Un programa de la Cámara de Comercio de Bogotá
Un programa cultural de:
Un programa de la Cámara de Comercio de Bogotá
Un programa cultural de:
Una selección paritaria y equilibrada en cuanto a nacionalidades, centrada en el programa de la galería. Un stand que propone un diálogo entre artistas latinoamericanos y europeos, donde coexistirán una gran variedad de géneros y medios.
ALARCON CRIADO inicia su labor en octubre de 2002. La galería genera una actividad expositiva donde prioriza proyectos curatoriales y propuestas de carácter experimental. El programa de la galería tiene por finalidad resaltar posicionamientos artísticos comprometidos con los paradigmas del pensamiento y la sociedad contemporánea.
La galería se centra en artistas internacionales y pone especial énfasis en el contexto latinoamericano así como en artistas del este de Europa. ALARCON CRIADO representa también un notable grupo de artistas españoles.
ALARCÓN CRIADO participa regularmente en ferias de arte internacionales como ARCO Madrid, PARIS PHOTO, ARTBO Bogotá o UNTITLED Miami. A lo largo de su trayectoria ha estado presente en ferias como NADA Nueva York, ARTEBA Buenos Aires, LOOP Barcelona, PREVIEW Berlín, NEXT Chicago o PAREIDOLIE Marsella.
Los artistas representados por ALARCÓN CRIADO forman parte de relevantes colecciones publicas y han realizado exposiciones en prestigiosos museos e instituciones como el National Museum de Varsovia, el Louisville Museum, Center for Creative Photography de Arizona, Museo del Banco de la República de Colombia, MNCARS, MACBA, MALBA, Haus der Kultur der Welt o Fundación Botín, entre otros. Han formado parte de importantes eventos internacionales de arte como documenta, Bienal de Venecia, Manifesta, Bienal de Lyon, Bienal de Sidney, Bienal, Mercosur, Salón de artistas de Medellín, Photoespaña o Photofest de Houston.
Vive y trabaja en Mexico. Es un artista formado en Cine por The School of the Art Institute de Chicago y premiado con una beca de investigación por el Whitney Independent Study Programe, en Nueva York. Ha sido profesor visitante en la Academia de Bellas Artes de Umea, Suecia, institución en la que realizó un doctorado en prácticas artísticas. Su trabajo e investigaciones abarcan un amplio rango de intereses y medios, que inicialmente se enfocaron en problemas que se relacionan con preguntas éticas y estéticas que plantean el cine y la televisión, temas que han sido centrales tanto en sus escritos como en sus proyectos artísticos. Hasta el año 2008 su trabajo puede ser calificado de conceptual y de posicionamiento político. Desde entonces, las ideas de Bucher acerca del mundo han tomado un giro abrupto y su nueva producción esta atravesada por procesos de caracter interdimensional. En su obra todo está interrelacionado, los distintos trabajos están asociados a los demás, formando múltiples suturas, que a su vez producen nuevos sentidos. Las piezas crean elipsis, espacios inéditos de pensamiento que subyacen el campo del conjunto. Sus proyectos artísticos tratan de deconstruir la jerarquía del conocimiento materialista contemporáneo, indagando también en la relación del hombre, su cuerpo y su entorno. François Bucher participa en el 2013 en la 55ª Bienal de Venecia en el pabellón del Instituto Ítalo-Latinoamericano bajo la curaduría de Silvia Irrazábal y Alfons Hug y en el 43 Salón Nacional de Artistas de Medellín curada por Mariángela Méndez. Durante el 2014 fue unos de los artistas seleccionados en la Bienal de Cartagena de Indias curada por Berta Sichel y en la Bienal de Cuenca curada por Jacopo Crivelli y en 2016 ha participado en la sección Photobooth Citi de arteBA, comisariada por Patrick Charpanel. Ha participado en diferentes exposiciones internacionales como FIAC Paris 2014, con un proyecto específico para el Museo de Historia Natural de Paris; en el Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla, en Flora Arts+Natura en Bogota bajo la curaduría de José Roca, en el Bildmuseet de Suecia, en el Museo de Zapopan (México); en el Museo Querétaro de México; en la exposición AMAZONÍA, curada por Berta Sichel en el CAAC de Sevilla.
