Un programa de la Cámara de Comercio de Bogotá
Un programa cultural de:
Un programa de la Cámara de Comercio de Bogotá
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Des-ocultamientos.
En “El origen de la obra de arte”, (1935) Martin Heidegger planteó una interpretación sobre lo que acontece por medio de su presencia. Su enfoque apunta a un evento, de des-ocultamiento, que revela una verdad subyacente. En la interacción triádica entre el artista creador, la obra de arte y un público receptor emerge, para el espectador atento, un nuevo campo significativo.
Atentos al planteamiento anterior, proponemos un grupo de artistas que exploran los ámbitos sensoriales, perceptuales, las dinámicas emotivas y espirituales, el mito y la historia del arte.
Diego Arango (España) se estableció en Palma de Mallorca hace más de 40 años; allí su obra, poblada de casas campesinas, jaguares y chamanes, se enriqueció en el cruce con la vivencia del Mediterráneo. Pintura de signos pictóricos básicos e icónicos, permitieron al artista fusionar sus raíces colombianas con el espacio cuna de la civilización occidental.
Bilal Chahal (Holanda) y Juliana Correa (Colombia) abordan la afectividad como experiencia subyacente. ‘Emotional Abuse’ de Chahal, atiende, en textos sobre esferas cerámicas, la dominación afectiva. La obra textil de Correa explora los efectos de la acción humana sobre la naturaleza.
Los dibujos abstractos de Ramón Laserna enfatizan el carácter procesual de su acción, los efectos neuronales de la visión, en una re-lectura actual del dibujo.
Andrej Savski, integrante del grupo eslavo IRWIN, presenta una serie de obras al óleo que atienden, con ironía y humor, el campo de la representación, jugando con la sobreposición de elementos pictóricos de diversos momentos históricos.
La Balsa Arte comenzó actividades en el 2014 en Bogotá. Se planteó como objetivo representar, promover y exponer la obra de artistas nacionales, colombianos residentes en el exterior y artistas internacionales cuyo trabajo reflejara procesos de investigación en problemáticas contemporáneas. Considerando que el campo de la plástica es una herramienta potente para pensar, confrontar o reinterpretar las relaciones de un mundo globalizado, La Balsa Arte se ha enfocado mantener una conversación estrecha con artistas de varias generaciones. La investigación en arte se refiere al emprendimiento de cualquier actividad sistemática cuyo objetivo es ampliar las fronteras de comprensión y conocimiento, tanto estéticas como en las ciencias sociales, las relaciones entre cultura y sociedad, historia desarrollo del mundo actual.
En sus años de actividad, ha patrocinado la participación de sus artistas en ferias, intercambios culturales, residencias y apoyo logístico para producción, desde sus sedes en Bogotá y Medellín.
El movimiento más cercano a la obra de Ramón Laserna es la abstracción. Sin embargo, su obra recoge elementos visuales de otras tendencias como el arte cinético latinoamericano, la fotografía urbana y de paisajes netamente colombianos, o los tejidos de indígenas de la Guajira, Colombia. Entre dibujo, tejido y pintura, su obra tiende a ser incluyente, alimentándose de múltiples fuentes, incorporando la abstracción moderna de figuras como Agnes Martin y otros. En este sentido, la renovación de la abstracción fue denominada con el nombre de ‘conceptual’ por algunos críticos que quisieron identificar una tendencia que, al alejarse del formalismo puro norteamericano, admitían la inclusión de nuevas narrativas en su obra, incorporando referencias y apropiación, juegos de ilusión visual y diferentes signos. En este sentido, la nueva abstracción es incluyente y no se limita al buscar el contenido estricto, puro e intelectual de la naturaleza de un concepto. Con sus dibujos meticulosos de líneas, Laserna logra gran diversidad en su conjunto de obras. Mediante pequeños cambios en el ángulo de unos planos, produce los fenómenos visuales de vibración, movimiento, o moaré (ondas de agua). Las diferentes sensaciones se producen con la exploración metódica de formatos, logrando un conjunto de variaciones dentro de un estilo formal depurado. En su obra reciente, las líneas se aplican como tejido sobre marcos de lona donde hay una huella pre-existente en la forma de un cuadrado o un rectángulo pintado. De manera especial, con la pintura y el tejido se abre un universo interesante en la exploración de la abstracción contemporánea.
