Un programa de la Cámara de Comercio de Bogotá
Un programa cultural de:
Un programa de la Cámara de Comercio de Bogotá
Un programa cultural de:
Beatriz Esguerra Arte presentará en ARTBO 2022 un diálogo entre abstracción orgánica y figuración. Pedro Ruiz, Teresa Currea y Pablo Arrazola, artistas figurativos, poéticos y narrativos, dialogaran con artistas abstractos orgánicos Luis Luna, Jerónimo Villa y Carol Young. Las diversas trayectorias y generaciones de estos artistas traerán una variedad de perspectivas artísticas, que se amarrarán curatorialmente y darán al público una experiencia cohesiva y enriquecedora.
Pedro Ruiz, importante pintor colombiano aborda en su trabajo, temas sociales y de conservación de la naturaleza que nos conciernen a todos. Su forma vanguardista de concebir sus obras tiene como punto de partida la pintura, y se extiende a la instalación y participación del publico dentro de la obra, para darle más impacto y efectividad a su mensaje.
Pablo Arrazola y Terea Currea son jóvenes artistas especializados en dibujo y obra sobre papel. Altamente hábiles en su técnica del dibujo, ambos manipulan el papel para crear universos surrealistas y simbólicos, cortándolo, rasgándolo o creando texturas.
Luis Luna, Carol Young y Jerónimo Villa son tres artistas abstractos orgánicos. Luis Luna presentará su obra más reciente donde descompone dibujos sobre papel para volverlos a componer en forma tejida. El resultado son unos delicados tapices que flotan en el espacio. Carol Young cuya última obra “capta” los sonidos silentes de la naturaleza, exhibirá esculturas de pared con líneas curvas y orgánicas que se convierten en dibujos en el espacio. Jerónimo Villa, el más joven artista del grupo crea obras bidimensionales, casi escultóricas, elaboradas con papel de lija. El resultado es una obra con mucho movimiento y contundencia.
La línea y el dibujo, ya sea sobre el papel o en el espacio, el papel, bidimensional o utilizado en obras tridimensionales y la delicadeza en la ejecución del trabajo de estos seis artistas son los valores que amarran esta exposición para ARTBO 2022. Como ya es costumbre, Beatriz Esguerra Arte le apuesta al arte colombiano, su poesía, su pasión, sus historias y su altísima calidad.
Desde su apertura en el año 2000, Beatriz Esguerra Arte ha promovido nacional e internacionalmente, artistas colombianos seleccionados. La galería promueve a sus artistas representados, desde los emergentes hasta los establecidos, a través de proyectos cuidadosamente seleccionados, exposiciones, publicaciones, participación en ferias de arte en los Estados Unidos y América Latina, y proyectos conjuntos con galerías estadounidenses.
BEA brinda asesoría y servicios en la comercialización de arte, curaduría de exhibiciones y colecciones y organización de eventos artísticos. Su página web, www.beatrizesguerra-art.com, se actualiza continuamente con las exhibiciones y actividades de la galería y los artistas, las obras disponibles para la venta y las noticias del mercado del arte local e internacional.
La permanencia, trascendencia, inteligencia, estética, armonía y destreza son los valores que BEA busca y promueve en el arte. Para BEA, el arte está para enriquecer tanto el alma como la mente, en ese orden. Con una formación académica en historia del arte y más de 30 años de experiencia en el campo, Beatriz Esguerra, directora de la galería, busca enriquecer las vidas a través del arte, con integridad y profesionalismo.
