Un programa de la Cámara de Comercio de Bogotá
Un programa cultural de:
Un programa de la Cámara de Comercio de Bogotá
Un programa cultural de:
Pilgrimages of Belonging Madeleine Bialke, Caleb Hahne Quintana, Konstantina Krikzoni, Ella McVeigh y Brittney Leeanne Williams.
Una peregrinación es un viaje, a menudo a un lugar desconocido o extraño, donde una persona va en busca de un significado nuevo o más amplio sobre sí mismo, los demás, la naturaleza o un bien superior. Un sentido de pertenencia implica una afinidad o conexión con un lugar, grupo social o cultural. En Pilgrimages of Belonging, Newchild presenta una exposición colectiva que explora el deseo que todos tenemos de pertenecer y las travesías que emprendemos para encontrarnos a nosotros mismos.
En Pilgrimages of Belonging, los viajes son tanto reales como imaginarios. Las representaciones de viajes reales van desde escenas íntimas de partidas y regresos individuales hasta encuentros universales con la naturaleza, o largas distancias recorridas para encontrar nuestros lugares ancestrales. Pero más a menudo, las obras de arte se han inspirado en los viajes de la mente: vagando por montañas imaginarias o escapando a retiros en la naturaleza o paraísos utópicos que pueden proporcionar refugio, aunque solo sea indirectamente, de realidades desafiantes.
Estos artistas en esta exposición representan un microcosmos de las experiencias en el viaje para encontrarnos a nosotros mismos y donde pertenecemos. La pertenencia es un sentimiento poderoso que da forma a nuestra identidad. Explora los enfoques intangibles y tangibles en los que nos involucramos para desarrollar y mantener nuestro sentido de conexión a través del tiempo y el espacio, al mismo tiempo que negociamos cómo nos sentimos parte de un lugar o grupo mientras permanecemos abiertos al otro.
Ella McVeigh (nacida en 1992 en Londres, Reino Unido) vive y trabaja en Londres, y recientemente se graduó con una Maestría en Pintura de The Royal College Of Art. Sus pinturas están entrelazadas con la historia del arte, el papel de la naturaleza en la creación artística, y las posibilidades y significados de la pintura en la actualidad. Partiendo principalmente de imágenes de archivo del mundo natural, McVeigh explora la pintura como una representación física de los procesos mentales en la toma de decisiones visuales. En consecuencia estas imágenes de su colección personal, que van desde fotografía escenificada de arreglos florales, hasta enciclopedias sobre minerales y geología, son el desencadenante de una serie de conexiones mentales con otras imágenes y experiencias. El trabajo puramente abstracto de McVeigh es un interrogante persistente sobre la línea, el color y la forma a través de pinturas y dibujos que capturan en minucioso detalle las complejidades de mirar imágenes, al mismo tiempo eludiendo cualquier interpretación literal o narrativa. Ella ve su forma de pintar como un proceso de resolución de problemas, creando armonía a partir del caos mientras combina estructuras naturales y artificiales. La práctica de McVeigh incorpora óleos sobre lienzo, gouaches sobre papel y dibujo. Sus formatos varían en escala pero a menudo los tamaños oscilan entre 1,5 metros hasta 3 metros de largo/alto. Exposiciones recientes en formato individual y grupal incluyen Each Glance Branching, Newchild, Amberes (2022) Seven Sisters, Chadwell Award, Londres (2021); Wild Blue Yonder, Newchild, Amberes (2021); and Tomorrow: London, White Cube, Londres (2020). McVeigh es la ganadora del Chadwell Award (2020).
