Un programa de la Cámara de Comercio de Bogotá
Un programa cultural de:
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La Galería Max Estrella regresa por décima ocasión a ArtBo con una propuesta fundamentada en la obra de Miler Lagos, Rafael Lozano-Hemmer, Daniel Canogar, Diana Fonseca, y Nacho Martín Silva. Diana Fonseca, presenta su serie Degradaciones reflexiona sobre el efecto de paso del tiempo y la memoria con varios de sus collages hechos con fragmentos de edificios de La Habana. La serie de Anillos del Tiempo de Miler Lagos está igualmente vinculada a la memoria, y concretamente a la de la naturaleza. Hechos con papel de periódico cada anillo revierte el proceso de manufactura del papel devolviéndolo al árbol. Rafael Lozano-Hemmer acude a la feria con Recurrent Rayuela, una pieza interactiva que contiene los 155 capítulos de la obra maestra de Cortazar. Con una pantalla giratoria, al ser activada por el espectador emergen en la pantalla fragmentos del libro, desapareciendo cuando acaba el movimiento de la misma. Por su parte, Daniel Canogar, el otro gran artista digital de la galería, expone Amalgama Phillips, una animación generativa que licúa las obras de la colección Phillips, de las que se apropia, para crear una abstracción. Finalmente también se presenta las pinturas fragmentadas de Nacho Martín Silva, en las que el autor madrileño plasma cuestiones sobre la veracidad de las imágenes y los discursos impresos en ellas. Igualmente establece un estrecho diálogo con el medio pictórico, donde cada fragmento en los que divide dichas imágenes es tratado de manera independiente al resto y le proporciona el espacio para ser distintos tipos de pintor.
Max Estrella abrió sus puertas en 1994 con la visión de presentar una nueva generación de creadores emergentes y consolidados, tanto españoles como extranjeros. Un listado coherente de artistas que refleja el propósito de abrir nuevos caminos dentro del arte contemporáneo, sea en vídeo, fotografía, escultura o instalación, y con especial atención a las nuevas tecnologías. Con plena dedicación y el esfuerzo colaborativo con sus creadores, se aspira a encontrar el equilibrio entre ideas innovadoras y una técnica y discurso excepcionales. A lo largo de estos años Max Estrella ha crecido en tamaño y estructura logrando el reconocimiento del coleccionismo y la crítica especializada.
Diana Fonseca es una artista avocada al desmontaje, casi obsesivo, de las cosas simples y los sucesos cotidianos que le rodean. Quizá por ello, o debido a la propensión lírica de su obra, atrapa imágenes variadas de la realidad y las interconecta a partir de discursos que hablan de la vida contemporánea y su saturación visual; del vacío y la banalidad. Graduada del Instituto Superior de Arte (ISA), en el año 2005, Fonseca constituye una de las artistas contemporáneas cubanas más interesantes y gestuales. Entre sus proyectos individuales de mayor interés destacan “Cara a cara”, bipersonal con Jacques Villeglé en la Brownstone Foundation, Paris, Francia; “Diana Fonseca”, en la Sean Kelly Gallery de New York, Estados Unidos; “Viaje a la semilla”, de conjunto con Aimée García en Factoría Habana; y “Extraña verdad”, en El Apartamento, ambas en La Habana, Cuba. En el año 2015 fue galardonada con el Premio de adquisición EFG Bank & ArtNexus, Bogotá, Colombia. También ha sido merecedora de la residencia Cast Research, Melbourne, Australia (2016) y JustMad en Asturias, España (2017). Las Degradaciones de Fonseca son piezas estructuradas a partir de capas de pintura de distintas fachadas habaneras. Esta superposición aleatoria de los restos, ya sólidos, de capas de pintura antiguas, genera una visualidad abstracta que, sin embargo, recoge la historia de la ciudad, historias personales y colectivas, más o menos anónimas, rearticuladas ahora en una obra autónoma.