La obra de Pedro Ruiz aborda temas sociales y políticos que afectan a países de todo el mundo. La naturaleza y el concepto de que es una fuerza que no podemos controlar y con la que debemos vivir en armonía, está siempre presente en sus obras. Ruiz ha desarrollado cuatro series fundamentales a través de pinturas e instalaciones: Love is in the Air, Desplazamientos, Oro y Colombianas Ligeras. Pedro Ruiz es hoy, uno de los artistas más importantes de Colombia. Fue condecorado por el Gobierno francés con la Orden de las Artes y las Letras y es embajador de Unicef por su firme compromiso de traducir sus mensajes artísticos en proyectos sociales. Ruiz tiene la capacidad de conectar con la mente y el corazón del público por su forma poética y estética de abordar temas globales como: el desplazamiento social, la fumigación de los cultivos de drogas y su efecto sobre la naturaleza, la minería agresiva, su consecuente destrucción de la naturaleza y su efecto sobre la población rural, y el contraste entre la vida urbana y rural, entre otros. Pedro Ruiz desarrolla sus obras a través de proyectos. Es un sobresaliente pintor y escultor que utiliza sus bases académicas para desarrollar proyectos artísticos que son vanguardistas y contemporáneos. Es esta combinación exitosa la que lo ha colocado como una de las estrellas emergentes de América Latina. En los últimos años su proyecto “Oro, espíritu de la naturaleza y el territorio” ha viajado a muchos países (ver CV) despertando los sentimientos más íntimos del público e impactando en las comunidades artísticas de estos países. Se han publicado dos hermosos libros de mesa de café que cubren la rica evolución de su carrera.
Luis Luna abre los cerrojos, cruza el tiempo, su imaginación se desborda con los relatos, diagramas alquímicos, mapas de rutas, teorías del universo. Su afinidad con los planteamientos de la física cuántica lo llevan a explorar universos donde todo es posible, donde todo puede convivir y donde todo se conecta. En su jardín congrega, multiplica la imagen, la invierte, la agranda o la disminuye como si estuviera en un espejo, modula diversas prácticas artísticas para trascender lo particular y hacer habitables los espacios circundantes, incluso por un instante. Maria Elvira Ardila Curadora
Usando la cerámica como su medio principal, las instalaciones y esculturas de Carol Young trascienden la percepción general del material, creando así un trabajo único, desafiante y hermoso. Su relación con la cerámica es íntima, el desarrollo de sus piezas intuitivo. Tiene la habilidad para emular lo orgánico, para moldear y manipular el material para crear objetos que podrían existir en la naturaleza. Pero en realidad son creaciones propias, resultado de su conocimiento de la cerámica, de su habilidad para interpretarla y re-significarla. Sin embargo, las piezas de Carol Young no pueden existir por sí solas. Requieren de la atención, de la contemplación del espectador para cobrar vida. Ellos serán quienes dotarán de sentido sus formas.
Usando la cerámica como su medio principal, las instalaciones y esculturas de Carol Young trascienden la percepción general del material, creando así un trabajo único, desafiante y hermoso. Su relación con la cerámica es íntima, el desarrollo de sus piezas intuitivo. Tiene la habilidad para emular lo orgánico, para moldear y manipular el material para crear objetos que podrían existir en la naturaleza. Pero en realidad son creaciones propias, resultado de su conocimiento de la cerámica, de su habilidad para interpretarla y re-significarla. Sin embargo, las piezas de Carol Young no pueden existir por sí solas. Requieren de la atención, de la contemplación del espectador para cobrar vida. Ellos serán quienes dotarán de sentido sus formas.
Tres temas centrales definen la obra de Jeronimo Villa: la imposibilidad, el tiempo y la muerte. El primero se ve plasmado en la constante negación de la función y el resalto de lo imposible, narrando tensiones y enalteciendo contrastes. Los otros dos, en el empleo del objeto encontrado en desuso u olvido. El trabajo crea estructuras de materia y de historias en piezas volumétricas que tienden a mostrar cierta nostalgia por su tiempo. Toma la decisión de adoptar objetos reposados en el desuso, interviene su forma y su función perdida, y arma estructuras donde la geometría se expresa clara. Los encuentros con la materia prima suelen darse en la calle. Más que abandonados, los objetos tienen cicatrices de la violencia humana, de los golpes del clima y de la naturaleza del material. Parecen decididos a dejar de ser ellos mismos con función determinada, y convertirse en la fricción del tiempo y el olvido. Junto a un caño o recostados en postes, compartiendo el espacio con el hedor de los orines, estos varios sinnombre son recogidos a elección de una curaduría casi totalmente pasional. Van siendo incluidos en un inventario que carece de ese desprecio y anula la desolación. El idilio de la vida-muerte es la columna conceptual de la obra. De allí nace y se desarrolla. El objeto encontrado estaba muerto en vida y ahora es resaltado e implementado en un proceso escultórico y conceptual. Sillas, muebles, persianas, troncos, ventanas. Una variedad de objetos intervenidos y congelados en el tiempo. Otros incrustados o con incrustaciones, como el recuerdo que está empotrado en la memoria. Libros, cuerdas, madera, pintura, fuego. Todo un diálogo entre materiales y objetos. La obra adopta los sinnombre y los bautiza con un orden nuevo que habla con el espacio y que ofrece historias maduras; un orden que se instala en la escultura, en la pintura y más que todo, en la poesía. El objeto ahora es un recuerdo, un pasado impreso en la obra. El tiempo ha frenado y ha dejado escenas inmóviles que evaden la muerte y narran sólo un poco de lo que ahora no son. El trabajo expresa de diversas formas y por diferentes medios una añoranza por el tiempo ya transcurrido, como la función que ya no existe o la cicatriz que ha dejado el pasado en el material.