Ella McVeigh (nacida en 1992 en Londres, Reino Unido) vive y trabaja en Londres, y recientemente se graduó con una Maestría en Pintura de The Royal College Of Art. Sus pinturas están entrelazadas con la historia del arte, el papel de la naturaleza en la creación artística, y las posibilidades y significados de la pintura en la actualidad. Partiendo principalmente de imágenes de archivo del mundo natural, McVeigh explora la pintura como una representación física de los procesos mentales en la toma de decisiones visuales. En consecuencia estas imágenes de su colección personal, que van desde fotografía escenificada de arreglos florales, hasta enciclopedias sobre minerales y geología, son el desencadenante de una serie de conexiones mentales con otras imágenes y experiencias. El trabajo puramente abstracto de McVeigh es un interrogante persistente sobre la línea, el color y la forma a través de pinturas y dibujos que capturan en minucioso detalle las complejidades de mirar imágenes, al mismo tiempo eludiendo cualquier interpretación literal o narrativa. Ella ve su forma de pintar como un proceso de resolución de problemas, creando armonía a partir del caos mientras combina estructuras naturales y artificiales. La práctica de McVeigh incorpora óleos sobre lienzo, gouaches sobre papel y dibujo. Sus formatos varían en escala pero a menudo los tamaños oscilan entre 1,5 metros hasta 3 metros de largo/alto. Exposiciones recientes en formato individual y grupal incluyen Each Glance Branching, Newchild, Amberes (2022) Seven Sisters, Chadwell Award, Londres (2021); Wild Blue Yonder, Newchild, Amberes (2021); and Tomorrow: London, White Cube, Londres (2020). McVeigh es la ganadora del Chadwell Award (2020).
Ella McVeigh (nacida en 1992 en Londres, Reino Unido) vive y trabaja en Londres, y recientemente se graduó con una Maestría en Pintura de The Royal College Of Art. Sus pinturas están entrelazadas con la historia del arte, el papel de la naturaleza en la creación artística, y las posibilidades y significados de la pintura en la actualidad. Partiendo principalmente de imágenes de archivo del mundo natural, McVeigh explora la pintura como una representación física de los procesos mentales en la toma de decisiones visuales. En consecuencia estas imágenes de su colección personal, que van desde fotografía escenificada de arreglos florales, hasta enciclopedias sobre minerales y geología, son el desencadenante de una serie de conexiones mentales con otras imágenes y experiencias. El trabajo puramente abstracto de McVeigh es un interrogante persistente sobre la línea, el color y la forma a través de pinturas y dibujos que capturan en minucioso detalle las complejidades de mirar imágenes, al mismo tiempo eludiendo cualquier interpretación literal o narrativa. Ella ve su forma de pintar como un proceso de resolución de problemas, creando armonía a partir del caos mientras combina estructuras naturales y artificiales. La práctica de McVeigh incorpora óleos sobre lienzo, gouaches sobre papel y dibujo. Sus formatos varían en escala pero a menudo los tamaños oscilan entre 1,5 metros hasta 3 metros de largo/alto. Exposiciones recientes en formato individual y grupal incluyen Each Glance Branching, Newchild, Amberes (2022) Seven Sisters, Chadwell Award, Londres (2021); Wild Blue Yonder, Newchild, Amberes (2021); and Tomorrow: London, White Cube, Londres (2020). McVeigh es la ganadora del Chadwell Award (2020).
Madeleine Bialke (b. 1991 Nueva York) crea pinturas de paisajes muy personales que nacen de un deseo de simplificar la naturaleza. Este deseo se originó como resultado de connotaciones ambientales (extinción, domesticación, devastación ecológica global), pero también nació de la esperanza. La esperanza de que la simplificación de un tema complejo como el mundo natural pueda fomentar la empatía y convertirse en una puerta de entrada a una mayor comprensión. Sus representaciones postapocalípticas de bosques y paisajes están envueltas en ideas románticas sobre su sublimidad. Al crecer en el norte del estado de Nueva York, cerca de las montañas Adirondack, Bialke quedó fascinado con el poder de la naturaleza y la pequeñez de la humanidad. Un elemento recurrente en su obra es el consuelo que puede brindar la naturaleza, y su capacidad para fomentar la sinceridad en uno mismo. Solo en presencia de la naturaleza uno puede deshacerse de los grilletes sociales y de la necesidad de actuar para los demás. Los paisajes etéreos de Bialke emiten una cualidad onírica, cubiertos de colores luminiscentes que parecen brillar más allá del lienzo sobre el que están pintados. Centrándose en las formas flexibles y redondeadas de los árboles y la flora, la naturaleza de Bialke está antropomorfizada, las ramas de los árboles y las plantas suavemente curvadas parecen análogas a las figuras y los animales diseminados escasamente en el plano de la imagen. Dentro de su práctica, Bialke usa el color para generar e indicar emoción. Menos interesada en los matices precisos de un paisaje, su colorido favorece una paleta sedosa de tonos iridiscentes y brumosos. Recibió su BFA en Artes Plasticas de la Universidad Estatal de Plattsburgh de Nueva York, y luego realizó una Maestría en Bellas Artes en Pintura en la Universidad de Boston, Massachusetts. Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas en Steve Turner, Los Angeles; Huxley-Parlour Gallery, Londres; Alexander Berggruen, Nueva York; Harper's Books, Nueva York, Deanna Evans Projects, Nueva York y Visions West Contemporary, Denver, entre otros. Bialke fue Artista en Residencia en la Universidad Estatal del Noroeste de Oklahoma en 2018 y recibió el Premio John Walker MFA de Pintura y Escultura en 2016. Vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York.
