Un programa de la Cámara de Comercio de Bogotá
Un programa cultural de:
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Esta exhibición reúne las obras visionarias de Santiago Cárdenas, Eduardo Ramírez-Villamizar, Carlos Rojas, Omar Rayo, y Doris Salcedo, cinco artistas colombianos fundamentales en el desarrollo del conceptualismo, la abstracción geométrica, el constructivismo, el informalismo y el arte óptico en Colombia. Esta exposición muestra su incansable búsqueda de la innovación artística, su dominio de las formas geométricas y su exploración compartida de nuevos materiales.
Las trayectorias artísticas de Cárdenas, Ramírez-Villamizar, Rojas, Rayo y Salcedo fueron marcadas por un audaz alejamiento de las convenciones artísticas tradicionales, ya que se adentraron en el ámbito de la abstracción geométrica, el constructivismo, el informalismo conceptual y el arte óptico. Cada artista tiene una forma única de emplear formas y formas geométricas en sus composiciones, mostrando una fascinación por el orden, el equilibrio y la precisión. Inspirados por un lenguaje universal de figuras y formas, estos artistas embarcaron en un camino artístico transformador que daría forma a la escena artística colombiana.
El elemento central de su exploración artística fue la adopción intrépida de nuevos materiales. Otro tema unificador visible entre los cinco artistas es su inspiración de la herencia colombiana y cómo infundieron en sus obras elementos que reflejaban sus raíces culturales. Por último, los cinco artistas pasaron un tiempo considerable en el vibrante centro artístico de la ciudad de Nueva York. Durante sus residencias, estuvieron expuestos al clima artístico dinámico y los movimientos de vanguardia que florecieron dentro de la ciudad.
Esta exposición tiene como objetivo mostrar sus prácticas artísticas distintas pero interconectadas, explorando los hilos comunes entre estos artistas pioneros que unen sus exploraciones colombianas. A través de paletas de colores vibrantes, composiciones armoniosas y configuraciones geométricas, constructivistas, conceptuales y ópticas intrincadas, Cárdenas, Ramírez-Villamizar, Rojas, Rayo y Salcedo capturaron la esencia del conceptualismo colombiano, infundiéndole sus propias raíces e identidades culturales.
Leon Tovar es una galería con sede en Nueva York que se especializa en arte moderno y arte moderno latinoamericano. Con más de 30 años de operación, la galería mantiene su compromiso de promover la erudición y la visibilidad de artistas innovadores que son integrales en la historia completa del Modernismo. Mientras los museos y otras instituciones trabajan para reevaluar sus colecciones y las historias que cuentan, la misión de la galería es de continuar respondiendo a la necesidad urgente de cultivar narrativas históricas del arte de mayor alcance.
A través de exposiciones periódicas, programación de exposiciones, catálogos, ferias de arte y colaboraciones con instituciones, la Galería León Tovar se ha establecido como una autoridad en el campo del arte latinoamericano y como un recurso destacado tanto para los nuevos coleccionistas como para aquellos que buscan refinar sus colecciones maduras.
Inaugurada en Bogotá en 1991 y reubicada en Nueva York en 2002, la Galería ahora opera un espacio de exhibición en el Upper East Side. Miembra del ADAA desde 2019, la Galería Leon Tovar representa los patrimonios de Carmelo Arden Quin, Martin Blaszko, Marcelo Bonevardi, Agustín Fernández y Omar Rayo.