Tres temas centrales definen la obra de Jeronimo Villa: la imposibilidad, el tiempo y la muerte. El primero se ve plasmado en la constante negación de la función y el resalto de lo imposible, narrando tensiones y enalteciendo contrastes. Los otros dos, en el empleo del objeto encontrado en desuso u olvido. El trabajo crea estructuras de materia y de historias en piezas volumétricas que tienden a mostrar cierta nostalgia por su tiempo. Toma la decisión de adoptar objetos reposados en el desuso, interviene su forma y su función perdida, y arma estructuras donde la geometría se expresa clara. Los encuentros con la materia prima suelen darse en la calle. Más que abandonados, los objetos tienen cicatrices de la violencia humana, de los golpes del clima y de la naturaleza del material. Parecen decididos a dejar de ser ellos mismos con función determinada, y convertirse en la fricción del tiempo y el olvido. Junto a un caño o recostados en postes, compartiendo el espacio con el hedor de los orines, estos varios sinnombre son recogidos a elección de una curaduría casi totalmente pasional. Van siendo incluidos en un inventario que carece de ese desprecio y anula la desolación. El idilio de la vida-muerte es la columna conceptual de la obra. De allí nace y se desarrolla. El objeto encontrado estaba muerto en vida y ahora es resaltado e implementado en un proceso escultórico y conceptual. Sillas, muebles, persianas, troncos, ventanas. Una variedad de objetos intervenidos y congelados en el tiempo. Otros incrustados o con incrustaciones, como el recuerdo que está empotrado en la memoria. Libros, cuerdas, madera, pintura, fuego. Todo un diálogo entre materiales y objetos. La obra adopta los sinnombre y los bautiza con un orden nuevo que habla con el espacio y que ofrece historias maduras; un orden que se instala en la escultura, en la pintura y más que todo, en la poesía. El objeto ahora es un recuerdo, un pasado impreso en la obra. El tiempo ha frenado y ha dejado escenas inmóviles que evaden la muerte y narran sólo un poco de lo que ahora no son. El trabajo expresa de diversas formas y por diferentes medios una añoranza por el tiempo ya transcurrido, como la función que ya no existe o la cicatriz que ha dejado el pasado en el material.