El movimiento más cercano a la obra de Ramón Laserna es la abstracción. Sin embargo, su obra recoge elementos visuales de otras tendencias como el arte cinético latinoamericano, la fotografía urbana y de paisajes netamente colombianos, o los tejidos de indígenas de la Guajira, Colombia. Entre dibujo, tejido y pintura, su obra tiende a ser incluyente, alimentándose de múltiples fuentes, incorporando la abstracción moderna de figuras como Agnes Martin y otros. En este sentido, la renovación de la abstracción fue denominada con el nombre de ‘conceptual’ por algunos críticos que quisieron identificar una tendencia que, al alejarse del formalismo puro norteamericano, admitían la inclusión de nuevas narrativas en su obra, incorporando referencias y apropiación, juegos de ilusión visual y diferentes signos. En este sentido, la nueva abstracción es incluyente y no se limita al buscar el contenido estricto, puro e intelectual de la naturaleza de un concepto. Con sus dibujos meticulosos de líneas, Laserna logra gran diversidad en su conjunto de obras. Mediante pequeños cambios en el ángulo de unos planos, produce los fenómenos visuales de vibración, movimiento, o moaré (ondas de agua). Las diferentes sensaciones se producen con la exploración metódica de formatos, logrando un conjunto de variaciones dentro de un estilo formal depurado. En su obra reciente, las líneas se aplican como tejido sobre marcos de lona donde hay una huella pre-existente en la forma de un cuadrado o un rectángulo pintado. De manera especial, con la pintura y el tejido se abre un universo interesante en la exploración de la abstracción contemporánea.
El movimiento más cercano a la obra de Ramón Laserna es la abstracción. Sin embargo, su obra recoge elementos visuales de otras tendencias como el arte cinético latinoamericano, la fotografía urbana y de paisajes netamente colombianos, o los tejidos de indígenas de la Guajira, Colombia. Entre dibujo, tejido y pintura, su obra tiende a ser incluyente, alimentándose de múltiples fuentes, incorporando la abstracción moderna de figuras como Agnes Martin y otros. En este sentido, la renovación de la abstracción fue denominada con el nombre de ‘conceptual’ por algunos críticos que quisieron identificar una tendencia que, al alejarse del formalismo puro norteamericano, admitían la inclusión de nuevas narrativas en su obra, incorporando referencias y apropiación, juegos de ilusión visual y diferentes signos. En este sentido, la nueva abstracción es incluyente y no se limita al buscar el contenido estricto, puro e intelectual de la naturaleza de un concepto. Con sus dibujos meticulosos de líneas, Laserna logra gran diversidad en su conjunto de obras. Mediante pequeños cambios en el ángulo de unos planos, produce los fenómenos visuales de vibración, movimiento, o moaré (ondas de agua). Las diferentes sensaciones se producen con la exploración metódica de formatos, logrando un conjunto de variaciones dentro de un estilo formal depurado. En su obra reciente, las líneas se aplican como tejido sobre marcos de lona donde hay una huella pre-existente en la forma de un cuadrado o un rectángulo pintado. De manera especial, con la pintura y el tejido se abre un universo interesante en la exploración de la abstracción contemporánea.
