Un programa de la Cámara de Comercio de Bogotá
Un programa cultural de:
Un programa de la Cámara de Comercio de Bogotá
Un programa cultural de:
La propuesta de Rolf Art aborda los límites de la imagen de la mano de cinco destacados artistas: Graciela Sacco, artista visual prominente en la escena del arte contemporáneo mundial; José Alejandro Restrepo, precursor del videoarte y la instalación audiovisual en Latinoamérica; Silvia Rivas, pionera del videoarte, videoinstalación y performance; Gabriela Golder, referente del videoarte internacionalmente y Andrés Denegri, artista visual con importante trayectoria en el campo audiovisual contemporáneo: cine expandido. Partiendo de la experimentación con la materia, la instalación "Cuerpo a cuerpo" de Sacco representa una multitud protestante avanzando hacia el espectador a partir de incrustaciones fotográficas sobre placas de madera. El encuentro entre video y performance delegada es explorado en "Todo lo de afuera" de Rivas, donde se escenifica un conflicto a partir de personas en un forcejeo eterno e inútil. El video monocanal se incorpora con "Dar la cara" de Restrepo donde convergen una multitud de rostros de paramilitares desmovilizados, que se pone en diálogo con la "Arrancar los ojos" de Golder donde profundiza en los conflictos sociales irresueltos de la contemporaneidad. La imagen en movimiento se despliega en el espacio a través de la instalación fílmica "Éramos esperados" de Denegri en la que se proyectan imágenes de archivo que reflejan perspectivas políticas del siglo XX. A partir de distintas apropiaciones de la imagen técnica, las obras seleccionadas proponen diferentes aproximaciones a los conflictos socio-políticos de nuestra región, registrando actos de protesta y manifestación colectiva, que invitan a reflexionar sobre las realidades que habitamos.
Rolf Art, localizada en Buenos Aires y fundada en 2009 por Florencia Giordana Braun, es la única galería de arte especializada en imagen técnica en Argentina. Enfocada en las artes visuales latinoamericanas, la galería representa e impulsa un selecto grupo de artistas y legados (Estates) que exploran los límites de la imagen en sus diversas expresiones. El perfil curatorial de la galería indaga en la unión, siempre en tensión, entre las estrategias formales y la profundidad conceptual, desafiando la coyuntura y considerando el contexto político, social y económico de la producción artística como un factor determinante para la interpretación del arte.
Con el fin de promover la producción y apreciación del arte contemporáneo, Rolf Art desarrolla un sólido programa global que comprende trabajos de investigación y archivo, exhibiciones, proyectos editoriales y audiovisuales, participación sostenida en ferias de arte y fotografía, encuentros de formación, colaboraciones institucionales y gestión de adquisiciones públicas y privadas; posicionando internacionalmente la obra de artistas latinoamericanos y contribuyendo a la legitimación de las expresiones visuales de América Latina en el mundo.
Gabriela Golder (Argentina, 1971) es artista visual, investigadora, curadora y profesora en Argentina y en el exterior. Trabaja fundamentalmente con imagen en movimiento y su práctica artística plantea principalmente cuestiones relacionadas con la memoria, la identidad, la violencia institucional y el mundo del trabajo. Sus vídeos, películas e instalaciones, por los que ha obtenido varios premios, se han presentado en numerosos lugares de exposición y festivales de todo el mundo. Entre otros: Museo Nacional de Bellas Artes de Chile; Bienal de Arte Contemporánea Sesc_Videobrasil, Sao Paulo; Bienalsur, Buenos Aires; Bienal de Jakarta; Whitechapel Gallery, Londres; Dazibao, Montréal; La Maison Rouge, París; Dissonance, Getty Center, Los Ángeles; DEAF, Rotterdam; Sharjah Bienal, Emiratos Árabes Unidos; Museum Morsbroich, Leverkusen, Alemania; Monitoring, Kassel; Center for Contemporary Art Ujazdowski Castle, Varsovia; X Bienal de La Habana. Sus obras recibieron diversos premios: Premio KONEX 2022: Arte y Tecnología; 2do Premio ARTHAUS 2022; Premio Presidencia de la Nación a la mejor obra del 109 Salón Nacional de Artes Visuales, 2021; Premio Itaú de Artes Visuales 2020; Estado da Arte, en la 21a Bienal de Arte Contemporánea Sesc_Videobrasil, 2019; BA Sitio Específico, 2014, Premio Luis Espinal-Mostra CineTrabalho, Brasil, 2011; Ars Electronica, 80+1 Project (for ARRORRÓ project), 2009; Premio Sigwart Blum de la Asociación de Críticos de Arte de Argentina, 2007; Media Art Award del Zentrum für Kunst und Medientechnologie (ZKM), Alemania, 2004; Primer Premio en el Salón Nacional de Artes Visuales, 2003; Primer Premio Videobrasil, 2003; Gran Premio Festival Videoformes, Francia, 2003, y Tokio Video Award, Japón, 2002.