Madeleine Bialke (b. 1991 Nueva York) crea pinturas de paisajes muy personales que nacen de un deseo de simplificar la naturaleza. Este deseo se originó como resultado de connotaciones ambientales (extinción, domesticación, devastación ecológica global), pero también nació de la esperanza. La esperanza de que la simplificación de un tema complejo como el mundo natural pueda fomentar la empatía y convertirse en una puerta de entrada a una mayor comprensión. Sus representaciones postapocalípticas de bosques y paisajes están envueltas en ideas románticas sobre su sublimidad. Al crecer en el norte del estado de Nueva York, cerca de las montañas Adirondack, Bialke quedó fascinado con el poder de la naturaleza y la pequeñez de la humanidad. Un elemento recurrente en su obra es el consuelo que puede brindar la naturaleza, y su capacidad para fomentar la sinceridad en uno mismo. Solo en presencia de la naturaleza uno puede deshacerse de los grilletes sociales y de la necesidad de actuar para los demás. Los paisajes etéreos de Bialke emiten una cualidad onírica, cubiertos de colores luminiscentes que parecen brillar más allá del lienzo sobre el que están pintados. Centrándose en las formas flexibles y redondeadas de los árboles y la flora, la naturaleza de Bialke está antropomorfizada, las ramas de los árboles y las plantas suavemente curvadas parecen análogas a las figuras y los animales diseminados escasamente en el plano de la imagen. Dentro de su práctica, Bialke usa el color para generar e indicar emoción. Menos interesada en los matices precisos de un paisaje, su colorido favorece una paleta sedosa de tonos iridiscentes y brumosos. Recibió su BFA en Artes Plasticas de la Universidad Estatal de Plattsburgh de Nueva York, y luego realizó una Maestría en Bellas Artes en Pintura en la Universidad de Boston, Massachusetts. Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas en Steve Turner, Los Angeles; Huxley-Parlour Gallery, Londres; Alexander Berggruen, Nueva York; Harper's Books, Nueva York, Deanna Evans Projects, Nueva York y Visions West Contemporary, Denver, entre otros. Bialke fue Artista en Residencia en la Universidad Estatal del Noroeste de Oklahoma en 2018 y recibió el Premio John Walker MFA de Pintura y Escultura en 2016. Vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York.