Después de muchos años de experiencia en el mundo de los textiles y en la industria de la moda, Juliana Correa obedeció al impulso radical de dedicarse por completo a la producción artística. Con el paso del tiempo, se cuestionó sobre las cantidades enormes de desperdicio que genera la industria de la confección y su contaminación residual. Mientras estudiaba el tema de reciclaje, pensaba en los materiales únicos que había coleccionado por tanto tiempo. Este fue su inicio: intervenir aquellas piezas preciosas, cuidadosamente seleccionadas y guardadas por años. Su obra encaja perfectamente en el paradigma de Degrowth, movimiento iniciado a principios del siglo XXI, como una reacción hacia el concepto de crecimiento ilimitado, por el filósofo social André Gorz. Su concepto central es que la medición de producto interno bruto no significa realmente una evolución beneficiosa de la economía, al no medir el consumo de recursos, los efectos de explotación de recursos sobre la biodiversidad, la salud o la educación, entre otros factores significativos para el bienestar de la sociedad y del planeta. Las sociedades sí pueden renunciar a determinado tipo de ‘crecimiento’ al emplear sus recursos sabiamente, enfocándose sobre otros parámetros de sostenibilidad social y objetivos para la ecología planetaria. Su primera exhibición en La Balsa Arte, ‘MaldeTierra’, afirmó la riqueza de expresión que Correa ha alcanzado con sus composiciones textiles, compuestas por materiales reciclados. Haciendo uso de tramas, transparencias y de la levedad que permite que sus obras floten fuera de un marco, la obra se complejiza con imágenes que siguieren territorios, o fotografías aéreas. Un sistemas de notación repetitiva, como cruces que se repiten sobre un fondo que parece deshacerse, los rotos, manchas, desgastes de la tela y todo la memoria contenida en el material son detonantes de esta obra minuciosa y rica en metáforas visuales. Las mujeres artistas de la Bauhaus iniciaron una tendencia textil que tuvo su máxima exponente en Anni Albers, reconociéndose hoy el arte textil como una tendencia importante en el arte contemporáneo y no una actividad exclusiva del campo del diseño. Sin embargo, el énfasis de Correa en la producción de piezas únicas, lejos de todo tema industrial la pone en un primer plano con un grupo de artistas que, reconociendo los procesos de abstracción han dado un vuelco fuerte hacia el valor simbólico y político-cultural que subyace en el arte textil actual haciendo de este un lenguaje potente para repensar la contemporaneidad.
Después de muchos años de experiencia en el mundo de los textiles y en la industria de la moda, Juliana Correa obedeció al impulso radical de dedicarse por completo a la producción artística. Con el paso del tiempo, se cuestionó sobre las cantidades enormes de desperdicio que genera la industria de la confección y su contaminación residual. Mientras estudiaba el tema de reciclaje, pensaba en los materiales únicos que había coleccionado por tanto tiempo. Este fue su inicio: intervenir aquellas piezas preciosas, cuidadosamente seleccionadas y guardadas por años. Su obra encaja perfectamente en el paradigma de Degrowth, movimiento iniciado a principios del siglo XXI, como una reacción hacia el concepto de crecimiento ilimitado, por el filósofo social André Gorz. Su concepto central es que la medición de producto interno bruto no significa realmente una evolución beneficiosa de la economía, al no medir el consumo de recursos, los efectos de explotación de recursos sobre la biodiversidad, la salud o la educación, entre otros factores significativos para el bienestar de la sociedad y del planeta. Las sociedades sí pueden renunciar a determinado tipo de ‘crecimiento’ al emplear sus recursos sabiamente, enfocándose sobre otros parámetros de sostenibilidad social y objetivos para la ecología planetaria. Su primera exhibición en La Balsa Arte, ‘MaldeTierra’, afirmó la riqueza de expresión que Correa ha alcanzado con sus composiciones textiles, compuestas por materiales reciclados. Haciendo uso de tramas, transparencias y de la levedad que permite que sus obras floten fuera de un marco, la obra se complejiza con imágenes que siguieren territorios, o fotografías aéreas. Un sistemas de notación repetitiva, como cruces que se repiten sobre un fondo que parece deshacerse, los rotos, manchas, desgastes de la tela y todo la memoria contenida en el material son detonantes de esta obra minuciosa y rica en metáforas visuales. Las mujeres artistas de la Bauhaus iniciaron una tendencia textil que tuvo su máxima exponente en Anni Albers, reconociéndose hoy el arte textil como una tendencia importante en el arte contemporáneo y no una actividad exclusiva del campo del diseño. Sin embargo, el énfasis de Correa en la producción de piezas únicas, lejos de todo tema industrial la pone en un primer plano con un grupo de artistas que, reconociendo los procesos de abstracción han dado un vuelco fuerte hacia el valor simbólico y político-cultural que subyace en el arte textil actual haciendo de este un lenguaje potente para repensar la contemporaneidad.