Artista visual licenciada en Bellas Artes por la UEM, desarrolla parte de su formación y práctica artística en la National College of Arts & Design (Dublín), AID (Berlín) y Máster de Investigación en Arte y Creación de la UCM (Madrid). Tras varios años en Berlín, actualmente vive y trabaja en Madrid. Ha expuesto individualmente en Centro Párraga (Murcia, 2021), Teatro La Capilla junto a Víctor Colmenero (CDMX, Mx, 2021), Museo de Jaén (2021), Blueproject Foundation (Barcelona, 2020), Museo de Cádiz (2020), MACZUL (Maracaibo, VZ, 2017) y colectivamente en Kindred Spirit (Lisboa, PT 2023) o en el Centre d’art contemporain Chapelle Saint-Jacques (Saint-Gaudens, FR 2023). Centro Párraga (Murcia, 2023 y 2020), Casa de Iberoamérica (Cádiz, 2022-23), Palacio Provincial de Cádiz (2022), Fundación Rafael Botí (Córdoba, 2022 y 2021), Museu Fundació Juan March (Palmas, Islas Baleares, 2022), Círculo de Bellas Artes (Madrid, 2021), Palacio Almirante (Granada, 2021), Impronta (Guadalajara, MX, 2021), ProyectoH (CDMX, Mx, 2021), Inéditos y Premio Generación2020 en La Casa Encendida (Madrid, 2020), SCAN Projects (Londres, UK, 2020). CentroCentro (Madrid, 2020 y 2016), C3A (Córdoba, 2019), CArteC (Madrid, 2019), Premi Ciutat de Palma (Baleares, 2019), Santa Inés (Sevilla, 2018), Fundación Mendoza (Caracas, VZ, 2017), Ranchito ARCOLisboa Matadero Madrid /Galerias Municipais (Madrid/Lisboa, 2018), Artothèque (Burdeos-Pessac, Francia, 2018), TEA (Tenerife, 2018), Centro Cultural de España/AECID (Rosario, Argentina/ Concepción, Chile/Lima, Perú, 2018), XXVII Circuitos de Artes Plásticas (Madrid, 2017) y LABoral (Gijón, 2017), Fundación Cajasol (Sevilla, 2017), CAAC (Sevilla, 2016). Entre los premios y becas recientes destacan el XVI Premio illySustainArt en la edición de ARCOmadrid 2023, Premio Internacional Obra Abierta 2022, Ayudas a la Creación en Artes Visuales Comunidad de Madrid 2022, Premio Fundación ARCO 2022, Premio ARCO Comunidad de Madrid 2022, Incorporación al Archivo HAMACA2022, Premio Fundación Caja Extremadura 2022, Generación 2020 de la Fundación Montemadrid, Blueproject Foundation, VEGAP XXIII o Comunidad de Madrid-Estampa2019. Destacan las residencias en Artworks (Oporto, Portugal) gracias a una beca de producción artística en colaboración con Matadero Madrid; Pico do Refúgio (Isla San Miguel, Azores, PT), Festival Volcánica (Guadalajara, MX), Blueproject Foundation (Barcelona), Hangar Lisboa (Lisboa, PT), C3A (Córdoba), Tabakalera (San Sebastián), Ateliers dos Coruchéus (Lisboa, PT) y Correspondencias de Ultramar#4 con estancias en la Fundación Mendoza (Caracas, VZ) y Museo de Arte Contemporáneo del Zulia MACZUL (Maracaibo, VZ). Su trabajo puede encontrarse en colecciones como Fundación Arco, Fundación Caja Extremadura, CA2M, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Fundación Montemadrid, DKV o Colección Jorge M. Pérez Miami.
Formada en Diseño textil por la Central Saint Martins en Londres, Irene Infantes no distingue entre arte y diseño. En su práctica aborda ambos campos en paralelo, simultaneando su producción de arte con proyectos de colaboración para firmas de diseño como Christopher Farr. En ambos campos la artista explora la plasticidad de los materiales: tensa su resistencia y los aplica para ejecutar obras caracterizadas por una síntesis de la representación y el empleo de un variado repertorio de materiales, texturas y superficies. Su obra pretende inquietar al espectador desde el punto de vista de la interpretación, y seducirlo gracias a la materialidad de las obras, al color y a la claridad compositiva. Obtiene en 2023, la beca de residencia artistica Mutur Beltz en Karrantza, País Vasco. En el 2021, se hace con una beca de residencia, dentro del V Programa de Investigación y Produción C3A, Córdoba. En sus individuales destacan Me lo dijo Hisham en la galería Alarcón Criado (2021), Trashumancia en la galería García Galería (Madrid, 2019) y Social life of a material en la Gal Gallery (Londres, 2018) comisariado por Arvida Bystrom. También ha formado parte de exposiciones colectivas como Turno de réplica. Construcción/composición en el Museo Patio Herreriano, (Valladolid, 2021), Una grieta en la montaña en el Centro de creación Contemporánea de Andalucía C3A, (Cordoba, 2021) y Entre las formas que van hacia la sierpe y las formas que buscan el cristal en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Sevilla, 2020) comisariado por Joaquín Jesús Sanchez y Roxana Gazdzinski. En 2023 se hace con el Premio Diseño Textile (Premios Diseño e innovación) «Fuera de serie» (Madrid). En 2020 gana el premio EL Diseño: Un Viaje entre Italia y España. El premio Texprint Award en 2017, le lleva a exponer en diferentes galerías en Reino Unido, y París.
Formada en Diseño textil por la Central Saint Martins en Londres, Irene Infantes no distingue entre arte y diseño. En su práctica aborda ambos campos en paralelo, simultaneando su producción de arte con proyectos de colaboración para firmas de diseño como Christopher Farr. En ambos campos la artista explora la plasticidad de los materiales: tensa su resistencia y los aplica para ejecutar obras caracterizadas por una síntesis de la representación y el empleo de un variado repertorio de materiales, texturas y superficies. Su obra pretende inquietar al espectador desde el punto de vista de la interpretación, y seducirlo gracias a la materialidad de las obras, al color y a la claridad compositiva. Obtiene en 2023, la beca de residencia artistica Mutur Beltz en Karrantza, País Vasco. En el 2021, se hace con una beca de residencia, dentro del V Programa de Investigación y Produción C3A, Córdoba. En sus individuales destacan Me lo dijo Hisham en la galería Alarcón Criado (2021), Trashumancia en la galería García Galería (Madrid, 2019) y Social life of a material en la Gal Gallery (Londres, 2018) comisariado por Arvida Bystrom. También ha formado parte de exposiciones colectivas como Turno de réplica. Construcción/composición en el Museo Patio Herreriano, (Valladolid, 2021), Una grieta en la montaña en el Centro de creación Contemporánea de Andalucía C3A, (Cordoba, 2021) y Entre las formas que van hacia la sierpe y las formas que buscan el cristal en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Sevilla, 2020) comisariado por Joaquín Jesús Sanchez y Roxana Gazdzinski. En 2023 se hace con el Premio Diseño Textile (Premios Diseño e innovación) «Fuera de serie» (Madrid). En 2020 gana el premio EL Diseño: Un Viaje entre Italia y España. El premio Texprint Award en 2017, le lleva a exponer en diferentes galerías en Reino Unido, y París.