Madeleine Bialke (b. 1991 Nueva York) crea pinturas de paisajes muy personales que nacen de un deseo de simplificar la naturaleza. Este deseo se originó como resultado de connotaciones ambientales (extinción, domesticación, devastación ecológica global), pero también nació de la esperanza. La esperanza de que la simplificación de un tema complejo como el mundo natural pueda fomentar la empatía y convertirse en una puerta de entrada a una mayor comprensión. Sus representaciones postapocalípticas de bosques y paisajes están envueltas en ideas románticas sobre su sublimidad. Al crecer en el norte del estado de Nueva York, cerca de las montañas Adirondack, Bialke quedó fascinado con el poder de la naturaleza y la pequeñez de la humanidad. Un elemento recurrente en su obra es el consuelo que puede brindar la naturaleza, y su capacidad para fomentar la sinceridad en uno mismo. Solo en presencia de la naturaleza uno puede deshacerse de los grilletes sociales y de la necesidad de actuar para los demás. Los paisajes etéreos de Bialke emiten una cualidad onírica, cubiertos de colores luminiscentes que parecen brillar más allá del lienzo sobre el que están pintados. Centrándose en las formas flexibles y redondeadas de los árboles y la flora, la naturaleza de Bialke está antropomorfizada, las ramas de los árboles y las plantas suavemente curvadas parecen análogas a las figuras y los animales diseminados escasamente en el plano de la imagen. Dentro de su práctica, Bialke usa el color para generar e indicar emoción. Menos interesada en los matices precisos de un paisaje, su colorido favorece una paleta sedosa de tonos iridiscentes y brumosos. Recibió su BFA en Artes Plasticas de la Universidad Estatal de Plattsburgh de Nueva York, y luego realizó una Maestría en Bellas Artes en Pintura en la Universidad de Boston, Massachusetts. Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas en Steve Turner, Los Angeles; Huxley-Parlour Gallery, Londres; Alexander Berggruen, Nueva York; Harper's Books, Nueva York, Deanna Evans Projects, Nueva York y Visions West Contemporary, Denver, entre otros. Bialke fue Artista en Residencia en la Universidad Estatal del Noroeste de Oklahoma en 2018 y recibió el Premio John Walker MFA de Pintura y Escultura en 2016. Vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York.
Caleb Hahne-Quintana (n. 1993 Denver) ilustra poéticamente sus recuerdos y experiencias vividas. Centrándose en el ambiente más que en el contenido, sus obras íntimas abordan y exploran temas de vulnerabilidad y niñez a través de una romantización de momentos mundanos capturados en papel o lienzo. Profundizando en el empirismo personal de su infancia como judío latinoamericano en la zona rural de Colorado, sus piezas examinan cómo visualizamos y percibimos nuestras experiencias pasadas, transformando eventos reales en realidades oníricas sobre lienzo. Los retratos de Caleb Hahne, que presentan un delicado juego de luces y sombras suaves, se centran en la bruma de la memoria y la niñez misma. Hahne a menudo oscurece los rostros de sus sujetos y, en cambio, se enfoca en manos muy cortas o vistas de gran angular de la parte posterior de la cabeza. El artista utiliza acrílico, pastel, grafito y lápices de colores para representar las particularidades del movimiento y el gesto; sus sujetos, a menudo anónimos, montan a caballo o disfrutan de momentos de tranquila intimidad. Hahne ha expuesto en Denver, Nueva York, Los Ángeles, San Francisco y Berlín, entre otras ciudades. Ha participado en exposiciones colectivas en el Museo de Arte Contemporáneo de Denver y el New Museum de Nueva York. Actualmente vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York. Recibió un BFA en Bellas Artes de Rocky Mountain College of Art and Design. En 2021, exhibió un stand individual con 1969 Gallery en Armory Show. Sus residencias incluyen 1969 Gallery Residency, The Cabin LA, ShowPen, RedLine Contemporary Art Center y Adventure Painting. Denver Westword nombró a Hahne como uno de los 100 creativos de Colorado de 2014 y uno de los 10 mejores artistas a observar en 2015. Está incluido como uno de los 10 mejores artistas contemporáneos menores de 40 años por Widewalls.