Después de muchos años de experiencia en el mundo de los textiles y en la industria de la moda, Juliana Correa obedeció al impulso radical de dedicarse por completo a la producción artística. Con el paso del tiempo, se cuestionó sobre las cantidades enormes de desperdicio que genera la industria de la confección y su contaminación residual. Mientras estudiaba el tema de reciclaje, pensaba en los materiales únicos que había coleccionado por tanto tiempo. Este fue su inicio: intervenir aquellas piezas preciosas, cuidadosamente seleccionadas y guardadas por años. Su obra encaja perfectamente en el paradigma de Degrowth, movimiento iniciado a principios del siglo XXI, como una reacción hacia el concepto de crecimiento ilimitado, por el filósofo social André Gorz. Su concepto central es que la medición de producto interno bruto no significa realmente una evolución beneficiosa de la economía, al no medir el consumo de recursos, los efectos de explotación de recursos sobre la biodiversidad, la salud o la educación, entre otros factores significativos para el bienestar de la sociedad y del planeta. Las sociedades sí pueden renunciar a determinado tipo de ‘crecimiento’ al emplear sus recursos sabiamente, enfocándose sobre otros parámetros de sostenibilidad social y objetivos para la ecología planetaria. Su primera exhibición en La Balsa Arte, ‘MaldeTierra’, afirmó la riqueza de expresión que Correa ha alcanzado con sus composiciones textiles, compuestas por materiales reciclados. Haciendo uso de tramas, transparencias y de la levedad que permite que sus obras floten fuera de un marco, la obra se complejiza con imágenes que siguieren territorios, o fotografías aéreas. Un sistemas de notación repetitiva, como cruces que se repiten sobre un fondo que parece deshacerse, los rotos, manchas, desgastes de la tela y todo la memoria contenida en el material son detonantes de esta obra minuciosa y rica en metáforas visuales. Las mujeres artistas de la Bauhaus iniciaron una tendencia textil que tuvo su máxima exponente en Anni Albers, reconociéndose hoy el arte textil como una tendencia importante en el arte contemporáneo y no una actividad exclusiva del campo del diseño. Sin embargo, el énfasis de Correa en la producción de piezas únicas, lejos de todo tema industrial la pone en un primer plano con un grupo de artistas que, reconociendo los procesos de abstracción han dado un vuelco fuerte hacia el valor simbólico y político-cultural que subyace en el arte textil actual haciendo de este un lenguaje potente para repensar la contemporaneidad.
Bilal Chahal nació en el Líbano y vivió durante varios años en la isla caribeña de Aruba. Como migrante, navegando entre diferentes culturas, sus obras transitan por el difícil terreno entre una historia personal y la experiencia descentrada de la diáspora; la identidad y la comunicación humana están en el centro de su obra. En él aborda la cuestión del afecto, la pertenencia y la identidad desde diferentes perspectivas, produciendo su obra en un rico espectro de técnicas y materiales. Desde sus primeras pinturas, que partían de la cuestión de la materialidad, el color y la abstracción, sus instalaciones, esculturas y pinturas actuales involucran otras cuestiones sociales que incluyen la tensión del afecto personal y la sumisión o el abuso emocional, o el lenguaje que caracteriza los rasgos individuales asociados con dicotomías prototípicas. Sus obras mantienen un equilibrio entre el juego conceptual con el lenguaje, la forma y el color. Los proyectos recientes realizados entre 2019 y 2023 incluyen la instalación en curso llamada 'STOER' (2022), que significa 'duro', que reflexiona sobre el género y la identidad. Las esculturas de palabras, pintadas en rosa brillante, se exhiben en el espacio público donde sirven para subrayar con humor mensajes opuestos, generando así conciencia de las diferentes afiliaciones sociales. A partir de su residencia en China, Chahal desarrolló un interés por la cerámica, que ha sido el soporte material de diversas