Gabriela Golder (Argentina, 1971) es artista visual, investigadora, curadora y profesora en Argentina y en el exterior. Trabaja fundamentalmente con imagen en movimiento y su práctica artística plantea principalmente cuestiones relacionadas con la memoria, la identidad, la violencia institucional y el mundo del trabajo. Sus vídeos, películas e instalaciones, por los que ha obtenido varios premios, se han presentado en numerosos lugares de exposición y festivales de todo el mundo. Entre otros: Museo Nacional de Bellas Artes de Chile; Bienal de Arte Contemporánea Sesc_Videobrasil, Sao Paulo; Bienalsur, Buenos Aires; Bienal de Jakarta; Whitechapel Gallery, Londres; Dazibao, Montréal; La Maison Rouge, París; Dissonance, Getty Center, Los Ángeles; DEAF, Rotterdam; Sharjah Bienal, Emiratos Árabes Unidos; Museum Morsbroich, Leverkusen, Alemania; Monitoring, Kassel; Center for Contemporary Art Ujazdowski Castle, Varsovia; X Bienal de La Habana. Sus obras recibieron diversos premios: Premio KONEX 2022: Arte y Tecnología; 2do Premio ARTHAUS 2022; Premio Presidencia de la Nación a la mejor obra del 109 Salón Nacional de Artes Visuales, 2021; Premio Itaú de Artes Visuales 2020; Estado da Arte, en la 21a Bienal de Arte Contemporánea Sesc_Videobrasil, 2019; BA Sitio Específico, 2014, Premio Luis Espinal-Mostra CineTrabalho, Brasil, 2011; Ars Electronica, 80+1 Project (for ARRORRÓ project), 2009; Premio Sigwart Blum de la Asociación de Críticos de Arte de Argentina, 2007; Media Art Award del Zentrum für Kunst und Medientechnologie (ZKM), Alemania, 2004; Primer Premio en el Salón Nacional de Artes Visuales, 2003; Primer Premio Videobrasil, 2003; Gran Premio Festival Videoformes, Francia, 2003, y Tokio Video Award, Japón, 2002.
Gabriela Golder (Argentina, 1971) es artista visual, investigadora, curadora y profesora en Argentina y en el exterior. Trabaja fundamentalmente con imagen en movimiento y su práctica artística plantea principalmente cuestiones relacionadas con la memoria, la identidad, la violencia institucional y el mundo del trabajo. Sus vídeos, películas e instalaciones, por los que ha obtenido varios premios, se han presentado en numerosos lugares de exposición y festivales de todo el mundo. Entre otros: Museo Nacional de Bellas Artes de Chile; Bienal de Arte Contemporánea Sesc_Videobrasil, Sao Paulo; Bienalsur, Buenos Aires; Bienal de Jakarta; Whitechapel Gallery, Londres; Dazibao, Montréal; La Maison Rouge, París; Dissonance, Getty Center, Los Ángeles; DEAF, Rotterdam; Sharjah Bienal, Emiratos Árabes Unidos; Museum Morsbroich, Leverkusen, Alemania; Monitoring, Kassel; Center for Contemporary Art Ujazdowski Castle, Varsovia; X Bienal de La Habana. Sus obras recibieron diversos premios: Premio KONEX 2022: Arte y Tecnología; 2do Premio ARTHAUS 2022; Premio Presidencia de la Nación a la mejor obra del 109 Salón Nacional de Artes Visuales, 2021; Premio Itaú de Artes Visuales 2020; Estado da Arte, en la 21a Bienal de Arte Contemporánea Sesc_Videobrasil, 2019; BA Sitio Específico, 2014, Premio Luis Espinal-Mostra CineTrabalho, Brasil, 2011; Ars Electronica, 80+1 Project (for ARRORRÓ project), 2009; Premio Sigwart Blum de la Asociación de Críticos de Arte de Argentina, 2007; Media Art Award del Zentrum für Kunst und Medientechnologie (ZKM), Alemania, 2004; Primer Premio en el Salón Nacional de Artes Visuales, 2003; Primer Premio Videobrasil, 2003; Gran Premio Festival Videoformes, Francia, 2003, y Tokio Video Award, Japón, 2002.