El pintor y escultor Carlos Rojas sitúa su producción artística en términos relativos tanto temporales como culturales. Sus esculturas rectilíneas y pinturas suntuosas de espacios etéreos cortados con líneas rígidas hablan de una concepción del espacio que el artista entendió como profundamente contemporánea. En una entrevista de 1984 con María Cristina Laverde Toscano, Rojas afirmaba: “Para mí, el siglo XX, el siglo que viví, constituye un momento definitorio en la historia de la humanidad. . . Es el momento en que la relatividad, la simultaneidad, las razones exactas o más próximas a una realidad de espacio y tiempo se establecen como unidad y no como elementos separados. Entonces . . . todo mi trabajo busca gestionar esos mismos espacios; tanto la pintura como la escultura hablan de un espacio vacío que a su vez es ocupado.” Pero si Rojas entendía su práctica artística en paralelo con las concepciones contemporáneas del espacio, también era consciente de la relación entre sus formas y la historia y cultura de su lugar de nacimiento. La abstracción geométrica, para Rojas, era un lenguaje artístico íntimamente ligado a las formas precolombinas así como a la producción artística del artesano local. Si sus amplios planos de color recuerdan los encantadores espacios líquidos de los pintores contemporáneos de Color Field en América del Norte, también hablan, como escribe el historiador de arte Germán Rubiano Caballero, de “las telas de lana de los artesanos populares”. En el catálogo de su exposición de dos personas con Santiago Cárdenas Arroyo en el Centro de Relaciones Interamericanas de Nueva York en 1973, Bernice Rose señaló las referencias específicas del artista a “los Shipibo de la Amazonía peruana que decoran la cerámica y la tela con figuras en ángulo recto”. líneas que trazan patrones complejos que se mueven rápidamente en campos oscuros o neutrales. Las esculturas de Rojas, que comenzó a producir a mediados de la década de 1960, ofrecen otra vía para explorar los problemas espaciales que tanto le preocupaban. Compuestas únicamente de líneas rectilíneas, que predominan en la producción artística de Rojas después de 1966, sus primeras esculturas serpenteaban a través del espacio en ángulo recto, recordando la obra del minimalista estadounidense Tony Smith. Sin embargo, al igual que las esculturas de su compatriota Edgar Negret, Rojas dejó a la vista los tornillos y tuercas que perforan las vigas en I de acero utilizadas para crear sus estructuras. “Si bien estas piezas anteriores afirmaron su propia masa, habitando el espacio”, escribe Rose en el catálogo del Centro de Relaciones Interamericanas, “sus construcciones más recientes de barras de hierro de sección cuadrada pintadas de negro cambian el énfasis al espacio mismo”.[6] En lugar de moverse a través del espacio, las esculturas de Rojas pronto comenzaron el proceso de enmarcarlo, formando ventanas y puertas arquitectónicas que se abren al entorno circundante. Suntuosos y cerebrales, los ejemplos de la práctica absorbente de Carlos Rojas se han exhibido en importantes exposiciones internacionales.
El pintor y escultor Carlos Rojas sitúa su producción artística en términos relativos tanto temporales como culturales. Sus esculturas rectilíneas y pinturas suntuosas de espacios etéreos cortados con líneas rígidas hablan de una concepción del espacio que el artista entendió como profundamente contemporánea. En una entrevista de 1984 con María Cristina Laverde Toscano, Rojas afirmaba: “Para mí, el siglo XX, el siglo que viví, constituye un momento definitorio en la historia de la humanidad. . . Es el momento en que la relatividad, la simultaneidad, las razones exactas o más próximas a una realidad de espacio y tiempo se establecen como unidad y no como elementos separados. Entonces . . . todo mi trabajo busca gestionar esos mismos espacios; tanto la pintura como la escultura hablan de un espacio vacío que a su vez es ocupado.” Pero si Rojas entendía su práctica artística en paralelo con las concepciones contemporáneas del espacio, también era consciente de la relación entre sus formas y la historia y cultura de su lugar de nacimiento. La abstracción geométrica, para Rojas, era un lenguaje artístico íntimamente ligado a las formas precolombinas así como a la producción artística del artesano local. Si sus amplios planos de color recuerdan los encantadores espacios líquidos de los pintores contemporáneos de Color Field en América del Norte, también hablan, como escribe el historiador de arte Germán Rubiano Caballero, de “las telas de lana de los artesanos populares”. En el catálogo de su exposición de dos personas con Santiago Cárdenas Arroyo en el Centro de Relaciones Interamericanas de Nueva York en 1973, Bernice Rose señaló las referencias específicas del artista a “los Shipibo de la Amazonía peruana que decoran la cerámica y la tela con figuras en ángulo recto”. líneas que trazan patrones complejos que se mueven rápidamente en campos oscuros o neutrales. Las esculturas de Rojas, que comenzó a producir a mediados de la década de 1960, ofrecen otra vía para explorar los problemas espaciales que tanto le preocupaban. Compuestas únicamente de líneas rectilíneas, que predominan en la producción artística de Rojas después de 1966, sus primeras esculturas serpenteaban a través del espacio en ángulo recto, recordando la obra del minimalista estadounidense Tony Smith. Sin embargo, al igual que las esculturas de su compatriota Edgar Negret, Rojas dejó a la vista los tornillos y tuercas que perforan las vigas en I de acero utilizadas para crear sus estructuras. “Si bien estas piezas anteriores afirmaron su propia masa, habitando el espacio”, escribe Rose en el catálogo del Centro de Relaciones Interamericanas, “sus construcciones más recientes de barras de hierro de sección cuadrada pintadas de negro cambian el énfasis al espacio mismo”.[6] En lugar de moverse a través del espacio, las esculturas de Rojas pronto comenzaron el proceso de enmarcarlo, formando ventanas y puertas arquitectónicas que se abren al entorno circundante. Suntuosos y cerebrales, los ejemplos de la práctica absorbente de Carlos Rojas se han exhibido en importantes exposiciones internacionales.