instalaciones. El proyecto de 2021 titulado ‘Abuso emocional’ que se exhibió en el Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO), llama la atención sobre los problemas de salud mental causados por desequilibrios en la cercanía personal y aborda el problema común del lenguaje abusivo o manipulador en los intercambios personales. El trabajo pide una comprensión de la individualidad, los límites, el reconocimiento y la conciencia. Otras obras incluyen 'Abacus - Variaciones sobre un tema' una obra que por su naturaleza recuerda el paso del tiempo, así como el trabajo de contar, determinar cambios en cantidad, cantidad o simplemente el conteo meditativo de cuentas tan presente en muchas culturas. El artista, que se unió a la Balsa en 2017, es un profesional dedicado cuya investigación lo ha llevado a producir continuamente y en direcciones ricas. su trabajo ha crecido temática y conceptualmente, incorporando ideas y materiales nuevos e interesantes a su trabajo anterior, en su mayoría abstracto. En 2018, cuando abrimos nuestra galería en Medellín, optamos por exhibir su obra en colaboración con la compositora Adriana Restrepo. El resultado, titulado '20/20K Hertz', fue una presentación innovadora y vigorosa que incorporó pintura, música, interpretación y escultura.
Bilal Chahal nació en el Líbano y vivió durante varios años en la isla caribeña de Aruba. Como migrante, navegando entre diferentes culturas, sus obras transitan por el difícil terreno entre una historia personal y la experiencia descentrada de la diáspora; la identidad y la comunicación humana están en el centro de su obra. En él aborda la cuestión del afecto, la pertenencia y la identidad desde diferentes perspectivas, produciendo su obra en un rico espectro de técnicas y materiales. Desde sus primeras pinturas, que partían de la cuestión de la materialidad, el color y la abstracción, sus instalaciones, esculturas y pinturas actuales involucran otras cuestiones sociales que incluyen la tensión del afecto personal y la sumisión o el abuso emocional, o el lenguaje que caracteriza los rasgos individuales asociados con dicotomías prototípicas. Sus obras mantienen un equilibrio entre el juego conceptual con el lenguaje, la forma y el color. Los proyectos recientes realizados entre 2019 y 2023 incluyen la instalación en curso llamada 'STOER' (2022), que significa 'duro', que reflexiona sobre el género y la identidad. Las esculturas de palabras, pintadas en rosa brillante, se exhiben en el espacio público donde sirven para subrayar con humor mensajes opuestos, generando así conciencia de las diferentes afiliaciones sociales. A partir de su residencia en China, Chahal desarrolló un interés por la cerámica, que ha sido el soporte material de diversas instalaciones. El proyecto de 2021 titulado ‘Abuso emocional’ que se exhibió en el Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO), llama la atención sobre los problemas de salud mental causados por desequilibrios en la cercanía personal y aborda el problema común del lenguaje abusivo o manipulador en los intercambios personales. El trabajo pide una comprensión de la individualidad, los límites, el reconocimiento y la conciencia. Otras obras incluyen 'Abacus - Variaciones sobre un tema' una obra que por su naturaleza recuerda el paso del tiempo, así como el trabajo de contar, determinar cambios en cantidad, cantidad o simplemente el conteo meditativo de cuentas tan presente en muchas culturas. El artista, que se unió a la Balsa en 2017, es un profesional dedicado cuya investigación lo ha llevado a producir continuamente y en direcciones ricas. su trabajo ha crecido temática y conceptualmente, incorporando ideas y materiales nuevos e interesantes a su trabajo anterior, en su mayoría abstracto. En 2018, cuando abrimos nuestra galería en Medellín, optamos por exhibir su obra en colaboración con la compositora Adriana Restrepo. El resultado, titulado '20/20K Hertz', fue una presentación innovadora y vigorosa que incorporó pintura, música, interpretación y escultura.