Tres temas centrales definen la obra de Jeronimo Villa: la imposibilidad, el tiempo y la muerte. El primero se ve plasmado en la constante negación de la función y el resalto de lo imposible, narrando tensiones y enalteciendo contrastes. Los otros dos, en el empleo del objeto encontrado en desuso u olvido. El trabajo crea estructuras de materia y de historias en piezas volumétricas que tienden a mostrar cierta nostalgia por su tiempo. Toma la decisión de adoptar objetos reposados en el desuso, interviene su forma y su función perdida, y arma estructuras donde la geometría se expresa clara. Los encuentros con la materia prima suelen darse en la calle. Más que abandonados, los objetos tienen cicatrices de la violencia humana, de los golpes del clima y de la naturaleza del material. Parecen decididos a dejar de ser ellos mismos con función determinada, y convertirse en la fricción del tiempo y el olvido. Junto a un caño o recostados en postes, compartiendo el espacio con el hedor de los orines, estos varios sinnombre son recogidos a elección de una curaduría casi totalmente pasional. Van siendo incluidos en un inventario que carece de ese desprecio y anula la desolación. El idilio de la vida-muerte es la columna conceptual de la obra. De allí nace y se desarrolla. El objeto encontrado estaba muerto en vida y ahora es resaltado e implementado en un proceso escultórico y conceptual. Sillas, muebles, persianas, troncos, ventanas. Una variedad de objetos intervenidos y congelados en el tiempo. Otros incrustados o con incrustaciones, como el recuerdo que está empotrado en la memoria. Libros, cuerdas, madera, pintura, fuego. Todo un diálogo entre materiales y objetos. La obra adopta los sinnombre y los bautiza con un orden nuevo que habla con el espacio y que ofrece historias maduras; un orden que se instala en la escultura, en la pintura y más que todo, en la poesía. El objeto ahora es un recuerdo, un pasado impreso en la obra. El tiempo ha frenado y ha dejado escenas inmóviles que evaden la muerte y narran sólo un poco de lo que ahora no son. El trabajo expresa de diversas formas y por diferentes medios una añoranza por el tiempo ya transcurrido, como la función que ya no existe o la cicatriz que ha dejado el pasado en el material.
Luis Luna abre los cerrojos, cruza el tiempo, su imaginación se desborda con los relatos, diagramas alquímicos, mapas de rutas, teorías del universo. Su afinidad con los planteamientos de la física cuántica lo llevan a explorar universos donde todo es posible, donde todo puede convivir y donde todo se conecta. En su jardín congrega, multiplica la imagen, la invierte, la agranda o la disminuye como si estuviera en un espejo, modula diversas prácticas artísticas para trascender lo particular y hacer habitables los espacios circundantes, incluso por un instante. Maria Elvira Ardila Curadora
Luis Luna abre los cerrojos, cruza el tiempo, su imaginación se desborda con los relatos, diagramas alquímicos, mapas de rutas, teorías del universo. Su afinidad con los planteamientos de la física cuántica lo llevan a explorar universos donde todo es posible, donde todo puede convivir y donde todo se conecta. En su jardín congrega, multiplica la imagen, la invierte, la agranda o la disminuye como si estuviera en un espejo, modula diversas prácticas artísticas para trascender lo particular y hacer habitables los espacios circundantes, incluso por un instante. Maria Elvira Ardila Curadora
La obra de Pedro Ruiz aborda temas sociales y políticos que afectan a países de todo el mundo. La naturaleza y el concepto de que es una fuerza que no podemos controlar y con la que debemos vivir en armonía, está siempre presente en sus obras. Ruiz ha desarrollado cuatro series fundamentales a través de pinturas e instalaciones: Love is in the Air, Desplazamientos, Oro y Colombianas Ligeras. Pedro Ruiz es hoy, uno de los artistas más importantes de Colombia. Fue condecorado por el Gobierno francés con la Orden de las Artes y las Letras y es embajador de Unicef por su firme compromiso de traducir sus mensajes artísticos en proyectos sociales. Ruiz tiene la capacidad de conectar con la mente y el corazón del público por su forma poética y estética de abordar temas globales como: el desplazamiento social, la fumigación de los cultivos de drogas y su efecto sobre la naturaleza, la minería agresiva, su consecuente destrucción de la naturaleza y su efecto sobre la población rural, y el contraste entre la vida urbana y rural, entre otros. Pedro Ruiz desarrolla sus obras a través de proyectos. Es un sobresaliente pintor y escultor que utiliza sus bases académicas para desarrollar proyectos artísticos que son vanguardistas y contemporáneos. Es esta combinación exitosa la que lo ha colocado como una de las estrellas emergentes de América Latina. En los últimos años su proyecto “Oro, espíritu de la naturaleza y el territorio” ha viajado a muchos países (ver CV) despertando los sentimientos más íntimos del público e impactando en las comunidades artísticas de estos países. Se han publicado dos hermosos libros de mesa de café que cubren la rica evolución de su carrera.