Actualmente vive y trabaja en Barcelona, España. Desde 2004 formó parte de un grupo de estudio independiente integrado por artistas de distintas generaciones. En 2008 obtuvo el título de Profesor, con la especialización en Artes Plásticas en la Universidad Pedagógica Experimental Libertador, Instituto Pedagógico de Caracas. Cursó estudios en el Máster de Historia y Teoría de las Artes Plásticas en la Universidad Central de Venezuela y en el diplomado de Historia contemporánea en la Fundación Rómulo Betancourt. También ha realizado estudios complementarios de “cine experimental” en el Aula Xcèntric del CCCB. En el 2018 recibe la Beca para estudiar en el Laboratorio de Prácticas Audiovisuales Contemporáneas, Máster LAV, Madrid. Además, participó en la Residencia artística Lugar a Dudas, dirigida por el artista Óscar Muñoz, en Cali, Colombia. Entre sus exposiciones individuales: Hay un Goya en la sopa, Galería Alarcón Criado, Sevilla, España (2022); Sin Acto, Galería Carmen Araujo Arte, Caracas, Venezuela (2018); Correspondencias del Ultramar: Núria Güell e Iván Candeo, Sala Mendoza, Caracas, Venezuela (2017); Corte En Movimiento. Oficina #1, Caracas, Venezuela (2015) e Identidad y Ruptura, Casa Sin Fin, Madrid, España (2014) Candeo focaliza y confronta la relación entre la imagen, el movimiento y la historia, logrando identificar una serie de contradicciones y paradojas. Cuestión que hace como un intermediario que «hace pasar» las imágenes por varios aparatos estéticos de la mirada. Ha participado en muestras colectivas en diversos espacios en Latinoamérica, Estados Unidos, Canadá y Europa. Entre ellas: Unresolved Circumstances: Video Art from Latin America, MOLAA – Museum of Latin American Art, California, 2010; When a Painting Moves… Something Must Be Rotten! Museo Sternesen, Oslo, Noruega, 2011; 8a Bienal do Mercosul: ensaios de geopoética, Brasil, 2011; Moving image / Alteration, Gaîté Lyrique, Paris, 2012; Colonia apócrifa. Imágenes de la colonialidad en España, MUSAC, 2014; Ibi Et Nunc: paradojas democráticas LOOP, Barcelona, 2016; Propuesta para un archivo de vídeo, HAMACA – Museo Reina Sofia, Madrid, 2018; El revés de la trama – 45 salón nacional de artistas, Bogotá, Colombia, 2019; VHS (Video Home System) Museo de Arte Carrillo Gil, México D.F., 2020; Entre nosotros y los otros: JUNTOS APARTE. MUNTREF Centro de Arte Contemporáneo y Museo de la Inmigración – Sede Hotel de Inmigrantes. Buenos Aires, Argentina, 2022. Entre otras.
Actualmente vive y trabaja en Barcelona, España. Desde 2004 formó parte de un grupo de estudio independiente integrado por artistas de distintas generaciones. En 2008 obtuvo el título de Profesor, con la especialización en Artes Plásticas en la Universidad Pedagógica Experimental Libertador, Instituto Pedagógico de Caracas. Cursó estudios en el Máster de Historia y Teoría de las Artes Plásticas en la Universidad Central de Venezuela y en el diplomado de Historia contemporánea en la Fundación Rómulo Betancourt. También ha realizado estudios complementarios de “cine experimental” en el Aula Xcèntric del CCCB. En el 2018 recibe la Beca para estudiar en el Laboratorio de Prácticas Audiovisuales Contemporáneas, Máster LAV, Madrid. Además, participó en la Residencia artística Lugar a Dudas, dirigida por el artista Óscar Muñoz, en Cali, Colombia. Entre sus exposiciones individuales: Hay un Goya en la sopa, Galería Alarcón Criado, Sevilla, España (2022); Sin Acto, Galería Carmen Araujo Arte, Caracas, Venezuela (2018); Correspondencias del Ultramar: Núria Güell e Iván Candeo, Sala Mendoza, Caracas, Venezuela (2017); Corte En Movimiento. Oficina #1, Caracas, Venezuela (2015) e Identidad y Ruptura, Casa Sin Fin, Madrid, España (2014) Candeo focaliza y confronta la relación entre la imagen, el movimiento y la historia, logrando identificar una serie de contradicciones y paradojas. Cuestión que hace como un intermediario que «hace pasar» las imágenes por varios aparatos estéticos de la mirada. Ha participado en muestras colectivas en diversos espacios en Latinoamérica, Estados Unidos, Canadá y Europa. Entre ellas: Unresolved Circumstances: Video Art from Latin America, MOLAA – Museum of Latin American Art, California, 2010; When a Painting Moves… Something Must Be Rotten! Museo Sternesen, Oslo, Noruega, 2011; 8a Bienal do Mercosul: ensaios de geopoética, Brasil, 2011; Moving image / Alteration, Gaîté Lyrique, Paris, 2012; Colonia apócrifa. Imágenes de la colonialidad en España, MUSAC, 2014; Ibi Et Nunc: paradojas democráticas LOOP, Barcelona, 2016; Propuesta para un archivo de vídeo, HAMACA – Museo Reina Sofia, Madrid, 2018; El revés de la trama – 45 salón nacional de artistas, Bogotá, Colombia, 2019; VHS (Video Home System) Museo de Arte Carrillo Gil, México D.F., 2020; Entre nosotros y los otros: JUNTOS APARTE. MUNTREF Centro de Arte Contemporáneo y Museo de la Inmigración – Sede Hotel de Inmigrantes. Buenos Aires, Argentina, 2022. Entre otras.