Bilal Chahal nació en el Líbano y vivió durante varios años en la isla caribeña de Aruba. Como migrante, navegando entre diferentes culturas, sus obras transitan por el difícil terreno entre una historia personal y la experiencia descentrada de la diáspora; la identidad y la comunicación humana están en el centro de su obra. En él aborda la cuestión del afecto, la pertenencia y la identidad desde diferentes perspectivas, produciendo su obra en un rico espectro de técnicas y materiales. Desde sus primeras pinturas, que partían de la cuestión de la materialidad, el color y la abstracción, sus instalaciones, esculturas y pinturas actuales involucran otras cuestiones sociales que incluyen la tensión del afecto personal y la sumisión o el abuso emocional, o el lenguaje que caracteriza los rasgos individuales asociados con dicotomías prototípicas. Sus obras mantienen un equilibrio entre el juego conceptual con el lenguaje, la forma y el color. Los proyectos recientes realizados entre 2019 y 2023 incluyen la instalación en curso llamada 'STOER' (2022), que significa 'duro', que reflexiona sobre el género y la identidad. Las esculturas de palabras, pintadas en rosa brillante, se exhiben en el espacio público donde sirven para subrayar con humor mensajes opuestos, generando así conciencia de las diferentes afiliaciones sociales. A partir de su residencia en China, Chahal desarrolló un interés por la cerámica, que ha sido el soporte material de diversas instalaciones. El proyecto de 2021 titulado ‘Abuso emocional’ que se exhibió en el Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO), llama la atención sobre los problemas de salud mental causados por desequilibrios en la cercanía personal y aborda el problema común del lenguaje abusivo o manipulador en los intercambios personales. El trabajo pide una comprensión de la individualidad, los límites, el reconocimiento y la conciencia. Otras obras incluyen 'Abacus - Variaciones sobre un tema' una obra que por su naturaleza recuerda el paso del tiempo, así como el trabajo de contar, determinar cambios en cantidad, cantidad o simplemente el conteo meditativo de cuentas tan presente en muchas culturas. El artista, que se unió a la Balsa en 2017, es un profesional dedicado cuya investigación lo ha llevado a producir continuamente y en direcciones ricas. su trabajo ha crecido temática y conceptualmente, incorporando ideas y materiales nuevos e interesantes a su trabajo anterior, en su mayoría abstracto. En 2018, cuando abrimos nuestra galería en Medellín, optamos por exhibir su obra en colaboración con la compositora Adriana Restrepo. El resultado, titulado '20/20K Hertz', fue una presentación innovadora y vigorosa que incorporó pintura, música, interpretación y escultura.
Egresado de arquitectura de la Universidad Nacional sede Medellín, en la que más adelante ejerció como profesor del departamento de artes. Realizó estudios de grabado en la Universidad Complutense de Madrid. Hace más de 40 años se radicó en Palma de Mallorca, un territorio que ha matizado su obra, no solo desde el colorido mediterráneo, sino también desde la vida simple, el mar, el sol y el espíritu libre y multicultural que allí se respira. Con sus pinturas ha participado en ferias y bienales a nivel internacional como ARCO Madrid (1998), la 7 Bienal de La Habana (2007). En los últimos años se destacan: la exposición individual Camino en la galería La Balsa, Medellín (2023), la exposición individaul Ires y venires en el MAJA (Museo de Antropología y Arte) Jericó (2022) y la exposición individual El nido que alimenta en el Museo de Arte de Caldas en Manizales (2021).
Egresado de arquitectura de la Universidad Nacional sede Medellín, en la que más adelante ejerció como profesor del departamento de artes. Realizó estudios de grabado en la Universidad Complutense de Madrid. Hace más de 40 años se radicó en Palma de Mallorca, un territorio que ha matizado su obra, no solo desde el colorido mediterráneo, sino también desde la vida simple, el mar, el sol y el espíritu libre y multicultural que allí se respira. Con sus pinturas ha participado en ferias y bienales a nivel internacional como ARCO Madrid (1998), la 7 Bienal de La Habana (2007). En los últimos años se destacan: la exposición individual Camino en la galería La Balsa, Medellín (2023), la exposición individaul Ires y venires en el MAJA (Museo de Antropología y Arte) Jericó (2022) y la exposición individual El nido que alimenta en el Museo de Arte de Caldas en Manizales (2021).
