tridimensional fue transformado en una representación de sí mismo, creando una ilusión óptica de profundidad espacial. Al reunir en estas representaciones de objetos cotidianos una apariencia tridimensional lograda a través de la pintura con los materiales que conforman estos objetos, busco invocar la memoria y experiencias que todos hemos tenido con los objetos, los materiales y los espacios y generar una reflexión en torno a los significados que cultural e individualmente les hemos adjudicado. De este modo, las dimensiones de estas representaciones, al igual que ocurre en la distorsión que genera la perspectiva, van haciéndose más pequeñas a medida que están más lejos, por lo que el tamaño de las obras también habla de la distancia, no solo espacial sino de la distancia emocional o afectiva. Igualmente, la técnica en la que están elaboradas estas obras busca crear un diálogo entre la pintura, aplicada a diferentes superficies, las formas escultóricas y la ilusión de profundidad que tienen los objetos cotidianos dada por los cambios de color, la luz y las formas. Este diálogo que ha generado la pintura aplicada a diferentes superficies y materiales ha dado origen a la exploración con diferentes técnicas como la aerografía, la pintura con lacas para madera y la pintura en acrílico, aplicadas de tal forma que buscan lograr estas ilusiones ópticas y a la vez preservar la apariencia y textura de los diferentes materiales y elementos que conforman los objetos en la experiencia cotidiana.
Un mobiliario paradójico. En esta serie de obras llamada Un Mobiliario Paradójico exploro conceptos como la perspectiva, las ilusiones ópticas, las paradojas visuales, las distorsiones ópticas propias de la fotografía y otros aspectos y recursos de la percepción visual. Las obras incluidas en esta serie son imágenes de muebles y objetos cotidianos como puertas, cajas, cuadros y guacales que están dibujadas y representadas en perspectiva con las mismas partes o los mismos materiales que los conforman. En algunas de ellas, como en la obra “No es lo que estás pensando” los guacales fueron modificados, recortados y pintados para que al re ensamblarlos de nuevo produzcan la sensación de profundidad y tridimensionalidad sobre una superficie bidimensional. De modo que, el objeto que en un principio fuera tridimensional fue transformado en una representación de sí mismo, creando una ilusión óptica de profundidad espacial. Al reunir en estas representaciones de objetos cotidianos una apariencia tridimensional lograda a través de la pintura con los materiales que conforman estos objetos, busco invocar la memoria y experiencias que todos hemos tenido con los objetos, los materiales y los espacios y generar una reflexión en torno a los significados que cultural e individualmente les hemos adjudicado. De este modo, las dimensiones de estas representaciones, al igual que ocurre en la distorsión que genera la perspectiva, van haciéndose más pequeñas a medida que están más lejos, por lo que el tamaño de las obras también habla de la distancia, no solo espacial sino de la distancia emocional o afectiva. Igualmente, la técnica en la que están elaboradas estas obras busca crear un diálogo entre la pintura, aplicada a diferentes superficies, las formas escultóricas y la ilusión de profundidad que tienen los objetos cotidianos dada por los cambios de color, la luz y las formas. Este diálogo que ha generado la pintura aplicada a diferentes superficies y materiales ha dado origen a la exploración con diferentes técnicas como la aerografía, la pintura con lacas para madera y la pintura en acrílico, aplicadas de tal forma que buscan lograr estas ilusiones ópticas y a la vez preservar la apariencia y textura de los diferentes materiales y elementos que conforman los objetos en la experiencia cotidiana.
Un mobiliario paradójico. En esta serie de obras llamada Un Mobiliario Paradójico exploro conceptos como la perspectiva, las ilusiones ópticas, las paradojas visuales, las distorsiones ópticas propias de la fotografía y otros aspectos y recursos de la percepción visual. Las obras incluidas en esta serie son imágenes de muebles y objetos cotidianos como puertas, cajas, cuadros y guacales que están dibujadas y representadas en perspectiva con las mismas partes o los mismos materiales que los conforman. En algunas de ellas, como en la obra “No es lo que estás pensando” los guacales fueron modificados, recortados y pintados para que al re ensamblarlos de nuevo produzcan la sensación de profundidad y tridimensionalidad sobre una superficie bidimensional. De modo que, el objeto que en un principio fuera tridimensional fue transformado en una representación de sí mismo, creando una ilusión óptica de profundidad espacial. Al reunir en estas representaciones de objetos cotidianos una apariencia tridimensional lograda a través de la pintura con los materiales que conforman estos objetos, busco invocar la memoria y experiencias que todos hemos tenido con los objetos, los materiales y los espacios y generar una reflexión en torno a los significados que cultural e individualmente les hemos adjudicado. De este modo, las dimensiones de estas representaciones, al igual que ocurre en la distorsión que genera la perspectiva, van haciéndose más pequeñas a medida que están más lejos, por lo que el tamaño de las obras también habla de la distancia, no solo espacial sino de la distancia emocional o afectiva. Igualmente, la técnica en la que están elaboradas estas obras busca crear un diálogo entre la pintura, aplicada a diferentes superficies, las formas escultóricas y la ilusión de profundidad que tienen los objetos cotidianos dada por los cambios de color, la luz y las formas. Este diálogo que ha generado la pintura aplicada a diferentes superficies y materiales ha dado origen a la exploración con diferentes técnicas como la aerografía, la pintura con lacas para madera y la pintura en acrílico, aplicadas de tal forma que buscan lograr estas ilusiones ópticas y a la vez preservar la apariencia y textura de los diferentes materiales y elementos que conforman los objetos en la experiencia cotidiana.