Actualmente vive y trabaja en Barcelona, España. Desde 2004 formó parte de un grupo de estudio independiente integrado por artistas de distintas generaciones. En 2008 obtuvo el título de Profesor, con la especialización en Artes Plásticas en la Universidad Pedagógica Experimental Libertador, Instituto Pedagógico de Caracas. Cursó estudios en el Máster de Historia y Teoría de las Artes Plásticas en la Universidad Central de Venezuela y en el diplomado de Historia contemporánea en la Fundación Rómulo Betancourt. También ha realizado estudios complementarios de “cine experimental” en el Aula Xcèntric del CCCB. En el 2018 recibe la Beca para estudiar en el Laboratorio de Prácticas Audiovisuales Contemporáneas, Máster LAV, Madrid. Además, participó en la Residencia artística Lugar a Dudas, dirigida por el artista Óscar Muñoz, en Cali, Colombia. Entre sus exposiciones individuales: Hay un Goya en la sopa, Galería Alarcón Criado, Sevilla, España (2022); Sin Acto, Galería Carmen Araujo Arte, Caracas, Venezuela (2018); Correspondencias del Ultramar: Núria Güell e Iván Candeo, Sala Mendoza, Caracas, Venezuela (2017); Corte En Movimiento. Oficina #1, Caracas, Venezuela (2015) e Identidad y Ruptura, Casa Sin Fin, Madrid, España (2014) Candeo focaliza y confronta la relación entre la imagen, el movimiento y la historia, logrando identificar una serie de contradicciones y paradojas. Cuestión que hace como un intermediario que «hace pasar» las imágenes por varios aparatos estéticos de la mirada. Ha participado en muestras colectivas en diversos espacios en Latinoamérica, Estados Unidos, Canadá y Europa. Entre ellas: Unresolved Circumstances: Video Art from Latin America, MOLAA – Museum of Latin American Art, California, 2010; When a Painting Moves… Something Must Be Rotten! Museo Sternesen, Oslo, Noruega, 2011; 8a Bienal do Mercosul: ensaios de geopoética, Brasil, 2011; Moving image / Alteration, Gaîté Lyrique, Paris, 2012; Colonia apócrifa. Imágenes de la colonialidad en España, MUSAC, 2014; Ibi Et Nunc: paradojas democráticas LOOP, Barcelona, 2016; Propuesta para un archivo de vídeo, HAMACA – Museo Reina Sofia, Madrid, 2018; El revés de la trama – 45 salón nacional de artistas, Bogotá, Colombia, 2019; VHS (Video Home System) Museo de Arte Carrillo Gil, México D.F., 2020; Entre nosotros y los otros: JUNTOS APARTE. MUNTREF Centro de Arte Contemporáneo y Museo de la Inmigración – Sede Hotel de Inmigrantes. Buenos Aires, Argentina, 2022. Entre otras.
Artista visual licenciada en Bellas Artes por la UEM, desarrolla parte de su formación y práctica artística en la National College of Arts & Design (Dublín), AID (Berlín) y Máster de Investigación en Arte y Creación de la UCM (Madrid). Tras varios años en Berlín, actualmente vive y trabaja en Madrid. Ha expuesto individualmente en Centro Párraga (Murcia, 2021), Teatro La Capilla junto a Víctor Colmenero (CDMX, Mx, 2021), Museo de Jaén (2021), Blueproject Foundation (Barcelona, 2020), Museo de Cádiz (2020), MACZUL (Maracaibo, VZ, 2017) y colectivamente en Kindred Spirit (Lisboa, PT 2023) o en el Centre d’art contemporain Chapelle Saint-Jacques (Saint-Gaudens, FR 2023). Centro Párraga (Murcia, 2023 y 2020), Casa de Iberoamérica (Cádiz, 2022-23), Palacio Provincial de Cádiz (2022), Fundación Rafael Botí (Córdoba, 2022 y 2021), Museu Fundació Juan March (Palmas, Islas Baleares, 2022), Círculo de Bellas Artes (Madrid, 2021), Palacio Almirante (Granada, 2021), Impronta (Guadalajara, MX, 2021), ProyectoH (CDMX, Mx, 2021), Inéditos y Premio Generación2020 en La Casa Encendida (Madrid, 2020), SCAN Projects (Londres, UK, 2020). CentroCentro (Madrid, 2020 y 2016), C3A (Córdoba, 2019), CArteC (Madrid, 2019), Premi Ciutat de Palma (Baleares, 2019), Santa Inés (Sevilla, 2018), Fundación Mendoza (Caracas, VZ, 2017), Ranchito ARCOLisboa Matadero Madrid /Galerias Municipais (Madrid/Lisboa, 2018), Artothèque (Burdeos-Pessac, Francia, 2018), TEA (Tenerife, 2018), Centro Cultural de España/AECID (Rosario, Argentina/ Concepción, Chile/Lima, Perú, 2018), XXVII Circuitos de Artes Plásticas (Madrid, 2017) y LABoral (Gijón, 2017), Fundación Cajasol (Sevilla, 2017), CAAC (Sevilla, 2016). Entre los premios y becas recientes destacan el XVI Premio illySustainArt en la edición de ARCOmadrid 2023, Premio Internacional Obra Abierta 2022, Ayudas a la Creación en Artes Visuales Comunidad de Madrid 2022, Premio Fundación ARCO 2022, Premio ARCO Comunidad de Madrid 2022, Incorporación al Archivo HAMACA2022, Premio Fundación Caja Extremadura 2022, Generación 2020 de la Fundación Montemadrid, Blueproject Foundation, VEGAP XXIII o Comunidad de Madrid-Estampa2019. Destacan las residencias en Artworks (Oporto, Portugal) gracias a una beca de producción artística en colaboración con Matadero Madrid; Pico do Refúgio (Isla San Miguel, Azores, PT), Festival Volcánica (Guadalajara, MX), Blueproject Foundation (Barcelona), Hangar Lisboa (Lisboa, PT), C3A (Córdoba), Tabakalera (San Sebastián), Ateliers dos Coruchéus (Lisboa, PT) y Correspondencias de Ultramar#4 con estancias en la Fundación Mendoza (Caracas, VZ) y Museo de Arte Contemporáneo del Zulia MACZUL (Maracaibo, VZ). Su trabajo puede encontrarse en colecciones como Fundación Arco, Fundación Caja Extremadura, CA2M, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Fundación Montemadrid, DKV o Colección Jorge M. Pérez Miami.
