Un programa de la Cámara de Comercio de Bogotá
Un programa cultural de:
Un programa de la Cámara de Comercio de Bogotá
Un programa cultural de:
Proponemos exhibir obras de nuestros artistas representados: Lorena Torres, Siu Vásquez, Tahuanty Jacanamijoy, Camila Barreto y Federico Ortegón.
En este grupo, predomina la pintura como medio para buscar la traducción de experiencias personales hacia representaciones, que puedan comunicarse o buscar reflejarse en el espectador. Así, Barreto explora la abstracción creando composiciones en las que el color y la forma se convierten en la manera de transmitir experiencias autobiográficas; Lorena investiga su propia identidad caribe desde la perspectiva de sus vivencias en situaciones específicas, creando pinturas figurativas, evocadoras y surreales. Las pinturas de Tahuanty, buscan la representación de la magia, la mística, la búsqueda de la identidad a través de la experiencia ritual, mostrando cuerpos que están en transformación, mezclando el animal con el humano y la planta. Por otro lado, Siu Vásquez utiliza la tecnología del telar vertical para indagar sobre lo pictórico, mezclando tintes naturales, pintura en acrílico y la trama del hilo, trabaja sobre las tensiones entre las representaciones contemporáneas y tradiciones indígenas de nuestro territorio. Juan Uribe, producirá una serie que responde a sus inquietudes sobre el mercado del arte, los modos de circulación del conocimiento y la instrumentalización de la práctica artística, y que estará en diálogo con la obra que le ha sido comisionada para ser exhibida en el MAMBO. Por último, Federico Ortegón propone un grupo de esculturas tituladas “Ventanas censuradas”, objetos entre la máquina y lo mobiliario, que continúan con su investigación sobre los imaginarios del habitar y de la construcción.
SGR Galería fue fundada en 2014, enfocándose principalmente en arte contemporáneo latinoamericano. Desde entonces ha trabajado de cerca con artistas jóvenes y emergentes buscando siempre empujar sus prácticas, tomando riesgos para estimular el surgimiento de exposiciones y proyectos que llevan a la evolución constante de su trabajo. Para la galería ha sido fundamental crecer de la mano de los artistas que representa, mostrando un compromiso determinado con el desarrollo de sus carreras.
Los artistas con los que SGR Galería ha trabajado a lo largo de estos años, se caracterizan por desarrollar obras rigurosas, con diferentes niveles de estrategias conceptuales. Ha logrado representar propuestas que abarcan un amplio espectro entre prácticas que son por un lado principalmente visuales y por otro principalmente conceptuales, pudiendo así ofrecer una perspectiva que da muestra de la diversidad y complejidad de los discursos artísticos que se producen desde Latinoamérica en la actualidad.
A través de su programa, SGR Galería ha logrado crear una sinergia entre los artistas, la galería, su público y los diversos agentes culturales y aliados con quienes colabora. Más que un espacio comercial, la galería es un espacio cultural desde donde se producen conversaciones relevantes en torno al arte contemporáneo en la región. Desde este lugar de diálogos y encuentros, se apunta a generar experiencias y conocimientos que produzcan bienestar y sanación en la sociedad.
Camila se enfrenta a la superficie pictórica con un compromiso claro con la solución de problemas de composición. Sus pinturas son un plano que le permite plasmar las memorias de su vivencia personal a través de formas y colores que van emergiendo desde un lugar profundo de su inconsciente. El proceso plástico se asemeja entonces en su práctica al ejercicio auto biográfico, las soluciones para su narración se vuelven claras dentro de la repetición del gesto, y podemos ver los movimientos de su cuerpo en el resultado del lienzo. En sus pinturas se entrevé claramente una dimensión ritual del gesto plástico. Mientras todo esto sucede en la superficie del cuadro, Camila no pierde la preocupación por logra una colocación armoniosa y completa de todos los elementos de la composición; logrando así crear totalidades a través de las formas abstractas con las que juega.
Camila se enfrenta a la superficie pictórica con un compromiso claro con la solución de problemas de composición. Sus pinturas son un plano que le permite plasmar las memorias de su vivencia personal a través de formas y colores que van emergiendo desde un lugar profundo de su inconsciente. El proceso plástico se asemeja entonces en su práctica al ejercicio auto biográfico, las soluciones para su narración se vuelven claras dentro de la repetición del gesto, y podemos ver los movimientos de su cuerpo en el resultado del lienzo. En sus pinturas se entrevé claramente una dimensión ritual del gesto plástico. Mientras todo esto sucede en la superficie del cuadro, Camila no pierde la preocupación por logra una colocación armoniosa y completa de todos los elementos de la composición; logrando así crear totalidades a través de las formas abstractas con las que juega.