Andrés Denegri (Buenos Aires, 1975) es artista visual, con desarrollo principalmente en cine, video, instalaciones y fotografía. Se graduó en la Universidad del Cine, Buenos Aires. Sus premios incluyen el Gran Premio del Salón Nacional de Artes Visuales (Buenos Aires, 2015), Primer Premio en el Premio Cultural Itaú de Artes Visuales (Buenos Aires, 2013), Medalla de Oro a la mejor película experimental en el Festival de Documental y Cortometraje de Belgrado (Belgrado 2012), el Gran Premio del Concurso de Arte y Nuevas Tecnologías MAMBA / Fundación Telefónica (Buenos Aires, 2009), el Premio al Mejor Cortometraje en el Festival de Cine de Mar del Plata (Mar del Plata, 2008), el Premio John Downey de la Bienal de Video y Nuevos Medios de Santiago (Santiago de Chile, 2007), Mejor videoarte del año de los Premios de la Asociación Argentina de Críticos de Arte (Buenos Aires, 2006), Premio Golden Impakt (Utrecht, 2005), Premio 25fps (Zagreb, 2005) y Premio Leonardo – categoría de video (Buenos Aires 2002). Dicta clases en la Universidad Nacional Tres de Febrero, donde creó y dirige CONTINENTE, un centro de investigación y producción dedicado a apoyar y difundir las artes audiovisuales. También es co-director de la Bienal de la Imagen en Movimiento (BIM) y comisario invitado de cine y video para el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Ha completado residencias de artista en Colombia, Serbia, Canadá y Estados Unidos. Sus exposiciones individuales más recientes incluyen, Cine de Exposición (Fundación OSDE, octubre de 2013-enero de 2014); Al Interior (a las provincias) (Matucana 100, Santiago de Chile, octubre-diciembre de 2013); Aurora (Museo de Bellas Artes de Salta, mayo-junio de 2014); Clamor (Centro Cultural Recoleta, agosto-septiembre de 2015); Éramos Esperados (1a Bienal de Asunción, Paraguay, octubre de 2015); Instante Bony (MacBA, diciembre de 2015-marzo de 2016); Mecanismos del Olvido (ENERC mayo-junio 2018); Normas protocolares en el tratamiento de la bandera (Pabellón 4, julio agosto 2018); Pantallas Alteradas (Universidad Di Tella, septiembre-octubre de 2018); Mecanismos del Olvido, Colección INELCOM, Madrid; Frame by Frame,Plattform, Berlín. Sus últimas exposiciones grupales incluyen, Voltaje – Salón de Arte y Tecnología (Bogotá, octubre de 2017); Sublevaciones (Museo de los Inmigrantes, Buenos Aires, agosto de 2017); Colección Itaú de Arte Contemporáneo (Palais de Glace, Buenos Aires, junio de 2017); AVXLab Muestra de Auviosual Expandido (CCSP, Sao Pablo, junio de 2017); Artist´s Film International (Fundación Proa, Buenos Aires, junio de 2016); Artist´s Film International (Whitechapel Gallery, Londres, octubre-noviembre de 2016); 1ra Bienal de Asunción (Asunción, octubre de 2015); Canciones para una revolución, Tabacalera, Madrid.
Andrés Denegri (Buenos Aires, 1975) es artista visual, con desarrollo principalmente en cine, video, instalaciones y fotografía. Se graduó en la Universidad del Cine, Buenos Aires. Sus premios incluyen el Gran Premio del Salón Nacional de Artes Visuales (Buenos Aires, 2015), Primer Premio en el Premio Cultural Itaú de Artes Visuales (Buenos Aires, 2013), Medalla de Oro a la mejor película experimental en el Festival de Documental y Cortometraje de Belgrado (Belgrado 2012), el Gran Premio del Concurso de Arte y Nuevas Tecnologías MAMBA / Fundación Telefónica (Buenos Aires, 2009), el Premio al Mejor Cortometraje en el Festival de Cine de Mar del Plata (Mar del Plata, 2008), el Premio John Downey de la Bienal de Video y Nuevos Medios de Santiago (Santiago de Chile, 2007), Mejor videoarte del año de los Premios de la Asociación Argentina de Críticos de Arte (Buenos Aires, 2006), Premio Golden Impakt (Utrecht, 2005), Premio 25fps (Zagreb, 2005) y Premio Leonardo – categoría de video (Buenos Aires 2002). Dicta clases en la Universidad Nacional Tres de Febrero, donde creó y dirige CONTINENTE, un centro de investigación y producción dedicado a apoyar y difundir las artes audiovisuales. También es co-director de la Bienal de la Imagen en Movimiento (BIM) y comisario invitado de cine y video para el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Ha completado residencias de artista en Colombia, Serbia, Canadá y Estados Unidos. Sus exposiciones individuales más recientes incluyen, Cine de Exposición (Fundación OSDE, octubre de 2013-enero de 2014); Al Interior (a las provincias) (Matucana 100, Santiago de Chile, octubre-diciembre de 2013); Aurora (Museo de Bellas Artes de Salta, mayo-junio de 2014); Clamor (Centro Cultural Recoleta, agosto-septiembre de 2015); Éramos Esperados (1a Bienal de Asunción, Paraguay, octubre de 2015); Instante Bony (MacBA, diciembre de 2015-marzo de 2016); Mecanismos del Olvido (ENERC mayo-junio 2018); Normas protocolares en el tratamiento de la bandera (Pabellón 4, julio agosto 2018); Pantallas Alteradas (Universidad Di Tella, septiembre-octubre de 2018); Mecanismos del Olvido, Colección INELCOM, Madrid; Frame by Frame,Plattform, Berlín. Sus últimas exposiciones grupales incluyen, Voltaje – Salón de Arte y Tecnología (Bogotá, octubre de 2017); Sublevaciones (Museo de los Inmigrantes, Buenos Aires, agosto de 2017); Colección Itaú de Arte Contemporáneo (Palais de Glace, Buenos Aires, junio de 2017); AVXLab Muestra de Auviosual Expandido (CCSP, Sao Pablo, junio de 2017); Artist´s Film International (Fundación Proa, Buenos Aires, junio de 2016); Artist´s Film International (Whitechapel Gallery, Londres, octubre-noviembre de 2016); 1ra Bienal de Asunción (Asunción, octubre de 2015); Canciones para una revolución, Tabacalera, Madrid.