Las delicadas creaciones de Teresa Currea yuxtaponen dibujos recortados -hechos con acuarela, grafito y lápices de color- objetos de cerámica y elementos encontrados como bombillos y enchufes. Dentro de una pequeña caja, Currea crea mundos surrealistas, multidimensionales y poeticos que embarcan al espectador en una aventura imaginaria. En sus obras, elementos opuestos y encuentros sin sentido crean un sutil equilibrio entre la realidad y la fantasía, que cuestiona nuestra verdadera percepción del mundo que nos rodea.
Las delicadas creaciones de Teresa Currea yuxtaponen dibujos recortados -hechos con acuarela, grafito y lápices de color- objetos de cerámica y elementos encontrados como bombillos y enchufes. Dentro de una pequeña caja, Currea crea mundos surrealistas, multidimensionales y poeticos que embarcan al espectador en una aventura imaginaria. En sus obras, elementos opuestos y encuentros sin sentido crean un sutil equilibrio entre la realidad y la fantasía, que cuestiona nuestra verdadera percepción del mundo que nos rodea.
Las delicadas creaciones de Teresa Currea yuxtaponen dibujos recortados -hechos con acuarela, grafito y lápices de color- objetos de cerámica y elementos encontrados como bombillos y enchufes. Dentro de una pequeña caja, Currea crea mundos surrealistas, multidimensionales y poeticos que embarcan al espectador en una aventura imaginaria. En sus obras, elementos opuestos y encuentros sin sentido crean un sutil equilibrio entre la realidad y la fantasía, que cuestiona nuestra verdadera percepción del mundo que nos rodea.
EL PAPEL DEL PAPEL; LA OBRA DE PABLO ARRAZOLA Durante las últimas décadas las fronteras de lo que es y puede significar el dibujo se han expandido considerablemente. El joven artista colombiano Pablo Arrazola (Bogotá, Colombia, 1991) hace parte de esa nueva tendencia al yuxtaponer en dialogo dos tipos de lenguaje: el tradicional figurativo propio de la representación descriptiva y realista, en la que se limita a utilizar las más básicas y tradicionales herramientas, y el lenguaje innovativo, experimental y abstracto de manipular el papel de diversas maneras y con variadas herramientas. Arrazola interactúa con el papel activándolo formal y significativamente al aplicar diversas acciones o procesos para dejar marcas en él¬ tales como cortar, rasgar, arañar, raspar, frotar. Estas acciones - con las que genera una amplia gama de líneas limpias y rectas, otras irregulares, texturas y relieves - transforman al papel en blanco, que tradicionalmente se considera solo como soporte, en un campo de acción y ocasionan cualidades correspondientes a los lenguajes del dibujo, pintura, grabado y bajo relieve escultórico. Al manipular el papel, como una entidad material táctil y no estrictamente como una superficie, introduce la realidad física de la tercera dimensión y la imaginaria de un espacio ambiental. El dibujo ha sido utilizado por muchos artistas contemporáneos para explorar temas de identidad; en este caso, los niños representados no son retratos específicos ni reales sino representaciones genéricas que le sirven al artista para explorar el tema bastante ignorado de la niñez y abordar la conceptualización de esta etapa de la vida en concordancia con el reciente interés y conciencia presentes en los estudios sociales y culturales. En la antigüedad la experiencia y estatus de la niñez compartía con el de las mujeres y de los esclavos una categoría de minoría y de discriminación; en las posteriores culturas europeas los niños se representaban en arte como adultos en miniatura, atravesando una época preparatoria que debía acelerase. Recientemente se ha valorado la importancia intrínseca de sus experiencias, su desarrollo cognitivo, y la capacidad de agencia al involucrarse en actos de creación de su propio mundo. En la obra de Arrazola los niños representados no solo se manifiestan como seres independientes y completos sino que invocan, a través de las huellas o marcas que cada personaje deja en su entorno, la interacción ordenadora del mundo y transformadora del espacio propias de los seres humanos a cualquier edad. El papel materializa la metáfora de la hoja en blanco como el potencial de la vida misma y también es el campo de acción del homo ludens, el hombre que juega, creando una equivalencia entre el arte y la vida donde los niños representados cumplen una función de alter ego en la realización de las acciones del artista. Los diversos lenguajes del dibujo entonces nos conducen simultáneamente a múltiples niveles significativos alusivos a la niñez, la práctica del arte y el espectador mismo, manifestando que la vida misma es - como el papel- un campo de acción exploratorio y de interacción constante. Natalia Vega Historiadora y crítica de arte