Camila se enfrenta a la superficie pictórica con un compromiso claro con la solución de problemas de composición. Sus pinturas son un plano que le permite plasmar las memorias de su vivencia personal a través de formas y colores que van emergiendo desde un lugar profundo de su inconsciente. El proceso plástico se asemeja entonces en su práctica al ejercicio auto biográfico, las soluciones para su narración se vuelven claras dentro de la repetición del gesto, y podemos ver los movimientos de su cuerpo en el resultado del lienzo. En sus pinturas se entrevé claramente una dimensión ritual del gesto plástico. Mientras todo esto sucede en la superficie del cuadro, Camila no pierde la preocupación por logra una colocación armoniosa y completa de todos los elementos de la composición; logrando así crear totalidades a través de las formas abstractas con las que juega.
Las pinturas de Lorena Torres son narrativas y describen tanto una temporalidad y un ambiente específicos al Caribe colombiano, como un estado de ánimo de reposo y ocio. Una temática a la que se alude al interior de estas escenas, es la costumbre del chisme, las conversaciones susurradas, que a través de manos y orejas rojas aparece simbólicamente en la representación de los personajes que retozan en las pinturas. A través de elementos que se repiten como las polillas o los maizales, Lorena busca poner en evidencia ciclos de vida y de muerte, un tiempo ineluctable que se ciñe sobre la existencia de personas que parecen existir dentro de una cierta levedad que termina siendo ilusoria.
Las pinturas de Lorena Torres son narrativas y describen tanto una temporalidad y un ambiente específicos al Caribe colombiano, como un estado de ánimo de reposo y ocio. Una temática a la que se alude al interior de estas escenas, es la costumbre del chisme, las conversaciones susurradas, que a través de manos y orejas rojas aparece simbólicamente en la representación de los personajes que retozan en las pinturas. A través de elementos que se repiten como las polillas o los maizales, Lorena busca poner en evidencia ciclos de vida y de muerte, un tiempo ineluctable que se ciñe sobre la existencia de personas que parecen existir dentro de una cierta levedad que termina siendo ilusoria.
Las pinturas de Lorena Torres son narrativas y describen tanto una temporalidad y un ambiente específicos al Caribe colombiano, como un estado de ánimo de reposo y ocio. Una temática a la que se alude al interior de estas escenas, es la costumbre del chisme, las conversaciones susurradas, que a través de manos y orejas rojas aparece simbólicamente en la representación de los personajes que retozan en las pinturas. A través de elementos que se repiten como las polillas o los maizales, Lorena busca poner en evidencia ciclos de vida y de muerte, un tiempo ineluctable que se ciñe sobre la existencia de personas que parecen existir dentro de una cierta levedad que termina siendo ilusoria.
Su investigación se centra en la materialidad de la pintura, mediante la producción de tintes y soportes en tejeduría, entendidos como la formación de capas de color en la imagen. Encuentra un lenguaje pictórico propio que combina referencias prehispánicas, su identidad como mujer y la relación entre territorio y comunidad. Pintar me recuerda las montañas que se construyen capa por capa y deja ver los cambios que han ocurrido en mucho tiempo, en un orden aleatorio pero preciso. Sobre estas capas minerales se organizan raíces cruzadas, trenzadas y sueltas que recuerda lo textil, lo constante e implica un orden de tensiones. Mientras la pintura separa áreas lo textil da un soporte y me ha enseñado un oficio paralelo de una temporalidad opuesta a la de la pintura. La fusión entre lo textil y pictórico es tan antigua como la agricultura, lo mutable es la mirada. Pregunto a través de la pintura por una identidad, variable y relativa a los paisajes físicos, mentales, históricos o emocionales que habito siendo mujer. Habito la pintura como un estado y me permito explorar con su materialidad haciendo los pigmentos, soportes y acciones para declarar una incomodidad con la historia de la pintura académica según occidente, su fragmentación como área siendo una actividad tan antigua y el costo ambiental que implica, planteando fusiones entre las dos para hacer de la pintura un lugar habitable que me permita una voz propia.