Andrés Denegri (Buenos Aires, 1975) es artista visual, con desarrollo principalmente en cine, video, instalaciones y fotografía. Se graduó en la Universidad del Cine, Buenos Aires. Sus premios incluyen el Gran Premio del Salón Nacional de Artes Visuales (Buenos Aires, 2015), Primer Premio en el Premio Cultural Itaú de Artes Visuales (Buenos Aires, 2013), Medalla de Oro a la mejor película experimental en el Festival de Documental y Cortometraje de Belgrado (Belgrado 2012), el Gran Premio del Concurso de Arte y Nuevas Tecnologías MAMBA / Fundación Telefónica (Buenos Aires, 2009), el Premio al Mejor Cortometraje en el Festival de Cine de Mar del Plata (Mar del Plata, 2008), el Premio John Downey de la Bienal de Video y Nuevos Medios de Santiago (Santiago de Chile, 2007), Mejor videoarte del año de los Premios de la Asociación Argentina de Críticos de Arte (Buenos Aires, 2006), Premio Golden Impakt (Utrecht, 2005), Premio 25fps (Zagreb, 2005) y Premio Leonardo – categoría de video (Buenos Aires 2002). Dicta clases en la Universidad Nacional Tres de Febrero, donde creó y dirige CONTINENTE, un centro de investigación y producción dedicado a apoyar y difundir las artes audiovisuales. También es co-director de la Bienal de la Imagen en Movimiento (BIM) y comisario invitado de cine y video para el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Ha completado residencias de artista en Colombia, Serbia, Canadá y Estados Unidos. Sus exposiciones individuales más recientes incluyen, Cine de Exposición (Fundación OSDE, octubre de 2013-enero de 2014); Al Interior (a las provincias) (Matucana 100, Santiago de Chile, octubre-diciembre de 2013); Aurora (Museo de Bellas Artes de Salta, mayo-junio de 2014); Clamor (Centro Cultural Recoleta, agosto-septiembre de 2015); Éramos Esperados (1a Bienal de Asunción, Paraguay, octubre de 2015); Instante Bony (MacBA, diciembre de 2015-marzo de 2016); Mecanismos del Olvido (ENERC mayo-junio 2018); Normas protocolares en el tratamiento de la bandera (Pabellón 4, julio agosto 2018); Pantallas Alteradas (Universidad Di Tella, septiembre-octubre de 2018); Mecanismos del Olvido, Colección INELCOM, Madrid; Frame by Frame,Plattform, Berlín. Sus últimas exposiciones grupales incluyen, Voltaje – Salón de Arte y Tecnología (Bogotá, octubre de 2017); Sublevaciones (Museo de los Inmigrantes, Buenos Aires, agosto de 2017); Colección Itaú de Arte Contemporáneo (Palais de Glace, Buenos Aires, junio de 2017); AVXLab Muestra de Auviosual Expandido (CCSP, Sao Pablo, junio de 2017); Artist´s Film International (Fundación Proa, Buenos Aires, junio de 2016); Artist´s Film International (Whitechapel Gallery, Londres, octubre-noviembre de 2016); 1ra Bienal de Asunción (Asunción, octubre de 2015); Canciones para una revolución, Tabacalera, Madrid.
Graciela Sacco (b. 1956-2017). Santa Fe, Argentina. Se graduó en 1987 con una tesis dedicada a las vanguardias argentinas de los años 60. Las expresiones artísticas de aquella década habían establecido fuertes lazos entre el experimentalismo artístico y el compromiso social, culminando en Rosario, su ciudad natal, con “Tucumán Arde”, experiencia reconocida internacionalmente como un hito del Conceptualismo político. Aquella generación de artistas había sido duramente reprimida por la dictadura militar que tomó el país desde 1976 hasta 1983. Sus trabajos están relacionados con la luz y la gráfica. Desde sus comienzos y a lo largo de su trayectoria, sus producciones invitan a reflexionar sobre la violencia política y social. El uso de diferentes procesos fotosensibles le han permitido materializar ideas y conceptos de forma particular que ha hecho que su trabajo porte una fuerte identidad artística. Los tránsitos, los exilios, las migraciones, los núcleos de conflicto social se hacen presentes en episodios de distinta distancia epocal. En su obra las citas van y vuelven y adquieren un sentido circular, hasta ubicarse en una instancia atemporal que se impone también en el presente. Su obra ocupa hoy una posición prominente dentro de la escena del arte contemporáneo mundial. Ha representado a la Argentina en diversas bienales internacionales incluyendo Shanghai (2004), Venecia (2001), La Habana (1997 y 2000), Mercosur (1997) y San Pablo (1996), entre otras. Ha sido galardonada con numerosos premios y reconocimientos, tales como el Artista del año, por la Asociación Argentina de Críticos (2001) y el Premio Konex (2002-2012), entre otros. Ha publicado numerosos libros tales como “Nada Esta donde se cree” (2015), “M2 Volumen I” (2009), “Sombras del Sur y del Norte” (2004), “Imágenes en turbulencia: Migraciones, cuerpos y memoria” (2000), “Escrituras solares” (1994). Sus obras y su trayectoria han sido catalogadas en importantes publicaciones líderes tanto nacionales e internacionales tales como America’s Society Magazine, Bomb, Art Nexus, Art News, Art in Americas y el New York Times. Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas en Argentina, Inglaterra, Alemania, Francia, Suiza, Israel, Estados Unidos, México, Brasil, Cuba y Perú. Hoy en día, su trabajo forma parte de colecciones nacionales e internacionales tanto públicas como privadas como MACRO Museo de Arte Contemporáneo de Rosario, Santa Fé, Argentina; MAMBA Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Argentina y MALBA Museo Latinoamericano de Buenos Aires, Argentina; Museo del Bronx en New York, EEUU; MFAH Museo de Bellas Artes de Houston, EEUU; Museo de Arte de Fort Lauderdale, EEUU; Colección Microsoft, Washington, EEUU; Capitolio Policultural, Porto Alegre, Brasil; Essex University, Colchester, Inglaterra; entre otras.