Diana Fonseca es una artista avocada al desmontaje, casi obsesivo, de las cosas simples y los sucesos cotidianos que le rodean. Quizá por ello, o debido a la propensión lírica de su obra, atrapa imágenes variadas de la realidad y las interconecta a partir de discursos que hablan de la vida contemporánea y su saturación visual; del vacío y la banalidad. Graduada del Instituto Superior de Arte (ISA), en el año 2005, Fonseca constituye una de las artistas contemporáneas cubanas más interesantes y gestuales. Entre sus proyectos individuales de mayor interés destacan “Cara a cara”, bipersonal con Jacques Villeglé en la Brownstone Foundation, Paris, Francia; “Diana Fonseca”, en la Sean Kelly Gallery de New York, Estados Unidos; “Viaje a la semilla”, de conjunto con Aimée García en Factoría Habana; y “Extraña verdad”, en El Apartamento, ambas en La Habana, Cuba. En el año 2015 fue galardonada con el Premio de adquisición EFG Bank & ArtNexus, Bogotá, Colombia. También ha sido merecedora de la residencia Cast Research, Melbourne, Australia (2016) y JustMad en Asturias, España (2017). Las Degradaciones de Fonseca son piezas estructuradas a partir de capas de pintura de distintas fachadas habaneras. Esta superposición aleatoria de los restos, ya sólidos, de capas de pintura antiguas, genera una visualidad abstracta que, sin embargo, recoge la historia de la ciudad, historias personales y colectivas, más o menos anónimas, rearticuladas ahora en una obra autónoma.
Diana Fonseca es una artista avocada al desmontaje, casi obsesivo, de las cosas simples y los sucesos cotidianos que le rodean. Quizá por ello, o debido a la propensión lírica de su obra, atrapa imágenes variadas de la realidad y las interconecta a partir de discursos que hablan de la vida contemporánea y su saturación visual; del vacío y la banalidad. Graduada del Instituto Superior de Arte (ISA), en el año 2005, Fonseca constituye una de las artistas contemporáneas cubanas más interesantes y gestuales. Entre sus proyectos individuales de mayor interés destacan “Cara a cara”, bipersonal con Jacques Villeglé en la Brownstone Foundation, Paris, Francia; “Diana Fonseca”, en la Sean Kelly Gallery de New York, Estados Unidos; “Viaje a la semilla”, de conjunto con Aimée García en Factoría Habana; y “Extraña verdad”, en El Apartamento, ambas en La Habana, Cuba. En el año 2015 fue galardonada con el Premio de adquisición EFG Bank & ArtNexus, Bogotá, Colombia. También ha sido merecedora de la residencia Cast Research, Melbourne, Australia (2016) y JustMad en Asturias, España (2017). Las Degradaciones de Fonseca son piezas estructuradas a partir de capas de pintura de distintas fachadas habaneras. Esta superposición aleatoria de los restos, ya sólidos, de capas de pintura antiguas, genera una visualidad abstracta que, sin embargo, recoge la historia de la ciudad, historias personales y colectivas, más o menos anónimas, rearticuladas ahora en una obra autónoma.
La práctica de Miler Lagos se fundamenta en el diálogo y la experimentación con los materiales, quienes se manifiestan como agentes catalizadores de las cuestiones centrales en su discurso artístico. Uno de sus puntos fundamentales de reflexión es la relación entre las imágenes y los objetos, entre contenido y contenedor. La madera o el papel le sirven como medio de representación para su interés en la intersección entre la naturaleza y la cultura. Hay un profundo interés en estudiar cómo el ser humano ha modelado su espacio o ha sido modelado por las condiciones ambientales y geográficas. Igualmente hay una intención de concienciación sobre la conservación del medio ambiente y cómo gradualmente convertimos la naturaleza en un recurso para habitarla, en materia prima, en sólo un vehículo. La obra de Miler Lagos está presente en las colecciones del MUAC Museo de Arte de la Universidad Autónoma de México, la Harvard University, el Banco de la República de Colombia, la Rubell Family Collection y la CIFO Cisneros Fontanals Art Foundation entre otras. Anillos del tiempo es una serie de collages creados a partir de 400 copias de la misma página de un periódico. El origen de la pieza se encuentra en los anillos que se hacen visibles en el tronco de un árbol una vez es cortado. Estos no sólo revelan la edad del árbol, sino que también aportan información sobre las condiciones ambientales que han afectado al tronco en diferentes momentos del tiempo. La disposición de las hojas de periódico evoca los círculos concéntricos que el tiempo graba en los árboles, convirtiéndolos en archivos de información y testigos de la memoria.