Caleb Hahne-Quintana (n. 1993 Denver) ilustra poéticamente sus recuerdos y experiencias vividas. Centrándose en el ambiente más que en el contenido, sus obras íntimas abordan y exploran temas de vulnerabilidad y niñez a través de una romantización de momentos mundanos capturados en papel o lienzo. Profundizando en el empirismo personal de su infancia como judío latinoamericano en la zona rural de Colorado, sus piezas examinan cómo visualizamos y percibimos nuestras experiencias pasadas, transformando eventos reales en realidades oníricas sobre lienzo. Los retratos de Caleb Hahne, que presentan un delicado juego de luces y sombras suaves, se centran en la bruma de la memoria y la niñez misma. Hahne a menudo oscurece los rostros de sus sujetos y, en cambio, se enfoca en manos muy cortas o vistas de gran angular de la parte posterior de la cabeza. El artista utiliza acrílico, pastel, grafito y lápices de colores para representar las particularidades del movimiento y el gesto; sus sujetos, a menudo anónimos, montan a caballo o disfrutan de momentos de tranquila intimidad. Hahne ha expuesto en Denver, Nueva York, Los Ángeles, San Francisco y Berlín, entre otras ciudades. Ha participado en exposiciones colectivas en el Museo de Arte Contemporáneo de Denver y el New Museum de Nueva York. Actualmente vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York. Recibió un BFA en Bellas Artes de Rocky Mountain College of Art and Design. En 2021, exhibió un stand individual con 1969 Gallery en Armory Show. Sus residencias incluyen 1969 Gallery Residency, The Cabin LA, ShowPen, RedLine Contemporary Art Center y Adventure Painting. Denver Westword nombró a Hahne como uno de los 100 creativos de Colorado de 2014 y uno de los 10 mejores artistas a observar en 2015. Está incluido como uno de los 10 mejores artistas contemporáneos menores de 40 años por Widewalls.
Caleb Hahne-Quintana (n. 1993 Denver) ilustra poéticamente sus recuerdos y experiencias vividas. Centrándose en el ambiente más que en el contenido, sus obras íntimas abordan y exploran temas de vulnerabilidad y niñez a través de una romantización de momentos mundanos capturados en papel o lienzo. Profundizando en el empirismo personal de su infancia como judío latinoamericano en la zona rural de Colorado, sus piezas examinan cómo visualizamos y percibimos nuestras experiencias pasadas, transformando eventos reales en realidades oníricas sobre lienzo. Los retratos de Caleb Hahne, que presentan un delicado juego de luces y sombras suaves, se centran en la bruma de la memoria y la niñez misma. Hahne a menudo oscurece los rostros de sus sujetos y, en cambio, se enfoca en manos muy cortas o vistas de gran angular de la parte posterior de la cabeza. El artista utiliza acrílico, pastel, grafito y lápices de colores para representar las particularidades del movimiento y el gesto; sus sujetos, a menudo anónimos, montan a caballo o disfrutan de momentos de tranquila intimidad. Hahne ha expuesto en Denver, Nueva York, Los Ángeles, San Francisco y Berlín, entre otras ciudades. Ha participado en exposiciones colectivas en el Museo de Arte Contemporáneo de Denver y el New Museum de Nueva York. Actualmente vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York. Recibió un BFA en Bellas Artes de Rocky Mountain College of Art and Design. En 2021, exhibió un stand individual con 1969 Gallery en Armory Show. Sus residencias incluyen 1969 Gallery Residency, The Cabin LA, ShowPen, RedLine Contemporary Art Center y Adventure Painting. Denver Westword nombró a Hahne como uno de los 100 creativos de Colorado de 2014 y uno de los 10 mejores artistas a observar en 2015. Está incluido como uno de los 10 mejores artistas contemporáneos menores de 40 años por Widewalls.
El trabajo de Konstantina Krikzoni (n. 1987 Grecia) se encuentra entre la abstracción y la figuración. Sus pinturas están impregnadas de energía que ella considera una coreografía autobiográfica entre su cuerpo y el lienzo. Sus obras, principalmente con óleo sobre lienzo, acuarela sobre papel y técnicas mixtas, exploran temas de infancia, memoria, feminismo, trauma y sexualidad. Todo lo consigue mientras deconstruye la figura femenina y la transforma dando cabida a tantos espíritus como sea posible: “viajeros, sonámbulos o fantasmas, seres seductores ambivalentes, metamorfos egoístas y parásitos sexuales”, los llama. Estas "criaturas" a menudo se denominan emociones indefinidas. Sus poderosos lienzos rojos bordados son como la curación, nacidos de su intuición en respuesta a un dominio donde el tacto corporal se convierte en una segunda piel bordada que interactúa con una forma visceral de narración visual, y el tacto forma un lenguaje visual donde la pintura, la actuación y el simbolismo se unen. y las mujeres reinan en una escala enorme. Tiene una maestría en pintura del Royal College of Art. Estudió pintura en la Escuela de Artes Visuales y Bellas Artes de la Universidad Aristóteles de Tesalónica (2015); y matemáticas en la Facultad de Física y Matemáticas de la misma universidad (2010). Recibió la Beca de la Fundación Elizabeth Greenshields (2020) y una beca de la Organización NEON para la Cultura y el Desarrollo (2020/21, 2021/22), mientras que fue preseleccionada para una beca del Servicio Alemán de Intercambio Académico (DAAD) (2021 ). Ha sido galardonada con la Beca de Artista de la Fundación Stavros Niarchos por ARTWORKS (2021). Su obra ha sido expuesta en Londres (El techo con un ojo tranquilo, Cork St Galleries, 2021), en Entrevaux, Francia (Les danses nocturnes, comisariada por East Contemporary Gallery, Spread Museum Entrevaux, 2021), en Berlín (ELF – Schaufenster Gallery, 2020; L'artiste et les commissaires, Lage Egal Gallery, 2019; y All out, KWADRAT Gallery, 2019) y en Atenas (2020 Rooms, Kappatos Gallery). Vive y trabaja en Londres, Reino Unido.