Graciela Sacco (b. 1956-2017). Santa Fe, Argentina. Se graduó en 1987 con una tesis dedicada a las vanguardias argentinas de los años 60. Las expresiones artísticas de aquella década habían establecido fuertes lazos entre el experimentalismo artístico y el compromiso social, culminando en Rosario, su ciudad natal, con “Tucumán Arde”, experiencia reconocida internacionalmente como un hito del Conceptualismo político. Aquella generación de artistas había sido duramente reprimida por la dictadura militar que tomó el país desde 1976 hasta 1983. Sus trabajos están relacionados con la luz y la gráfica. Desde sus comienzos y a lo largo de su trayectoria, sus producciones invitan a reflexionar sobre la violencia política y social. El uso de diferentes procesos fotosensibles le han permitido materializar ideas y conceptos de forma particular que ha hecho que su trabajo porte una fuerte identidad artística. Los tránsitos, los exilios, las migraciones, los núcleos de conflicto social se hacen presentes en episodios de distinta distancia epocal. En su obra las citas van y vuelven y adquieren un sentido circular, hasta ubicarse en una instancia atemporal que se impone también en el presente. Su obra ocupa hoy una posición prominente dentro de la escena del arte contemporáneo mundial. Ha representado a la Argentina en diversas bienales internacionales incluyendo Shanghai (2004), Venecia (2001), La Habana (1997 y 2000), Mercosur (1997) y San Pablo (1996), entre otras. Ha sido galardonada con numerosos premios y reconocimientos, tales como el Artista del año, por la Asociación Argentina de Críticos (2001) y el Premio Konex (2002-2012), entre otros. Ha publicado numerosos libros tales como “Nada Esta donde se cree” (2015), “M2 Volumen I” (2009), “Sombras del Sur y del Norte” (2004), “Imágenes en turbulencia: Migraciones, cuerpos y memoria” (2000), “Escrituras solares” (1994). Sus obras y su trayectoria han sido catalogadas en importantes publicaciones líderes tanto nacionales e internacionales tales como America’s Society Magazine, Bomb, Art Nexus, Art News, Art in Americas y el New York Times. Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas en Argentina, Inglaterra, Alemania, Francia, Suiza, Israel, Estados Unidos, México, Brasil, Cuba y Perú. Hoy en día, su trabajo forma parte de colecciones nacionales e internacionales tanto públicas como privadas como MACRO Museo de Arte Contemporáneo de Rosario, Santa Fé, Argentina; MAMBA Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Argentina y MALBA Museo Latinoamericano de Buenos Aires, Argentina; Museo del Bronx en New York, EEUU; MFAH Museo de Bellas Artes de Houston, EEUU; Museo de Arte de Fort Lauderdale, EEUU; Colección Microsoft, Washington, EEUU; Capitolio Policultural, Porto Alegre, Brasil; Essex University, Colchester, Inglaterra; entre otras.