Egresado de arquitectura de la Universidad Nacional sede Medellín, en la que más adelante ejerció como profesor del departamento de artes. Realizó estudios de grabado en la Universidad Complutense de Madrid. Hace más de 40 años se radicó en Palma de Mallorca, un territorio que ha matizado su obra, no solo desde el colorido mediterráneo, sino también desde la vida simple, el mar, el sol y el espíritu libre y multicultural que allí se respira. Con sus pinturas ha participado en ferias y bienales a nivel internacional como ARCO Madrid (1998), la 7 Bienal de La Habana (2007). En los últimos años se destacan: la exposición individual Camino en la galería La Balsa, Medellín (2023), la exposición individaul Ires y venires en el MAJA (Museo de Antropología y Arte) Jericó (2022) y la exposición individual El nido que alimenta en el Museo de Arte de Caldas en Manizales (2021).
Artista visual, nacido en 1961 en Liubliana, Eslovenia. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Liubliana. Miembro fundador del colectivo de artistas IRWIN, un grupo de 5 pintores de Eslovenia, activos en el campo del arte contemporáneo desde 1983 y miembro fundador de NSK (Neue Slowenische Kunst, 1984). IRWIN está comprometido con el llamado "principio retro", que "no es un estilo o una tendencia artística, sino un principio de pensamiento, una forma de comportarse y actuar"(IRWIN) El grupo se ha centrado desde los noventa en un examen crítico de la historia del arte del "Modernismo occidental", contraponiéndolo a la "retrovanguardia" de un ficticio "Modernismo oriental" que, en su propia y evidente artificialidad, señala la artificialidad de las estructuras históricas del arte occidental que siguen excluyendo el arte contemporáneo no occidental hasta nuestros días. Con su práctica artística han intervenido activa y concretamente en actividades sociales es históricas en una década que redefinió el estatus del arte en Europa del Este (proyectos Kapital, NSK Embassy Moscow, Transnacionala, East Art Map). Durante los últimos 40 años, IRWIN ha realizado más de 500 exposiciones en todo el mundo, y probablemente es el colectivo de artes visuales más antiguo aún en activo. sus obras forman parte de las colecciones del Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig (MUMOK) de Viena, el MOMA de Nueva York, la Neue Galerie de Graz, el Museo de Arte Contemporáneo de Zagreb, la Moderna Galerija de Liubliana, el Museo Flash Art de Trevi, el Fonds National des Arts Plastiques de París, el Museum Ludwig de Aquisgrán, el Museum Ludwig de Budapest, el Museum Ludwig de Moscú y el Fonds National des Arts Plastiques de París. Entre otros. En 2020, durante la pandemia, Andrej, comenzó a trabajar en un conjunto de pinturas que diferían ligeramente del trabajo que realiza en IRWIN, principalmente porque estás pinturas son más personales y siguen un lenguaje visual un poco diferente. El encierro intensificó esta producción tanto conceptual como formalmente. Y sin bien los cuadros pueden entenderse como una respuesta artística a la experiencia de la pandemia, están muy relacionados con la práctica de la pintura. Algunas de las obras se inspiran en acontecimientos y tendencias sociopolíticas reales, mientras que otras giran alrededor de acontecimientos e influencias del pasado que lo marcaron a él y a su generación.