El trabajo de Konstantina Krikzoni (n. 1987 Grecia) se encuentra entre la abstracción y la figuración. Sus pinturas están impregnadas de energía que ella considera una coreografía autobiográfica entre su cuerpo y el lienzo. Sus obras, principalmente con óleo sobre lienzo, acuarela sobre papel y técnicas mixtas, exploran temas de infancia, memoria, feminismo, trauma y sexualidad. Todo lo consigue mientras deconstruye la figura femenina y la transforma dando cabida a tantos espíritus como sea posible: “viajeros, sonámbulos o fantasmas, seres seductores ambivalentes, metamorfos egoístas y parásitos sexuales”, los llama. Estas "criaturas" a menudo se denominan emociones indefinidas. Sus poderosos lienzos rojos bordados son como la curación, nacidos de su intuición en respuesta a un dominio donde el tacto corporal se convierte en una segunda piel bordada que interactúa con una forma visceral de narración visual, y el tacto forma un lenguaje visual donde la pintura, la actuación y el simbolismo se unen. y las mujeres reinan en una escala enorme. Tiene una maestría en pintura del Royal College of Art. Estudió pintura en la Escuela de Artes Visuales y Bellas Artes de la Universidad Aristóteles de Tesalónica (2015); y matemáticas en la Facultad de Física y Matemáticas de la misma universidad (2010). Recibió la Beca de la Fundación Elizabeth Greenshields (2020) y una beca de la Organización NEON para la Cultura y el Desarrollo (2020/21, 2021/22), mientras que fue preseleccionada para una beca del Servicio Alemán de Intercambio Académico (DAAD) (2021 ). Ha sido galardonada con la Beca de Artista de la Fundación Stavros Niarchos por ARTWORKS (2021). Su obra ha sido expuesta en Londres (El techo con un ojo tranquilo, Cork St Galleries, 2021), en Entrevaux, Francia (Les danses nocturnes, comisariada por East Contemporary Gallery, Spread Museum Entrevaux, 2021), en Berlín (ELF – Schaufenster Gallery, 2020; L'artiste et les commissaires, Lage Egal Gallery, 2019; y All out, KWADRAT Gallery, 2019) y en Atenas (2020 Rooms, Kappatos Gallery). Vive y trabaja en Londres, Reino Unido.