La práctica de Miler Lagos se fundamenta en el diálogo y la experimentación con los materiales, quienes se manifiestan como agentes catalizadores de las cuestiones centrales en su discurso artístico. Uno de sus puntos fundamentales de reflexión es la relación entre las imágenes y los objetos, entre contenido y contenedor. La madera o el papel le sirven como medio de representación para su interés en la intersección entre la naturaleza y la cultura. Hay un profundo interés en estudiar cómo el ser humano ha modelado su espacio o ha sido modelado por las condiciones ambientales y geográficas. Igualmente hay una intención de concienciación sobre la conservación del medio ambiente y cómo gradualmente convertimos la naturaleza en un recurso para habitarla, en materia prima, en sólo un vehículo. La obra de Miler Lagos está presente en las colecciones del MUAC Museo de Arte de la Universidad Autónoma de México, la Harvard University, el Banco de la República de Colombia, la Rubell Family Collection y la CIFO Cisneros Fontanals Art Foundation entre otras. Anillos del tiempo es una serie de collages creados a partir de 400 copias de la misma página de un periódico. El origen de la pieza se encuentra en los anillos que se hacen visibles en el tronco de un árbol una vez es cortado. Estos no sólo revelan la edad del árbol, sino que también aportan información sobre las condiciones ambientales que han afectado al tronco en diferentes momentos del tiempo. La disposición de las hojas de periódico evoca los círculos concéntricos que el tiempo graba en los árboles, convirtiéndolos en archivos de información y testigos de la memoria.
La práctica de Miler Lagos se fundamenta en el diálogo y la experimentación con los materiales, quienes se manifiestan como agentes catalizadores de las cuestiones centrales en su discurso artístico. Uno de sus puntos fundamentales de reflexión es la relación entre las imágenes y los objetos, entre contenido y contenedor. La madera o el papel le sirven como medio de representación para su interés en la intersección entre la naturaleza y la cultura. Hay un profundo interés en estudiar cómo el ser humano ha modelado su espacio o ha sido modelado por las condiciones ambientales y geográficas. Igualmente hay una intención de concienciación sobre la conservación del medio ambiente y cómo gradualmente convertimos la naturaleza en un recurso para habitarla, en materia prima, en sólo un vehículo. La obra de Miler Lagos está presente en las colecciones del MUAC Museo de Arte de la Universidad Autónoma de México, la Harvard University, el Banco de la República de Colombia, la Rubell Family Collection y la CIFO Cisneros Fontanals Art Foundation entre otras. Anillos del tiempo es una serie de collages creados a partir de 400 copias de la misma página de un periódico. El origen de la pieza se encuentra en los anillos que se hacen visibles en el tronco de un árbol una vez es cortado. Estos no sólo revelan la edad del árbol, sino que también aportan información sobre las condiciones ambientales que han afectado al tronco en diferentes momentos del tiempo. La disposición de las hojas de periódico evoca los círculos concéntricos que el tiempo graba en los árboles, convirtiéndolos en archivos de información y testigos de la memoria.