EL PAPEL DEL PAPEL; LA OBRA DE PABLO ARRAZOLA Durante las últimas décadas las fronteras de lo que es y puede significar el dibujo se han expandido considerablemente. El joven artista colombiano Pablo Arrazola (Bogotá, Colombia, 1991) hace parte de esa nueva tendencia al yuxtaponer en dialogo dos tipos de lenguaje: el tradicional figurativo propio de la representación descriptiva y realista, en la que se limita a utilizar las más básicas y tradicionales herramientas, y el lenguaje innovativo, experimental y abstracto de manipular el papel de diversas maneras y con variadas herramientas. Arrazola interactúa con el papel activándolo formal y significativamente al aplicar diversas acciones o procesos para dejar marcas en él¬ tales como cortar, rasgar, arañar, raspar, frotar. Estas acciones - con las que genera una amplia gama de líneas limpias y rectas, otras irregulares, texturas y relieves - transforman al papel en blanco, que tradicionalmente se considera solo como soporte, en un campo de acción y ocasionan cualidades correspondientes a los lenguajes del dibujo, pintura, grabado y bajo relieve escultórico. Al manipular el papel, como una entidad material táctil y no estrictamente como una superficie, introduce la realidad física de la tercera dimensión y la imaginaria de un espacio ambiental. El dibujo ha sido utilizado por muchos artistas contemporáneos para explorar temas de identidad; en este caso, los niños representados no son retratos específicos ni reales sino representaciones genéricas que le sirven al artista para explorar el tema bastante ignorado de la niñez y abordar la conceptualización de esta etapa de la vida en concordancia con el reciente interés y conciencia presentes en los estudios sociales y culturales. En la antigüedad la experiencia y estatus de la niñez compartía con el de las mujeres y de los esclavos una categoría de minoría y de discriminación; en las posteriores culturas europeas los niños se representaban en arte como adultos en miniatura, atravesando una época preparatoria que debía acelerase. Recientemente se ha valorado la importancia intrínseca de sus experiencias, su desarrollo cognitivo, y la capacidad de agencia al involucrarse en actos de creación de su propio mundo. En la obra de Arrazola los niños representados no solo se manifiestan como seres independientes y completos sino que invocan, a través de las huellas o marcas que cada personaje deja en su entorno, la interacción ordenadora del mundo y transformadora del espacio propias de los seres humanos a cualquier edad. El papel materializa la metáfora de la hoja en blanco como el potencial de la vida misma y también es el campo de acción del homo ludens, el hombre que juega, creando una equivalencia entre el arte y la vida donde los niños representados cumplen una función de alter ego en la realización de las acciones del artista. Los diversos lenguajes del dibujo entonces nos conducen simultáneamente a múltiples niveles significativos alusivos a la niñez, la práctica del arte y el espectador mismo, manifestando que la vida misma es - como el papel- un campo de acción exploratorio y de interacción constante. Natalia Vega Historiadora y crítica de arte
EL PAPEL DEL PAPEL; LA OBRA DE PABLO ARRAZOLA Durante las últimas décadas las fronteras de lo que es y puede significar el dibujo se han expandido considerablemente. El joven artista colombiano Pablo Arrazola (Bogotá, Colombia, 1991) hace parte de esa nueva tendencia al yuxtaponer en dialogo dos tipos de lenguaje: el tradicional figurativo propio de la representación descriptiva y realista, en la que se limita a utilizar las más básicas y tradicionales herramientas, y el lenguaje innovativo, experimental y abstracto de manipular el papel de diversas maneras y con variadas herramientas. Arrazola interactúa con el papel activándolo formal y significativamente al aplicar diversas acciones o procesos para dejar marcas en él¬ tales como cortar, rasgar, arañar, raspar, frotar. Estas acciones - con las que genera una amplia gama de líneas limpias y rectas, otras irregulares, texturas y relieves - transforman al papel en blanco, que tradicionalmente se considera solo como soporte, en un campo de acción y ocasionan cualidades correspondientes a los lenguajes del dibujo, pintura, grabado y