Artista visual licenciada en Bellas Artes por la UEM, desarrolla parte de su formación y práctica artística en la National College of Arts & Design (Dublín), AID (Berlín) y Máster de Investigación en Arte y Creación de la UCM (Madrid). Tras varios años en Berlín, actualmente vive y trabaja en Madrid. Ha expuesto individualmente en Centro Párraga (Murcia, 2021), Teatro La Capilla junto a Víctor Colmenero (CDMX, Mx, 2021), Museo de Jaén (2021), Blueproject Foundation (Barcelona, 2020), Museo de Cádiz (2020), MACZUL (Maracaibo, VZ, 2017) y colectivamente en Kindred Spirit (Lisboa, PT 2023) o en el Centre d’art contemporain Chapelle Saint-Jacques (Saint-Gaudens, FR 2023). Centro Párraga (Murcia, 2023 y 2020), Casa de Iberoamérica (Cádiz, 2022-23), Palacio Provincial de Cádiz (2022), Fundación Rafael Botí (Córdoba, 2022 y 2021), Museu Fundació Juan March (Palmas, Islas Baleares, 2022), Círculo de Bellas Artes (Madrid, 2021), Palacio Almirante (Granada, 2021), Impronta (Guadalajara, MX, 2021), ProyectoH (CDMX, Mx, 2021), Inéditos y Premio Generación2020 en La Casa Encendida (Madrid, 2020), SCAN Projects (Londres, UK, 2020). CentroCentro (Madrid, 2020 y 2016), C3A (Córdoba, 2019), CArteC (Madrid, 2019), Premi Ciutat de Palma (Baleares, 2019), Santa Inés (Sevilla, 2018), Fundación Mendoza (Caracas, VZ, 2017), Ranchito ARCOLisboa Matadero Madrid /Galerias Municipais (Madrid/Lisboa, 2018), Artothèque (Burdeos-Pessac, Francia, 2018), TEA (Tenerife, 2018), Centro Cultural de España/AECID (Rosario, Argentina/ Concepción, Chile/Lima, Perú, 2018), XXVII Circuitos de Artes Plásticas (Madrid, 2017) y LABoral (Gijón, 2017), Fundación Cajasol (Sevilla, 2017), CAAC (Sevilla, 2016). Entre los premios y becas recientes destacan el XVI Premio illySustainArt en la edición de ARCOmadrid 2023, Premio Internacional Obra Abierta 2022, Ayudas a la Creación en Artes Visuales Comunidad de Madrid 2022, Premio Fundación ARCO 2022, Premio ARCO Comunidad de Madrid 2022, Incorporación al Archivo HAMACA2022, Premio Fundación Caja Extremadura 2022, Generación 2020 de la Fundación Montemadrid, Blueproject Foundation, VEGAP XXIII o Comunidad de Madrid-Estampa2019. Destacan las residencias en Artworks (Oporto, Portugal) gracias a una beca de producción artística en colaboración con Matadero Madrid; Pico do Refúgio (Isla San Miguel, Azores, PT), Festival Volcánica (Guadalajara, MX), Blueproject Foundation (Barcelona), Hangar Lisboa (Lisboa, PT), C3A (Córdoba), Tabakalera (San Sebastián), Ateliers dos Coruchéus (Lisboa, PT) y Correspondencias de Ultramar#4 con estancias en la Fundación Mendoza (Caracas, VZ) y Museo de Arte Contemporáneo del Zulia MACZUL (Maracaibo, VZ). Su trabajo puede encontrarse en colecciones como Fundación Arco, Fundación Caja Extremadura, CA2M, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Fundación Montemadrid, DKV o Colección Jorge M. Pérez Miami.
Vive y trabaja en Mexico. Es un artista formado en Cine por The School of the Art Institute de Chicago y premiado con una beca de investigación por el Whitney Independent Study Programe, en Nueva York. Ha sido profesor visitante en la Academia de Bellas Artes de Umea, Suecia, institución en la que realizó un doctorado en prácticas artísticas. Su trabajo e investigaciones abarcan un amplio rango de intereses y medios, que inicialmente se enfocaron en problemas que se relacionan con preguntas éticas y estéticas que plantean el cine y la televisión, temas que han sido centrales tanto en sus escritos como en sus proyectos artísticos. Hasta el año 2008 su trabajo puede ser calificado de conceptual y de posicionamiento político. Desde entonces, las ideas de Bucher acerca del mundo han tomado un giro abrupto y su nueva producción esta atravesada por procesos de caracter interdimensional. En su obra todo está interrelacionado, los distintos trabajos están asociados a los demás, formando múltiples suturas, que a su vez producen nuevos sentidos. Las piezas crean elipsis, espacios inéditos de pensamiento que subyacen el campo del conjunto. Sus proyectos artísticos tratan de deconstruir la jerarquía del conocimiento materialista contemporáneo, indagando también en la relación del hombre, su cuerpo y su entorno. François Bucher participa en el 2013 en la 55ª Bienal de Venecia en el pabellón del Instituto Ítalo-Latinoamericano bajo la curaduría de Silvia Irrazábal y Alfons Hug y en el 43 Salón Nacional de Artistas de Medellín curada por Mariángela Méndez. Durante el 2014 fue unos de los artistas seleccionados en la Bienal de Cartagena de Indias curada por Berta Sichel y en la Bienal de Cuenca curada por Jacopo Crivelli y en 2016 ha participado en la sección Photobooth Citi de arteBA, comisariada por Patrick Charpanel. Ha participado en diferentes exposiciones internacionales como FIAC Paris 2014, con un proyecto específico para el Museo de Historia Natural de Paris; en el Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla, en Flora Arts+Natura en Bogota bajo la curaduría de José Roca, en el Bildmuseet de Suecia, en el Museo de Zapopan (México); en el Museo Querétaro de México; en la exposición AMAZONÍA, curada por Berta Sichel en el CAAC de Sevilla.