Proyectada desde inquietudes vinculadas a conceptos como lo fragmentario, el simulacro y la representación o lo verosímil y tomando la Historia del Arte y de la humanidad o el propio proceso creativo como ejes, la pintura de Nacho Martín Silva podría calificarse como de acarreo y reconsideración. Su estudio parece convertirse en una suerte de depósito en el que se acumulan imágenes y obras —o tentativas de éstas— que puede que, años más tarde, puedan encontrar un sentido que no tuvieron cuando fueron arrinconadas, desechadas por su falta de pertinencia y oportunidad. Esos materiales ven pasar el tiempo y el artista vuelve a ellos para trasegarlos, recuperarlos. Se convierten en una suerte de flashbacks, de vueltas a un pasado mediante esos restos que le muestran cómo soluciones o caminos recién inaugurados. En las pinturas de Martín Silva, no hay un sentido único de lectura y solo la forma de enfrenarse a la traducción entre imagen fotográfica y pictórica, marcan el camino conceptual de este artista. Nacho Martín Silva vive y trabaja en Madrid. Cabe destacar sus exposiciones individuales en el Centro de Arte de Alcobendas, Spring Break Art Show New York, y la Fundació Pilar i Joan Miró, Mallorca. Ha sido receptor del premio Bienal Pilar Juncosa y Sotheby’s y Casa Velázquez. Su obra está ya presente en diversas colecciónes; Jorge Pérez, María Cristina Masaveu Peterson, DKV, Fundacion La Caixa o la Conunidad de Madrid entre otras. ´pôs(t)kärd, utiliza como modelo postales en las que aparece representado el modelo de familia ideal que España, importó de Estados Unidos tras la segunda Guerra Mundial. Este modelo de familia respondía a las necesidades del mercado por crear nuevos consumidores y nuevas formas de producción. España, en la década de los 60, con unas recién estrenadas relaciones diplomáticas con Estados Unidos y la necesidad de renovar su imagen ante la comunidad internacional, importa el modelo de familia del llamado American Way of Life a través de reproducciones en postales y publicaciones estadounidenses como Life en español que llegan a la sociedad española junto a las bases militares norteamericanas que se establecen por todo el país. La traducción de la imagen de esas postales la pintura de Martín Silva resulta en un conjunto de piezas independientes y de distintas naturalezas que se articulan entre sí, evidenciando la problemática que supone mirar una imagen y, más aún, traducirla para hacerla propia; sacando a la luz cuestiones vinculadas a lo verosímil, la desconexión generacional y en definitiva todo lo que de artificial hay en cualquier canon o modelo que se nos intente ofrecer como ideal. El título de la serie, escrito según la transcripción fonética de la palabra inglesa postcard (postal), alude al complejo sistema de usos y costumbres que son necesarios para hacer propio un significado. En este caso el de un modelo de familia ajeno las circunstancias y particularidades del lugar en él se intenta instaurar.
Proyectada desde inquietudes vinculadas a conceptos como lo fragmentario, el simulacro y la representación o lo verosímil y tomando la Historia del Arte y de la humanidad o el propio proceso creativo como ejes, la pintura de Nacho Martín Silva podría calificarse como de acarreo y reconsideración. Su estudio parece convertirse en una suerte de depósito en el que se acumulan imágenes y obras —o tentativas de éstas— que puede que, años más tarde, puedan encontrar un sentido que no tuvieron cuando fueron arrinconadas, desechadas por su falta de pertinencia y oportunidad. Esos materiales ven pasar el tiempo y el artista vuelve a ellos para trasegarlos, recuperarlos. Se convierten en una suerte de flashbacks, de vueltas a un pasado mediante esos restos que le muestran cómo soluciones o caminos recién inaugurados. En las pinturas de Martín Silva, no hay un sentido único de lectura y solo la forma de enfrenarse a la traducción entre imagen fotográfica y pictórica, marcan el camino conceptual de este artista. Nacho Martín Silva vive y trabaja en Madrid. Cabe destacar sus exposiciones individuales en el Centro de Arte de Alcobendas, Spring Break Art Show New York, y la Fundació Pilar i Joan Miró, Mallorca. Ha sido receptor del premio Bienal Pilar Juncosa y Sotheby’s y Casa Velázquez. Su obra está ya presente en diversas colecciónes; Jorge Pérez, María Cristina Masaveu Peterson, DKV, Fundacion La Caixa o la Conunidad de Madrid entre otras. ´pôs(t)kärd, utiliza como modelo postales