Graciela Sacco (b. 1956-2017). Santa Fe, Argentina. Se graduó en 1987 con una tesis dedicada a las vanguardias argentinas de los años 60. Las expresiones artísticas de aquella década habían establecido fuertes lazos entre el experimentalismo artístico y el compromiso social, culminando en Rosario, su ciudad natal, con “Tucumán Arde”, experiencia reconocida internacionalmente como un hito del Conceptualismo político. Aquella generación de artistas había sido duramente reprimida por la dictadura militar que tomó el país desde 1976 hasta 1983. Sus trabajos están relacionados con la luz y la gráfica. Desde sus comienzos y a lo largo de su trayectoria, sus producciones invitan a reflexionar sobre la violencia política y social. El uso de diferentes procesos fotosensibles le han permitido materializar ideas y conceptos de forma particular que ha hecho que su trabajo porte una fuerte identidad artística. Los tránsitos, los exilios, las migraciones, los núcleos de conflicto social se hacen presentes en episodios de distinta distancia epocal. En su obra las citas van y vuelven y adquieren un sentido circular, hasta ubicarse en una instancia atemporal que se impone también en el presente. Su obra ocupa hoy una posición prominente dentro de la escena del arte contemporáneo mundial. Ha representado a la Argentina en diversas bienales internacionales incluyendo Shanghai (2004), Venecia (2001), La Habana (1997 y 2000), Mercosur (1997) y San Pablo (1996), entre otras. Ha sido galardonada con numerosos premios y reconocimientos, tales como el Artista del año, por la Asociación Argentina de Críticos (2001) y el Premio Konex (2002-2012), entre otros. Ha publicado numerosos libros tales como “Nada Esta donde se cree” (2015), “M2 Volumen I” (2009), “Sombras del Sur y del Norte” (2004), “Imágenes en turbulencia: Migraciones, cuerpos y memoria” (2000), “Escrituras solares” (1994). Sus obras y su trayectoria han sido catalogadas en importantes publicaciones líderes tanto nacionales e internacionales tales como America’s Society Magazine, Bomb, Art Nexus, Art News, Art in Americas y el New York Times. Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas en Argentina, Inglaterra, Alemania, Francia, Suiza, Israel, Estados Unidos, México, Brasil, Cuba y Perú. Hoy en día, su trabajo forma parte de colecciones nacionales e internacionales tanto públicas como privadas como MACRO Museo de Arte Contemporáneo de Rosario, Santa Fé, Argentina; MAMBA Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Argentina y MALBA Museo Latinoamericano de Buenos Aires, Argentina; Museo del Bronx en New York, EEUU; MFAH Museo de Bellas Artes de Houston, EEUU; Museo de Arte de Fort Lauderdale, EEUU; Colección Microsoft, Washington, EEUU; Capitolio Policultural, Porto Alegre, Brasil; Essex University, Colchester, Inglaterra; entre otras.
Silvia Rivas (Buenos Aires, Argentina, 1957) es una precursora del video arte, la video-instalación y de la performance delegada en Argentina y en América Latina. Fue la primera artista audiovisual argentina en haber recibido la beca Guggenheim y otros galardones como el Premio Konex diploma al mérito en Técnicas mixtas (1997-2001) y el Premio Leonardo al Museo Nacional de Bellas Artes y el Premio de Artes Visuales de la Asociación Argentina de Críticos de Arte (2002), entre otros. Ha realizado numerosas exhibiciones individuales, entre las que se destacan la primera muestra de video-instalación en Buenos Aires – Argentina, en el Centro Cultural Recoleta, Sala Honorífica Cronopios; así́ como su destacada exhibición individual en MALBA, titulada “Zumbido”. Su trabajo se ha exhibido en Chile, Venezuela, Brasil, Cuba, Colombia, México, Estados Unidos, España, Francia, Alemania y Suiza, y ha representado a Argentina en varias bienales internacionales, incluyendo Mercosur (Porto Alegre en 2000 y 2005), La Habana (2003), BienalSur (2016), entre otras. Su obra forma parte de prestigiosas colecciones privadas y reconocidas colecciones institucionales entre ellas: Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, MALBA – Fundación Costantini, Argentina; Museo de Arte Moderno de Buenos Aires – MAMBA, Argentina; Museo Municipal de Bellas Artes “Juan. B. Castagnino”, Rosario, Santa Fe, Argentina; Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero – MUNTREF, Buenos Aires, Argentina; Colección Amalia Lacroze de Fortabat, Buenos Aires, Argentina; Centro de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela, Xunta de Galicia, España; Colección Museo Reina Sofía, Madrid, España, entre otras.
Silvia Rivas (Buenos Aires, Argentina, 1957) es una precursora del video arte, la video-instalación y de la performance delegada en Argentina y en América Latina. Fue la primera artista audiovisual argentina en haber recibido la beca Guggenheim y otros galardones como el Premio Konex diploma al mérito en Técnicas mixtas (1997-2001) y el Premio Leonardo al Museo Nacional de Bellas Artes y el Premio de Artes Visuales de la Asociación Argentina de Críticos de Arte (2002), entre otros. Ha realizado numerosas exhibiciones individuales, entre las que se destacan la primera muestra de video-instalación en Buenos Aires – Argentina, en el Centro Cultural Recoleta, Sala Honorífica Cronopios; así́ como su destacada exhibición individual en MALBA, titulada “Zumbido”. Su trabajo se ha exhibido en Chile, Venezuela, Brasil, Cuba, Colombia, México, Estados Unidos, España, Francia, Alemania y Suiza, y ha representado a Argentina en varias bienales internacionales, incluyendo Mercosur (Porto Alegre en 2000 y 2005), La Habana (2003), BienalSur (2016), entre otras. Su obra forma parte de prestigiosas colecciones privadas y reconocidas colecciones institucionales entre ellas: Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, MALBA – Fundación Costantini, Argentina; Museo de Arte Moderno de Buenos Aires – MAMBA, Argentina; Museo Municipal de Bellas Artes “Juan. B. Castagnino”, Rosario, Santa Fe, Argentina; Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero – MUNTREF, Buenos Aires, Argentina; Colección Amalia Lacroze de Fortabat, Buenos Aires, Argentina; Centro de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela, Xunta de Galicia, España; Colección Museo Reina Sofía, Madrid, España, entre otras.