El trabajo de Konstantina Krikzoni (n. 1987 Grecia) se encuentra entre la abstracción y la figuración. Sus pinturas están impregnadas de energía que ella considera una coreografía autobiográfica entre su cuerpo y el lienzo. Sus obras, principalmente con óleo sobre lienzo, acuarela sobre papel y técnicas mixtas, exploran temas de infancia, memoria, feminismo, trauma y sexualidad. Todo lo consigue mientras deconstruye la figura femenina y la transforma dando cabida a tantos espíritus como sea posible: “viajeros, sonámbulos o fantasmas, seres seductores ambivalentes, metamorfos egoístas y parásitos sexuales”, los llama. Estas "criaturas" a menudo se denominan emociones indefinidas. Sus poderosos lienzos rojos bordados son como la curación, nacidos de su intuición en respuesta a un dominio donde el tacto corporal se convierte en una segunda piel bordada que interactúa con una forma visceral de narración visual, y el tacto forma un lenguaje visual donde la pintura, la actuación y el simbolismo se unen. y las mujeres reinan en una escala enorme. Tiene una maestría en pintura del Royal College of Art. Estudió pintura en la Escuela de Artes Visuales y Bellas Artes de la Universidad Aristóteles de Tesalónica (2015); y matemáticas en la Facultad de Física y Matemáticas de la misma universidad (2010). Recibió la Beca de la Fundación Elizabeth Greenshields (2020) y una beca de la Organización NEON para la Cultura y el Desarrollo (2020/21, 2021/22), mientras que fue preseleccionada para una beca del Servicio Alemán de Intercambio Académico (DAAD) (2021 ). Ha sido galardonada con la Beca de Artista de la Fundación Stavros Niarchos por ARTWORKS (2021). Su obra ha sido expuesta en Londres (El techo con un ojo tranquilo, Cork St Galleries, 2021), en Entrevaux, Francia (Les danses nocturnes, comisariada por East Contemporary Gallery, Spread Museum Entrevaux, 2021), en Berlín (ELF – Schaufenster Gallery, 2020; L'artiste et les commissaires, Lage Egal Gallery, 2019; y All out, KWADRAT Gallery, 2019) y en Atenas (2020 Rooms, Kappatos Gallery). Vive y trabaja en Londres, Reino Unido.
Brittney Leeanne Williams (n. 1990, Pasadena, California) toma el cuerpo como tema principal de sus investigaciones pictóricas. Sus obras representan figuras en transformación, cuerpos extrañamente torcidos y formados, formas similares a las humanas que están sujetas a presiones o fuerzas invisibles que se encuentran más allá del borde del lienzo. Una lucha que parece darse simultáneamente interna y externamente, una dualidad entre agotamiento y fuerza. Las figuras se retuercen y anudan en paisajes emocionales, hasta tal punto que los cuerpos y los paisajes se funden en una entidad de otro mundo. Los cuerpos en las pinturas de William soportan maniobras físicas complejas y, a menudo, se encuentran cargando el peso de otra figura, lo que lleva a una interpretación de las relaciones familiares y sugiere que los cuerpos antes mencionados podrían estar soportando el peso de traumas psicológicos (algunos de los cuales aún están por venir). ). Sus paisajes se transforman de vistas idílicas del sur de California a lo que ella llama "paisajes emocionales: representaciones de estados psicológicos, recuerdos y lazos emocionales", al inyectar su omnipresente figura doblada, a menudo roja, en la arquitectura del entorno. Las formas femeninas de Williams sirven como conductos para ver una dimensión del espíritu de la artista y su exploración de las identidades femeninas y negras. Williams asistió a la Escuela de Pintura y Escultura Skowhegan y a la Escuela del Instituto de Arte de Chicago. Su trabajo se ha exhibido en Nueva York, Los Ángeles, San Francisco, Miami, Londres, Venecia, Italia, Amberes, Copenhague y Hong Kong, así como en Chicago y en todo el Medio Oeste. Es becaria de la Fundación Joan Mitchell y becaria de Lumiarts. Las residencias de artistas de Williams incluyen Arts + Public Life (Universidad de Chicago) y McColl Center for Art + Innovation, entre otros. Su trabajo está incluido en las colecciones públicas del Museo de Bellas Artes, Houston, Texas; el Museo de Colón, Columbus, E.E.U.U.; la Colección Domus, Beijing; Fundación Medianoche0, Granada, España; la Fundación MacArthur, Chicago; y Museo X, Beijing. Ella vive y trabaja en Los Ángeles, CA.