Artista visual, nacido en 1961 en Liubliana, Eslovenia. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Liubliana. Miembro fundador del colectivo de artistas IRWIN, un grupo de 5 pintores de Eslovenia, activos en el campo del arte contemporáneo desde 1983 y miembro fundador de NSK (Neue Slowenische Kunst, 1984). IRWIN está comprometido con el llamado "principio retro", que "no es un estilo o una tendencia artística, sino un principio de pensamiento, una forma de comportarse y actuar"(IRWIN) El grupo se ha centrado desde los noventa en un examen crítico de la historia del arte del "Modernismo occidental", contraponiéndolo a la "retrovanguardia" de un ficticio "Modernismo oriental" que, en su propia y evidente artificialidad, señala la artificialidad de las estructuras históricas del arte occidental que siguen excluyendo el arte contemporáneo no occidental hasta nuestros días. Con su práctica artística han intervenido activa y concretamente en actividades sociales es históricas en una década que redefinió el estatus del arte en Europa del Este (proyectos Kapital, NSK Embassy Moscow, Transnacionala, East Art Map). Durante los últimos 40 años, IRWIN ha realizado más de 500 exposiciones en todo el mundo, y probablemente es el colectivo de artes visuales más antiguo aún en activo. sus obras forman parte de las colecciones del Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig (MUMOK) de Viena, el MOMA de Nueva York, la Neue Galerie de Graz, el Museo de Arte Contemporáneo de Zagreb, la Moderna Galerija de Liubliana, el Museo Flash Art de Trevi, el Fonds National des Arts Plastiques de París, el Museum Ludwig de Aquisgrán, el Museum Ludwig de Budapest, el Museum Ludwig de Moscú y el Fonds National des Arts Plastiques de París. Entre otros. En 2020, durante la pandemia, Andrej, comenzó a trabajar en un conjunto de pinturas que diferían ligeramente del trabajo que realiza en IRWIN, principalmente porque estás pinturas son más personales y siguen un lenguaje visual un poco diferente. El encierro intensificó esta producción tanto conceptual como formalmente. Y sin bien los cuadros pueden entenderse como una respuesta artística a la experiencia de la pandemia, están muy relacionados con la práctica de la pintura. Algunas de las obras se inspiran en acontecimientos y tendencias sociopolíticas reales, mientras que otras giran alrededor de acontecimientos e influencias del pasado que lo marcaron a él y a su generación.
Artista visual, nacido en 1961 en Liubliana, Eslovenia. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Liubliana. Miembro fundador del colectivo de artistas IRWIN, un grupo de 5 pintores de Eslovenia, activos en el campo del arte contemporáneo desde 1983 y miembro fundador de NSK (Neue Slowenische Kunst, 1984). IRWIN está comprometido con el llamado "principio retro", que "no es un estilo o una tendencia artística, sino un principio de pensamiento, una forma de comportarse y actuar"(IRWIN) El grupo se ha centrado desde los noventa en un examen crítico de la historia del arte del "Modernismo occidental", contraponiéndolo a la "retrovanguardia" de un ficticio "Modernismo oriental" que, en su propia y evidente artificialidad, señala la artificialidad de las estructuras históricas del arte occidental que siguen excluyendo el arte contemporáneo no occidental hasta nuestros días. Con su práctica artística han intervenido activa y concretamente en actividades sociales es históricas en una década que redefinió el estatus del arte en Europa del Este (proyectos Kapital, NSK Embassy Moscow, Transnacionala, East Art Map). Durante los últimos 40 años, IRWIN ha realizado más de 500 exposiciones en todo el mundo, y probablemente es el colectivo de artes visuales más antiguo aún en activo. sus obras forman parte de las colecciones del Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig (MUMOK) de Viena, el MOMA de Nueva York, la Neue Galerie de Graz, el Museo de Arte Contemporáneo de Zagreb, la Moderna Galerija de Liubliana, el Museo Flash Art de Trevi, el Fonds National des Arts Plastiques de París, el Museum Ludwig de Aquisgrán, el Museum Ludwig de Budapest, el Museum Ludwig de Moscú y el Fonds National des Arts Plastiques de París. Entre otros. En 2020, durante la pandemia, Andrej, comenzó a trabajar en un conjunto de pinturas que diferían ligeramente del trabajo que realiza en IRWIN, principalmente porque estás pinturas son más personales y siguen un lenguaje visual un poco diferente. El encierro intensificó esta producción tanto conceptual como formalmente. Y sin bien los cuadros pueden entenderse como una respuesta artística a la experiencia de la pandemia, están muy relacionados con la práctica de la pintura. Algunas de las obras se inspiran en acontecimientos y tendencias sociopolíticas reales, mientras que otras giran alrededor de acontecimientos e influencias del pasado que lo marcaron a él y a su generación.