en las que aparece representado el modelo de familia ideal que España, importó de Estados Unidos tras la segunda Guerra Mundial. Este modelo de familia respondía a las necesidades del mercado por crear nuevos consumidores y nuevas formas de producción. España, en la década de los 60, con unas recién estrenadas relaciones diplomáticas con Estados Unidos y la necesidad de renovar su imagen ante la comunidad internacional, importa el modelo de familia del llamado American Way of Life a través de reproducciones en postales y publicaciones estadounidenses como Life en español que llegan a la sociedad española junto a las bases militares norteamericanas que se establecen por todo el país. La traducción de la imagen de esas postales la pintura de Martín Silva resulta en un conjunto de piezas independientes y de distintas naturalezas que se articulan entre sí, evidenciando la problemática que supone mirar una imagen y, más aún, traducirla para hacerla propia; sacando a la luz cuestiones vinculadas a lo verosímil, la desconexión generacional y en definitiva todo lo que de artificial hay en cualquier canon o modelo que se nos intente ofrecer como ideal. El título de la serie, escrito según la transcripción fonética de la palabra inglesa postcard (postal), alude al complejo sistema de usos y costumbres que son necesarios para hacer propio un significado. En este caso el de un modelo de familia ajeno las circunstancias y particularidades del lugar en él se intenta instaurar.
Proyectada desde inquietudes vinculadas a conceptos como lo fragmentario, el simulacro y la representación o lo verosímil y tomando la Historia del Arte y de la humanidad o el propio proceso creativo como ejes, la pintura de Nacho Martín Silva podría calificarse como de acarreo y reconsideración. Su estudio parece convertirse en una suerte de depósito en el que se acumulan imágenes y obras —o tentativas de éstas— que puede que, años más tarde, puedan encontrar un sentido que no tuvieron cuando fueron arrinconadas, desechadas por su falta de pertinencia y oportunidad. Esos materiales ven pasar el tiempo y el artista vuelve a ellos para trasegarlos, recuperarlos. Se convierten en una suerte de flashbacks, de vueltas a un pasado mediante esos restos que le muestran cómo soluciones o caminos recién inaugurados. En las pinturas de Martín Silva, no hay un sentido único de lectura y solo la forma de enfrenarse a la traducción entre imagen fotográfica y pictórica, marcan el camino conceptual de este artista. Nacho Martín Silva vive y trabaja en Madrid. Cabe destacar sus exposiciones individuales en el Centro de Arte de Alcobendas, Spring Break Art Show New York, y la Fundació Pilar i Joan Miró, Mallorca. Ha sido receptor del premio Bienal Pilar Juncosa y Sotheby’s y Casa Velázquez. Su obra está ya presente en diversas colecciónes; Jorge Pérez, María Cristina Masaveu Peterson, DKV, Fundacion La Caixa o la Conunidad de Madrid entre otras. ´pôs(t)kärd, utiliza como modelo postales en las que aparece representado el modelo de familia ideal que España, importó de Estados Unidos tras la segunda Guerra Mundial. Este modelo de familia respondía a las necesidades del mercado por crear nuevos consumidores y nuevas formas de producción. España, en la década de los 60, con unas recién estrenadas relaciones diplomáticas con Estados Unidos y la necesidad de renovar su imagen ante la comunidad internacional, importa el modelo de familia del llamado American Way of Life a través de reproducciones en postales y publicaciones estadounidenses como Life en español que llegan a la sociedad española junto a las bases militares norteamericanas que se establecen por todo el país. La traducción de la imagen de esas postales la pintura de Martín Silva resulta en un conjunto de piezas independientes y de distintas naturalezas que se articulan entre sí, evidenciando la problemática que supone mirar una imagen y, más aún, traducirla para hacerla propia; sacando a la luz cuestiones vinculadas a lo verosímil, la desconexión generacional y en definitiva todo lo que de artificial hay en cualquier canon o modelo que se nos intente ofrecer como ideal. El título de la serie, escrito según la transcripción fonética de la palabra inglesa postcard (postal), alude al complejo sistema de usos y costumbres que son necesarios para hacer propio un significado. En este caso el de un modelo de familia ajeno las circunstancias y particularidades del lugar en él se intenta instaurar.