El Valle de Frupper, el conejo empirista. Vértigo; estar suspendido y la caída. El Valle de Frupper se imaginó como un lugar metafórico, físico y metafísico, que hace referencia a la pintura y a la mente. A la Pintura (con P mayúscula) planteándola como un lugar más allá de la cosa en donde sucede lo que se prefiera a gusto de cada uno. Y a la mente, lugar donde se alojan nuestros pensamientos y se pasean las conjeturas; lugar en el que se experimentan estados mentales variables y donde logramos construir sentido de todo, incluyendo la imaginería. En la intersección de ambos lugares converge un concepto que atañe al ámbito del Arte y del que no podemos escapar; en ese espacio reposa la semilla de la idea del arte conceptual que se remonta al renacimiento: “El Arte -afirmaba Leonardo Da Vinci- es una cosa mental”. Es decir, que existe en la mente, o lo que es lo mismo: es un concepto, una idea. Así, todo cuanto sucede, todo cuanto se ha de ver, esta en la mente. Santa Teresa de Jesús se refería así: “la mente es la loca de la casa”. Y La obra pictórica aparece como la materialización de aquello que se encuentra oculto. El oficio de la materialización procura estimular el pensamiento en múltiples sentidos y ansía desvelar enigmas implícitos, propios de la disciplina, aunque se sepa de sobra que más allá de encontrar una respuesta amplifican el misterio. Pinturas y dibujos planteados desde lo pictórico, conforman el grupo de piezas de ese capítulo titulado Vértigo; estar suspendido y la caída. En éste se insiste en reiterar esa idea de la pintura y la mente, ambas en convergencia, como lugares metafóricos, físicos y metafísicos, haciendo uso de las herramientas del medio y aludiendo a elementos que, de manera tautológica, conciernen al mismo. El vértigo y el suspenso, evocan el estado en vilo de la condición humana. Y la caída: acción natural en el ciclo de los procesos vitales.
El Valle de Frupper, el conejo empirista. Vértigo; estar suspendido y la caída. El Valle de Frupper se imaginó como un lugar metafórico, físico y metafísico, que hace referencia a la pintura y a la mente. A la Pintura (con P mayúscula) planteándola como un lugar más allá de la cosa en donde sucede lo que se prefiera a gusto de cada uno. Y a la mente, lugar donde se alojan nuestros pensamientos y se pasean las conjeturas; lugar en el que se experimentan estados mentales variables y donde logramos construir sentido de todo, incluyendo la imaginería. En la intersección de ambos lugares converge un concepto que atañe al ámbito del Arte y del que no podemos escapar; en ese espacio reposa la semilla de la idea del arte conceptual que se remonta al renacimiento: “El Arte -afirmaba Leonardo Da Vinci- es una cosa mental”. Es decir, que existe en la mente, o lo que es lo mismo: es un concepto, una idea. Así, todo cuanto sucede, todo cuanto se ha de ver, esta en la mente. Santa Teresa de Jesús se refería así: “la mente es la loca de la casa”. Y La obra pictórica aparece como la materialización de aquello que se encuentra oculto. El oficio de la materialización procura estimular el pensamiento en múltiples sentidos y ansía desvelar enigmas implícitos, propios de la disciplina, aunque se sepa de sobra que más allá de encontrar una respuesta amplifican el misterio. Pinturas y dibujos planteados desde lo pictórico, conforman el grupo de piezas de ese capítulo titulado Vértigo; estar suspendido y la caída. En éste se insiste en reiterar esa idea de la pintura y la mente, ambas en convergencia, como lugares metafóricos, físicos y metafísicos, haciendo uso de las herramientas del medio y aludiendo a elementos que, de manera tautológica, conciernen al mismo. El vértigo y el suspenso, evocan el estado en vilo de la condición humana. Y la caída: acción natural en el ciclo de los procesos vitales.