Vive y trabaja en Bogotá, Colombia. Estudió Arte en la Universidad de Los Andes en Bogotá y luego obtuvo una Maestría en Filosofía en la Universidad del Valle en Cali. Su trabajo ha sido mostrado en exposiciones internacionales en el MAMBA (Museo de Arte Moderno de Buenos Aires) 2016, Bienal de Sydney (Sydney, Australia, 2016) Bienal de las Américas (Denver, EE. UU., 2015), 43º Salón Internacional de Artistas ( Medellín, Colombia), XXX Bienal de São Paulo (Brasil, 2012), XI Bienal de Lyon (Francia, 2011) Ephemeroptarae (Austria, 2013), Game Piece (Noruega, 2013), MDE 07 (Colombia, 2007) Ortiz fue co -curador de la 7ª Bienal del Mercosur (Porto Alegre, Brasil) y el 41 Salón Nacional de Artistas (Cali, Colombia) Las obras de arte de Bernardo Ortiz giran en torno a las palabras, dibujos y puntos simbólicos que componen un diálogo con el tiempo y con sus efectos y eventos. Gracias a su formación como filósofo y su conocimiento de la literatura, investiga la conexión, siempre tensa, entre la palabra escrita y la pintura o el dibujo, utilizando colores, tipografías o texturas. La superficie bidimensional es su obra integra una superposición de materiales, textos, pliegues. Al ser revisadas, estas piezas muestran algunas oraciones descontextualizadas a través de las cuales el artista intenta relacionar imágenes y lenguaje, haciendo evidente esas palabras pueden evocar una imagen, pero también pueden funcionar como objeto pictórico por sí mismos. Sus obras forman parte de importantes colecciones como Colección Lara, Tate Modern Collection, Londres, Reino Unido; Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York, Estados Unidos; CNAP Centre National des Arts Plastiques, Francia; Deutsche Bank, Frankfurt, Alemania; Colección Patricia Phelps de Cisneros, Nueva York, Estados Unidos; Museo de arte Moderno la Tertulia, Cali, Colombia; Kadist Art Foundation, París, Francia; Banco de la República, Colombia; Colecciones privadas en Estados Unidos, Brasil, Inglaterra, Colombia.
Vive y trabaja en Bogotá, Colombia. Estudió Arte en la Universidad de Los Andes en Bogotá y luego obtuvo una Maestría en Filosofía en la Universidad del Valle en Cali. Su trabajo ha sido mostrado en exposiciones internacionales en el MAMBA (Museo de Arte Moderno de Buenos Aires) 2016, Bienal de Sydney (Sydney, Australia, 2016) Bienal de las Américas (Denver, EE. UU., 2015), 43º Salón Internacional de Artistas ( Medellín, Colombia), XXX Bienal de São Paulo (Brasil, 2012), XI Bienal de Lyon (Francia, 2011) Ephemeroptarae (Austria, 2013), Game Piece (Noruega, 2013), MDE 07 (Colombia, 2007) Ortiz fue co -curador de la 7ª Bienal del Mercosur (Porto Alegre, Brasil) y el 41 Salón Nacional de Artistas (Cali, Colombia) Las obras de arte de Bernardo Ortiz giran en torno a las palabras, dibujos y puntos simbólicos que componen un diálogo con el tiempo y con sus efectos y eventos. Gracias a su formación como filósofo y su conocimiento de la literatura, investiga la conexión, siempre tensa, entre la palabra escrita y la pintura o el dibujo, utilizando colores, tipografías o texturas. La superficie bidimensional es su obra integra una superposición de materiales, textos, pliegues. Al ser revisadas, estas piezas muestran algunas oraciones descontextualizadas a través de las cuales el artista intenta relacionar imágenes y lenguaje, haciendo evidente esas palabras pueden evocar una imagen, pero también pueden funcionar como objeto pictórico por sí mismos. Sus obras forman parte de importantes colecciones como Colección Lara, Tate Modern Collection, Londres, Reino Unido; Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York, Estados Unidos; CNAP Centre National des Arts Plastiques, Francia; Deutsche Bank, Frankfurt, Alemania; Colección Patricia Phelps de Cisneros, Nueva York, Estados Unidos; Museo de arte Moderno la Tertulia, Cali, Colombia; Kadist Art Foundation, París, Francia; Banco de la República, Colombia; Colecciones privadas en Estados Unidos, Brasil, Inglaterra, Colombia.