Daniel Canogar es el artista que trabaja con arte interactivo más significativo de España. Está interesado en reflejar el impacto de la tecnología en nuestro estilo de vida. Por ejemplo, Canogar refleja sobre el cambio sustancial en nuestra relación con las pantallas. Éstas están adquiriendo nuevas materialidades, una cualidad de membrana que se extiende sobre diversas superficies, objetos y edificios. Big data es otra de sus líneas de trabajo más relevantes, especialmente información sobre fenómenos medioambientales disponible en tiempo real. Daniel Canogar vive y trabaja en Madrid y Los Ángeles. Ha creado un gran número de instalaciones en espacios públicos como Waves en el atrio de Houston Center; Travesías en el Consejo Europeo de Bruselas; Tendril en el aeropuerto internacional de Tampa; y Constelaciones, el mosaico fotográfico con más extensión de Europa, en el Parque Madrid Río. En 2014 mostró Storming Times Square, una intervención de vídeo en las pantallas de Times Square, Nueva York. Sus piezas han sido expuestas en el Museo Reina Sofía de Madrid, el Museo de Historia Natural de Nueva York y el Museo de Andy Warhol en Pittsburg, entre otros.
Daniel Canogar es el artista que trabaja con arte interactivo más significativo de España. Está interesado en reflejar el impacto de la tecnología en nuestro estilo de vida. Por ejemplo, Canogar refleja sobre el cambio sustancial en nuestra relación con las pantallas. Éstas están adquiriendo nuevas materialidades, una cualidad de membrana que se extiende sobre diversas superficies, objetos y edificios. Big data es otra de sus líneas de trabajo más relevantes, especialmente información sobre fenómenos medioambientales disponible en tiempo real. Daniel Canogar vive y trabaja en Madrid y Los Ángeles. Ha creado un gran número de instalaciones en espacios públicos como Waves en el atrio de Houston Center; Travesías en el Consejo Europeo de Bruselas; Tendril en el aeropuerto internacional de Tampa; y Constelaciones, el mosaico fotográfico con más extensión de Europa, en el Parque Madrid Río. En 2014 mostró Storming Times Square, una intervención de vídeo en las pantallas de Times Square, Nueva York. Sus piezas han sido expuestas en el Museo Reina Sofía de Madrid, el Museo de Historia Natural de Nueva York y el Museo de Andy Warhol en Pittsburg, entre otros.
Daniel Canogar es el artista que trabaja con arte interactivo más significativo de España. Está interesado en reflejar el impacto de la tecnología en nuestro estilo de vida. Por ejemplo, Canogar refleja sobre el cambio sustancial en nuestra relación con las pantallas. Éstas están adquiriendo nuevas materialidades, una cualidad de membrana que se extiende sobre diversas superficies, objetos y edificios. Big data es otra de sus líneas de trabajo más relevantes, especialmente información sobre fenómenos medioambientales disponible en tiempo real. Daniel Canogar vive y trabaja en Madrid y Los Ángeles. Ha creado un gran número de instalaciones en espacios públicos como Waves en el atrio de Houston Center; Travesías en el Consejo Europeo de Bruselas; Tendril en el aeropuerto internacional de Tampa; y Constelaciones, el mosaico fotográfico con más extensión de Europa, en el Parque Madrid Río. En 2014 mostró Storming Times Square, una intervención de vídeo en las pantallas de Times Square, Nueva York. Sus piezas han sido expuestas en el Museo Reina Sofía de Madrid, el Museo de Historia Natural de Nueva York y el Museo de Andy Warhol en Pittsburg, entre otros.