El Valle de Frupper, el conejo empirista. Vértigo; estar suspendido y la caída. El Valle de Frupper se imaginó como un lugar metafórico, físico y metafísico, que hace referencia a la pintura y a la mente. A la Pintura (con P mayúscula) planteándola como un lugar más allá de la cosa en donde sucede lo que se prefiera a gusto de cada uno. Y a la mente, lugar donde se alojan nuestros pensamientos y se pasean las conjeturas; lugar en el que se experimentan estados mentales variables y donde logramos construir sentido de todo, incluyendo la imaginería. En la intersección de ambos lugares converge un concepto que atañe al ámbito del Arte y del que no podemos escapar; en ese espacio reposa la semilla de la idea del arte conceptual que se remonta al renacimiento: “El Arte -afirmaba Leonardo Da Vinci- es una cosa mental”. Es decir, que existe en la mente, o lo que es lo mismo: es un concepto, una idea. Así, todo cuanto sucede, todo cuanto se ha de ver, esta en la mente. Santa Teresa de Jesús se refería así: “la mente es la loca de la casa”. Y La obra pictórica aparece como la materialización de aquello que se encuentra oculto. El oficio de la materialización procura estimular el pensamiento en múltiples sentidos y ansía desvelar enigmas implícitos, propios de la disciplina, aunque se sepa de sobra que más allá de encontrar una respuesta amplifican el misterio. Pinturas y dibujos planteados desde lo pictórico, conforman el grupo de piezas de ese capítulo titulado Vértigo; estar suspendido y la caída. En éste se insiste en reiterar esa idea de la pintura y la mente, ambas en convergencia, como lugares metafóricos, físicos y metafísicos, haciendo uso de las herramientas del medio y aludiendo a elementos que, de manera tautológica, conciernen al mismo. El vértigo y el suspenso, evocan el estado en vilo de la condición humana. Y la caída: acción natural en el ciclo de los procesos vitales.
Juana no crea objetos, crea ingeniosamente a través de ellos, incentivando al juego, a lo lúdico o al descanso Juana Gaviria es una artista Colombo Americana que estudió arquitectura y Artes Plasticas en la Rhode Island School of Design, RISD donde aprende el valor de un proceso, diferentes técnicas y estética. Su interés es el material, la forma, la destreza manual y la función de los objetos en el espacio haciendo homenaje a los principios básicos del Bauhaus y a la influencia que a tenido en su carrera de arquitecta, diseñadora y artista. A través del uso de diferentes materiales y técnica tales como ensamblajes de madera, relieves, estructuras de cometas, móviles, metales doblados, telas templadas y collages elabora conceptos visuales que le interesan como la asimetría, el equilibrio y balance del color y la forma. su trabajo puede ser descrito con tener cierto movimiento y tridimensionalidad a través de la yuxtaposición de planos de colores que interactúan entre si para crear abstracciones geométricas. Al igual que Paul Klee, Sophie tauber Arp y Ray Eames, Juana entiende que la agrupación de ciertos colores son perfectas. La artista invita a interactuar con las formas, las sombras, el color y el espacio creando composiciones que tienen una gran fuerza visual pero al mismo tiempo una cualidad meditativa.
Juana no crea objetos, crea ingeniosamente a través de ellos, incentivando al juego, a lo lúdico o al descanso Juana Gaviria es una artista Colombo Americana que estudió arquitectura y Artes Plasticas en la Rhode Island School of Design, RISD donde aprende el valor de un proceso, diferentes técnicas y estética. Su interés es el material, la forma, la destreza manual y la función de los objetos en el espacio haciendo homenaje a los principios básicos del Bauhaus y a la influencia que a tenido en su carrera de arquitecta, diseñadora y artista. A través del uso de diferentes materiales y técnica tales como ensamblajes de madera, relieves, estructuras de cometas, móviles, metales doblados, telas templadas y collages elabora conceptos visuales que le interesan como la asimetría, el equilibrio y balance del color y la forma. su trabajo puede ser descrito con tener cierto movimiento y tridimensionalidad a través de la yuxtaposición de planos de colores que interactúan entre si para crear abstracciones geométricas. Al igual que Paul Klee, Sophie tauber Arp y Ray Eames, Juana entiende que la agrupación de ciertos colores son perfectas. La artista invita a interactuar con las formas, las sombras, el color y el espacio creando composiciones que tienen una gran fuerza visual pero al mismo tiempo una cualidad meditativa.
Juana no crea objetos, crea ingeniosamente a través de ellos, incentivando al juego, a lo lúdico o al descanso Juana Gaviria es una artista Colombo Americana que estudió arquitectura y Artes Plasticas en la Rhode Island School of Design, RISD donde aprende el valor de un proceso, diferentes técnicas y estética. Su interés es el material, la forma, la destreza manual y la función de los objetos en el espacio haciendo homenaje a los principios básicos del Bauhaus y a la influencia que a tenido en su carrera de arquitecta, diseñadora y artista. A través del uso de diferentes materiales y técnica tales como ensamblajes de madera, relieves, estructuras de cometas, móviles, metales doblados, telas templadas y collages elabora conceptos visuales que le interesan como la asimetría, el equilibrio y balance del color y la forma. su trabajo puede ser descrito con tener cierto movimiento y tridimensionalidad a través de la yuxtaposición de planos de colores que interactúan entre si para crear abstracciones geométricas. Al igual que Paul Klee, Sophie tauber Arp y Ray Eames, Juana entiende que la agrupación de ciertos colores son perfectas. La artista invita a interactuar con las formas, las sombras, el color y el espacio creando composiciones que tienen una gran fuerza visual pero al mismo tiempo una cualidad meditativa.