Vive y trabaja en Bogotá, Colombia. Estudió Arte en la Universidad de Los Andes en Bogotá y luego obtuvo una Maestría en Filosofía en la Universidad del Valle en Cali. Su trabajo ha sido mostrado en exposiciones internacionales en el MAMBA (Museo de Arte Moderno de Buenos Aires) 2016, Bienal de Sydney (Sydney, Australia, 2016) Bienal de las Américas (Denver, EE. UU., 2015), 43º Salón Internacional de Artistas ( Medellín, Colombia), XXX Bienal de São Paulo (Brasil, 2012), XI Bienal de Lyon (Francia, 2011) Ephemeroptarae (Austria, 2013), Game Piece (Noruega, 2013), MDE 07 (Colombia, 2007) Ortiz fue co -curador de la 7ª Bienal del Mercosur (Porto Alegre, Brasil) y el 41 Salón Nacional de Artistas (Cali, Colombia) Las obras de arte de Bernardo Ortiz giran en torno a las palabras, dibujos y puntos simbólicos que componen un diálogo con el tiempo y con sus efectos y eventos. Gracias a su formación como filósofo y su conocimiento de la literatura, investiga la conexión, siempre tensa, entre la palabra escrita y la pintura o el dibujo, utilizando colores, tipografías o texturas. La superficie bidimensional es su obra integra una superposición de materiales, textos, pliegues. Al ser revisadas, estas piezas muestran algunas oraciones descontextualizadas a través de las cuales el artista intenta relacionar imágenes y lenguaje, haciendo evidente esas palabras pueden evocar una imagen, pero también pueden funcionar como objeto pictórico por sí mismos. Sus obras forman parte de importantes colecciones como Colección Lara, Tate Modern Collection, Londres, Reino Unido; Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York, Estados Unidos; CNAP Centre National des Arts Plastiques, Francia; Deutsche Bank, Frankfurt, Alemania; Colección Patricia Phelps de Cisneros, Nueva York, Estados Unidos; Museo de arte Moderno la Tertulia, Cali, Colombia; Kadist Art Foundation, París, Francia; Banco de la República, Colombia; Colecciones privadas en Estados Unidos, Brasil, Inglaterra, Colombia.
El proyecto artístico de Belén Rodríguez descompone pictórica y escultóricamente ingredientes culturales esenciales en clara referencia al mundo artesanal textil. Recogiendo los frutos del entorno, como una paisajista sur le motiv, Belén Rodríguez actúa más como recolectora local que como agente de un proceso de representación: una vez obtenido el tono de color, ya no necesita recrear la forma de los árboles o las nubes, de la hierba o las rocas. Lo cierto es, que trabajando de esta manera, Belén excluye la paleta de pintora y crea su propio repertorio cromático que contiene la máxima concreción pictórica y abstracción formal, ahondando en el profundo misterio del color y en su esplendor superficial. Magíster Art por la Academia de Bellas Artes de Viena desde 2010, donde estudió con el Profesor Heimo Zobernig y licenciada en Bellas Artes por la UCM de Madrid en 2007. Ha formado parte de diferentes Programas de Artista en Residencia como Flora ars+natura, en Bogotá, Artista X Artista, La Habana en 2016, Hooper Projects en Los Ángeles, USA, en 2015, Academia de España en Roma en 2012 y BMUKK Tokio, en 2009. Algunas de sus exposiciones individuales son “I turn Chilli Red” en Josh Lilley, Londres en 201, “Algodón naranja en la bella sombra”, en Alarcón Criado, Sevilla, en 2019, “Paintung”, en Patio Herreriano, Valladolid 2018, “Circa” en Das weisse haus, en Viena, 2011, en la Galería Parra y Romero, Madrid, en 2010. Ha recibido la Beca Staatstipendium, del Ministerio de Cultura de Austria en 2015, el Premio Generación de Caja Madrid, en 2011 y con Mención de Honor en 2009, artista seleccionada como finalista en la V edición del Premio Cervezas Alhambra de arte Emergente, 2021. En 2022, recibe la Beca de Artes Plasticas de la Fundación Botín, Santander (ES).
El proyecto artístico de Belén Rodríguez descompone pictórica y escultóricamente ingredientes culturales esenciales en clara referencia al mundo artesanal textil. Recogiendo los frutos del entorno, como una paisajista sur le motiv, Belén Rodríguez actúa más como recolectora local que como agente de un proceso de representación: una vez obtenido el tono de color, ya no necesita recrear la forma de los árboles o las nubes, de la hierba o las rocas. Lo cierto es, que trabajando de esta manera, Belén excluye la paleta de pintora y crea su propio repertorio cromático que contiene la máxima concreción pictórica y abstracción formal, ahondando en el profundo misterio del color y en su esplendor superficial. Magíster Art por la Academia de Bellas Artes de Viena desde 2010, donde estudió con el Profesor Heimo Zobernig y licenciada en Bellas Artes por la UCM de Madrid en 2007. Ha formado parte de diferentes Programas de Artista en Residencia como Flora ars+natura, en Bogotá, Artista X Artista, La Habana en 2016, Hooper Projects en Los Ángeles, USA, en 2015, Academia de España en Roma en 2012 y BMUKK Tokio, en 2009. Algunas de sus exposiciones individuales son “I turn Chilli Red” en Josh Lilley, Londres en 201, “Algodón naranja en la bella sombra”, en Alarcón Criado, Sevilla, en 2019, “Paintung”, en Patio Herreriano, Valladolid 2018, “Circa” en Das weisse haus, en Viena, 2011, en la Galería Parra y Romero, Madrid, en 2010. Ha recibido la Beca Staatstipendium, del Ministerio de Cultura de Austria en 2015, el Premio Generación de Caja Madrid, en 2011 y con Mención de Honor en 2009, artista seleccionada como finalista en la V edición del Premio Cervezas Alhambra de arte Emergente, 2021. En 2022, recibe la Beca de Artes Plasticas de la Fundación Botín, Santander (ES).