Silvia Rivas (Buenos Aires, Argentina, 1957) es una precursora del video arte, la video-instalación y de la performance delegada en Argentina y en América Latina. Fue la primera artista audiovisual argentina en haber recibido la beca Guggenheim y otros galardones como el Premio Konex diploma al mérito en Técnicas mixtas (1997-2001) y el Premio Leonardo al Museo Nacional de Bellas Artes y el Premio de Artes Visuales de la Asociación Argentina de Críticos de Arte (2002), entre otros. Ha realizado numerosas exhibiciones individuales, entre las que se destacan la primera muestra de video-instalación en Buenos Aires – Argentina, en el Centro Cultural Recoleta, Sala Honorífica Cronopios; así́ como su destacada exhibición individual en MALBA, titulada “Zumbido”. Su trabajo se ha exhibido en Chile, Venezuela, Brasil, Cuba, Colombia, México, Estados Unidos, España, Francia, Alemania y Suiza, y ha representado a Argentina en varias bienales internacionales, incluyendo Mercosur (Porto Alegre en 2000 y 2005), La Habana (2003), BienalSur (2016), entre otras. Su obra forma parte de prestigiosas colecciones privadas y reconocidas colecciones institucionales entre ellas: Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, MALBA – Fundación Costantini, Argentina; Museo de Arte Moderno de Buenos Aires – MAMBA, Argentina; Museo Municipal de Bellas Artes “Juan. B. Castagnino”, Rosario, Santa Fe, Argentina; Museo de la Universidad Nacional de Tres de Febrero – MUNTREF, Buenos Aires, Argentina; Colección Amalia Lacroze de Fortabat, Buenos Aires, Argentina; Centro de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela, Xunta de Galicia, España; Colección Museo Reina Sofía, Madrid, España, entre otras.
José Alejandro Restrepo (Colombia, 1959) es un reconocido video-artista colombiano. Participó, entre otras, de la 52 Bienal de Venecia (2007), Bienal de Mercosul (Porto Alegre, 2011), Bienal de Lyon (2011), Museo del Quai Branly (2013) y The Museum of Fine Arts (Houston, 2015). Su obra se exhibe regularmente en Europa, América Latina y Estados Unidos. Entre sus exposiciones individuales se pueden mencionar Teofanías (2008, Museo de Antioquia, Medellín); Transhistoria: mito y memoria en la obra de José Alejandro Restrepo (2001, Biblioteca Luis Ángel Arango, Bogotá), Musa paradisíaca (1997, Museo de Arte Moderno, Bogotá), Anaconda (1993, Aphone en Geneva, Suiza) y Terebra (1988, Museo de la Universidad Nacional de Bogotá). Realizó también exposiciones colectivas como Botánica política (2004, Fundación la Caixa, Barcelona) y Cantos/cuentos colombianos (2004, Contemporary Colombian Art en el Daros-Latinamerica, Zurich), Tempo (2002, Museum of Modern Art –MoMA-, Nueva York), Arte y violencia en Colombia (1999, Museo de Arte Moderno, Bogotá), The Sense of Place (1998, Centro de Arte Reina Sofía, Madrid). José Alejandro Restrepo es una figura central del arte contemporáneo latinoamericano, con más de treinta años de producción dentro del panorama histórico de las artes electrónicas en nuestro continente. Su formación e intereses son variados y abarcan desde las artes visuales y escénicas, la instalación, la fotografía, la performance y la producción editorial, constituyéndose como modelo de artista contemporáneo que opera desde la hibridez. Su obra está basada en serias investigaciones sobre los relatos del poder dominante y creencias populares que derivan en una visión crítica y cuyas interpretaciones desmantelan la ideología del sistema. La recuperación de la teatralidad del catolicismo y de los códigos del barroco colonial por lo político/mediático y el deslizamiento hacia la política de algunos de los temas religiosos más importantes, como el castigo, la redención y el sacrificio (como legitimación de la violencia), ocupan una posición central en la obra del artista. Pionero del videoarte, Restrepo pone en diálogo la imagen documental a través de una obra exhibida bajo diversos formatos y dispositivos, utilizando los recursos de la tecnología del video y la imagen electrónica para acentuar un desvío de los discursos del espectáculo y del mainstream del arte contemporáneo. Para ello, muchas veces el artista recurre a la re-apropiación de imágenes televisivas y su manipulación, reconstruyendo los mensajes de los medios masivos de comunicación para hacer un señalamiento al valor que se le da a las imágenes. Algunas de sus trabajos más destacados son “Parquedades”, “El paso del Quindío I”, “Musa paradisíaca” e “Iconomia”.