Brittney Leeanne Williams (n. 1990, Pasadena, California) toma el cuerpo como tema principal de sus investigaciones pictóricas. Sus obras representan figuras en transformación, cuerpos extrañamente torcidos y formados, formas similares a las humanas que están sujetas a presiones o fuerzas invisibles que se encuentran más allá del borde del lienzo. Una lucha que parece darse simultáneamente interna y externamente, una dualidad entre agotamiento y fuerza. Las figuras se retuercen y anudan en paisajes emocionales, hasta tal punto que los cuerpos y los paisajes se funden en una entidad de otro mundo. Los cuerpos en las pinturas de William soportan maniobras físicas complejas y, a menudo, se encuentran cargando el peso de otra figura, lo que lleva a una interpretación de las relaciones familiares y sugiere que los cuerpos antes mencionados podrían estar soportando el peso de traumas psicológicos (algunos de los cuales aún están por venir). ). Sus paisajes se transforman de vistas idílicas del sur de California a lo que ella llama "paisajes emocionales: representaciones de estados psicológicos, recuerdos y lazos emocionales", al inyectar su omnipresente figura doblada, a menudo roja, en la arquitectura del entorno. Las formas femeninas de Williams sirven como conductos para ver una dimensión del espíritu de la artista y su exploración de las identidades femeninas y negras. Williams asistió a la Escuela de Pintura y Escultura Skowhegan y a la Escuela del Instituto de Arte de Chicago. Su trabajo se ha exhibido en Nueva York, Los Ángeles, San Francisco, Miami, Londres, Venecia, Italia, Amberes, Copenhague y Hong Kong, así como en Chicago y en todo el Medio Oeste. Es becaria de la Fundación Joan Mitchell y becaria de Lumiarts. Las residencias de artistas de Williams incluyen Arts + Public Life (Universidad de Chicago) y McColl Center for Art + Innovation, entre otros. Su trabajo está incluido en las colecciones públicas del Museo de Bellas Artes, Houston, Texas; el Museo de Colón, Columbus, E.E.U.U.; la Colección Domus, Beijing; Fundación Medianoche0, Granada, España; la Fundación MacArthur, Chicago; y Museo X, Beijing. Ella vive y trabaja en Los Ángeles, CA.
Brittney Leeanne Williams (n. 1990, Pasadena, California) toma el cuerpo como tema principal de sus investigaciones pictóricas. Sus obras representan figuras en transformación, cuerpos extrañamente torcidos y formados, formas similares a las humanas que están sujetas a presiones o fuerzas invisibles que se encuentran más allá del borde del lienzo. Una lucha que parece darse simultáneamente interna y externamente, una dualidad entre agotamiento y fuerza. Las figuras se retuercen y anudan en paisajes emocionales, hasta tal punto que los cuerpos y los paisajes se funden en una entidad de otro mundo. Los cuerpos en las pinturas de William soportan maniobras físicas complejas y, a menudo, se encuentran cargando el peso de otra figura, lo que lleva a una interpretación de las relaciones familiares y sugiere que los cuerpos antes mencionados podrían estar soportando el peso de traumas psicológicos (algunos de los cuales aún están por venir). ). Sus paisajes se transforman de vistas idílicas del sur de California a lo que ella llama "paisajes emocionales: representaciones de estados psicológicos, recuerdos y lazos emocionales", al inyectar su omnipresente figura doblada, a menudo roja, en la arquitectura del entorno. Las formas femeninas de Williams sirven como conductos para ver una dimensión del espíritu de la artista y su exploración de las identidades femeninas y negras. Williams asistió a la Escuela de Pintura y Escultura Skowhegan y a la Escuela del Instituto de Arte de Chicago. Su trabajo se ha exhibido en Nueva York, Los Ángeles, San Francisco, Miami, Londres, Venecia, Italia, Amberes, Copenhague y Hong Kong, así como en Chicago y en todo el Medio Oeste. Es becaria de la Fundación Joan Mitchell y becaria de Lumiarts. Las residencias de artistas de Williams incluyen Arts + Public Life (Universidad de Chicago) y McColl Center for Art + Innovation, entre otros. Su trabajo está incluido en las colecciones públicas del Museo de Bellas Artes, Houston, Texas; el Museo de Colón, Columbus, E.E.U.U.; la Colección Domus, Beijing; Fundación Medianoche0, Granada, España; la Fundación MacArthur, Chicago; y Museo X, Beijing. Ella vive y trabaja en Los Ángeles, CA.