El proyecto artístico de Belén Rodríguez descompone pictórica y escultóricamente ingredientes culturales esenciales en clara referencia al mundo artesanal textil. Recogiendo los frutos del entorno, como una paisajista sur le motiv, Belén Rodríguez actúa más como recolectora local que como agente de un proceso de representación: una vez obtenido el tono de color, ya no necesita recrear la forma de los árboles o las nubes, de la hierba o las rocas. Lo cierto es, que trabajando de esta manera, Belén excluye la paleta de pintora y crea su propio repertorio cromático que contiene la máxima concreción pictórica y abstracción formal, ahondando en el profundo misterio del color y en su esplendor superficial. Magíster Art por la Academia de Bellas Artes de Viena desde 2010, donde estudió con el Profesor Heimo Zobernig y licenciada en Bellas Artes por la UCM de Madrid en 2007. Ha formado parte de diferentes Programas de Artista en Residencia como Flora ars+natura, en Bogotá, Artista X Artista, La Habana en 2016, Hooper Projects en Los Ángeles, USA, en 2015, Academia de España en Roma en 2012 y BMUKK Tokio, en 2009. Algunas de sus exposiciones individuales son “I turn Chilli Red” en Josh Lilley, Londres en 201, “Algodón naranja en la bella sombra”, en Alarcón Criado, Sevilla, en 2019, “Paintung”, en Patio Herreriano, Valladolid 2018, “Circa” en Das weisse haus, en Viena, 2011, en la Galería Parra y Romero, Madrid, en 2010. Ha recibido la Beca Staatstipendium, del Ministerio de Cultura de Austria en 2015, el Premio Generación de Caja Madrid, en 2011 y con Mención de Honor en 2009, artista seleccionada como finalista en la V edición del Premio Cervezas Alhambra de arte Emergente, 2021. En 2022, recibe la Beca de Artes Plasticas de la Fundación Botín, Santander (ES).
Vive y trabaja en Mexico. Es un artista formado en Cine por The School of the Art Institute de Chicago y premiado con una beca de investigación por el Whitney Independent Study Programe, en Nueva York. Ha sido profesor visitante en la Academia de Bellas Artes de Umea, Suecia, institución en la que realizó un doctorado en prácticas artísticas. Su trabajo e investigaciones abarcan un amplio rango de intereses y medios, que inicialmente se enfocaron en problemas que se relacionan con preguntas éticas y estéticas que plantean el cine y la televisión, temas que han sido centrales tanto en sus escritos como en sus proyectos artísticos. Hasta el año 2008 su trabajo puede ser calificado de conceptual y de posicionamiento político. Desde entonces, las ideas de Bucher acerca del mundo han tomado un giro abrupto y su nueva producción esta atravesada por procesos de caracter interdimensional. En su obra todo está interrelacionado, los distintos trabajos están asociados a los demás, formando múltiples suturas, que a su vez producen nuevos sentidos. Las piezas crean elipsis, espacios inéditos de pensamiento que subyacen el campo del conjunto. Sus proyectos artísticos tratan de deconstruir la jerarquía del conocimiento materialista contemporáneo, indagando también en la relación del hombre, su cuerpo y su entorno. François Bucher participa en el 2013 en la 55ª Bienal de Venecia en el pabellón del Instituto Ítalo-Latinoamericano bajo la curaduría de Silvia Irrazábal y Alfons Hug y en el 43 Salón Nacional de Artistas de Medellín curada por Mariángela Méndez. Durante el 2014 fue unos de los artistas seleccionados en la Bienal de Cartagena de Indias curada por Berta Sichel y en la Bienal de Cuenca curada por Jacopo Crivelli y en 2016 ha participado en la sección Photobooth Citi de arteBA, comisariada por Patrick Charpanel. Ha participado en diferentes exposiciones internacionales como FIAC Paris 2014, con un proyecto específico para el Museo de Historia Natural de Paris; en el Centro de Iniciativas Culturales de la Universidad de Sevilla, en Flora Arts+Natura en Bogota bajo la curaduría de José Roca, en el Bildmuseet de Suecia, en el Museo de Zapopan (México); en el Museo Querétaro de México; en la exposición AMAZONÍA, curada por Berta Sichel en el CAAC de Sevilla.
Formada en Diseño textil por la Central Saint Martins en Londres, Irene Infantes no distingue entre arte y diseño. En su práctica aborda ambos campos en paralelo, simultaneando su producción de arte con proyectos de colaboración para firmas de diseño como Christopher Farr. En ambos campos la artista explora la plasticidad de los materiales: tensa su resistencia y los aplica para ejecutar obras caracterizadas por una síntesis de la representación y el empleo de un variado repertorio de materiales, texturas y superficies. Su obra pretende inquietar al espectador desde el punto de vista de la interpretación, y seducirlo gracias a la materialidad de las obras, al color y a la claridad compositiva. Obtiene en 2023, la beca de residencia artistica Mutur Beltz en Karrantza, País Vasco. En el 2021, se hace con una beca de residencia, dentro del V Programa de Investigación y Produción C3A, Córdoba. En sus individuales destacan Me lo dijo Hisham en la galería Alarcón Criado (2021), Trashumancia en la galería García Galería (Madrid, 2019) y Social life of a material en la Gal Gallery (Londres, 2018) comisariado por Arvida Bystrom. También ha formado parte de exposiciones colectivas como Turno de réplica. Construcción/composición en el Museo Patio Herreriano, (Valladolid, 2021), Una grieta en la montaña en el Centro de creación Contemporánea de Andalucía C3A, (Cordoba, 2021) y Entre las formas que van hacia la sierpe y las formas que buscan el cristal en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Sevilla, 2020) comisariado por Joaquín Jesús Sanchez y Roxana Gazdzinski. En 2023 se hace con el Premio Diseño Textile (Premios Diseño e innovación) «Fuera de serie» (Madrid). En 2020 gana el premio EL Diseño: Un Viaje entre Italia y España. El premio Texprint Award en 2017, le lleva a exponer en diferentes galerías en Reino Unido, y París.