José Alejandro Restrepo (Colombia, 1959) es un reconocido video-artista colombiano. Participó, entre otras, de la 52 Bienal de Venecia (2007), Bienal de Mercosul (Porto Alegre, 2011), Bienal de Lyon (2011), Museo del Quai Branly (2013) y The Museum of Fine Arts (Houston, 2015). Su obra se exhibe regularmente en Europa, América Latina y Estados Unidos. Entre sus exposiciones individuales se pueden mencionar Teofanías (2008, Museo de Antioquia, Medellín); Transhistoria: mito y memoria en la obra de José Alejandro Restrepo (2001, Biblioteca Luis Ángel Arango, Bogotá), Musa paradisíaca (1997, Museo de Arte Moderno, Bogotá), Anaconda (1993, Aphone en Geneva, Suiza) y Terebra (1988, Museo de la Universidad Nacional de Bogotá). Realizó también exposiciones colectivas como Botánica política (2004, Fundación la Caixa, Barcelona) y Cantos/cuentos colombianos (2004, Contemporary Colombian Art en el Daros-Latinamerica, Zurich), Tempo (2002, Museum of Modern Art –MoMA-, Nueva York), Arte y violencia en Colombia (1999, Museo de Arte Moderno, Bogotá), The Sense of Place (1998, Centro de Arte Reina Sofía, Madrid). José Alejandro Restrepo es una figura central del arte contemporáneo latinoamericano, con más de treinta años de producción dentro del panorama histórico de las artes electrónicas en nuestro continente. Su formación e intereses son variados y abarcan desde las artes visuales y escénicas, la instalación, la fotografía, la performance y la producción editorial, constituyéndose como modelo de artista contemporáneo que opera desde la hibridez. Su obra está basada en serias investigaciones sobre los relatos del poder dominante y creencias populares que derivan en una visión crítica y cuyas interpretaciones desmantelan la ideología del sistema. La recuperación de la teatralidad del catolicismo y de los códigos del barroco colonial por lo político/mediático y el deslizamiento hacia la política de algunos de los temas religiosos más importantes, como el castigo, la redención y el sacrificio (como legitimación de la violencia), ocupan una posición central en la obra del artista. Pionero del videoarte, Restrepo pone en diálogo la imagen documental a través de una obra exhibida bajo diversos formatos y dispositivos, utilizando los recursos de la tecnología del video y la imagen electrónica para acentuar un desvío de los discursos del espectáculo y del mainstream del arte contemporáneo. Para ello, muchas veces el artista recurre a la re-apropiación de imágenes televisivas y su manipulación, reconstruyendo los mensajes de los medios masivos de comunicación para hacer un señalamiento al valor que se le da a las imágenes. Algunas de sus trabajos más destacados son “Parquedades”, “El paso del Quindío I”, “Musa paradisíaca” e “Iconomia”.
José Alejandro Restrepo (Colombia, 1959) es un reconocido video-artista colombiano. Participó, entre otras, de la 52 Bienal de Venecia (2007), Bienal de Mercosul (Porto Alegre, 2011), Bienal de Lyon (2011), Museo del Quai Branly (2013) y The Museum of Fine Arts (Houston, 2015). Su obra se exhibe regularmente en Europa, América Latina y Estados Unidos. Entre sus exposiciones individuales se pueden mencionar Teofanías (2008, Museo de Antioquia, Medellín); Transhistoria: mito y memoria en la obra de José Alejandro Restrepo (2001, Biblioteca Luis Ángel Arango, Bogotá), Musa paradisíaca (1997, Museo de Arte Moderno, Bogotá), Anaconda (1993, Aphone en Geneva, Suiza) y Terebra (1988, Museo de la Universidad Nacional de Bogotá). Realizó también exposiciones colectivas como Botánica política (2004, Fundación la Caixa, Barcelona) y Cantos/cuentos colombianos (2004, Contemporary Colombian Art en el Daros-Latinamerica, Zurich), Tempo (2002, Museum of Modern Art –MoMA-, Nueva York), Arte y violencia en Colombia (1999, Museo de Arte Moderno, Bogotá), The Sense of Place (1998, Centro de Arte Reina Sofía, Madrid). José Alejandro Restrepo es una figura central del arte contemporáneo latinoamericano, con más de treinta años de producción dentro del panorama histórico de las artes electrónicas en nuestro continente. Su formación e intereses son variados y abarcan desde las artes visuales y escénicas, la instalación, la fotografía, la performance y la producción editorial, constituyéndose como modelo de artista contemporáneo que opera desde la hibridez. Su obra está basada en serias investigaciones sobre los relatos del poder dominante y creencias populares que derivan en una visión crítica y cuyas interpretaciones desmantelan la ideología del sistema. La recuperación de la teatralidad del catolicismo y de los códigos del barroco colonial por lo político/mediático y el deslizamiento hacia la política de algunos de los temas religiosos más importantes, como el castigo, la redención y el sacrificio (como legitimación de la violencia), ocupan una posición central en la obra del artista. Pionero del videoarte, Restrepo pone en diálogo la imagen documental a través de una obra exhibida bajo diversos formatos y dispositivos, utilizando los recursos de la tecnología del video y la imagen electrónica para acentuar un desvío de los discursos del espectáculo y del mainstream del arte contemporáneo. Para ello, muchas veces el artista recurre a la re-apropiación de imágenes televisivas y su manipulación, reconstruyendo los mensajes de los medios masivos de comunicación para hacer un señalamiento al valor que se le da a las imágenes. Algunas de sus trabajos más destacados son “Parquedades”, “El paso del Quindío I”, “Musa paradisíaca” e “Iconomia”.
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