bajo relieve escultórico. Al manipular el papel, como una entidad material táctil y no estrictamente como una superficie, introduce la realidad física de la tercera dimensión y la imaginaria de un espacio ambiental. El dibujo ha sido utilizado por muchos artistas contemporáneos para explorar temas de identidad; en este caso, los niños representados no son retratos específicos ni reales sino representaciones genéricas que le sirven al artista para explorar el tema bastante ignorado de la niñez y abordar la conceptualización de esta etapa de la vida en concordancia con el reciente interés y conciencia presentes en los estudios sociales y culturales. En la antigüedad la experiencia y estatus de la niñez compartía con el de las mujeres y de los esclavos una categoría de minoría y de discriminación; en las posteriores culturas europeas los niños se representaban en arte como adultos en miniatura, atravesando una época preparatoria que debía acelerase. Recientemente se ha valorado la importancia intrínseca de sus experiencias, su desarrollo cognitivo, y la capacidad de agencia al involucrarse en actos de creación de su propio mundo. En la obra de Arrazola los niños representados no solo se manifiestan como seres independientes y completos sino que invocan, a través de las huellas o marcas que cada personaje deja en su entorno, la interacción ordenadora del mundo y transformadora del espacio propias de los seres humanos a cualquier edad. El papel materializa la metáfora de la hoja en blanco como el potencial de la vida misma y también es el campo de acción del homo ludens, el hombre que juega, creando una equivalencia entre el arte y la vida donde los niños representados cumplen una función de alter ego en la realización de las acciones del artista. Los diversos lenguajes del dibujo entonces nos conducen simultáneamente a múltiples niveles significativos alusivos a la niñez, la práctica del arte y el espectador mismo, manifestando que la vida misma es - como el papel- un campo de acción exploratorio y de interacción constante. Natalia Vega Historiadora y crítica de arte
La obra de Pedro Ruiz aborda temas sociales y políticos que afectan a países de todo el mundo. La naturaleza y el concepto de que es una fuerza que no podemos controlar y con la que debemos vivir en armonía, está siempre presente en sus obras. Ruiz ha desarrollado cuatro series fundamentales a través de pinturas e instalaciones: Love is in the Air, Desplazamientos, Oro y Colombianas Ligeras. Pedro Ruiz es hoy, uno de los artistas más importantes de Colombia. Fue condecorado por el Gobierno francés con la Orden de las Artes y las Letras y es embajador de Unicef por su firme compromiso de traducir sus mensajes artísticos en proyectos sociales. Ruiz tiene la capacidad de conectar con la mente y el corazón del público por su forma poética y estética de abordar temas globales como: el desplazamiento social, la fumigación de los cultivos de drogas y su efecto sobre la naturaleza, la minería agresiva, su consecuente destrucción de la naturaleza y su efecto sobre la población rural, y el contraste entre la vida urbana y rural, entre otros. Pedro Ruiz desarrolla sus obras a través de proyectos. Es un sobresaliente pintor y escultor que utiliza sus bases académicas para desarrollar proyectos artísticos que son vanguardistas y contemporáneos. Es esta combinación exitosa la que lo ha colocado como una de las estrellas emergentes de América Latina. En los últimos años su proyecto “Oro, espíritu de la naturaleza y el territorio” ha viajado a muchos países (ver CV) despertando los sentimientos más íntimos del público e impactando en las comunidades artísticas de estos países. Se han publicado dos hermosos libros de mesa de café que cubren la rica evolución de su carrera.
Usando la cerámica como su medio principal, las instalaciones y esculturas de Carol Young trascienden la percepción general del material, creando así un trabajo único, desafiante y hermoso. Su relación con la cerámica es íntima, el desarrollo de sus piezas intuitivo. Tiene la habilidad para emular lo orgánico, para moldear y manipular el material para crear objetos que podrían existir en la naturaleza. Pero en realidad son creaciones propias, resultado de su conocimiento de la cerámica, de su habilidad para interpretarla y re-significarla. Sin embargo, las piezas de Carol Young no pueden existir por sí solas. Requieren de la atención, de la contemplación del espectador para cobrar vida. Ellos serán quienes dotarán de sentido sus formas.