Su investigación se centra en la materialidad de la pintura, mediante la producción de tintes y soportes en tejeduría, entendidos como la formación de capas de color en la imagen. Encuentra un lenguaje pictórico propio que combina referencias prehispánicas, su identidad como mujer y la relación entre territorio y comunidad. Pintar me recuerda las montañas que se construyen capa por capa y deja ver los cambios que han ocurrido en mucho tiempo, en un orden aleatorio pero preciso. Sobre estas capas minerales se organizan raíces cruzadas, trenzadas y sueltas que recuerda lo textil, lo constante e implica un orden de tensiones. Mientras la pintura separa áreas lo textil da un soporte y me ha enseñado un oficio paralelo de una temporalidad opuesta a la de la pintura. La fusión entre lo textil y pictórico es tan antigua como la agricultura, lo mutable es la mirada. Pregunto a través de la pintura por una identidad, variable y relativa a los paisajes físicos, mentales, históricos o emocionales que habito siendo mujer. Habito la pintura como un estado y me permito explorar con su materialidad haciendo los pigmentos, soportes y acciones para declarar una incomodidad con la historia de la pintura académica según occidente, su fragmentación como área siendo una actividad tan antigua y el costo ambiental que implica, planteando fusiones entre las dos para hacer de la pintura un lugar habitable que me permita una voz propia.
Su investigación se centra en la materialidad de la pintura, mediante la producción de tintes y soportes en tejeduría, entendidos como la formación de capas de color en la imagen. Encuentra un lenguaje pictórico propio que combina referencias prehispánicas, su identidad como mujer y la relación entre territorio y comunidad. Pintar me recuerda las montañas que se construyen capa por capa y deja ver los cambios que han ocurrido en mucho tiempo, en un orden aleatorio pero preciso. Sobre estas capas minerales se organizan raíces cruzadas, trenzadas y sueltas que recuerda lo textil, lo constante e implica un orden de tensiones. Mientras la pintura separa áreas lo textil da un soporte y me ha enseñado un oficio paralelo de una temporalidad opuesta a la de la pintura. La fusión entre lo textil y pictórico es tan antigua como la agricultura, lo mutable es la mirada. Pregunto a través de la pintura por una identidad, variable y relativa a los paisajes físicos, mentales, históricos o emocionales que habito siendo mujer. Habito la pintura como un estado y me permito explorar con su materialidad haciendo los pigmentos, soportes y acciones para declarar una incomodidad con la historia de la pintura académica según occidente, su fragmentación como área siendo una actividad tan antigua y el costo ambiental que implica, planteando fusiones entre las dos para hacer de la pintura un lugar habitable que me permita una voz propia.
La práctica artística de Tahuanty consiste en crear imágenes que funcionan como recordatorios de las enseñanzas dejadas por eventos traumáticos, generados por el simple hecho de existir o por caer en la existencia. Busca crear composiciones en las que arquetipos, símbolos, signos e ideas sirven de espejo y amplifican nuestras prácticas cotidianas, produciendo mitologías contemporáneas. Quiere activar el poder curativo de la imagen, permitiéndonos recordar las tecnologías ancestrales del cuerpo; le interesa crear imágenes que sirvan como recordatorios de los aprendizajes y las heridas que surgen en los momentos rituales: desde experiencias místicas hasta fiestas o carnavales. Su práctica surge desde la desobediencia al sistema patriarcal y nos invita a revisar ideas y conceptos coloniales como naturaleza, ser humano, animales, novedad, éxito, progreso, estética, cultura y tecnología. Valora el pensamiento amerindio ancestral, pero evita el exotismo y el paternalismo.
La práctica artística de Tahuanty consiste en crear imágenes que funcionan como recordatorios de las enseñanzas dejadas por eventos traumáticos, generados por el simple hecho de existir o por caer en la existencia. Busca crear composiciones en las que arquetipos, símbolos, signos e ideas sirven de espejo y amplifican nuestras prácticas cotidianas, produciendo mitologías contemporáneas. Quiere activar el poder curativo de la imagen, permitiéndonos recordar las tecnologías ancestrales del cuerpo; le interesa crear imágenes que sirvan como recordatorios de los aprendizajes y las heridas que surgen en los momentos rituales: desde experiencias místicas hasta fiestas o carnavales. Su práctica surge desde la desobediencia al sistema patriarcal y nos invita a revisar ideas y conceptos coloniales como naturaleza, ser humano, animales, novedad, éxito, progreso, estética, cultura y tecnología. Valora el pensamiento amerindio ancestral, pero evita el exotismo y el paternalismo.