Santiago Cárdenas es reconocido principalmente por sus pinturas icónicas de pizarrones, abstracciones coloridas de objetos cotidianos y su uso maestro de luz y sombras. "Mi intención", reflexiona el artista, "no es engañar ni jugar con el espectador. Utilizo el ilusionismo para crear una 'presencia', tal como lo hace la naturaleza." Desde el Pop Art hasta las obras de antiguos maestros de naturaleza muerta, Cárdenas ha sido influenciado por múltiples fuentes, incluyendo las obras de Alex Katz, quien fue su profesor durante su Maestría en la Universidad de Yale. Refutando la relación convencional entre el espectador y las obras de arte, los objetos representados en las pinturas de Cárdenas aspiran a provocar en el espectador un nivel de participación que va más allá de la mera contemplación estética, más bien, incitan a la interacción humana. Las obras de Santiago Cárdenas han sido parte de numerosas exposiciones a nivel mundial y se encuentran en importantes colecciones públicas, incluyendo: el Museo de Arte Moderno de Nueva York; el Museo de Bellas Artes de Caracas, Venezuela; y el Museo Rufino Tamayo, Ciudad de México, México.
Doris Salcedo trabaja con esculturas e instalaciones. Desde concreto a pétalos de rosa, Salcedo emplea objetos comunes con el fin de darle voz a las comunidades más marginalizadas. Aunque de manera sutil y abierta a la interpretación, sus obras sirven como testimonios tanto de las víctimas como de los perpetradores. Incluso cuando son de escala monumental, sus instalaciones alcanzan un grado de imperceptibilidad: se esconden en una pared, se hunden en el suelo o tienen una duración efímera. Influenciada por las experiencias cotidianas de Colombia, sus obras representan la ausencia, la opresión y la brecha entre aquellos sin poder y aquellos con todo el poder. Sus premios incluyen un encargo de la Tate Modern de Londres (2007); el Premio Ordway, de la Fundación Penny McCall (2005); y una beca de la Fundación Solomon R. Guggenheim (1995). Sus obras han sido presentadas en exposiciones de Tate Modern de Londres (2007); Castello de Rivoli, Turín (2005); y Museo Boijmans Van Beuningen, Rotterdam (2002); entre otros. Ha participado en la Trienal de Arte Contemporáneo T1, Turín (2005); Documenta (2002); y la Bienal de Arte Contemporáneo de Liverpool (1999). Su obra está incluida en muchas colecciones de museos, incluido el Museo de Arte Moderno de Nueva York; el Instituto de Arte de Chicago; Museo de Arte del Condado de Los Ángeles; y Museo de Bellas Artes de Boston. Doris Salcedo vive y trabaja en Bogotá, Colombia.
Jaime Miranda-Bambarén es un escultor profundamente establecido en el arte de esculpir madera, considerándola un material lleno de vida, rico en historia y estrechamente vinculado a la humanidad debido a su capacidad de encapsular las experiencias humanas. Sus creaciones, conocidas como "Semillas", son formas casi esféricas que establecen una conexión directa no solo con el mundo orgánico, sino también con el mundo cultural y espiritual que constituye una parte significativa de la esencia y energía de Perú. Profundizando su práctica creativa con viajes por los Andes y la selva amazónica, la madera se convierte en un recipiente para una profunda tradición de cosmovisiones dentro de las obras de Miranda-Bambarén. Hoy en día, las obras de Jaime Miranda-Bambarén se pueden encontrar en el Museo de Arte de (MALI) y en el MICROMUSEO ("al fondo hay sitio"). Adicionalmente, varias obras se encuentran en colecciones privadas en Peru, el Reino Unido, Estados Unidos y España.
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