La práctica artística de Tahuanty consiste en crear imágenes que funcionan como recordatorios de las enseñanzas dejadas por eventos traumáticos, generados por el simple hecho de existir o por caer en la existencia. Busca crear composiciones en las que arquetipos, símbolos, signos e ideas sirven de espejo y amplifican nuestras prácticas cotidianas, produciendo mitologías contemporáneas. Quiere activar el poder curativo de la imagen, permitiéndonos recordar las tecnologías ancestrales del cuerpo; le interesa crear imágenes que sirvan como recordatorios de los aprendizajes y las heridas que surgen en los momentos rituales: desde experiencias místicas hasta fiestas o carnavales. Su práctica surge desde la desobediencia al sistema patriarcal y nos invita a revisar ideas y conceptos coloniales como naturaleza, ser humano, animales, novedad, éxito, progreso, estética, cultura y tecnología. Valora el pensamiento amerindio ancestral, pero evita el exotismo y el paternalismo.
Nace en 1976 en la ciudad de Bogotá, Colombia. En 1994 inicia sus estudios en Arquitectura con la universidad Pontificia Bolivariana, Medellín, Colombia. En 2010 se traslada a Finlandia y estudia Bellas Artes en la universidad Finnish Academy of Fine Arts en Helsinki, y posteriormente realiza allí mismo una maestría de énfasis interdisciplinario. Entre sus varios reconocimientos, podemos destacar el primer premio en GPO Premio de fotografía, Barcelona (ESP) en 2004, y la Beca de creación internacional, Finnish Academy of Fine Arts, Helsinki (FI) en 2013. Su trabajo gira en torno a la problematización de los fenómenos socioculturales y se plantea como necesidades fundamentales la belleza y el análisis. Con la convicción de que el oficio del artista es una oportunidad para entender y participar en la construcción de una sociedad justa, ha trabajado sobre asuntos como los caballos de paso fino colombiano, las tierras envenenadas, las migraciones urbanas y la construcción entre otros. El resultado se presenta en formas diversas como el dibujo, el vídeo, el sonido y los objetos mecánicos o electrónicos, que abiertamente se juntan en una perspectiva escultórica.
Nace en 1976 en la ciudad de Bogotá, Colombia. En 1994 inicia sus estudios en Arquitectura con la universidad Pontificia Bolivariana, Medellín, Colombia. En 2010 se traslada a Finlandia y estudia Bellas Artes en la universidad Finnish Academy of Fine Arts en Helsinki, y posteriormente realiza allí mismo una maestría de énfasis interdisciplinario. Entre sus varios reconocimientos, podemos destacar el primer premio en GPO Premio de fotografía, Barcelona (ESP) en 2004, y la Beca de creación internacional, Finnish Academy of Fine Arts, Helsinki (FI) en 2013. Su trabajo gira en torno a la problematización de los fenómenos socioculturales y se plantea como necesidades fundamentales la belleza y el análisis. Con la convicción de que el oficio del artista es una oportunidad para entender y participar en la construcción de una sociedad justa, ha trabajado sobre asuntos como los caballos de paso fino colombiano, las tierras envenenadas, las migraciones urbanas y la construcción entre otros. El resultado se presenta en formas diversas como el dibujo, el vídeo, el sonido y los objetos mecánicos o electrónicos, que abiertamente se juntan en una perspectiva escultórica.
Nace en 1976 en la ciudad de Bogotá, Colombia. En 1994 inicia sus estudios en Arquitectura con la universidad Pontificia Bolivariana, Medellín, Colombia. En 2010 se traslada a Finlandia y estudia Bellas Artes en la universidad Finnish Academy of Fine Arts en Helsinki, y posteriormente realiza allí mismo una maestría de énfasis interdisciplinario. Entre sus varios reconocimientos, podemos destacar el primer premio en GPO Premio de fotografía, Barcelona (ESP) en 2004, y la Beca de creación internacional, Finnish Academy of Fine Arts, Helsinki (FI) en 2013. Su trabajo gira en torno a la problematización de los fenómenos socioculturales y se plantea como necesidades fundamentales la belleza y el análisis. Con la convicción de que el oficio del artista es una oportunidad para entender y participar en la construcción de una sociedad justa, ha trabajado sobre asuntos como los caballos de paso fino colombiano, las tierras envenenadas, las migraciones urbanas y la construcción entre otros. El resultado se presenta en formas diversas como el dibujo, el vídeo, el sonido y los objetos mecánicos o electrónicos, que abiertamente se juntan en una perspectiva escultórica.
